Kunst - Art

Im Uhrzeigersinn von oben links: ein Selbstporträt von Vincent van Gogh aus dem Jahr 1887 ; eine weibliche Ahnenfigur eines Chokwe- Künstlers; Detail aus Die Geburt der Venus (c. 1484–1486) von Sandro Botticelli ; und ein okinawanischer Shisa- Löwe

Kunst ist ein breites Spektrum menschlicher Aktivitäten (oder deren Produkte), die kreative Vorstellungskraft und das Ziel beinhalten, technisches Können, Schönheit, emotionale Kraft oder konzeptionelle Ideen auszudrücken .

Es gibt keine allgemein anerkannte Definition dessen, was Kunst ausmacht, und die Ideen haben sich im Laufe der Zeit verändert. Die drei klassischen Zweige der bildenden Kunst sind Malerei , Bildhauerei und Architektur . Theater , Tanz und andere darstellende Künste sowie Literatur , Musik , Film und andere Medien wie interaktive Medien werden in eine breitere Definition der Künste einbezogen . Bis zum 17. Jahrhundert bezog sich Kunst auf jede Fertigkeit oder Meisterschaft und wurde nicht von Handwerk oder Wissenschaft unterschieden . Im modernen Sprachgebrauch nach dem 17. Jahrhundert, wo ästhetische Überlegungen im Vordergrund stehen, die bildende Kunst wird getrennt und von erworbenen Fähigkeiten im Allgemeinen zu unterscheiden, wie die dekorative oder angewandte Kunst .

Das Wesen der Kunst und verwandte Konzepte wie Kreativität und Interpretation werden in einem Zweig der Philosophie erforscht, der als Ästhetik bekannt ist . Die entstandenen Kunstwerke werden in den Berufsfeldern der Kunstkritik und der Kunstgeschichte studiert .

Überblick

Panorama eines Abschnitts von Tausend Li der Berge und Flüsse , einem Gemälde des Künstlers Wang Ximeng aus der Song-Dynastie aus dem 12. Jahrhundert .

Aus kunsthistorischer Sicht gibt es künstlerische Werke fast so lange wie die Menschheit: von der frühen prähistorischen bis zur zeitgenössischen Kunst ; Einige Theoretiker meinen jedoch, dass das typische Konzept der "künstlerischen Werke" außerhalb moderner westlicher Gesellschaften weniger gut passt. Ein früher Sinn der Definition von Kunst ist eng mit der älteren lateinischen Bedeutung verbunden, die grob mit "Fertigkeit" oder "Handwerk" übersetzt wird, wie sie mit Wörtern wie "Handwerker" verbunden ist. Englisch Worte aus dieser Bedeutung abgeleitet sind Artefakt , künstliche , Künstlichkeit , medizinische Kunst und Kriegskunst . Es gibt jedoch viele andere umgangssprachliche Verwendungen des Wortes, die alle einen Bezug zu seiner Etymologie haben .

Flasche des 20. Jahrhunderts, Twa- Völker, Ruanda, Künstlerische Werke können neben ihrem dekorativen Wert auch praktische Funktionen erfüllen.

Im Laufe der Zeit stellten unter anderem Philosophen wie Platon , Aristoteles , Sokrates und Kant die Bedeutung der Kunst in Frage. Mehrere Dialoge bei Platon behandeln Fragen der Kunst: Sokrates sagt, dass die Poesie von den Musen inspiriert und nicht rational ist. Davon und anderen Formen des göttlichen Wahnsinns (Trunkenheit, Erotik und Träumerei) spricht er zustimmend im Phädros (265a–c) und will doch in der Republik Homers große Dichtkunst und auch das Lachen verbieten. In Ion gibt Sokrates keinen Hinweis auf die Missbilligung Homers, die er in der Republik zum Ausdruck bringt . Der Dialog Ion legt nahe , dass Homer ‚s Ilias in der antiken griechischen Welt funktionierte wie die Bibel heute in der modernen christlichen Welt tut: als göttlich literarische Kunst inspiriert , die moralische Führung zur Verfügung stellen kann, wenn nur kann es richtig interpretiert werden.

