Amerikanische Popmusik - American popular music

Amerikanische populäre Musik hat einen tiefgreifenden Einfluss auf die Musik auf der ganzen Welt gehabt . Das Land hat den Aufstieg populärer Stile erlebt, die einen bedeutenden Einfluss auf die globale Kultur hatten, darunter Ragtime , Blues , Jazz , Swing , Rock , Bluegrass , Country , R&B , Doo Wop , Gospel , Soul , Funk , Punk , Disco , House , Techno , Salsa , Grunge und Hip Hop . Darüber hinaus ist die amerikanische Musikindustrie sehr vielfältig und unterstützt eine Reihe regionaler Stile wie Zydeco , Klezmer und Slack-Key .

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstanden unverwechselbare Stile der amerikanischen Popmusik , und im 20. Jahrhundert entwickelte die amerikanische Musikindustrie eine Reihe neuer Musikformen, die Elemente des Blues und anderer Genres der amerikanischen Volksmusik verwendeten . Zu diesen beliebten Stilrichtungen gehörten Country, R&B, Jazz und Rock. In den 1960er und 1970er Jahren gab es eine Reihe wichtiger Veränderungen in der amerikanischen Popmusik, darunter die Entwicklung einer Reihe neuer Stile wie Heavy Metal, Punk, Soul und Hip-Hop. Obwohl diese Stile nicht im Sinne des Mainstreams waren , wurden sie kommerziell aufgenommen und sind daher Beispiele für populäre Musik im Gegensatz zu Folk oder klassischer Musik .

Frühe "populäre" Musik

Kopf und Schultern des glattrasierten weißen Mannes mit ernstem Ausdruck, der in die Kamera schaut.
Der erste große amerikanische Popsongwriter Stephen Foster .

Die frühesten Lieder, die als amerikanische populäre Musik angesehen werden konnten , im Gegensatz zur populären Musik einer bestimmten Region oder ethnischen Zugehörigkeit, waren sentimentale Salonlieder von Stephen Foster und seinen Kollegen und Lieder, die für den Einsatz in Minnesängershows , Theaterproduktionen mit Gesang, Tanz- und Comic-Aufführungen. Minstrel zeigt im Allgemeinen verwendete afrikanische Instrumente und Tänze und zeigte Darsteller mit geschwärzten Gesichtern, eine Technik namens Blackface . Mitte des 19. Jahrhunderts brachten Tourneefirmen diese Musik nicht nur in alle Teile der Vereinigten Staaten, sondern auch nach Großbritannien, Westeuropa und sogar nach Afrika und Asien. Minstrel-Shows wurden im Allgemeinen so beworben, als ob die Musik der Shows im afroamerikanischen Stil wäre , obwohl dies oft nicht der Fall war.

Fünf Figuren in Blackface, die schwungvoll und übertrieben Musikinstrumente spielen.
Notencover für " Dandy Jim from Caroline " von Dan Emmett , London, c. 1844.

Schwarze Menschen hatten vor der Ära des Bürgerkriegs an der amerikanischen Populärkultur teilgenommen, zumindest seit dem African Grove Theatre in New York in den 1820er Jahren und der Veröffentlichung der ersten Musik des schwarzen Komponisten Francis Johnson im Jahr 1818 lagen diese wichtigen Meilensteine ​​noch ganz im Rahmen der Konventionen der europäischen Musik. Das erste äußerst beliebte Minnesängerlied war „ Jump Jim Crow “ von Thomas „Daddy“ Rice , das 1832 uraufgeführt wurde und in London eine Sensation war, als Rice es 1836 dort aufführte. Rice verwendete einen Tanz, den er von einem Stallburschen kopierte mit einer Melodie, die von einer irischen Jig übernommen wurde . Zu den afrikanischen Elementen gehörten die Verwendung des Banjos , von dem angenommen wird, dass es von westafrikanischen Saiteninstrumenten stammt, sowie akzentuierte und additive Rhythmen. Viele der Lieder der Minnesänger-Shows sind noch heute in Erinnerung, insbesondere die von Daniel Emmett und Stephen Foster , wobei letzterer laut David Ewen "Amerikas erster bedeutender Komponist und einer der weltweit herausragenden Songschreiber" ist. Fosters Lieder waren typisch für die Minnesänger-Ära in ihrer unverfrorenen Sentimentalität und in ihrer Akzeptanz der Sklaverei. Dennoch tat Foster mehr als die meisten Songwriter dieser Zeit, um die Schwarzen, über die er komponierte, zu humanisieren, wie etwa in "Nelly Was a Lady", einem klagenden, melancholischen Lied über einen Schwarzen, der den Verlust seiner Frau betrauert.

Die Minnesänger-Show markierte den Beginn einer langen Tradition afroamerikanischer Musik, die sich für ein breites Publikum eignete, und war die erste eindeutig amerikanische Musikform, die Mitte des 19. Jahrhunderts internationale Anerkennung fand. Wie Donald Clarke feststellte, enthielten Minnesänger-Shows "im Wesentlichen schwarze Musik, während die erfolgreichsten Acts weiße waren, so dass Lieder und Tänze schwarzer Herkunft von weißen Künstlern imitiert und dann von schwarzen Künstlern aufgegriffen wurden, die so bis zu einem gewissen Grad endeten". sich selbst nachahmen". Clarke führt die Verwendung von Blackface auf den Wunsch zurück, dass weiße Amerikaner die brutale Existenz sowohl freier als auch schwarzer Sklaven verherrlichen, indem sie sie als glückliche und sorglose Individuen darstellen, die am besten für das Plantagenleben und die Aufführung einfacher, fröhlicher Lieder geeignet sind, die Weißen leicht gefallen Publikum.

Noten für " Dixie "

Blackface-Minnesänger-Shows blieben während der letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts beliebt und starben erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts allmählich aus. Während dieser Zeit entstand eine Form von verschwenderischem und kunstvollem Theater namens Extravaganza , beginnend mit Charles M. Barras ' The Black Crook . Extravaganzen wurden von den damaligen Zeitungen und Kirchen kritisiert, weil die Shows als sexuell erregend galten, bei denen Frauen in fast durchsichtiger Kleidung derbe Lieder sangen. David Ewen beschrieb dies als den Beginn der "langen und aktiven Karrieren in der sexuellen Ausbeutung" des amerikanischen Musiktheaters und des populären Liedes. Später nahmen Extravaganzen Elemente von burlesken Aufführungen an, die Ende des 19. Jahrhunderts satirische und parodistische Inszenierungen waren.

Wie die Extravaganz und die Burleske war das Varieté eine komische und freche Inszenierung, die von Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts populär war und sich dann zum Varieté entwickelt hatte . Diese Form wurde von Produzenten wie Tony Pastor entwickelt, die versuchten, Frauen und Kinder zu ermutigen, seine Shows zu besuchen; sie zögerten, weil das Theater schon lange die Domäne einer rauen und unordentlichen Menge gewesen war. Im frühen 20. Jahrhundert war Vaudeville eine angesehene Unterhaltung für Frauen und Kinder, und Songwriter wie Gus Edwards schrieben Lieder, die im ganzen Land beliebt waren. Die beliebtesten Varieté-Shows waren, wie die Ziegfeld Follies , eine Reihe von Liedern und Sketchen, die einen tiefgreifenden Einfluss auf die spätere Entwicklung des Broadway- Musiktheaters und der Lieder von Tin Pan Alley hatten .

Blechpfannengasse

Tin Pan Alley war ein Gebiet an und um die West 28th Street. in New York City, das Mitte der 1890er Jahre zum wichtigsten Zentrum für Musikverlage wurde. Die Songwriter dieser Ära schrieben formelhafte Lieder, viele davon sentimentale Balladen. Während dieser Ära entwickelte sich ein nationales Bewusstsein, da die Vereinigten Staaten vor allem nach dem Spanisch-Amerikanischen Krieg zu einer beeindruckenden Weltmacht wurden . Die erhöhte Verfügbarkeit und Effizienz von Eisenbahnen und Postdiensten trugen zur Verbreitung von Ideen, einschließlich populärer Lieder, bei.

Tin Pan Alley in der West 28th Street.

Zu den bekanntesten Herausgebern von Tin Pan Alley gehörten Willis Woodward , M. Witmark & ​​Sons , Charles K. Harris , und Edward B. Marks und Joseph W. Stern . Stern und Marks gehörten zu den bekannteren Tin Pan Alley-Songwritern; 1894 begannen sie gemeinsam als Amateure zu schreiben. Neben den populären Mainstream-Balladen und anderen klaren Songs konzentrierten sich einige Tin Pan Alley-Verlage auf Raues und Gewagtes. Coon-Songs waren ein weiterer wichtiger Teil von Tin Pan Alley, abgeleitet von den verwässerten Songs der Minstrel-Show mit dem "Verve und der Elektrizität", die die "Assimilation des Ragtime-Rhythmus" mit sich brachte. Der erste populäre Coon-Song war "New Coon in Town", der 1883 eingeführt wurde, und gefolgt von einer Welle von Coon-Shoutern wie Ernest Hogan und May Irwin .

Broadway

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand auch der Broadway , eine auf Musicals spezialisierte Theatergruppe . Der Broadway wurde zu einem der herausragenden Orte für Musiktheater in der Welt und produzierte eine Reihe von Songs, die Donald Clarke dazu veranlassten, die Ära als das goldene Zeitalter des Songwritings zu bezeichnen . Die Notwendigkeit, unterhaltsame Lieder an die Zwänge eines Theaters und einer Handlung anzupassen, ermöglichte und förderte ein Wachstum im Songwriting und den Aufstieg von Komponisten wie George Gershwin , Vincent Youmans , Irving Berlin und Jerome Kern . Diese Songwriter schrieben Lieder, die populär geblieben sind und heute als das Great American Songbook bekannt sind .

