Schauspielkunst - Acting

Französische Bühnen- und frühe Filmschauspielerin Sarah Bernhardt als Hamlet

Schauspieler in Samurai und Ronin Kostüm an der Kyoto Eigamura Filmset

Schauspielerei ist eine Tätigkeit, bei der eine Geschichte durch ihre Inszenierung von einem Schauspieler oder einer Schauspielerin erzählt wird, die eine Figur annimmt – im Theater , Fernsehen , Film , Radio oder jedem anderen Medium, das den mimetischen Modus verwendet .

Die Schauspielerei erfordert ein breites Spektrum an Fähigkeiten, einschließlich einer gut entwickelten Vorstellungskraft , emotionalen Fähigkeiten, körperlicher Ausdrucksfähigkeit, stimmlicher Projektion , klarer Sprache und der Fähigkeit, Dramen zu interpretieren . Schauspielerei erfordert auch die Fähigkeit, Dialekte , Akzente , Improvisation , Beobachtung und Nachahmung, Pantomime und Bühnenkampf einzusetzen . Viele Schauspieler trainieren lange in Fachprogrammen oder Hochschulen, um diese Fähigkeiten zu entwickeln. Die überwiegende Mehrheit der professionellen Schauspieler hat eine umfangreiche Ausbildung durchlaufen. Schauspieler und Schauspielerinnen haben oft viele Ausbilder und Lehrer für eine umfassende Ausbildung, die Gesang , Szenenarbeit, Vorsingen und Schauspielerei für die Kamera umfasst .

Die meisten frühen Quellen im Westen , die die untersuchen Kunst des Handelns ( griechisch : ὑπόκρισις , hypokrisis ) diskutieren sie als Teil der Rhetorik .

Geschichte

Einer der ersten bekannten Schauspieler war ein alter Grieche namens Thespis von Ikaria in Athen . Zwei Jahrhunderte nach dem Ereignis schrieb Aristoteles in seiner Poetik ( ca.  335 v . Chr. ), dass Thespis aus dem dithyrambischen Chor heraustrat und ihn als separate Figur ansprach . Vor Thespis erzählte der Chor (zum Beispiel "Dionysos tat dies, Dionysos sagte das"). Als Thespis aus dem Chor heraustrat, sprach er, als wäre er die Figur (zum Beispiel "Ich bin Dionysos, ich habe das gemacht"). Zur Unterscheidung zwischen den verschiedenen Modi des Erzählens Nachstellung und Narration-Aristoteles verwendet die Begriffe „ Mimesis “ (über enactment) und „ Diegese “ (via Erzählung). Vom Namen Thespis leitet sich das Wort "Thespian" ab.

Ausbildung

Mitglieder des Ersten Studios, mit denen Stanislavski begann, sein "System" der Schauspielerausbildung zu entwickeln , das die Grundlage für die meisten professionellen Ausbildungen im Westen bildet .

Konservatorien und Schauspielschulen bieten in der Regel eine zwei- bis vierjährige Ausbildung zu allen Aspekten der Schauspielerei an. Universitäten bieten meist drei- bis vierjährige Studiengänge an, in denen ein Studierender oft die Möglichkeit hat, sich auf das Schauspiel zu konzentrieren und gleichzeitig andere Aspekte des Theaters zu erlernen . Schulen unterscheiden sich in ihrem Ansatz, aber in Nordamerika leitet sich die beliebteste Methode, die gelehrt wird, vom "System" von Konstantin Stanislavski ab , das in Amerika als Method Acting von Lee Strasberg , Stella Adler , Sanford Meisner und anderen entwickelt und populär gemacht wurde .

Andere Ansätze können eine stärker physisch orientierte Orientierung beinhalten, wie sie von so unterschiedlichen Theaterpraktikern wie Anne Bogart , Jacques Lecoq , Jerzy Grotowski oder Vsevolod Meyerhold gefördert wird . Der Unterricht kann auch Psychotechnik , Maskenarbeit , Körpertheater , Improvisation und Schauspiel für die Kamera umfassen.