In Bezug auf die literarische Kunst und die musikalischen Künste betrachtete Aristoteles epische Poesie , Tragödie, Komödie, dithyrambische Poesie und Musik als mimetische oder nachahmende Kunst, die sich jeweils in der Nachahmung nach Medium, Objekt und Art unterscheiden. Musik imitiert zum Beispiel mit den Medien Rhythmus und Harmonie, während Tanz allein mit Rhythmus imitiert und Poesie mit Sprache. Die Formen unterscheiden sich auch in ihrem Nachahmungsgegenstand. Komödie zum Beispiel ist eine dramatische Nachahmung von Männern, die schlechter als der Durchschnitt sind; wohingegen die Tragödie Männer etwas besser nachahmt als der Durchschnitt. Schließlich unterscheiden sich die Formen in ihrer Art der Nachahmung – durch Erzählung oder Charakter, durch Veränderung oder keine Veränderung und durch Drama oder kein Drama. Aristoteles glaubte, dass Nachahmung für die Menschheit natürlich ist und einen der Vorteile der Menschheit gegenüber Tieren darstellt.

Die neuere und spezifischere Bedeutung des Wortes Kunst als Abkürzung für kreative Kunst oder bildende Kunst entstand im frühen 17. Jahrhundert. Bildende Kunst bezieht sich auf eine Fähigkeit, die verwendet wird, um die Kreativität des Künstlers auszudrücken oder das ästhetische Empfinden des Publikums zu wecken oder das Publikum dazu zu bringen, verfeinerte oder feinere Kunstwerke in Betracht zu ziehen .

In diesem letzteren Sinne kann sich das Wort Kunst auf mehrere Dinge beziehen: (i) das Studium einer kreativen Fähigkeit, (ii) einen Prozess der Anwendung der kreativen Fähigkeit, (iii) ein Produkt der kreativen Fähigkeit oder (iv) die die Erfahrung des Publikums mit der kreativen Fähigkeit. Die kreativen Künste ( Kunst als Disziplin) sind eine Sammlung von Disziplinen, die Kunstwerke ( Kunst als Objekte) hervorbringen , die von einem persönlichen Antrieb (Kunst als Aktivität) angetrieben werden und eine Botschaft, Stimmung oder Symbolik vermitteln, die der Wahrnehmende interpretieren kann (Kunst als Erfahrung). Kunst ist etwas, das die Gedanken, Emotionen, Überzeugungen oder Ideen einer Person durch die Sinne anregt. Kunstwerke können explizit zu diesem Zweck angefertigt oder anhand von Bildern oder Objekten interpretiert werden. Für einige Gelehrte wie Kant könnten die Wissenschaften und die Künste dadurch unterschieden werden, dass sie die Wissenschaft als den Bereich des Wissens und die Künste als den Bereich der Freiheit des künstlerischen Ausdrucks betrachten.

Wenn die Fertigkeit allgemein oder praktisch verwendet wird, betrachten die Leute sie oft als Handwerk und nicht als Kunst. Wenn die Fertigkeit gewerblich oder industriell verwendet wird, kann sie gleichermaßen als kommerzielle Kunst anstelle von bildender Kunst angesehen werden. Andererseits gelten Handwerk und Design manchmal als angewandte Kunst . Einige Kunstanhänger haben argumentiert, dass der Unterschied zwischen bildender Kunst und angewandter Kunst mehr mit Werturteilen über die Kunst zu tun hat als mit einem klaren Definitionsunterschied. Aber auch bildende Kunst hat oft Ziele, die über reine Kreativität und Selbstdarstellung hinausgehen. Der Zweck von Kunstwerken kann darin bestehen, Ideen zu vermitteln, beispielsweise in politisch, spirituell oder philosophisch motivierter Kunst; einen Sinn für Schönheit zu schaffen (siehe Ästhetik ); die Natur der Wahrnehmung zu erforschen; zum Vergnügen; oder starke Emotionen zu erzeugen . Der Zweck kann auch scheinbar nicht vorhanden sein.

