Arie -Aria

Die Abschiedsarie von Sultan Bazajet in Händels Oper Tamerlano . (Beachten Sie die Da-capo- Anweisung.) Erste Ausgabe, London, 1719.

In der Musik eine Arie ( italienisch :[ˈaːrja] ; Plural : Arie [ˈaːrje] , oder Arien im allgemeinen Sprachgebrauch, Verkleinerungsform arietta [aˈrjetta] , Plural Ariette oder auf Englisch einfach Air ) ist ein in sich geschlossenes Stück für eine Stimme, mit oder ohne Instrumental- oder Orchesterbegleitung , normalerweise Teil eines größeren Werks.

Der typische Kontext für Arien ist die Oper , aber Vokalarien kommen auch in Oratorien und Kantaten vor, oder sie können eigenständige Konzertarien sein . Der Begriff wurde ursprünglich verwendet, um sich auf jede ausdrucksstarke Melodie zu beziehen , die normalerweise, aber nicht immer, von einem Sänger vorgetragen wird.

Etymologie

Der italienische Begriff Arie , der sich aus dem Griechischen ἀήρ und dem Lateinischen aer (Luft) ableitet, tauchte erstmals im 14. Jahrhundert in Bezug auf Musik auf, als er einfach eine Art oder einen Stil des Singens oder Spielens bezeichnete. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts bezieht sich der Begriff „Arie“ auf eine instrumentale Form (vgl. Santino Garsi da Parma Lautenwerke, „Aria del Gran Duca“). Im frühen 16. Jahrhundert wurde es allgemein als einfache Vertonung von Strophendichtung verwendet ; melodische Madrigale , frei von komplexer Polyphonie , wurden als Madrigale Arioso bezeichnet .

In der Oper

Arienform in der französischen und italienischen Oper des späten 17. Jahrhunderts

Im Kontext von szenischen Werken und Konzertwerken entwickelten sich Arien von einfachen Melodien zu strukturierten Formen. In solchen Werken wurde die gesungene, melodische und strukturierte Arie von dem eher sprachlichen Rezitativ ( parlando ) unterschieden – im Großen und Ganzen tendierte letzteres dazu, die Handlung zu tragen, ersteres trug mehr emotionale Fracht und wurde zu einer Gelegenheit für Sänger stellen ihr Gesangstalent unter Beweis.

Die Arie entwickelte sich typischerweise in einer von zwei Formen. Arien in binärer Form waren in zwei Abschnitte unterteilt (A–B); Arien in ternärer Form (A–B–A) waren als Da-Capo-Arien bekannt (wörtlich „aus dem Kopf“, dh mit wiederholtem Eröffnungsabschnitt, oft in hochdekorierter Weise). In der Da-Capo -Arie wäre die „B“-Episode typischerweise in einer anderen Tonart – der dominanten oder relativen Dur - Tonart. Andere Varianten dieser Formen finden sich in den französischen Opern des späten 17. Jahrhunderts wie denen von Jean-Baptiste Lully , die die Zeit des französischen Barock dominierten; Gesangssoli in seinen Opern (natürlich mit dem französischen Begriff Airs bezeichnet) sind häufig in erweiterter binärer Form (ABB') oder manchmal in Rondeauform (ABACA) (eine Form, die dem instrumentalen Rondo entspricht ).

In der italienischen Komponistenschule des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts wurde die Da-Capo - Arienform allmählich mit dem Ritornell (wörtlich „kleine Rückkehr“) in Verbindung gebracht, einer wiederkehrenden Instrumentalepisode, die mit den Elementen des durchsetzt war Arie und bot schließlich in frühen Opern die Gelegenheit zum Tanzen oder Auftritten von Charakteren. Diese Version der Arienform mit Ritornellen wurde im 18. Jahrhundert zu einem dominierenden Merkmal der europäischen Oper. Einige Autoren halten es für den Ursprung der Instrumentalformen Konzert- und Sonatenform . Die Ritornelle wurden für die Struktur der Arie wesentlich - "während die Worte den Charakter einer Melodie bestimmen, entschieden die Ritornellinstrumente oft, in welcher Form sie präsentiert werden sollte."