Ausländische Opern waren beliebt bei der Oberschicht im 19. Jahrhundert, während andere Arten von Musiktheatern enthielten Operetten , Ballade Opern und die Oper pouffe . Besonders beliebt waren die englischen Operetten von Gilbert und Sullivan , während amerikanische Kompositionen Schwierigkeiten hatten, ein Publikum zu finden. George M. Cohan war der erste bemerkenswerte amerikanische Komponist des Musiktheaters und der erste, der sich von der Operette entfernte, und zeichnet sich auch dadurch aus, dass er in seiner Arbeit die Sprache der Landessprache verwendet. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts jedoch hatten schwarze Dramatiker, Komponisten und Musiker einen tiefgreifenden Einfluss auf das Musiktheater, angefangen mit den Werken von Will Marion Cook , James Reese Europe und James P. Johnson ; das erste große schwarze Musical war Shuffle Along im Jahr 1921.

Importierte Operetten und einheimische Produktionen von Weißen wie Cohan und Schwarzen wie Cook, Europe und Johnson hatten alle einen prägenden Einfluss auf den Broadway. Komponisten wie Gershwin, Porter und Kern machten komödiantisches Musiktheater zu einem nationalen Zeitvertreib, mit einem ausgeprägt amerikanischen und nicht von europäischen Vorbildern abhängigen Gefühl. Die meisten dieser Personen waren Juden, mit Cole Porter die einzige große Ausnahme; sie waren die Nachkommen des 19. Jahrhunderts Einwanderer Verfolgung in der Flucht russischen Reiches , ließ die meisten einflussreich in verschiedenen Nachbarschaften in New York City. Viele der frühen Musicals wurden von schwarzer Musik beeinflusst und zeigten Elemente des frühen Jazz, wie In Dahomey ; die jüdischen Komponisten dieser Werke mögen Verbindungen zwischen den traditionellen afroamerikanischen Blue Notes und ihrer eigenen jüdischen Volksmusik gesehen haben .

Broadway-Songs wurden um die Jahrhundertwende aufgenommen, wurden aber erst viel später außerhalb ihres theatralen Kontexts populär. Jerome Kerns " They Didn't Believe Me " war ein frühes Lied, das landesweit populär wurde. Kerns spätere Innovationen beinhalteten eine glaubwürdigere Handlung als die eher formlosen Geschichten, die um Songs früherer Werke herum aufgebaut waren, beginnend mit Show Boat im Jahr 1927. George Gershwin war vielleicht der einflussreichste Komponist am Broadway, beginnend mit "Swanee" im Jahr 1919 und späteren Werken für Jazz und Orchester. Seine nachhaltigste Komposition dürfte die Oper Porgy and Bess sein , eine Geschichte über zwei Schwarze, die Gershwin als eine Art "Folk Opera" konzipierte, eine Kreation eines neuen Stils des amerikanischen Musiktheaters auf der Grundlage amerikanischer Idiome.

Ragtime

Ragtime war ein Stil der Tanzmusik, der auf dem Klavier basiert und synkopierte Rhythmen und Chromatiken verwendet ; der bekannteste Interpret und Komponist des Genres war zweifellos Scott Joplin . Donald Clarke betrachtet Ragtime als den Höhepunkt von Coon-Songs , die zuerst in Minstrel-Shows und dann im Varieté verwendet wurden , und das Ergebnis der Rhythmen der Minstrelsy, die in den Mainstream eindringen; er weist auch darauf hin, dass der unverwechselbare Sound von Ragtime von einem Versuch stammt, das afroamerikanische Banjo mit der Tastatur zu imitieren.

Aufgrund der im Wesentlichen afroamerikanischen Natur des Ragtime wird er am häufigsten als der erste Stil der amerikanischen Popmusik angesehen, der wirklich schwarze Musik ist; Ragtime brachte Synkopen und einen authentischeren schwarzen Sound in die populäre Musik. Beliebte Ragtime-Songs wurden notiert und als Noten verkauft, aber der allgemeine Stil wurde im ganzen Land informeller gespielt; Diese Amateurkünstler spielten eine frei fließendere Form des Ragtime, die schließlich zu einem großen prägenden Einfluss auf den Jazz wurde .

Frühe aufgenommene populäre Musik

Thomas Edisons Erfindung des Phonographenzylinders leitete die Geburtsstunde der Tonträger ein. Als erster Zylinder erschien „ Semper Fidelis “ der US Marine Band . Anfangs wurden Zylinder sparsam auf den Markt gebracht, aber als ihr Verkauf profitabler wurde, stieg der Vertrieb. Diese frühen aufgenommenen Lieder waren eine Mischung aus Varieté, Barbershop- Quartetten, Märschen, Oper, Neuheitenliedern und anderen populären Melodien. Viele populäre Standards, wie "The Good Old Summertime", " Shine On Harvest Moon " und "Over There" stammen aus dieser Zeit. Es gab auch einige frühe Hits im Bereich des Jazz, beginnend mit den Aufnahmen der Original Dixieland Jazz Band von 1917, gefolgt von King Olivers Creole Jazz Band , die in einem authentischeren New Orleans Jazzstil spielte.

Blues gab es schon lange, bevor er Teil der ersten Explosion von aufgenommener populärer Musik in der amerikanischen Geschichte wurde. Dies geschah in den 1920er Jahren, als klassische Blues- Sängerinnen wie Ma Rainey , Bessie Smith und Mamie Smith sehr populär wurden; der erste Hit dieses Feldes war Mamie Smiths "Crazy Blues". Diese urbanen Blues-Sänger veränderten die Idee der populären Musik von einfachen Liedern, die von jedem leicht aufgeführt werden konnten, zu Werken, die hauptsächlich mit einem einzelnen Sänger verbunden waren. Interpreten wie Sophie Tucker , bekannt für "Some of These Days", wurden eng mit ihren Hits verbunden und machten ihre individuellen Interpretationen genauso wichtig wie das Lied selbst.

Zur gleichen Zeit starteten Plattenfirmen wie Paramount Records und OKeh Records den Bereich der Race Music , der hauptsächlich Blues für das afroamerikanische Publikum war. Die berühmtesten dieser Acts inspirierten einen Großteil der späteren populären Entwicklung des Blues und Blues-abgeleiteten Genres, darunter Charley Patton , Lonnie Johnson und Robert Johnson .

Populärer Jazz (1920-1935) und Swing (1935-1947)

Jazz ist eine Musikrichtung, die sich durch blaue Töne , Synkopen , Swing , Call and Response , Polyrhythmen und Improvisation auszeichnet . Obwohl Jazz ursprünglich eine Art Tanzmusik war , wurde Jazz heute "längst als eine Art Volksmusik oder Volksmusik angesehen (und ist auch zu einer anspruchsvollen Kunstform geworden, die in signifikanter Weise mit der Musik des Konzertsaals interagiert hat "). Die Entwicklung des Jazz erfolgte ungefähr zur gleichen Zeit wie der moderne Ragtime, Blues, Gospel und Country, die alle als Teil eines Kontinuums ohne klare Abgrenzung gesehen werden können; Jazz war am engsten mit Ragtime verwandt, wobei er sich durch die Verwendung komplizierterer rhythmischer Improvisationen auszeichnen konnte, wobei die Noten oft weit vom implizierten Beat entfernt wurden. Die frühesten Jazzbands übernahmen einen Großteil des Vokabulars des Blues, einschließlich gebogener und blauer Töne und instrumentaler "Knurren" und Abstriche.

Paul Whiteman war der beliebteste Bandleader der 1920er Jahre und beanspruchte für sich den Titel "The King of Jazz". Obwohl er viele der anderen besten weißen Jazzmusiker der Ära engagierte, haben spätere Generationen von Jazzliebhabern oft festgestellt, dass Whitemans Musik mit echtem Jazz wenig zu tun hat. Nichtsdestotrotz wurde seine Idee, Jazz mit aufwendigen Orchestrierungen zu verbinden, von Komponisten und Arrangeuren späterer Jahrzehnte immer wieder aufgegriffen.

Whiteman gab Gershwins "Rhapsody in Blue" in Auftrag, die von Whiteman's Orchestra uraufgeführt wurde. Ted Lewis ' Band war in den 1920er Jahren an Popularität nach Paul Whiteman an zweiter Stelle und spielte wohl mehr echten Jazz mit weniger Anspruch als Whiteman, insbesondere in seinen Aufnahmen aus den späten 1920er Jahren. Einige der anderen "Jazz"-Bands des Jahrzehnts waren: Harry Reser , Leo Reisman , Abe Lyman , Nat Shilkret , George Olsen , Ben Bernie , Bob Haring , Ben Selvin , Earl Burtnett , Gus Arnheim , Rudy Vallee , Jean Goldkette , Isham Jones , Roger Wolfe Kahn , Sam Lanin , Vincent Lopez , Ben Pollack und Fred Waring .

In den 1920er Jahren war die Musik dieser Künstler beim Publikum äußerst beliebt und wurde typischerweise als Jazz bezeichnet. Heute wird diese Musik jedoch von Jazzpuristen verunglimpft und als "süße Musik" abgestempelt. Die Musik, die man heute als "Jazz" bezeichnet, wurde eher von Minderheiten gespielt. In den 1920er und frühen 1930er Jahren hörte die Mehrheit der Menschen jedoch das, was wir heute "süße Musik" nennen würden, und Hardcore-Jazz wurde als "heiße Musik" oder "Rennmusik" kategorisiert.

Das größte und einflussreichste Plattenlabel der Zeit, The Victor Talking Machine (nach 1928 RCA Victor), übte bis zum Abgang von Eddie King im Oktober 1926 einen bremsenden Einfluss auf die Entwicklung des „Sweet Jazz“ aus . King war als autoritär bekannt die es nicht zulassen würden, bei der Arbeit zu trinken oder von der geschriebenen Musik abzuweichen, es sei denn, es handelte sich um Soli, die nach den Standards der populären Musik der Zeit akzeptabel waren. Dies irritierte viele Victor-Jazz-Künstler, darunter den berühmten Trompeter Bix Beiderbecke. Sudhalter führt in Lost Chords ein Beispiel für eine Aufnahme des Goldkette Orchestra aus dem Jahr 1927 an, bei der den Musikern erhebliche Freiheiten eingeräumt wurden, und bemerkt: „Was, fragt man sich, wäre diese Aufführung gewesen, wenn Eddie King das Sagen gehabt hätte, und nicht mehr? liberaler Nat Shilkret. Da die Victor-Ledger nicht weniger als fünf Aufnahmesitzungen im Januar und Februar 1926 zeigen, als King tatsächlich Goldkettes Orchestra dirigierte, ist ein Vergleich zwischen der Herangehensweise von Goldkette und King leicht zugänglich.