Das Wesen der Kunst wurde vom Philosophen Richard Wollheim als "eines der schwer fassbaren traditionellen Probleme der menschlichen Kultur" beschrieben. Kunst wurde als Vehikel zum Ausdruck oder zur Kommunikation von Emotionen und Ideen, als Mittel zur Erforschung und Wertschätzung formaler Elemente um ihrer selbst willen und als Mimesis oder Repräsentation definiert . Kunst als Mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie des Aristoteles . Leo Tolstoi identifizierte Kunst als die Verwendung indirekter Mittel, um von einer Person zur anderen zu kommunizieren. Benedetto Croce und RG Collingwood vertreten die idealistische Ansicht, dass Kunst Emotionen ausdrückt und dass das Kunstwerk daher im Wesentlichen im Kopf des Schöpfers existiert. Die Theorie der Kunst als Form hat ihre Wurzeln in der Philosophie von Kant und wurde Anfang des 20. Jahrhunderts von Roger Fry und Clive Bell entwickelt . In jüngerer Zeit haben von Martin Heidegger beeinflusste Denker die Kunst als Mittel interpretiert, mit dem eine Gemeinschaft für sich selbst ein Medium zur Selbstdarstellung und Interpretation entwickelt. George Dickie hat eine institutionelle Kunsttheorie entwickelt , die ein Kunstwerk als jedes Artefakt definiert, dem eine qualifizierte Person oder Personen, die im Namen der gemeinhin als " Kunstwelt " bezeichneten sozialen Institution handeln, "den Status eines Kandidaten für Anerkennung" verliehen hat ". Larry Shiner hat die bildende Kunst als "keine Essenz oder ein Schicksal, sondern etwas, das wir gemacht haben, beschrieben. Kunst, wie wir sie allgemein verstehen, ist eine europäische Erfindung, die kaum 200 Jahre alt ist."

Kunst kann in Bezug auf Mimesis (Repräsentation der Realität), Erzählung (Geschichtenerzählen), Ausdruck, Kommunikation von Emotionen oder anderen Qualitäten charakterisiert werden . In der Romantik wurde die Kunst als „eine besondere Fähigkeit des menschlichen Geistes, die mit Religion und Wissenschaft zu klassifizieren ist“, gesehen.

Geschichte

Venus von Willendorf , ca. 24.000–22.000  BP
Rückseite eines ovalen Beckens oder einer Schüssel aus der Renaissance im Metropolitan Museum of Art

Eine von Homo erectus gravierte Muschel wurde auf zwischen 430.000 und 540.000 Jahre alt. Ein Satz von acht 130.000 Jahre alten Seeadlerkrallen trägt Schnittspuren und Abrieb, die auf Manipulationen durch Neandertaler hinweisen, möglicherweise um sie als Schmuck zu verwenden. Eine Reihe von winzigen, gebohrten Schneckenhäusern, die etwa 75.000 Jahre alt sind, wurden in einer südafrikanischen Höhle entdeckt. Es wurden Behälter gefunden, die möglicherweise zur Aufnahme von Farben verwendet wurden, die bis zu 100.000 Jahre alt sind.

Skulpturen, Höhlenmalereien , Felsmalereien und Petroglyphen aus dem Jungpaläolithikum vor etwa 40.000 Jahren wurden gefunden, aber die genaue Bedeutung dieser Kunst wird oft umstritten, weil so wenig über die Kulturen bekannt ist, die sie hervorgebracht haben.

Höhlenmalerei eines Pferdes aus den Höhlen von Lascaux , ca. 16.000 BP

Viele große Kunsttraditionen haben eine Grundlage in der Kunst einer der großen alten Zivilisationen: Altes Ägypten , Mesopotamien , Persien , Indien, China, antikes Griechenland, Rom sowie Inka , Maya und Olmeken . Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation entwickelte in seiner Kunst einen einzigartigen und charakteristischen Stil. Aufgrund der Größe und Dauer dieser Zivilisationen haben mehr ihrer Kunstwerke überlebt und mehr von ihrem Einfluss wurde auf andere Kulturen und spätere Zeiten übertragen. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen über die Arbeitsweise von Künstlern geliefert. Zum Beispiel sah diese Periode der griechischen Kunst eine Verehrung der menschlichen Körperform und die Entwicklung gleichwertiger Fähigkeiten, um Muskulatur, Haltung, Schönheit und anatomisch korrekte Proportionen zu zeigen.

In der byzantinischen und mittelalterlichen Kunst des westlichen Mittelalters konzentrierte sich viel Kunst auf den Ausdruck von Themen der biblischen und religiösen Kultur und verwendete Stile, die den höheren Ruhm einer himmlischen Welt zeigten, wie die Verwendung von Gold im Hintergrund von Gemälden, oder Glas in Mosaiken oder Fenstern, die auch Figuren in idealisierten, gemusterten (flachen) Formen präsentierten. Dennoch blieb in kleinen byzantinischen Werken eine klassische realistische Tradition bestehen, und der Realismus wuchs in der Kunst des katholischen Europas stetig .