Unabhängig von der Herangehensweise einer Schule sollten die Schüler ein intensives Training in Textinterpretation, Stimme und Bewegung erwarten. Bewerbungen für Schauspielprogramme und Konservatorien beinhalten in der Regel umfangreiche Vorsingen . Bewerben kann sich in der Regel jeder über 18 Jahre. Die Ausbildung kann auch in sehr jungen Jahren beginnen. Schauspielklassen und Berufsschulen für unter 18-Jährige sind weit verbreitet. Diese Kurse führen junge Schauspieler in verschiedene Aspekte von Schauspiel und Theater ein, einschließlich des Szenenstudiums.

Verstärktes Training und öffentliches Sprechen ermöglichen es Menschen, physiologisch ruhiger und entspannter zu bleiben . Die Messung der Herzfrequenz eines öffentlichen Redners ist vielleicht eine der einfachsten Möglichkeiten, Stressveränderungen zu beurteilen, wenn die Herzfrequenz bei Angstzuständen ansteigt . Wenn Schauspieler ihre Leistungen steigern, können die Herzfrequenz und andere Anzeichen von Stress sinken. Dies ist in der Ausbildung von Schauspielern sehr wichtig, da adaptive Strategien, die aus einer erhöhten Exposition gegenüber öffentlichen Reden gewonnen werden, implizite und explizite Angst regulieren können. Durch den Besuch einer Institution mit einer Spezialisierung auf Schauspiel wird eine erhöhte Handlungsmöglichkeit zu einer entspannteren Physiologie und einer Verringerung von Stress und seinen Auswirkungen auf den Körper führen. Diese Auswirkungen können von hormoneller bis hin zu kognitiver Gesundheit variieren und die Lebensqualität und Leistungsfähigkeit beeinträchtigen

Improvisation

Zwei maskierte Charaktere aus der Commedia dell'arte , deren „ Lazzi “ einen hohen Grad an Improvisation beinhalteten .

Einige klassische Schauspielformen beinhalten ein wesentliches Element improvisierter Darbietungen. Am bemerkenswertesten ist seine Verwendung durch die Truppen der Commedia dell'arte , einer Form der Maskenkomödie , die ihren Ursprung in Italien hat.

Improvisation als Ansatz zum Handeln einen wichtigen Teil des russischen gebildeten Theaterpraktiker Konstantin Stanislawski ‚s ‚System‘ von Schauspieler Ausbildung, die er aus den 1910er Jahren weiter entwickelt. Ende 1910 lud der Dramatiker Maxim Gorki Stanislavski zu ihm nach Capri ein , wo sie über Ausbildung und Stanislavskis aufkommende "Grammatik" der Schauspielkunst diskutierten. Inspiriert von einer populären Theateraufführung in Neapel , die sich der Techniken der Commedia dell'arte bediente, schlug Gorki vor, eine Kompanie nach dem Vorbild der mittelalterlichen Spaziergänger zu gründen , in der ein Dramatiker und eine Gruppe junger Schauspieler gemeinsam neue Stücke erfinden sollten der Improvisation. Stanislavski entwickelte diesen Einsatz der Improvisation in seiner Arbeit mit seinem Ersten Studio des Moskauer Kunsttheaters . Stanislavskis Verwendung wurde in den von seinen Schülern Michael Tschechow und Maria Knebel entwickelten schauspielerischen Ansätzen weiter ausgebaut .