1935 wurde die Swingmusik beim Publikum populär und ersetzte schnell den Jazz als populärste Musikrichtung (obwohl es zunächst einige Widerstände gab). Swingmusik zeichnet sich durch eine starke Rhythmusgruppe aus, die normalerweise aus einem Kontrabass und Schlagzeug besteht, die in einem mittleren bis schnellen Tempo spielt , und rhythmischen Geräten wie der geschwungenen Note . Swing ist in erster Linie eine Art Jazz der 1930er Jahre, der mit Elementen des Blues und der Pop-Sensibilität von Tin Pan Alley verschmolzen ist. Swing verwendete größere Bands als andere Jazzarten und wurde von Bandleadern geleitet, die das Material straff arrangierten und die Improvisation, die ein wesentlicher Bestandteil des Jazz gewesen war, entmutigten. David Clarke bezeichnete den Swing als den ersten "jazzorientierten (zu werdenden) Stil im Zentrum der populären Musik ... im Gegensatz dazu, ihr nur das Rückgrat zu geben". Gegen Ende der 1930er Jahre wurden Sänger immer bekannter und standen schließlich im Mittelpunkt nach dem Streik der American Federation of Musicians , der Aufnahmen mit einer großen Band unerschwinglich machte. Swing wurde von einem beliebten Tanz namens Swing Dance begleitet , der in den Vereinigten Staaten sowohl beim weißen als auch beim schwarzen Publikum, insbesondere bei Jugendlichen, sehr beliebt war.

Blues Diversifizierung und Popularisierung

Neben der populären Jazz- und Swingmusik, die vom Mainstream Amerika gehört wurde, gab es eine Reihe anderer Genres, die bei bestimmten Bevölkerungsgruppen beliebt waren – z. B. bei Minderheiten oder dem ländlichen Publikum. Beginnend in den 1920er Jahren und stark beschleunigt in den 1940er Jahren begann sich der Blues schnell in ein breites Spektrum neuer Stile zu diversifizieren. Dazu gehörten ein schneller, energiegeladener Stil namens Rhythm and Blues (R&B), eine Verschmelzung von Blues und anglo-keltischen Liedern namens Country-Musik und die Verschmelzung von Hymnen und Spirituals mit Blues-Strukturen namens Gospelmusik . Später als diese anderen Stile, in den 1940er Jahren, entwickelte sich eine Blues-, R&B- und Country-Fusion, die schließlich Rock and Roll genannt wurde und schließlich Anfang der 1960er Jahre die amerikanische Popmusik dominierte.

Country-Musik ist in erster Linie eine Verschmelzung von afroamerikanischem Blues und Spirituals mit Appalachen-Volksmusik , die für das Poppublikum angepasst und ab den 1920er Jahren populär wurde. Von besonderer Bedeutung waren irische und schottische Melodien, Tanzmusik, Balladen und Gesangsstile, sowie indianische , spanische , deutsche , französische und mexikanische Musik. Die Instrumentierung des frühen Country drehte sich um die aus Europa stammende Geige und das aus Afrika stammende Banjo , wobei die Gitarre später hinzugefügt wurde. Die Instrumentierung der Country-Musik verwendete afrikanische Elemente wie ein Call-and-Response-Format, improvisierte Musik und synkopierte Rhythmen. Später wurden Saiteninstrumente wie die Ukulele und die Steel-Gitarre aufgrund der Popularität der hawaiianischen Musik im frühen 20. Jahrhundert und des Einflusses von Musikern wie Sol Hoʻopiʻi und Lani McIntyre alltäglich . Die Wurzeln der modernen Country - Musik sind bis 1927 im Allgemeinen verfolgt, wenn Musik Talentsucher Ralph Peer aufgezeichnet Jimmie Rodgers und die Carter Family . Ihre Aufnahmen gelten als Grundlage der modernen Country-Musik. Es gab vor 1927 populäre Musik, die als Country bezeichnet werden konnte, aber wie Ace Collins betont, hatten diese Aufnahmen "nur marginale und sehr inkonsistente" Auswirkungen auf die nationalen Musikmärkte und ähnelten nur oberflächlich dem, was damals als . bekannt war Hillbilly-Musik . Neben Rodgers and the Carters war ein Musiker namens Bob Wills ein einflussreicher früher Interpret, der für einen Stil namens Western Swing bekannt war , der in den 1920er und 30er Jahren sehr populär war und dafür verantwortlich war, einen prominenten Jazz-Einfluss in die Country-Musik zu bringen.

Rhythm and Blues (R&B) ist ein Stil, der in den 1930er und 1940er Jahren entstand, eine rhythmische und Uptempo-Form des Blues mit komplexerer Instrumentierung. Der Autor Amiri Baraka beschrieb den frühen R&B als „riesige Rhythmuseinheiten, die hinter kreischenden Blues-Sängern (die) schreien mussten, um über das Klirren und Geklimper der verschiedenen elektrifizierten Instrumente und der aufgewühlten Rhythmus-Sektionen hinweg gehört zu werden. R&B wurde in dieser Zeit aufgenommen. aber nicht umfassend, und es wurde von Plattenfirmen nicht weit verbreitet, die der Meinung waren, dass es aufgrund der suggestiven Texte und treibenden Rhythmen für die meisten Zuschauer, insbesondere für Weiße der Mittelklasse, nicht geeignet sei. Bandleader wie Louis Jordan haben den Sound des frühen R&B neu erfunden Band mit einer kleinen Bläsergruppe und prominenter Rhythmus-Instrumentierung und Songs mit bluesigen lyrischen Themen.Bis Ende der 1940er Jahre produzierte er 19 große Hits und half, Zeitgenossen wie Wynonie Harris , John Lee Hooker und Roy Milton den Weg zu ebnen .

Christliche Spirituals und ländliche Bluesmusik waren der Ursprung dessen, was heute als Gospelmusik bekannt ist. Ab etwa den 1920er Jahren gab es in afroamerikanischen Kirchen frühes Evangelium in Form von Anbetern, die ihre religiöse Hingabe ( Bezeugung ) auf improvisierte, oft musikalische Weise verkündeten . Der moderne Gospel begann mit der Arbeit von Komponisten, allen voran Thomas A. Dorsey , der "Lieder auf der Grundlage vertrauter Spirituals und Hymnen komponierte, die mit Blues- und Jazz-Rhythmen verschmolzen sind". Von diesen Kirchen aus dem frühen 20. Jahrhundert verbreitete sich Gospelmusik im ganzen Land. Es blieb fast ausschließlich mit afroamerikanischen Kirchen verbunden und enthielt normalerweise einen Chor zusammen mit einem oder mehreren virtuosen Solisten.

Rock and Roll ist eine Art populärer Musik, die hauptsächlich aus Country, Blues und R&B entwickelt wurde. Der mit Abstand beliebteste Musikstil weltweit, der genaue Ursprung und die frühe Entwicklung des Rocks wurden heiß diskutiert. Der Musikhistoriker Robert Palmer hat festgestellt, dass die Einflüsse des Stils recht vielfältig sind und umfassen den afro-karibischenBo Diddley Beat“, Elemente des „Big Band Swing“ und lateinamerikanische Musik wie den kubanischen Sohn und „ mexikanische Rhythmen “. Ein anderer Autor, George Lipsitz, behauptet, dass der Rock in den städtischen Gebieten Amerikas entstand, wo sich eine "mehrsprachige Kultur der Arbeiterklasse bildete (wo die) sozialen Bedeutungen, die zuvor durch Blues, Country, Polka , Zydeco und lateinamerikanische Musik isoliert vermittelt wurden, einen neuen Ausdruck fanden sie fügten sich in eine städtische Umgebung ein".

1950er und 1960er Jahre

Mitte des 20. Jahrhunderts gab es eine Reihe sehr wichtiger Veränderungen in der amerikanischen Popmusik. Der Bereich der Popmusik entwickelte sich in dieser Zeit enorm, da die immer niedrigeren Preise für Tonträger die Nachfrage und die Gewinne für die Plattenindustrie stimulierten. Als Ergebnis, Musik Marketing wurde mehr und mehr im Vordergrund, was zu einer Reihe von Mainstream - Pop - Stars , deren Popularität war bisher unbekannt. Viele der ersten dieser Stars waren italienisch-amerikanische Schlagersänger wie Dean Martin , Rudy Vallee , Tony Bennett , Perry Como , Frankie Laine und vor allem der „erste Popsänger, der bei seinen Fans Hysterie auslöste“ Frank Sinatra . Die Ära des modernen Teenie-Popstars begann jedoch in den 1960er Jahren. Bubblegum-Popgruppen wie The Monkees wurden ausschließlich aufgrund ihres Aussehens und ihrer Fähigkeit, Platten zu verkaufen, ausgewählt, ohne Rücksicht auf musikalische Fähigkeiten. Im gleichen Zeitraum entstanden jedoch auch neue Formen der Popmusik, die im Bereich der amerikanischen Popmusik, einschließlich Rock, Soul und Pop-Folk, eine dauerhaftere Präsenz erreichten. Bis Ende der 1960er Jahre hatten zwei Entwicklungen die populäre Musik völlig verändert: die Geburt einer Gegenkultur , die sich explizit der Mainstream-Musik widersetzte, oft in Verbindung mit politischem und sozialem Aktivismus, und der Wandel von professionellen Komponisten zu Interpreten, die sowohl Sänger als auch Songwriter waren .

Rock and Roll gelangte zuerst durch einen Stil namens Rockabilly in den Mainstream der populären Musik , der den entstehenden Rocksound mit Elementen der Country-Musik verschmolz. Schwarzer Rock'n'Roll hatte zuvor nur begrenzten Mainstream-Erfolg, und einige Beobachter glaubten damals, dass ein weißer Künstler, der glaubwürdig im R&B- und Country-Stil singen könnte, ein Erfolg sein würde. Sam Phillips von Memphis, Tennessee 's Sun Records , fand einen solchen Interpreten in Elvis Presley , der zu einem der meistverkauften Musiker der Geschichte wurde und Rock'n'Roll dem Publikum auf der ganzen Welt näher brachte. Presleys Erfolg ging Bill Haley voraus , einem weißen Performer, dessen „ Rock Around the Clock “ manchmal als Beginn der Rock-Ära bezeichnet wird. Allerdings war Haleys Musik "mehr arrangiert" und "kalkulierter" als die "lockereren Rhythmen" des Rockabilly, der im Gegensatz zu Haley auch keine Saxophone oder Chorgesang verwendete.