Die Kunst der Renaissance legte einen stark erhöhten Wert auf die realistische Darstellung der materiellen Welt und den Platz des Menschen darin, der sich in der Körperlichkeit des menschlichen Körpers widerspiegelt, und die Entwicklung einer systematischen Methode der grafischen Perspektive , um Rezession in einer dreidimensionalen Darstellung darzustellen bild raum.

Die stilisierte Signatur von Sultan Mahmud II. des Osmanischen Reiches wurde in islamischer Kalligraphie geschrieben . Darauf steht: „Mahmud Khan, Sohn von Abdulhamid, ist für immer siegreich“.
Die Große Moschee von Kairouan in Tunesien, auch Uqba-Moschee genannt, ist eines der schönsten, bedeutendsten und am besten erhaltenen künstlerischen und architektonischen Beispiele früher großer Moscheen. In ihrem heutigen Zustand aus dem 9. Jahrhundert datiert, ist sie der Vorfahre und das Vorbild aller Moscheen in den westlichen islamischen Ländern.

Im Osten führte die Ablehnung der Ikonographie durch die islamische Kunst zu einer Betonung geometrischer Muster , Kalligraphie und Architektur . Weiter östlich dominierte auch die Religion künstlerische Stile und Formen. Indien und Tibet legten den Schwerpunkt auf bemalte Skulpturen und Tanz, während religiöse Malerei viele Konventionen aus der Bildhauerei entlehnte und zu hellen kontrastierenden Farben mit Betonung der Umrisse neigte. China erlebte das Aufblühen vieler Kunstformen: Jadeschnitzen, Bronzearbeiten, Keramik (einschließlich der atemberaubenden Terrakotta-Armee von Kaiser Qin), Poesie, Kalligraphie, Musik, Malerei, Drama, Belletristik usw. Chinesische Stile variieren stark von Epoche zu Epoche und jede man wird traditionell nach der herrschenden Dynastie benannt. So sind zum Beispiel die Gemälde der Tang-Dynastie monochromatisch und spärlich und betonen idealisierte Landschaften, aber die Gemälde der Ming-Dynastie sind geschäftig und farbenfroh und konzentrieren sich darauf, Geschichten durch Kulisse und Komposition zu erzählen. Japan benennt seine Stile ebenfalls nach kaiserlichen Dynastien und sah auch viele Wechselwirkungen zwischen den Stilen der Kalligraphie und der Malerei. Der Holzschnitt gewann in Japan nach dem 17. Jahrhundert an Bedeutung.

Gemälde des Künstlers der Song-Dynastie Ma Lin, um 1250. 24,8 × 25,2 cm

Das westliche Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert sieht künstlerische Darstellungen von physischen und rational Gewissheiten des Uhrwerks Universum sowie politisch revolutionäre Visionen einer post Monarchist Welt, wie Blake ‚s Darstellung von Newton als göttlichem Geometer oder David 's propagandistische Gemälde. Dies führte dazu, dass die Romantik dies zugunsten von Bildern der emotionalen Seite und der Individualität des Menschen ablehnte, wie sie in den Romanen von Goethe veranschaulicht wurden . Im späten 19. Jahrhundert gab es dann eine Vielzahl von künstlerischen Bewegungen, wie unter anderem akademische Kunst , Symbolismus , Impressionismus und Fauvismus .

Die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts ist eine Erzählung von endlosen Möglichkeiten und der Suche nach neuen Standards, die nacheinander niedergerissen werden. So können die Parameter des Impressionismus , Expressionismus , Fauvismus , Kubismus , Dadaismus , Surrealismus usw. nicht weit über die Zeit ihrer Erfindung hinaus beibehalten werden. Die zunehmende globale Interaktion während dieser Zeit führte zu einem gleichwertigen Einfluss anderer Kulturen auf die westliche Kunst. So hatten japanische Holzschnitte (die selbst von der Zeichenkunst der westlichen Renaissance beeinflusst waren) einen immensen Einfluss auf den Impressionismus und die spätere Entwicklung. Später wurden afrikanische Skulpturen von Picasso und teilweise von Matisse aufgegriffen . In ähnlicher Weise im 19. und 20. Jahrhundert hat der Westen auf Ost - Kunst große Auswirkungen hat mit ursprünglich westlichen Ideen wie Kommunismus und Postmoderne einen starken Einfluss ausüben.