Im Vereinigten Königreich wurde die Improvisation ab den 1930er Jahren von Joan Littlewood und später von Keith Johnstone und Clive Barker Pionierarbeit geleistet . In den Vereinigten Staaten wurde es von Viola Spolin gefördert , nachdem sie mit Neva Boyd in einem Hull House in Chicago, Illinois, gearbeitet hatte (Spolin war Boyds Schüler von 1924 bis 1927). Wie die britischen Praktizierenden war Spolin der Ansicht, dass das Spielen von Spielen ein nützliches Mittel zur Ausbildung von Schauspielern war und dazu beitrug, die Leistung eines Schauspielers zu verbessern. Mit Improvisation, argumentierte sie, könnten die Menschen Ausdrucksfreiheit finden, da sie nicht wüssten, wie eine improvisierte Situation ausgehen wird. Improvisation erfordert einen offenen Geist, um Spontaneität zu bewahren, anstatt eine Reaktion im Voraus zu planen. Eine Figur wird vom Schauspieler geschaffen, oft ohne Bezug auf einen dramatischen Text, und aus den spontanen Interaktionen mit anderen Schauspielern wird ein Drama entwickelt. Dieser Ansatz, ein neues Drama zu schaffen, wurde am wesentlichsten von dem britischen Filmemacher Mike Leigh in Filmen wie Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010) und Mr. Turner (2014) entwickelt.

Improvisation wird auch verwendet, um zu vertuschen, wenn ein Schauspieler oder eine Schauspielerin einen Fehler macht.

Physiologische Wirkungen

Vor Publikum zu sprechen oder zu handeln ist eine Stresssituation, die zu einer erhöhten Herzfrequenz führt.

In einer Studie aus dem Jahr 2017 an amerikanischen Universitätsstudenten zeigten Schauspieler unterschiedlicher Erfahrungsstufen alle während ihrer Auftritte ähnlich erhöhte Herzfrequenzen; dies stimmt mit früheren Studien über die Herzfrequenz von Profi- und Laienschauspielern überein. Während alle Schauspieler Stress erlebten, der eine erhöhte Herzfrequenz verursachte, zeigten die erfahreneren Schauspieler eine geringere Herzfrequenzvariabilität als die weniger erfahrenen Schauspieler im selben Stück. Die erfahreneren Schauspieler erlebten während der Aufführung weniger Stress und hatten daher einen geringeren Grad an Variabilität als die weniger erfahrenen, stärker gestressten Schauspieler. Je erfahrener ein Schauspieler ist, desto stabiler wird seine Herzfrequenz während der Leistung sein, er wird jedoch immer noch erhöhte Herzfrequenzen haben.

Semiotik

Antonin Artaud verglich die Wirkung einer Schauspielerleistung auf ein Publikum in seinem „ Theater der Grausamkeit “ mit der Art und Weise, wie ein Schlangenbeschwörer auf Schlangen einwirkt .

Die Semiotik des Schauspiels beinhaltet die Untersuchung der Art und Weise, wie Aspekte einer Aufführung für ihr Publikum als Zeichen wirken . Dieser Prozess beinhaltet weitgehend die Produktion von Bedeutung, wobei Elemente der Darbietung eines Schauspielers Bedeutung erlangen, sowohl im weiteren Kontext der dramatischen Handlung als auch in den Beziehungen, die sie jeweils zur realen Welt herstellen.

In Anlehnung an die Ideen des surrealistischen Theoretikers Antonin Artaud kann es jedoch auch möglich sein, die Kommunikation mit einem Publikum zu verstehen, die „unter“ Bedeutung und Bedeutung stattfindet (die der Semiotiker Félix Guattari als einen Prozess der Übertragung von "a-signifying" Zeichen"). In seinem The Theatre and its Double (1938) verglich Artaud diese Interaktion mit der Art und Weise, wie ein Schlangenbeschwörer mit einer Schlange kommuniziert, ein Vorgang, den er als „ Mimesis “ bezeichnete – derselbe Begriff, den Aristoteles in seiner Poetik (ca. 335) BCE) verwendet, um die Art und Weise zu beschreiben , in der das Drama seine Geschichte aufgrund seiner Verkörperung durch den handelnden Schauspieler im Unterschied zur „ Diegesis “ oder der Art und Weise beschreibt, in der ein Erzähler sie beschreiben kann. Diese "Schwingungen", die vom Schauspieler auf das Publikum übergehen, müssen sich nicht unbedingt in signifikante Elemente als solche (dh bewusst wahrgenommene "Bedeutungen") niederschlagen, sondern können eher durch die Zirkulation von " Affekten " wirken.