R&B blieb während der 1950er Jahre beim schwarzen Publikum äußerst beliebt, aber der Stil wurde aufgrund seiner suggestiven Natur nicht für Weiße oder respektable Schwarze aus der Mittelschicht angesehen. Viele beliebte R&B-Songs wurden stattdessen von weißen Musikern wie Pat Boone in einem schmackhafteren Mainstream-Stil aufgeführt und in Pop-Hits verwandelt. Gegen Ende der 1950er Jahre gab es jedoch eine Welle populärer schwarzer Bluesrock- und Country-beeinflusster R&B-Interpreten, die unter weißen Hörern beispiellosen Ruhm erlangten; dazu gehörten Bo Diddley und Chuck Berry . Im Laufe der Zeit wandten sich Produzenten im R&B-Bereich allmählich mehr Rock-basierten Acts wie Little Richard und Fats Domino zu .

Doo Wop ist eine Art vokale Harmoniemusik, die von Gruppen gespielt wird, die in den 1950er Jahren populär wurden. Obwohl Doo Wop manchmal als eine Art Rock angesehen wird, ist es genauer gesagt eine Verschmelzung von Vocal R&B, Gospel und Jazz mit Blues- und Pop-Strukturen, obwohl die Grenzen zwischen Rock und Doo Wop, R&B und anderen verwandten Stilen bis in die 1960er Jahre sehr verschwommen waren . Doo Wop wurde der erste Stil von R&B-abgeleiteter Musik, „der Gestalt annahm, sich als etwas definierte, das die Leute als neu, anders, seltsam, ihr eigenes erkannten “ (Hervorhebung im Original). Als Doo Wop populärer wurde, kamen weitere Innovationen hinzu, einschließlich der Verwendung eines Bass-Leadsängers, eine Praxis, die mit Jimmy Ricks von The Ravens begann . Doo Wop-Darsteller waren ursprünglich fast alle schwarz, aber einige weiße und integrierte Gruppen wurden bald populär. Dazu gehörten eine Reihe italienisch-amerikanischer Gruppen wie Dion & the Belmonts , während andere weibliche Sänger hinzufügten und sogar rein weibliche Gruppen im fast ausschließlich männlichen Bereich bildeten; dazu gehörten The Queens und The Chantels .

In den 1950er Jahren gab es eine Reihe kurzer Modeerscheinungen, die einen großen Einfluss auf zukünftige Musikstile hatten. Interpreten wie Pete Seeger und The Weavers machten eine Form der Wiederbelebung der angloamerikanischen Musik aus alter Zeit populär . Dieses Feld wurde schließlich mit der politischen Linken und dem Kommunismus in Verbindung gebracht , was zu einem Rückgang der Akzeptanz führte, da Künstler zunehmend auf die schwarze Liste gesetzt und kritisiert wurden. Dennoch übte diese Form des Pop-Folk einen tiefgreifenden Einfluss in Form des Folk-Rock der 1950er Jahre und verwandter Stile aus. Neben dem eher sporadischen Erfolg der populären Anglo-Volksmusik kam eine Reihe von lateinamerikanischen Tanzmoden , darunter Mambo , Rumba , Chachachá und Boogaloo . Obwohl ihr Erfolg wieder sporadisch und kurz war, übte die lateinamerikanische Musik weiterhin einen kontinuierlichen Einfluss auf Rock, Soul und andere Stile aus und entwickelte sich in den 1970er Jahren schließlich zur Salsa-Musik .

Land: Nashville Sound

Ab den späten 1920er Jahren begann im ländlichen Süden und Mittleren Westen ein unverwechselbarer Stil, der zuerst als "Old-Timey"- oder "Hillbilly"-Musik bezeichnet wurde, ausgestrahlt und aufgenommen zu werden; Zu den frühen Künstlern gehörten die Carter Family, Charlie Poole und seine North Carolina Ramblers und Jimmie Rodgers. Die Aufführung und Verbreitung dieser Musik war zunächst regional, aber die Bevölkerungsverschiebungen durch den Zweiten Weltkrieg verbreiteten sie weiter. Nach dem Krieg gab es ein verstärktes Interesse an Spezial Arten, einschließlich dessen , was als bekannt war , Rasse und Hinterwäldler - Musik; diese Stile wurden in Rhythm and Blues bzw. Country und Western umbenannt. Major Labels hatte einen gewissen Erfolg zwei Arten von Land Handlungen zu fördern: Südlicher Neuheit Künstlern wie Tex Williams und Sänger wie Frankie Laine , der gemischte Pop- und Land in einem konventionell sentimental Stil. In dieser Zeit entstand auch Hank Williams , ein weißer Country-Sänger, der den Blues von einem schwarzen Straßenmusiker namens Tee-Tot im Nordwesten von Alabama gelernt hatte. Vor seinem Tod im Jahr 1953 nahm Hank Williams elf Singles auf, die sich jeweils mindestens eine Million Mal verkauften, und war der Wegbereiter des Nashville-Sounds .

Der Nashville-Sound war eine populäre Art der Country-Musik, die in den 1950er Jahren entstand, eine Verschmelzung von populärem Big-Band- Jazz und Swing mit der Lyrik des Honky-Tonk-Country. Der populäre Erfolg der Aufnahmen von Hank Williams hatte Plattenfirmen davon überzeugt, dass Country-Musik ein Mainstream-Publikum finden konnte. Plattenfirmen versuchten dann, die rauen Honky-Tonk-Elemente aus der Country-Musik zu entfernen und den unversöhnlich ländlichen Sound zu entfernen, der Williams berühmt gemacht hatte. Die Industrie von Nashville reagierte auf den Aufstieg des Rockabilly- Performers Elvis Presley, indem sie Künstler vermarktete, die die Kluft zwischen Country und Pop überquerten. Chet Atkins , Leiter der Country-Musikabteilung von RCA , tat am meisten, um den Nashville-Sound zu erneuern, indem er die raueren Elemente des Country aufgab, während Owen Bradley ausgeklügelte Produktionstechniken und sanfte Instrumentierung verwendete, die schließlich zum Standard des Nashville-Sounds wurden, der ebenfalls wuchs Streicher und Vokalchöre zu integrieren. In den frühen 1960er Jahren wurde der Nashville-Sound von vielen weiteren traditionalistischen Künstlern und Fans als verwässert wahrgenommen, was zu einer Reihe lokaler Szenen wie dem Lubbock-Sound und, am einflussreichsten, dem Bakersfield-Sound führte .

In den 1950er Jahren war der Nashville Sound die beliebteste Art von Country-Musik, ein glatter und pop-orientierter Stil. Viele Musiker bevorzugten einen raueren Klang, was zur Entwicklung des Lubbock Sound und Bakersfield Sound führte . Der Bakersfield Sound wurde Mitte bis Ende der 1950er Jahre in Bakersfield, Kalifornien , von Künstlern wie Wynn Stewart entwickelt , die Elemente des Western Swing und Rock wie den Breakbeat zusammen mit einem Honky-Tonk-Gesangsstil verwendeten. Ihm folgte eine Welle von Künstlern wie Buck Owens und Merle Haggard , die den Stil populär machten.

Seele

Soulmusik ist eine Kombination aus R&B und Gospel, die Ende der 1950er Jahre in den USA begann. Soulmusik zeichnet sich durch die Verwendung von Gospeltechniken mit einer stärkeren Betonung der Sänger und der Verwendung weltlicher Themen aus. Die Aufnahmen von Sam Cooke , Ray Charles und James Brown aus den 1950er Jahren gelten allgemein als die Anfänge der Soulmusik. Solomon Burkes frühe Aufnahmen für Atlantic Records kodifizierten den Stil, und wie Peter Guralnick schreibt, "erst mit dem Zusammenkommen von Burke und Atlantic Records konnte man etwas sehen, das einer Bewegung ähnelte".

Die Motown Record Corporation in Detroit, Michigan, wurde mit einer Reihe von stark Pop-beeinflussten Soul-Platten erfolgreich, die weißen Hörern schmackhaft genug waren, um R&B und Soul zum Mainstream-Publikum zu bringen. Ein wichtiges Zentrum für Soul-Musikaufnahmen war Florence, Alabama , wo die FAME-Studios betrieben wurden. Jimmy Hughes , Percy Sledge und Arthur Alexander nahmen bei Fame auf; später in den 1960er Jahren würde Aretha Franklin auch in der Gegend aufnehmen. Fame Studios, die oft als Muscle Shoals bezeichnet werden , nach einer Stadt in der Nähe von Florenz, hatten eine enge Beziehung zu Stax, und viele der Musiker und Produzenten, die in Memphis arbeiteten, trugen auch zu Aufnahmen in Alabama bei.

In Memphis produzierte Stax Records Aufnahmen der Soul-Pioniere Otis Redding , Wilson Pickett und Don Covay . Andere Stax-Künstler wie Eddie Floyd und Johnnie Taylor leisteten ebenfalls bedeutende Beiträge zur Soulmusik. 1968 begann sich die Soul-Musik-Bewegung zu zersplittern, als James Brown und Sly & the Family Stone begannen, sowohl Soul als auch Rhythm and Blues zu erweitern und in andere Formen zu abstrahieren. Guralnick schrieb, dass "mehr als alles andere ... was mir die Ära des Soul zu einem knirschenden, beunruhigenden Ende gebracht zu haben scheint, der Tod von Martin Luther King im April 1968 war".

Rock der 1960er Jahre

Zu den ersten großen New Rock - Genres der 1960er Jahre gehörte Surfen , deren Pioniere der Kalifornier Dick Dale war . Surf war größtenteils instrumentaler und gitarrenbasierter Rock mit einem verzerrten und twangigen Sound und wurde mit der südkalifornischen Surf- basierten Jugendkultur in Verbindung gebracht . Dale hatte mit Leo Fender zusammengearbeitet und den „ Showman-Verstärker und...