Die Moderne , die idealistische Wahrheitssuche, wich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts einer Erkenntnis ihrer Unerreichbarkeit. Theodor W. Adorno sagte 1970: "Es gilt heute als selbstverständlich, dass nichts, was die Kunst betrifft, mehr selbstverständlich ist: weder die Kunst selbst, noch die Kunst im Verhältnis zum Ganzen, nicht einmal die Existenzberechtigung der Kunst." Der Relativismus wurde als unausweichliche Wahrheit akzeptiert, was in die Zeit der zeitgenössischen Kunst und postmodernen Kritik führte , in der Welt- und Geschichtskulturen als sich verändernde Formen gesehen werden, die nur mit Skepsis und Ironie gewürdigt und geschöpft werden können . Darüber hinaus wird die Trennung der Kulturen zunehmend verwischt und einige argumentieren, dass es jetzt angemessener sei, in einer globalen Kultur statt in einer regionalen Kultur zu denken.

In Die Entstehung des Kunstwerks beschreibt Martin Heidegger, ein deutscher Philosoph und wegweisender Denker, das Wesen der Kunst in Begriffen von Sein und Wahrheit. Er argumentiert, dass Kunst nicht nur eine Möglichkeit ist, das Element der Wahrheit in einer Kultur auszudrücken, sondern auch das Mittel, es zu schaffen und ein Sprungbrett zu bieten, von dem aus "das, was ist", enthüllt werden kann. Kunstwerke sind nicht nur Repräsentationen der Dinge, sondern produzieren ein gemeinsames Verständnis einer Gemeinschaft. Jedes Mal, wenn einer Kultur ein neues Kunstwerk hinzugefügt wird, ändert sich die Bedeutung dessen, was es sein soll, von Natur aus.

Historisch wurden Kunst und künstlerische Fähigkeiten und Ideen oft durch den Handel verbreitet. Ein Beispiel dafür ist die Seidenstraße , wo sich hellenistische, iranische, indische und chinesische Einflüsse vermischen könnten. Die griechisch-buddhistische Kunst ist eines der anschaulichsten Beispiele für diese Interaktion. Das Aufeinandertreffen verschiedener Kulturen und Weltanschauungen beeinflusste auch das künstlerische Schaffen. Ein Beispiel dafür ist die multikulturelle Hafenmetropole Triest zu Beginn des 20. Jahrhunderts, wo James Joyce Schriftsteller aus Mitteleuropa und die künstlerische Entwicklung New Yorks als kultureller Schmelztiegel kennenlernte.

Formen, Genres, Medien und Stile

Napoleon I. auf seinem kaiserlichen Thron von Ingres (Französisch, 1806), Öl auf Leinwand

Die kreativen Künste werden oft in spezifischere Kategorien unterteilt, typischerweise entlang wahrnehmbar unterscheidbarer Kategorien wie Medien , Genre, Stile und Form. Kunstform bezieht sich auf die Elemente der Kunst , die unabhängig von ihrer Interpretation oder Bedeutung sind. Es umfasst die vom Künstler angewandten Methoden und die physische Zusammensetzung des Kunstwerks, hauptsächlich nicht-semantische Aspekte des Werks (dh Figurae ), wie Farbe , Kontur , Dimension , Medium , Melodie , Raum , Textur und Wert . Form kann auch visuelle Gestaltungsprinzipien umfassen , wie Anordnung, Balance , Kontrast , Betonung , Harmonie , Proportion , Nähe und Rhythmus.

Im Allgemeinen gibt es drei kunstphilosophische Schulen, die sich jeweils auf Form, Inhalt und Kontext konzentrieren. Extreme Formalism ist die Ansicht, dass alle ästhetischen Eigenschaften der Kunst formal sind (dh Teil der Kunstform). Philosophen lehnen diese Ansicht fast überall ab und vertreten die Ansicht, dass die Eigenschaften und die Ästhetik der Kunst über Materialien, Techniken und Formen hinausgehen. Leider gibt es wenig Konsens über die Terminologie dieser informellen Eigenschaften. Manche Autoren beziehen sich auf Themen und Inhalte – also Denotationen und Konnotationen – während andere Begriffe wie Bedeutung und Bedeutung bevorzugen .