Die von anderen Theaterpraktikern verfolgte Herangehensweise an das Schauspiel beinhaltet unterschiedliche Grade der Beschäftigung mit der Semiotik des Schauspiels. Konstantin Stanislavski zum Beispiel thematisiert die Art und Weise, wie ein Schauspieler aufbauend auf dem, was er das „Erleben“ einer Rolle nennt, auch eine Aufführung gestalten und anpassen sollte, um die Gesamtbedeutung des Dramas zu unterstützen – ein Prozess, den er als . bezeichnet Festlegung der "Perspektive der Rolle". Die Semiotik des Handelns spielt eine weitaus zentralere Rolle in Bertolt Brecht ‚s epische Theater , in dem ein Schauspieler zu bringen , sind klar die sozio - historische Bedeutung des Verhaltens und Handelns durch spezifische Leistung Auswahl-ein Prozess , dass er als Gründung der beschreibt „ nicht/aber “ Element in einem dargebotenen physischen „ Gestus “ im Kontext der Gesamt-„ Fabel “ des Stücks . Eugenio Barba argumentiert, dass Schauspieler sich nicht mit der Bedeutung ihres Leistungsverhaltens befassen sollten; dieser Aspekt liegt in der Verantwortung des Regisseurs , der die bedeutungsvollen Elemente einer schauspielerischen Leistung in die dramaturgische "Montage" des Regisseurs einwebt.

Der Theatersemiotiker Patrice Pavis , der auf den Gegensatz zwischen Stanislavskis „System“ und Brechts demonstrierendem Darsteller anspielt – und darüber hinaus auf Denis Diderots Grundlagenaufsatz über die Schauspielkunst Paradox of the Actor (um 1770–178) – argumentiert, dass:

Schauspielerei wurde lange Zeit als Aufrichtigkeit oder Heuchelei des Schauspielers gesehen – sollte er an das glauben, was er sagt, und sich davon bewegen lassen, oder sollte er sich distanzieren und seine Rolle distanziert vermitteln? Die Antwort variiert je nachdem, wie man die zu erzeugende Wirkung beim Publikum sieht und die soziale Funktion des Theaters.

Elemente einer schauspielerischen Semiotik umfassen Gestik, Mimik, Intonation und andere stimmliche Qualitäten, Rhythmus und die Art und Weise, in der diese Aspekte einer individuellen Aufführung sich auf das Drama und das Theaterereignis (oder Film, Fernsehprogramm oder Radio) beziehen Rundfunk, der jeweils unterschiedliche semiotische Systeme umfasst) als Ganzes betrachtet. Eine Semiotik des Handelns erkennt an, dass alle Formen des Handelns Konventionen und Codes beinhalten, durch die Aufführungsverhalten Bedeutung erlangt – auch solche Ansätze wie Stanislvaski oder die in den USA entwickelte, eng verwandte Methode des Handelns , die sich als „natürliche Art“ anbieten eines Handelns, das ohne Konventionen auskommt und als selbstverständlich und universell aufgenommen wird." Pavis argumentiert weiter:

Jedes Schauspiel basiert auf einem kodifizierten System (auch wenn das Publikum es nicht als solches sieht) von Verhaltensweisen und Handlungen, die als glaubwürdig und realistisch oder künstlich und theatralisch angesehen werden. Das Natürliche, das Spontane und das Instinktive zu befürworten, ist nur der Versuch, natürliche Wirkungen zu erzielen, die von einem ideologischen Code bestimmt werden, der zu einer bestimmten historischen Zeit und für ein bestimmtes Publikum bestimmt, was natürlich und glaubwürdig und was deklamatorisch ist und theatralisch.