Inspiriert vom lyrischen Fokus des Surfens, wenn nicht gar von der musikalischen Basis, begannen die Beach Boys 1961 ihre Karriere mit einer Reihe von Hits wie „ Surfin' USA “. Ihr Sound war weder instrumental noch gitarrenbasiert, sondern voller "satter, dichter und zweifellos besonderer" "schwebender Vocals (mit) Four Freshman- artigen Harmonien, die über eine dröhnende, treibende Last reiten". Der Songwriter der Beach Boys, Brian Wilson, wurde immer exzentrischer und experimentierte mit neuen Studiotechniken, während er mit der aufkeimenden Gegenkultur in Verbindung gebracht wurde .

Die Gegenkultur war eine Jugendbewegung, die politischen Aktivismus, insbesondere gegen den Vietnamkrieg, und die Förderung verschiedener Hippie- Ideale beinhaltete. Die Hippies wurden vor allem mit zwei Musikrichtungen in Verbindung gebracht: dem Folk-Rock und Country-Rock von Leuten wie Bob Dylan und Gram Parsons und dem Psychedelic-Rock von Bands wie Jefferson Airplane und The Doors . Diese Bewegung war sehr eng mit der British Invasion verbunden , einer Welle von Bands aus dem Vereinigten Königreich, die in den 1960er Jahren populär wurde. Die British Invasion umfasste zunächst Bands wie die Beatles , die Rolling Stones und The Zombies , denen später Bands wie Moody Blues und The Who beitraten . Der Sound dieser Bands war harter Rock, wobei die Beatles ursprünglich für Songs bekannt waren, die klassischen Blackrock-Songs von Little Richard , Chuck Berry , Smokey Robinson , The Shirelles und den Isley Brothers ähnelten . Später, als sich die Gegenkultur entwickelte, begannen die Beatles, fortschrittlichere Techniken und ungewöhnliche Instrumente wie die Sitar sowie originellere Texte zu verwenden.

Draußen sitzt Joan Baez neben Bob Dylan, der eine Akustikgitarre spielt, ca. 1960er Jahre.
Joan Baez und Bob Dylan

Folk-Rock stützte sich auf den sporadischen Mainstream-Erfolg von Gruppen wie dem Kingston Trio und den Almanac Singers , während Woody Guthrie und Pete Seeger dazu beitrugen, ländliche weiße Volksmusik politisch zu radikalisieren. Der populäre Musiker Bob Dylan wurde Mitte der 1960er Jahre bekannt, indem er Folk mit Rock verschmolz und die aufstrebende Szene eng mit der Bürgerrechtsbewegung verband . Ihm folgten eine Reihe von Country-Rock-Bands wie The Byrds und die Flying Burrito Brothers und folk-orientierte Singer-Songwriter wie Joan Baez und der Kanadier Joni Mitchell . Am Ende des Jahrzehnts war jedoch in den Texten von Popsinger -Songwritern wie James Taylor und Carole King , deren selbst verfasste Lieder zutiefst persönlich und emotional waren, wenig politisches oder soziales Bewusstsein erkennbar .

Psychedelic Rock war eine harte, treibende Art von gitarrenbasiertem Rock, der eng mit der Stadt San Francisco in Kalifornien verbunden war . Obwohl Jefferson Airplane die einzige psychedelische Band aus San Francisco war, die einen großen nationalen Hit hatte, verkörperten The Grateful Dead , eine Folk-, Country- und Bluegrass- Jam-Band , mit 1967er "Somebody to Love" und "White Rabbit" alle Elemente der San Francisco Szene und kam... um die Gegenkultur zum Rest des Landes zu repräsentieren"; Die Grateful Dead wurden auch dafür bekannt, die Gegenkultur und den Rest des Landes in die Ideen von Leuten wie Timothy Leary einzuführen , insbesondere den Konsum halluzinogener Drogen wie LSD für spirituelle und philosophische Zwecke.

1970er und 1980er Jahre

Nach den turbulenten politischen, sozialen und musikalischen Veränderungen der 1960er und frühen 1970er Jahre diversifizierte sich die Rockmusik. Was früher als Rock and Roll bekannt war , ein einigermaßen diskreter Musikstil, hatte sich zu einer Sammelkategorie entwickelt, die einfach Rockmusik genannt wurde , ein Überbegriff, der schließlich verschiedene Stile wie Heavy Metal-Musik , Punkrock und manchmal sogar Hip-Hop-Musik umfassen würde . In den 1970er Jahren waren die meisten dieser Stile jedoch nicht Teil der Mainstream-Musik und entwickelten sich in der Underground-Musikszene.

In den frühen 1970er Jahren gab es eine Welle von Singer-Songwritern, die sich auf die introspektiven, zutiefst emotionalen und persönlichen Texte des Folk-Rock der 1960er Jahre stützten. Darunter waren James Taylor , Carole King und andere, die alle gleichermaßen für ihre lyrischen Fähigkeiten wie für ihre Darbietungen bekannt sind. Im gleichen Zeitraum entstanden bluesige Southern Rock- und Country-Rock- Gruppen wie die Allman Brothers Band und Lynyrd Skynyrd . In den 1970er Jahren entwickelte sich der Soft Rock , eine Art einfache, unaufdringliche und sanfte Form des Pop-Rock, beispielhaft dargestellt durch eine Reihe von Bands wie America und Bread , von denen die meisten heute kaum noch bekannt sind; viele waren One-Hit-Wonder . Darüber hinaus erlebten auch härtere Arena-Rockbands wie Chicago und Styx große Erfolge.

Kopfschuss von Willie Nelson, mit grauem Bart und langen roten Haaren und trägt eine Baskenmütze, lächelt, während er in die Kamera schaut.
Willie Nelson

In den frühen 1970er Jahren entstand ein neuer Country-Musikstil, der ebenso rau und kantig war und schnell zur beliebtesten Form des Country wurde. Dies war Outlaw Country , ein Stil, der Mainstream-Stars wie Willie Nelson und Waylon Jennings umfasste . Outlaw Country war sehr Rock-orientiert und hatte Texte, die sich auf die kriminellen, insbesondere drogen- und alkoholbezogenen Possen seiner Darsteller konzentrierten, die ihre Haare lang wachsen ließen, Jeans und Leder trugen und im Gegensatz zum Clean-Cut wie Hippies aussahen Country-Sänger, die den Nashville-Sound vorangetrieben haben.

Mitte der 1970er Jahre wurde Disco , eine Form der Tanzmusik, populär und entwickelte sich von Underground-Dance-Clubs zum Mainstream-Amerika. Disco erreichte ihren Höhepunkt nach der Veröffentlichung von Saturday Night Fever und dem Phänomen rund um den Film und den Soundtrack von The Bee Gees . Discos Zeit war jedoch kurz und wurde 1980 bald durch eine Reihe von Genres ersetzt, die sich aus der Punkrock- Szene entwickelten, wie New Wave . Bruce Springsteen wurde zu einem großen Star, zuerst Mitte bis Ende der 1970er und dann während der 1980er Jahre, mit dichten, undurchschaubaren Texten und hymnischen Liedern, die bei der Mittel- und Unterschicht Anklang fanden.

70er Funk und Soul

In den frühen 1970er Jahren wurde die Soulmusik von Psychedelic Rock und anderen Stilrichtungen beeinflusst. Die soziale und politische Gärung der Zeit inspirierte Künstler wie Marvin Gaye und Curtis Mayfield dazu, Statements in Albumlänge mit knallharten sozialen Kommentaren zu veröffentlichen. Künstler wie James Brown führten den Soul zu mehr tanzorientierter Musik, die sich schließlich zum Funk entwickelte . Funk wurde von Bands der 1970er Jahre wie Parliament-Funkadelic , The Meters und James Brown selbst verkörpert, während vielseitigere Gruppen wie War , The Commodores und Earth, Wind and Fire ebenfalls populär wurden. In den 1970er Jahren erreichten einige sehr glatte und kommerzielle Blue-Eye-Soul- Acts wie Philadelphias Hall & Oates Mainstream-Erfolge, ebenso wie eine neue Generation von Street-Corner - Harmony- oder City-Soul-Gruppen wie The Delfonics und Unifics von der Howard University .

Bis Ende der 1970er Jahre wurden Philly Soul, Funk, Rock und die meisten anderen Genres von Disco-beeinflussten Tracks dominiert. Während dieser Zeit produzierten Funkbands wie The O'Jays und The Spinners weiterhin Hits. Nach dem Tod der Disco im Jahr 1980 überlebte die Soulmusik für kurze Zeit, bevor sie eine weitere Metamorphose durchlief. Mit der Einführung von Einflüssen aus Elektromusik und Funk wurde die Soulmusik weniger roh und glatt produziert, was zu einem Musikgenre führte, das wieder als R&B bezeichnet wurde und sich normalerweise vom früheren Rhythm and Blues dadurch unterschied, dass es als zeitgenössischer R&B identifiziert wurde .

Pop der 1980er Jahre

In den 1960er Jahren war der Begriff Rhythm and Blues nicht mehr weit verbreitet; Stattdessen wurden Begriffe wie Soulmusik verwendet, um populäre Musik von schwarzen Künstlern zu beschreiben. In den 1980er Jahren kam Rhythm and Blues jedoch wieder in Gebrauch, meist in Form von R&B , eine Verwendung, die bis heute anhält. Zeitgenössischer R&B entstand, als schwüle Funk-Sänger wie Prince neben tanzorientierten Popstars wie Michael Jackson und Madonna sehr populär wurden .

Ende der 1980er Jahre bestand Pop-Rock größtenteils aus den radiofreundlichen Glam-Metal- Bands, die Bilder aus der britischen Glam- Bewegung mit Macho-Texten und -Attitüden verwendeten, begleitet von Hardrock- Musik und virtuosen Heavy-Metal-Solos. Zu den Bands dieser Ära gehörten viele britische Gruppen wie Def Leppard sowie die vom Heavy Metal beeinflussten amerikanischen Bands Mötley Crüe , Guns N' Roses , Bon Jovi und Van Halen .