18. Jahrhundert

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts hatten Komponisten wie Alessandro Scarlatti die Arienform und insbesondere ihre Da-capo-Version mit Ritornellen als Schlüsselelement der Opera seria etabliert . "Es bot Ausgewogenheit und Kontinuität und gab dennoch Raum für Kontraste. [...] Gerade die Regelmäßigkeit seiner konventionellen Merkmale ermöglichte es, Abweichungen vom Normalen mit aufschlussreicher Wirkung auszunutzen." In den frühen Jahren des Jahrhunderts begannen Arien im italienischen Stil die französische Oper zu übernehmen, was schließlich zum französischen Genre der Ariette führte, normalerweise in einer relativ einfachen ternären Form.

Arten von Opernarien wurden je nach ihrem Charakter unter verschiedenen Begriffen bekannt – z , normalerweise einem Bass oder Bassbariton gegeben ) und so weiter.

MF Robinson beschreibt die Standardarie in der Opera seria im Zeitraum 1720 bis 1760 wie folgt:

Der erste Abschnitt begann normalerweise mit einem Orchesterritornell, nach dem der Sänger eintrat und die Worte der ersten Strophe vollständig sang. Am Ende dieses ersten Vokalabsatzes war die Musik, wenn sie wie üblich in einer Dur-Tonart war, zur Dominante moduliert . Das Orchester spielte dann ein zweites Ritornell, das normalerweise kürzer war als das erste. Der Sänger trat erneut ein und sang dieselben Worte ein zweites Mal durch. Die Musik dieses zweiten Absatzes war oft etwas aufwändiger als die des ersten. Es gab mehr Wortwiederholungen und vielleicht blumigere Vokalisationen. Die Tonart arbeitete sich zurück zum Grundton für die abschließende Gesangskadenz , wonach das Orchester den Abschnitt mit einem abschließenden Ritornell abschloss.

Gluck in einem Porträt von Joseph Duplessis aus dem Jahr 1775

Die Art und Zuordnung der Arien zu den verschiedenen Rollen in der Opera seria war stark formalisiert. Laut dem Dramatiker und Librettisten Carlo Goldoni , in seiner Autobiographie,

Die drei Hauptfiguren des Dramas sollen jeweils fünf Arien singen; zwei im ersten Akt, zwei im zweiten und einer im dritten. Die zweite Schauspielerin und der zweite Sopran können nur drei haben, und die minderwertigen Charaktere müssen sich mit einer einzigen Arie, höchstens zwei, begnügen. Der Verfasser der Worte muss [...] darauf achten, dass nicht zwei pathetische [dh melancholische] Arien aufeinander folgen. Er muss mit der gleichen Vorsicht die Bravourarien, die Handlungsarien, die minderwertigen Arien und die Menuette und Rondeaus verteilen. Er muss es vor allem vermeiden, minderwertigen Charakteren leidenschaftliche Arien, Bravourarien oder Rondeaus zu geben.

Im Gegensatz dazu waren Arien in der Opera buffa (Comic-Oper) oft spezifisch für die Natur der dargestellten Figur (z. B. das freche Dienstmädchen oder der jähzornige ältere Verehrer oder Vormund).

Gegen Ende des Jahrhunderts war klar, dass diese Formate versteinert wurden. Christoph Willibald Gluck fand, sowohl die Opera buffa als auch die Opera seria seien zu weit von dem entfernt, was Oper eigentlich sein sollte, und wirkten unnatürlich. Die Witze der Opera buffa waren fadenscheinig, und die Wiederholung derselben Charaktere ließ sie nur noch als Klischees erscheinen. In der Opera seria widmete sich der Gesang oberflächlichen Effekten und der Inhalt war uninteressant und altbacken. Wie in der Opera buffa waren die Sänger oft Meister der Bühne und der Musik und verzierten die Gesangslinien so üppig, dass das Publikum die ursprüngliche Melodie nicht mehr erkennen konnte. Gluck wollte die Oper zu ihren Ursprüngen zurückführen, sich auf menschliche Dramen und Leidenschaften konzentrieren und Worte und Musik gleich wichtig machen. Die Auswirkungen dieser Gluckschen Reformen waren nicht nur in seinen eigenen Opern, sondern auch in den späteren Werken Mozarts zu sehen ; Die Arien bringen nun viel mehr die individuellen Emotionen der Charaktere zum Ausdruck und sind sowohl fester in der Handlung verankert als auch vorangetrieben. Richard Wagner sollte Glucks Neuerungen in seinem Aufsatz „ Oper und Drama “ von 1850 rühmen: „Der Musikkomponist revoltierte gegen die Eigenwilligkeit des Sängers“; Anstatt "den rein sinnlichen Inhalt der Arie zu ihrer höchsten, edelsten Tonlage zu entfalten", versuchte Gluck, "Caprices Ausführung dieser Arie Fesseln anzulegen, indem er selbst versuchte, der Melodie [...] einen Ausdruck zu geben Antwort auf den zugrunde liegenden Word-Text". Diese Haltung sollte Wagners vermeintlicher Dekonstruktion der Arie in seinem Konzept des Gesamtkunstwerks zugrunde liegen .