Die Konventionen , die im Allgemeinen regieren wirkenden auf strukturierte Formen der Zusammenhang spielen , die beinhalten, in jeder spezifischen Erfahrung „ Regeln des Spiels .“ Dieser Aspekt wurde zuerst von Johan Huizinga (in Homo Ludens , 1938) und Roger Caillois (in Man, Play and Games , 1958) untersucht. Caillois beispielsweise unterscheidet vier schauspielerisch relevante Aspekte des Spiels: Mimesis ( Simulation ), Agon ( Konflikt oder Konkurrenz), Alea ( Zufall ) und illinx ( Schwindel oder "schwindelerregende psychologische Situationen", die die Identifizierung oder Katharsis des Zuschauers beinhalten ). Diese Verbindung mit dem Spiel als Aktivität wurde erstmals von Aristoteles in seiner Poetik vorgeschlagen , in der er den Wunsch, im Spiel nachzuahmen, als wesentlichen Bestandteil des Menschseins und als unser erstes Lernmittel als Kind definiert :

Denn es ist ein Instinkt des Menschen von Kindheit an, sich mit Mimesis zu beschäftigen (ja, das unterscheidet ihn von anderen Tieren: der Mensch ist der mimetischste von allen, und durch die Mimesis entwickelt er sein frühestes Verständnis); und ebenso natürlich, dass sich jeder an mimetischen Objekten erfreut. (IV, 1448b)

Diese Verbindung mit dem Spiel prägte auch die im Englischen verwendeten Wörter (wie es in vielen anderen europäischen Sprachen der analoge Fall war) für Drama : das Wort " play " oder "game" (übersetzt das angelsächsische plèga oder lateinisch ludus ) war der Standardbegriff bis zur Zeit von William Shakespeare für eine dramatische Unterhaltung verwendet - so wie sein Schöpfer eher ein "Spielmacher" als ein "Dramatiker" war, war die handelnde Person als "Spieler" bekannt, und wenn in der elisabethanischen Ära bestimmte Gebäude für die Schauspielerei gebaut wurden, wurden sie eher als „ Schauspielhäuser “ denn als „ Theater “ bezeichnet.

Lebensläufe und Vorsprechen

Schauspieler und Schauspielerinnen müssen einen Lebenslauf erstellen, wenn sie sich für Rollen bewerben. Der schauspielerische Lebenslauf unterscheidet sich stark von einem normalen Lebenslauf; es ist im Allgemeinen kürzer, mit Listen anstelle von Absätzen und sollte einen Kopfschuss auf der Rückseite haben. Normalerweise enthält ein Lebenslauf auch eine kurze Rolle von 30 Sekunden bis 1 Minute über die Person, damit der Casting-Direktor Ihre früheren Auftritte sehen kann, falls vorhanden.

Auditioning ist der Vorgang, entweder einen Monolog oder Seiten (Zeilen für einen Charakter) aufzuführen, die vom Casting-Direktor gesendet werden . Vorsprechen bedeutet, die Fähigkeiten des Schauspielers zu zeigen, sich als eine andere Person zu präsentieren; es kann nur zwei Minuten dauern. Bei Theatervorspielen kann es länger als zwei Minuten dauern, oder sie können mehr als einen Monolog aufführen, da jeder Casting-Direktor unterschiedliche Anforderungen an Schauspieler haben kann. Schauspieler sollten für die Rolle verkleidet zum Vorsprechen gehen, um es dem Casting-Direktor zu erleichtern, sie als Charakter zu visualisieren. Für Fernsehen oder Film müssen sie sich mehr als einem Vorsprechen unterziehen. Oft werden Schauspieler in letzter Minute zu einem weiteren Vorsprechen gerufen und entweder am Morgen oder am Abend zuvor auf die Seiten geschickt. Vorsprechen kann ein stressiger Teil der Schauspielerei sein, besonders wenn man nicht im Vorsprechen trainiert wurde.

Probe

Probe ist ein Prozess, in dem Schauspieler eine Aufführung vorbereiten und üben, die Wechselfälle von Konflikten zwischen Charakteren erforschen , bestimmte Handlungen in der Szene testen und Mittel finden, um einen bestimmten Sinn zu vermitteln. Einige Schauspieler proben eine Szene während der gesamten Dauer einer Show, um die Szene in ihren Köpfen frisch und für das Publikum spannend zu halten.