Mitte der 1980er Jahre erlebte auch die Gospelmusik ihren Höhepunkt der Popularität. Eine neue Form des Gospels hatte sich entwickelt, die Zeitgenössische christliche Musik (CCM). CCM gab es seit den späten 1960er Jahren und bestand aus einem Pop/Rock-Sound mit leicht religiösen Texten. CCM war Mitte der 1980er Jahre die beliebteste Form des Gospels, insbesondere bei Künstlern wie Amy Grant , Michael W. Smith und Kathy Troccoli . Amy Grant war die beliebteste CCM- und Gospel-Sängerin der 1980er Jahre und wechselte nach beispiellosen Erfolgen in CCM in den 1980er und 1990er Jahren zum Mainstream-Pop. Michael W. Smith hatte auch beachtliche Erfolge in CCM, bevor er ebenfalls zu einer erfolgreichen Karriere in der Popmusik wechselte. Grant produzierte später CCMs ersten Nr. 1 Pop-Hit ("Baby Baby") und CCMs meistverkauftes Album ( Heart In Motion ).

In den 1980er Jahren wurden die Country-Charts von Popsängern dominiert, die nur tangentiale Einflüsse aus der Country-Musik hatten, ein Trend, der sich seitdem fortsetzt. Die 1980er Jahre erlebten eine Wiederbelebung des Honky-Tonk-Country mit dem Aufstieg von Leuten wie Dwight Yoakam und den neuen Traditionalisten Emmylou Harris und Ricky Skaggs sowie der Entwicklung alternativer Country- Künstler wie Uncle Tupelo . Später alternatives Land Ausführenden, wie Whiskey ‚s Ryan Adams und Wilco , fand einigen Mainstream - Erfolg.

Geburt des Untergrunds

In den 1970er Jahren entstanden eine Reihe unterschiedlicher Stile in starkem Kontrast zur amerikanischen Mainstream-Popularmusik. Obwohl diese Genres im Sinne des Verkaufs vieler Platten an das Mainstream-Publikum nicht sehr beliebt waren, waren sie Beispiele für populäre Musik , im Gegensatz zu Folk oder klassischer Musik . In den frühen 1970er Jahren entwickelten Afroamerikaner und Puertoricaner in New York City die Hip-Hop-Kultur , die einen Musikstil hervorbrachte, der auch Hip-Hop genannt wurde . Ungefähr zur gleichen Zeit entwickelten Latinos, insbesondere Kubaner und Puertoricaner, in New York auch die Salsa-Musik , die viele Formen der lateinamerikanischen Musik mit R&B und Rock kombinierte. Die Genres Punkrock und Heavy Metal waren in den 1970er Jahren am engsten mit dem Vereinigten Königreich verbunden, während sich später im Jahrzehnt und in den 1980er Jahren verschiedene amerikanische Derivate entwickelten. Unterdessen entwickelte Detroit langsam eine Reihe von elektronischen Musikgenres wie House und Techno , die später weltweit zu einem wichtigen Bestandteil der populären Musik wurden.

HipHop

Hip Hop ist eine kulturelle Bewegung, zu der neben Graffiti und Breakdance auch Musik gehört . Die Musik besteht aus zwei Teilen, dem Rappen , der Lieferung von schnellem, hochrhythmischem und lyrischem Gesang, und dem DJing , der Produktion von Instrumentierung entweder durch Sampling , Instrumentierung , Turntablism oder Beatboxing . Hip Hop entstand Anfang der 1970er Jahre in der Bronx in New York City. Der jamaikanische Einwanderer DJ Kool Herc gilt weithin als Urvater des Hip-Hop; er brachte die Praxis mit, auf die Rhythmen populärer Lieder anzustoßen . In New York legten DJs wie Kool Herc Platten mit beliebten Funk-, Disco- und Rocksongs auf. Emcees entstanden ursprünglich, um die Lieder vorzustellen und die Menge zu begeistern und zu tanzen; Im Laufe der Zeit begannen die DJs, die Percussion- Breaks (den rhythmischen Höhepunkt der Songs) zu isolieren und so einen wiederholten Beat zu erzeugen, über den die Moderatoren rappten.

Das Rappen beinhaltete Grüße an Freunde und Feinde, Aufforderungen zum Tanzen und bunte, oft humorvolle Prahlereien. Bis Anfang der 1980er Jahre gab es populäre Hip-Hop-Songs wie „ Rappers Delight “ von der Sugarhill Gang und einige große Größen der Szene, wie LL Cool J und Kurtis Blow . Andere Interpreten experimentierten mit politisierten Texten und sozialem Bewusstsein, während andere Fusionen mit Jazz , Heavy Metal , Techno , Funk und Soul vorführten . Hip-Hop begann sich in der zweiten Hälfte der 1980er Jahre zu diversifizieren. Neue Stile erschienen, wie alternativer Hip-Hop und die eng verwandte Jazz-Rap- Fusion, die von Rappern wie De La Soul und Guru entwickelt wurden . Die Crews Public Enemy und NWA taten in dieser Ära am meisten, um Hip-Hop landesweit bekannt zu machen; erstere tat dies mit aufrührerischen und politisch aufgeladenen Texten, während letztere das erste prominente Beispiel für Gangsta-Rap wurde .

Salsa

Salsa-Musik ist ein vielfältiger und überwiegend karibischer Rhythmus, der in vielen lateinamerikanischen Ländern beliebt ist . Salsa umfasst mehrere Stile und Variationen; beschrieb die meisten jede Form der populären kann der Begriff verwendet wird Cuban - abgeleitetes musikalischen Genres (wie Chachachá und mambo ). Ganz besonders aber Salsa bezieht sich auf eine bestimmte Art von Mitte der 1970er Jahre Gruppen von New York City-Bereich Cuban und entwickelt aus Puerto Rico Einwanderer in die Vereinigten Staaten, und stilistische Nachkommen wie der 1980er Jahre Salsa romantica .

Salsamusik hat immer einen 4/4- Meter . Die Musik wird in Gruppen von zwei Takten phrasiert, wobei wiederkehrende rhythmische Muster und der Beginn von Phrasen im Songtext und in den Instrumenten verwendet werden. Typischerweise sind die auf der Percussion gespielten rhythmischen Patterns ziemlich kompliziert, oft mit mehreren verschiedenen gleichzeitig gespielten Patterns. Der Clave-Rhythmus ist ein wichtiges Element, das die Grundlage von Salsa bildet. Abgesehen von Schlagzeug werden eine Vielzahl von Melodieinstrumenten üblicherweise als Begleitung verwendet, wie Gitarre , Trompeten , Posaunen , das Klavier und viele andere, alle abhängig von den ausführenden Künstlern. Bands sind in der Regel in Horn- und Rhythmusgruppen unterteilt, die von einem oder mehreren Sängern ( Soneros oder Salseros ) angeführt werden .

Punk- und Alternative-Rock

Joey und Dee Dee Ramone im Konzert, 1983

Punk war eine Art rebellischer Rockmusik, die in den 1970er Jahren als Reaktion auf die populäre Musik der damaligen Zeit begann – insbesondere die Disco , die als geschmacklos und einfallslos galt. Punk griff auf amerikanische Bands wie Velvet Underground , The Stooges und die New York Dolls zurück . Punk war laut, aggressiv und normalerweise sehr einfach und erforderte wenig musikalisches Training, um zu spielen. Später im Jahrzehnt fanden britische Bands wie die Sex Pistols und The Clash zu Hause und in geringerem Maße in den Vereinigten Staaten kurzlebigen Ruhm. Zu den amerikanischen Bands auf diesem Gebiet gehörten vor allem The Ramones sowie Gruppen wie die Talking Heads , die eine eher künstlerische Musik spielten, die eng mit Punk verbunden war, bevor sie sich schließlich zu Pop- New Wave entwickelte . Andere große Acts sind Blondie , Patti Smith und Television . Die meisten dieser Bands haben ihre Anfänge am "Ground Zero" des Punkrock, einem Club namens CBGB. Der kleine Club in New York veranstaltete 1975 ein Festival, das die "Top 40 der nicht aufgenommenen Rockbands" zeigte. Zu diesen Bands gehörten die bereits erwähnten The Ramones , Sex Pistols , Blondie und dergleichen.

Hardcore-Punk war die Reaktion amerikanischer Jugendlicher auf die weltweite Punkrock- Explosion der späten 1970er Jahre. Hardcore beraubte Punkrock und New Wave seiner manchmal elitären und künstlerischen Tendenzen, was zu kurzen, schnellen und intensiven Songs führte, die eine unzufriedene Jugend ansprachen. Hardcore explodierte in den amerikanischen Metropolen Los Angeles, Washington, DC , New York und Boston und die meisten amerikanischen Städte hatten Ende der 1980er Jahre ihre eigenen lokalen Szenen.

Alternative Rock ist eine vielfältige Gruppierung von Rockbands, die sich in Amerika in den 1980er Jahren weitgehend aus der Hardcore-Szene entwickelt haben, in krassem Gegensatz zur Mainstream-Musikszene. Alternative Rock - Subgenres , die sich im Laufe des Jahrzehnts entwickelten , umfassen Indie - Rock , Gothic Rock , Noise Rock , Grunge und College Rock . Die meisten alternativen Bands vereinte ihre kollektive Verschuldung gegenüber dem Punk, der in den 1970er Jahren den Grundstein für Underground und alternative Musik legte. Obwohl das Genre als Rock gilt, wurden einige Stile von amerikanischem Folk, Reggae und Jazz beeinflusst. Wie Punk und Hardcore hatte Alternative Rock in den 1980er Jahren in Amerika wenig Mainstream-Erfolg, aber durch die Gründung einer Indie- Szene an der Basis durch Tourneen, College-Radio , Fanzines und Mundpropaganda legten Alternative-Bands den Grundstein für den Durchbruch von das Genre im amerikanischen öffentlichen Bewusstsein im nächsten Jahrzehnt.

Schwermetall

Heavy Metal ist eine Musikform, die sich durch aggressive, treibende Rhythmen und stark verstärkte verzerrte Gitarren auszeichnet, meist mit grandiosen Texten und virtuoser Instrumentierung. Heavy Metal ist eine Weiterentwicklung von Blues, Blues Rock , Rock und Prog Rock. Seine Ursprünge liegen in den britischen Hardrock-Bands, die zwischen 1967 und 1974 Blues und Rock nahmen und einen Hybrid mit einem harten, gitarren- und schlagzeugzentrierten Sound schufen. Die meisten Pioniere auf diesem Gebiet, wie Black Sabbath , waren Engländer, obwohl viele von amerikanischen Künstlern wie Blue Cheer und Jimi Hendrix inspiriert wurden .