Extreme Intentionalism vertritt die Ansicht, dass die auktoriale Intention für die Bedeutung eines Kunstwerks eine entscheidende Rolle spielt, indem sie den Inhalt oder die wesentliche Hauptidee vermittelt, während alle anderen Interpretationen verworfen werden können. Es definiert das Subjekt als die dargestellte Person oder Idee und den Inhalt als die Erfahrung des Künstlers mit diesem Thema. Zum Beispiel ist die Komposition Napoleons I. auf seinem Kaiserthron teilweise der Zeus-Statue in Olympia entlehnt . Wie aus dem Titel hervorgeht, ist das Thema Napoleon , und der Inhalt ist Ingres 'Darstellung von Napoleon als "Kaiser-Gott jenseits von Zeit und Raum". Ähnlich dem extremen Formalismus lehnen Philosophen in der Regel extremen Intentionalismus ab, da Kunst mehrere mehrdeutige Bedeutungen haben kann und die Absicht des Autors nicht erkennbar und daher irrelevant ist. Seine restriktive Interpretation ist „sozial ungesund, philosophisch irreal und politisch unklug“.

Schließlich untersucht die sich entwickelnde Theorie des Poststrukturalismus die Bedeutung von Kunst in einem kulturellen Kontext, wie etwa die Ideen, Emotionen und Reaktionen, die von einem Werk ausgelöst werden. Der kulturelle Kontext reduziert sich oft auf die Techniken und Intentionen des Künstlers, wobei die Analyse ähnlich dem Formalismus und Intentionalismus verläuft. In anderen Fällen können jedoch historische und materielle Bedingungen vorherrschen, wie religiöse und philosophische Überzeugungen, gesellschaftspolitische und wirtschaftliche Strukturen oder auch Klima und Geographie. Die Kunstkritik wächst und entwickelt sich neben der Kunst weiter.

Geschick und Handwerk

Kunst kann ein Gefühl für trainierte Fähigkeiten oder Beherrschung eines Mediums bedeuten . Kunst kann sich auch einfach auf den entwickelten und effizienten Gebrauch einer Sprache beziehen, um Bedeutung mit Unmittelbarkeit oder Tiefe zu vermitteln. Kunst kann als ein Akt des Ausdrucks von Gefühlen, Gedanken und Beobachtungen definiert werden.

Durch den Umgang mit dem Material entsteht ein Verständnis, das die Denkprozesse erleichtert. Eine verbreitete Ansicht ist, dass der Beiname „Kunst“ insbesondere in seinem gehobenen Sinn ein gewisses Maß an gestalterischer Kompetenz des Künstlers erfordert, sei es die Demonstration von technischem Können, eine Originalität in der stilistischen Herangehensweise oder eine Kombination aus beidem. Traditionell galt handwerkliches Geschick als eine von der Kunst untrennbare und damit für ihren Erfolg notwendige Eigenschaft; für Leonardo da Vinci war Kunst, weder mehr noch weniger als seine anderen Bestrebungen, eine Manifestation von Können. Rembrandts Werk, das heute für seine ephemeren Tugenden gelobt wird, wurde von seinen Zeitgenossen wegen seiner Virtuosität am meisten bewundert. An der Wende des 20. Jahrhunderts, die gewandten Aufführungen von John Singer Sargent wurden abwechselnd bewundert und mit Skepsis für ihre manuelle Geläufigkeit gesehen, aber bei fast gleichzeitig der Künstler, der die Ära der bekanntesten und peripatetic iconoclast werden würde, Pablo Picasso , war absolvierte eine traditionelle akademische Ausbildung, in der er sich auszeichnete.

Detail von Leonardo da Vinci ‚s Mona Lisa , c. 1503–1506, zeigt die Maltechnik von Sfumato