Publikum

Es ist bekannt, dass ein kritisches Publikum mit bewertenden Zuschauern während der Aufführung Stress auf die Schauspieler ausübt (siehe Bode & Brutten). Vor einem Publikum zu stehen, das eine Geschichte erzählt, macht die Schauspieler sehr verletzlich. Erschreckenderweise wird ein Schauspieler die Qualität seiner Leistung normalerweise höher einschätzen als seine Zuschauer. Die Herzfrequenz ist während einer Aufführung mit Publikum im Allgemeinen im Vergleich zur Probe immer höher, aber interessant ist, dass dieses Publikum auch eine höhere Qualität der Aufführung zu bewirken scheint. Einfach ausgedrückt, während öffentliche Auftritte bei Schauspielern (eher bei Amateuren) einen extrem hohen Stresspegel verursachen, verbessert der Stress tatsächlich die Leistung und unterstützt die Idee von "positivem Stress in herausfordernden Situationen".

Pulsschlag

Je nachdem, was ein Schauspieler tut, variiert seine Herzfrequenz. So reagiert der Körper auf Stress. Vor einer Show wird man aufgrund von Angst einen Anstieg der Herzfrequenz feststellen. Während der Darbietung hat ein Schauspieler ein erhöhtes Gefühl der Exposition, was die Leistungsangst und die damit verbundene physiologische Erregung, wie z. B. die Herzfrequenz, erhöht. Die Herzfrequenz erhöht sich während der Shows im Vergleich zu den Proben aufgrund des erhöhten Drucks, der darauf zurückzuführen ist, dass eine Aufführung einen potenziell größeren Einfluss auf die Karriere eines Schauspielers hat. Nach der Show ist eine Abnahme der Herzfrequenz aufgrund des Abschlusses der stressauslösenden Aktivität zu sehen. Oft normalisiert sich die Herzfrequenz nach der Show oder Aufführung; während des Applauses nach der Vorstellung gibt es jedoch einen schnellen Anstieg der Herzfrequenz. Dies zeigt sich nicht nur bei Schauspielern, sondern auch bei öffentlichen Reden und Musikern .

Betonen

Sam Gibbs und Su Thomas Hendrickson in Oresteia von Aischylos, adaptiert von Ryan Castalia für das Stairwell Theater, 2019

Es gibt einen Zusammenhang zwischen Herzfrequenz und Stress, wenn Schauspieler vor Publikum auftreten. Schauspieler behaupten, dass sich ihr Stressniveau nicht ändert, wenn sie ein Publikum haben, aber sobald sie die Bühne betreten, steigt ihr Herzschlag schnell an. Eine Studie aus dem Jahr 2017, die an einer amerikanischen Universität durchgeführt wurde und den Stress von Schauspielern durch Messung der Herzfrequenz untersuchte, zeigte, dass die individuelle Herzfrequenz kurz vor Beginn der Aufführung dieser Schauspieler stieg. Es gibt viele Faktoren , die den Stress eines Schauspielers erhöhen können. Zum Beispiel Länge der Monologe, Erfahrungslevel und Aktionen auf der Bühne, einschließlich des Verschiebens des Sets. Während der Aufführung steigt die Herzfrequenz am stärksten, bevor ein Schauspieler spricht. Der Stress und damit die Herzfrequenz des Schauspielers sinkt dann am Ende eines Monologs, einer großen Actionszene oder einer Performance deutlich.

Siehe auch

• Biomechanik
• Meisner-Technik
• Methode handeln
• Präsentierendes und darstellendes Handeln
• Das System von Stanislawski
• Aussichtspunkte
• Liste der Schauspieler

Verweise

Quellen

Externe Links

• Sammlung: "History of Acting: Gestural Acting and Realism" des University of Michigan Museum of Art