Dunkles Foto einer Rockband, die draußen auftritt.
Bon Jovi tritt 2001 auf

In den frühen 1970er Jahren traten die ersten großen amerikanischen Bands auf, wie Blue Öyster Cult und Aerosmith , und Musiker wie Eddie Van Halen begannen ihre Karriere. Schwermetall blieb jedoch ein weitgehend unterirdisches Phänomen. In den 1980er Jahren dominierte eine Pop-basierte Form des Hardrocks mit einem feierfreudigen Geist und einer glamourösen visuellen Ästhetik (manchmal als "Hair Metal" bezeichnet) die Musikcharts, angeführt von Superstars wie Poison , Bon Jovi , Mötley Crüe und Ratt . Das 1987er Debüt von Guns N' Roses , einer Hardrock-Band, deren Image den düsteren Unterleib des Sunset Strip widerspiegelte, war zumindest teilweise eine Reaktion auf das übermäßig polierte Image des Hair Metals, aber der wilde Erfolg dieser Band war in vielerlei Hinsicht der letzten Atemzug der Hardrock- und Metal-Szene. Mitte der 1980er Jahre, als der Begriff "Heavy Metal" heftig umstritten wurde, hatte sich der Stil in so viele verschiedene Richtungen ausgebreitet, dass von Fans, Plattenfirmen und Fanzines neue Klassifizierungen erstellt wurden, obwohl manchmal die Unterschiede zwischen verschiedenen Subgenres waren unklar, selbst bei den Künstlern, die angeblich zu einem bestimmten Stil gehörten. Das bemerkenswerteste der Metal-Subgenres der 1980er Jahre in den Vereinigten Staaten war der schnelle und aggressive Thrash-Metal- Stil, der von Bands wie Anthrax , Megadeth , Metallica und Slayer entwickelt wurde .

1990er Jahre

Die vielleicht wichtigste Veränderung in der amerikanischen Popmusik in den 1990er Jahren war der Aufstieg des Alternative Rock durch die Popularität des Grunge . Dies war zuvor eine explizit gegen den Mainstream gerichtete Gruppierung von Genres, die Anfang der 1990er Jahre zu großer Berühmtheit gelangte. Das Genre war in seinen Anfängen größtenteils auf Sub Pop Records angesiedelt , einer Firma, die von Bruce Pavitt und John Poneman gegründet wurde . Bedeutende Grunge-Bands, die bei dem Label unter Vertrag standen, waren Green River (die Hälfte der Mitglieder dieser Band wurden später Gründungsmitglieder von Pearl Jam ), Sonic Youth (obwohl sie keine Grunge-Band waren, hatten sie Einfluss auf Grunge-Bands und tatsächlich war es auf Drängen von Kim Gordon , dass der David Geffen Unternehmen unterzeichnet Nirvana ) und Nirvana. Grunge ist ein alternatives Rock-Subgenre mit einem "dunklen, brütenden, gitarrenbasierten Schlamm"-Sound, der sich auf Heavy Metal, Punk und Elemente von Bands wie Sonic Youth und deren Verwendung "unkonventioneller Stimmungen, um ansonsten Standard-Pop-Songs völlig aus der Form zu bringen" bezieht ." Mit der Hinzufügung eines "melodischen, beatlesken Elements" zum Sound von Bands wie Nirvana wurde Grunge in den Vereinigten Staaten sehr populär. Grunge wurde in den frühen 1990er Jahren kommerziell erfolgreich und erreichte seinen Höhepunkt zwischen 1991 und 1994. Bands aus Städten im pazifischen Nordwesten der USA, insbesondere Seattle , Washington , waren für die Kreation von Grunge verantwortlich und machten es später beim Mainstream-Publikum beliebt. Die angebliche Generation X , die gerade das Erwachsenenalter erreicht hatte, als die Popularität des Grunge ihren Höhepunkt erreichte, wurde eng mit Grunge verbunden, dem Sound, der dazu beitrug, "die Verzweiflung (dieser) Generation zu definieren". Bands wie Foo Fighters und Creed wurden zu einer Form des Alternative Rock, bekannt als Post-Grunge, beliebt, weil er radiofreundlich war, im Gegensatz zu den Grunge-Bands, von denen sie musikalisch beeinflusst wurden. Pop-Punk- Bands wie Green Day und Blink 182 gewannen ebenfalls an Popularität. In der zweiten Hälfte der 1990er Jahre entstand Nu Metal mit Bands wie Linkin Park , Korn , Limp Bizkit und Slipknot . Die Independent-Kultur schlummerte in den Underground-Szenen mit neuen Genres wie Lo-Fi ( Beck , Sparklehorse , Guided By Voices ), Mathrock ( Slint , Shellac ) und Post-Rock ( Explosions in the Sky , Tortoise ). Emocore und Post-Hardcore wurden mit Bands wie At the Drive-In und Fugazi bekannter .

Gangsta-Rap ist eine Art Hip-Hop, der sich vor allem durch einen lyrischen Fokus auf Macho-Sexualität, Körperlichkeit und ein gefährliches, kriminelles Image auszeichnet. Obwohl die Ursprünge des Gangsta - Rap kann zurück in die Mitte der 1980er Jahre raps von Philadelphia zurückverfolgt werden Schoolly D und der Westküste ‚s Ice-T ist der Stil die in der Regel in Los Angeles und Oakland Gebiet begonnen haben, wo zu kurz , NWA und andere fanden ihren Ruhm. Diese Rap- Szene an der Westküste brachte den G-Funk- Sound der frühen 1990er Jahre hervor , der Gangsta-Rap-Texte mit einem dicken und verschwommenen Ton verband und sich oft auf Samples aus dem P-Funk der 1970er Jahre stützte ; die bekanntesten Vertreter dieses Sounds waren die bahnbrechenden Rapper Dr. Dre und Snoop Doggy Dogg .

2000er

Ende der 1990er und Anfang der 2000er Jahre bestand die Popmusik hauptsächlich aus einer Kombination von Pop-Hip-Hop und R&B-gefärbtem Pop, darunter eine Reihe von Boybands . Bemerkenswerte Sängerinnen festigten auch ihren Status in der amerikanischen und weltweiten Popmusik, wie Beyoncé (mit ihrer Solokarriere und als Leadsängerin von Destiny's Child ), Britney Spears , Christina Aguilera , Katy Perry , Lady Gaga und Taylor Swift . Bemerkenswert war auch der Einfluss der Hip-Hop - Produzenten auf populäre Musik in der Mitte der Ende der 2000er Jahre, der die Klänge zuerst auf hörten Usher ‚s Confessions und Nelly Furtado ‘ s lose imitiert in ganz populären Radio mit Künstlern Madonna , Akon und Lady Gaga . In den späten 2000er und frühen 2010er Jahren begann sich die Popmusik stark von der europäischen elektronischen Tanzmusikszene zu beeindrucken und durch Produzenten wie David Guetta , Calvin Harris , Swedish House Mafia und Skrillex in der College-Menge Fuß zu fassen .

Die Hip-Hop/Pop-Kombination begann auch die 2000er und frühen 2010er Jahre zu dominieren. In den frühen 2010er Jahren begannen prominente Künstler wie Bruno Mars , Drake , Lil Wayne , 2 Chainz , Kendrick Lamar , Machine Gun Kelly und Macklemore die Mainstream-Musikszene zu dominieren.

Der vorherrschende Sound in der Country-Musik der 90er Jahre war Pop mit nur sehr begrenzten Elementen von Country. Dazu gehören viele der meistverkauften Künstler der 1990er Jahre, wie Clint Black , Shania Twain , Faith Hill und der erste dieser Crossover-Stars, Garth Brooks .

Auf der anderen Seite fand ein Gitarren-Revival statt und brachte eine neue Generation alternativer Gitarrenbands hervor, die oft als Post-Punk-Revival oder Garage-Rock-Revival bezeichnet werden . Prominente US-Bands dieser Generation sind White Stripes , The Strokes und The Killers . New Weird America oder manchmal auch Freak Folk genannt, ist eine neue Bewegung, die die künstlerische Individualität von genreübergreifenden Künstlern wie Antony and the Johnsons , Joanna Newsom , The Dodos , Animal Collective und Cat Power betont .

Internationale und soziale Wirkung

Amerikanische Popmusik ist international extrem populär geworden. Rock, Hip Hop, Jazz, Country und andere Stilrichtungen haben Fans auf der ganzen Welt. Die Kombination von Teilen internationaler und amerikanischer Populärmusik wurde zwischen Mitte der 1960er und Mitte der 1970er Jahre versucht. Die Syntheseergebnisse blieben jedoch größtenteils erfolglos. Der BBC-Radio- DJ Andy Kershaw hat beispielsweise festgestellt, dass Country-Musik praktisch auf der ganzen Welt beliebt ist. Tatsächlich wurde von "allen Beiträgen der Amerikaner zur Weltkultur ... (amerikanische Populärmusik) von der ganzen Welt (am meisten) zu Herzen genommen". Andere Stile der amerikanischen Popmusik haben auch international eine prägende Wirkung gehabt, darunter Funk, die Grundlage für den westafrikanischen Afrobeat , R&B, eine wichtige Quelle für den jamaikanischen Reggae , und Rock, der weltweit fast alle Genres der populären Musik tiefgreifend beeinflusst hat. Rock, Country, Jazz und Hip-Hop sind in vielen Ländern zu einem festen Bestandteil geworden, was zu lokalen Varietäten wie australischer Country-Musik , tansanischem Bongo Flava und russischem Rock führte .

Rock hatte einen prägenden Einfluss auf die populäre Musik, was dazu führte, dass "das Konzept dessen, was populäre Musik ist", verändert wurde. während Charlie Gillett argumentiert hat, dass Rock and Roll "das erste populäre Genre war, das den unerbittlichen Puls und die schiere Lautstärke des urbanen Lebens in die Musik selbst integriert hat".

Die sozialen Auswirkungen der amerikanischen Popmusik sind sowohl in den Vereinigten Staaten als auch im Ausland zu spüren. Bereits seit den Extravaganzen des späten 19. Jahrhunderts wurde amerikanische Popmusik dafür kritisiert, zu sexuell erregend zu sein und Gewalt, Drogenmissbrauch und allgemein unmoralisches Verhalten zu fördern.