19. Jahrhundert

Trotz der Ideale von Gluck und der Tendenz, Libretti so zu organisieren, dass Arien eine organischere Rolle im Drama spielten, anstatt nur seinen Fluss zu unterbrechen, in den Opern des frühen 19. Jahrhunderts (zum Beispiel die von Gioachino Rossini und Gaetano Donizetti ) , Bravourarien blieben zentrale Attraktionen und spielten im 19. Jahrhundert weiterhin eine wichtige Rolle in der großen Oper und in der italienischen Oper.

Eine bevorzugte Arienform in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in der italienischen Oper war die Cabaletta , bei der auf einen liedhaften Cantabile -Abschnitt ein lebhafterer Abschnitt folgt, die eigentliche Cabaletta , die ganz oder teilweise wiederholt wird. Typischerweise wird solchen Arien ein Rezitativ vorangestellt , wobei die ganze Sequenz eine Scena genannt wird . Eventuell gibt es auch Möglichkeiten zur Mitwirkung von Orchester oder Chor. Ein Beispiel ist Casta Diva aus der Oper Norma von Vincenzo Bellini .

Ab etwa 1850 begannen die Arienformen in der italienischen Oper vielfältiger zu werden – viele der Opern von Giuseppe Verdi bieten erweiterte Erzählarien für Hauptrollen, die in ihrem Umfang eine dramatische Intensivierung und Charakterisierung ermöglichen. Beispiele hierfür sind Rigolettos Verurteilung des Gerichts: "Cortigiani, vil razza dannata!" (1851).

Später im Jahrhundert wurden die Opern von Wagner nach 1850 durchkomponiert , wobei weniger Elemente ohne weiteres als eigenständige Arien identifizierbar waren; während das italienische Genre der Verismo -Oper auch versuchte, ariose Elemente zu integrieren, obwohl es immer noch einige „Showstücke“ zuließ.

Titelblatt der Goldberg-Variationen (Erstausgabe, 1741)

Konzertarien

Konzertarien , die nicht Teil eines größeren Werkes sind (oder manchmal geschrieben wurden, um Arien in ihren eigenen Opern oder Opern anderer Komponisten zu ersetzen oder einzufügen ), wurden von Komponisten geschrieben, um Konzertsängern die Möglichkeit zur stimmlichen Darbietung zu bieten; Beispiele sind Ah! perfido , Op. 65, von Beethoven , und eine Reihe von Konzertarien von Mozart , darunter Conservati fedele .

Instrumentalmusik

Der Begriff „Arie“ wurde im 17. und 18. Jahrhundert häufig für Instrumentalmusik verwendet, die zum Tanzen oder Variieren verwendet wurde und sich an der Vokalmusik orientierte. So trugen beispielsweise JS Bachs sogenannte „ Goldberg-Variationen “ in ihrer Veröffentlichung von 1741 den Titel „Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Variationen“.

Das Wort wird in der zeitgenössischen Musik manchmal als Titel für Instrumentalstücke verwendet, zB Robin Holloways „Arie“ für Kammerensemble aus dem Jahr 1980 . oder Harrison Birtwistles Blaskapellenstück „Grimethorpe Aria“ (1973).

Siehe auch

Verweise

Anmerkungen

Quellen

Externe Links