Siehe auch

Anmerkungen

  1. ^ Garofalo ist ein Beispiel für den Beginn mit Tin Pan Alley, in einem Kapitel, das auch die Berichterstattung über Ragtime enthält
  2. ^ Ewen ist ein Beispiel, dasnationale Balladen und patriotische Lieder,Volksmusik,Lieder des Negers,Minnesänger-Show und ihre LiederundExtravaganza bis Vaudevilleabdeckt
  3. ^ Ewen, S. 69 Ewen behauptet, Dan Emmett sei ein „Komponist von Volksliedern“ gewesen, und einanderer und noch bedeutenderer sei sein Zeitgenosse Stephen Foster gewesen – Amerikas erster bedeutender Komponist und einer der herausragenden Songschreiber der Welt.
  4. ^ Clarke, S. 28–29 Clarke bemerkt das Lied "Massa's in the Cold Ground" als klaren Versuch, die Sklaverei zu sentimentalisieren, obwohl er anmerkt, dassviele Sklaven ihre Herren geliebt haben müssen, von denen sie für alles abhängig waren. Clarke bemerkt auch, dass Lieder wie "Nelly Was a Lady" die schwarze Erfahrung alsgewöhnliche menschliche Gefühle beschreiben; sie sind Menschen, die so real sind wie die Charaktere in Shakespeare.
  5. ^ Ewen, S. 81Als Milly Cavendish leichtfüßig vor das Rampenlicht trat, den Männern im Publikum provokant mit dem Finger drohte und mit ihrer hohen Babystimme „You Naughty, Naughty Men“ – von T. Kennick und G. Bicknell – sang – sowohl das amerikanische Musiktheater als auch das amerikanische Volkslied begannen ihre lange und aktive Karriere in der sexuellen Ausbeutung.
  6. ^ Ewen, S. 94 Ewen behauptet, New York sei in den 1890er Jahren das Musikverlagszentrum des Landes gewesen, und sagt, die „Verleger entwickelten Formeln, nach denen Lieder schnell und versandfertig produziert werden konnten... in großen Mengen herausgegeben: Stereotypen für ausländische Lieder, Negerlieder, humorvolle Liedchen und vor allem sentimentale Balladen.
  7. ^ Ewen, S. 101 Ewen ist die Quelle sowohl für "Drill Ye Tarriers" als auch für die Natur der Coon-Songs
  8. ^ Ewen, S. 101 und Clarke, pg. 62Ewen schreibt "New Coon in Town"Paul Allen zu, obwohl Clarke esJS Putnamzuschreibt– beide sind sich über das Jahr 1883 einig
  9. ^ Clarke, S. 95 Clarke datiert das goldene Zeitalter alsc. 1914–50
  10. ^ Clarke, S. 56–57 Coon-Songs kamen aus der Minstrelsy und waren bereits im Varieté etabliert, als all dies in Ragtime gipfelte ... Ragtime könnte mit Versuchen begonnen haben, das Banjo auf dem Keyboard zu imitieren.
  11. ^ Ferris, S. 228Als Tanzmusik konzipiert und lange Zeit als eine Art Volksmusik oder Volksmusik angesehen, ist Jazz zu einer anspruchsvollen Kunstform geworden, die in signifikanter Weise mit der Musik des Konzertsaals interagiert hat.
  12. ^ Clarke, S. 200–201Von 1935 bis nach dem Zweiten Weltkrieg stand erstmals (und bisher zuletzt) ​​ein jazzorientierter Stil im Zentrum der populären Musik, anstatt ihr nur Rückgrat zu geben.
  13. ^ Garofalo, S. 45Die Ukulele und die Steelgitarre wurden in diesem Land von den hawaiianischen Streicherbands eingeführt, die das Land bereisten, nachdem Hawaii 1900 ein US-Territorium wurde.
  14. ^ Collins, S. 11 Darüber hinaus stellt Collins fest, dass frühe Pseudo-Country-Musikerwie Vernon Dalhart, die sich mit der Aufnahme von „Country-Music-Songs“ einen Namen gemacht hatten, nicht aus den Hügeln und Senken oder Ebenen und Tälern stammten. Diese Aufnahmestars sangen sowohl ländliche Musik als auch Stadtmusik, und die meisten wussten mehr über den Broadway als über Hinterwäldler. Ihr ländliches Image wurde oft für den Moment und den Dollar hergestellt. Im Gegensatz dazu, erklärt Collins später, hatten sowohl die Carter Family als auch Rodgers die Glaubwürdigkeit der ländlichen Folklore, die Peers Aufnahmesession zu einem so einflussreichen Erfolg machte; Es war die Carter Family, die Ralk Peers Verbindung zu den Hügeln und Senken, zu verlorenen Lieben und zu seinem Glauben war, aber es brauchte Jimmie Rodgers, um den Verleger mit einigen anderen beliebten Symbolen der Country-Musik in Verbindung zu bringen – Züge und Saloons, Gefängnis und Blues.
  15. ^ Broughton, Viv und James Attlee. "Devil Stole the Beat" imRough Guide to World Music, Band 2, S. 569Seine wegweisende Figur war ein Pianist und ehemaliger Bluesmusiker namens Thomas A. Dorsey (1899–1993), der begann, Lieder zu komponieren, die auf bekannten Spirituals und Hymnen basierten, die mit Blues- und Jazzrhythmen verschmolzen waren. (Hervorhebung im Original)
  16. ^ Garofalo, S. 72Der erste Popsänger, der bei seinen Fans Hysterie auslöste (und nicht nur Bewunderung oder Anbetung), war ein italienischer Amerikaner, der sich weigerte, seinen Namen anglisieren – Frank Sinatra, der „Sultan der Ohnmacht“.
  17. ^ Rolling Stone, S. 99–100 Ward, Stokes und Tucker nennen Coverversionendie Ameisen beim immer üppiger werdenden Rhythm-and-Blues-Picknick.
  18. ^ Szatmary, S. 69–70Auch ein Gitarrenenthusiast, der 1960 einige unscheinbare Singles auf seinem eigenen Label veröffentlicht hatte, arbeitete Dale eng mit Leo Fender zusammen, dem Hersteller der ersten massenproduzierten Solidbody-E-Gitarre und dem Präsidenten von Fender Instruments, um den Showman-Verstärker zu verbessern und die Nachhalleinheit zu entwickeln, die der Surfmusik ihren unverwechselbaren Fuzzy-Sound verleiht.
  19. ^ Rolling Stone, S. 251Obwohl der Instrumentalsound der Beach Boys oft schmerzhaft dünn war, schwebt der schwebende Gesang mit den Four Freshman-artigen Harmonien über einer dröhnenden, treibenden Last ("inside outside, USA" in "Surfin' USA"; "rah, rah, rah, rah, sis boom bah " in "Sei deiner Schule treu ") waren reich, dicht und fraglos besonders.
  20. ^ Garofalo, S. 201 Garofalo listet speziell "Roll Over Beethoven" vonChuck Berry, "Long Tall Sally" vonLittle Richard, "Twist and Shout" von denIsley Brothers, "Money" vonBarrett Strong, "Boys" und Baby It's You" vonThe Shirelles, "You've Really Got a Hold on Me" vonSmokey Robinson und die Miraclesund "Chains" vonThe Cookies.
  21. ^ Garofalo, S. 218 The Grateful Dead kombiniertedie antikommerziellen Tendenzen der weißen Mittelschichtjugend mit den bewusstseinsverändernden Eigenschaften von Lysersäurediethylamid(LSD).
  22. ^ Garofalo, S. 448 Garofalo beschreibt einen Sampler namens Sub Pop 200 alseine frühe Anthologie des dunklen, grübelnden Gitarrenschlamms, der als Grunge bekannt wurde.
  23. ^ Garofalo, S. 451Von derGruppe( Glenn Branca ) lernten sie, unkonventionelle Stimmungen zu verwenden, um sonst übliche Popsongs völlig aus der Form zu bringen, ein Markenzeichen von Sonic Youth, das in Seattle ebenso Resonanz fand wie die dunkle Seite ihrer musikalischen Vision.
  24. ^ Szatmary, S. 285 Bei derAufnahme der Songs, aus denenNevermind werden sollte, fügte Nirvana ein melodisches, beatleskes Element hinzu, das Cobain, Novoselic und den neuen Schlagzeuger Dave Grohl geprägt hatte.
  25. ^ Szatmary, S. 284Grunge, das in den Seattle-Büros des unabhängigen Sub Pop Records wuchs, kombinierte Hardcore und Metal, um die Charts anzuführen und die Verzweiflung einer Generation zu definieren. ; im Kontext bezieht sich dies vermutlich auf dieGeneration X, obwohl dieser Begriff nicht speziell verwendet wird.
  26. ^ Kershaw, S. 167, aus demRough Guide to World Music, Teil zwei, "Unser Leben ist genau ein Lied", S. 167 Kershaw weist ausdrücklich darauf hin, dass Nordkorea das einzige Land war, in dem er noch nie Country-Musik gehört hat
  27. ^ Ewen, S. 3Von allen Beiträgen der Amerikaner zur Weltkultur – Automatisierung und Fließband, Werbung, unzählige Geräte und Gadgets, Wolkenkratzer, Superverkäufer, Baseball, Ketchup, Senf und Hot Dogs und Hamburger – wurde ein unbestreitbar Einheimischer zu Herzen genommen die ganze Welt. Es ist amerikanische Popmusik.
  28. ^ Garofalo, S. 94 Damitwir uns nicht in der Geschichte verlieren, sei gesagt, dass die Musik, die Rock 'n' Roll genannt wurde, in den 1950er Jahren begann, als verschiedene und selten gehörte Teile der Bevölkerung eine dominante Stimme in der Mainstream-Kultur erlangten und die sehr Konzept dessen, was populäre Musik war.
  29. ^ Gillett, S. Ich, Zitat von Garofalo, S. 4 Garofalo zitiert Gillett, weilRock and Roll (sic) vielleicht die erste Form der Populärkultur war, die vorbehaltlos Merkmale des Stadtlebens feierte, die zu den am meisten kritisierten gehörten.

Verweise

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