Eine gängige zeitgenössische Kritik an einigen modernen Kunstwerken erfolgt in der Richtung, dass der offensichtliche Mangel an Fähigkeiten oder Fähigkeiten, die bei der Herstellung des künstlerischen Objekts erforderlich sind, abgelehnt wird. In der Konzeptkunst gehört Marcel DuchampsBrunnen “ zu den ersten Beispielen für Werke, bei denen der Künstler vorgefundene Objekte („ready-made“) verwendete und keine traditionell anerkannten Fähigkeiten ausübte. Tracey Emin ‚s My Bed oder Damien Hirst ‘ s Die physische Unmöglichkeit des Todes in der Vorstellung eines Lebenden diesem Beispiel folgen und auch die Massenmedien manipulieren. Emin schlief (und beschäftigte sich mit anderen Aktivitäten) in ihrem Bett, bevor sie das Ergebnis als Kunstwerk in eine Galerie stellte. Hirst hat das konzeptionelle Design für das Kunstwerk entwickelt, aber den größten Teil der letztendlichen Kreation vieler Werke den angestellten Handwerkern überlassen. Hirsts Berühmtheit beruht ausschließlich auf seiner Fähigkeit, schockierende Konzepte zu produzieren. Die eigentliche Produktion in vielen konzeptuellen und zeitgenössischen Kunstwerken ist das Zusammenfügen von Fundstücken. Es gibt jedoch viele moderne und zeitgenössische Künstler, die sich weiterhin durch ihre Fähigkeiten im Zeichnen und Malen auszeichnen und praktische Kunstwerke schaffen.

Zweck

Ein Navajo-Teppich, hergestellt um 1880
Mozarabische Beatus- Miniatur . Spanien, Ende des 10. Jahrhunderts

Die Kunst hat im Laufe ihrer Geschichte eine Vielzahl unterschiedlicher Funktionen gehabt, so dass es schwierig ist, ihren Zweck auf ein einzelnes Konzept zu abstrahieren oder zu quantifizieren. Dies bedeutet nicht, dass der Zweck der Kunst "vage" ist, sondern dass sie viele einzigartige, unterschiedliche Gründe für ihre Entstehung hatte. Einige dieser Funktionen von Art werden in der folgenden Übersicht dargestellt. Die verschiedenen Zwecke der Kunst lassen sich nach unmotivierten und motivierten Zwecken einteilen (Lévi-Strauss).

Unmotivierte Funktionen

Die unmotivierten Zwecke der Kunst sind solche, die integraler Bestandteil des Menschseins sind, das Individuum transzendieren oder einen bestimmten äußeren Zweck nicht erfüllen. In diesem Sinne ist Kunst als Kreativität etwas, das der Mensch von Natur aus tun muss (dh keine andere Spezies schafft Kunst) und ist daher jenseits des Nutzens.

  1. Menschlicher Grundinstinkt für Harmonie, Gleichgewicht, Rhythmus . Kunst auf dieser Ebene ist keine Handlung oder ein Objekt, sondern eine innere Wertschätzung von Gleichgewicht und Harmonie (Schönheit) und damit ein Aspekt des Menschseins jenseits der Nützlichkeit.

    Nachahmung ist also ein Instinkt unserer Natur. Als nächstes kommt der Instinkt für „Harmonie“ und Rhythmus, wobei Takte offensichtlich Abschnitte des Rhythmus sind. Daher entwickelten die Menschen, beginnend mit dieser natürlichen Begabung, nach und nach ihre besonderen Fähigkeiten, bis ihre groben Improvisationen die Poesie hervorbrachten. – Aristoteles

  2. Erfahrung des Geheimnisvollen. Kunst bietet eine Möglichkeit, sich selbst in Bezug auf das Universum zu erfahren. Diese Erfahrung kann oft unmotiviert sein, da man Kunst, Musik oder Poesie schätzt.

    Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft. - Albert Einstein

  3. Ausdruck der Vorstellungskraft. Kunst bietet ein Mittel, um die Vorstellungskraft auf nicht-grammatische Weise auszudrücken, die nicht an die Formalität der gesprochenen oder geschriebenen Sprache gebunden ist. Im Gegensatz zu Wörtern, die in Sequenzen vorkommen und von denen jedes eine bestimmte Bedeutung hat, bietet die Kunst eine Reihe von Formen, Symbolen und Ideen mit Bedeutungen, die formbar sind.

    Der Adler des Jupiter [als Kunstbeispiel] ist nicht wie logische (ästhetische) Attribute eines Gegenstandes der Begriff der Erhabenheit und Majestät der Schöpfung, sondern etwas anderes – etwas, das der Phantasie einen Anreiz gibt, ihren Flug über ein eine ganze Reihe verwandter Darstellungen, die mehr zum Nachdenken anregen als sich in einem durch Worte bestimmten Begriff ausdrücken lassen. Sie liefern eine ästhetische Idee, die der obigen rationalen Idee als Ersatz für die logische Darstellung dient, jedoch mit der eigentlichen Funktion, den Geist zu beleben, indem sie ihm eine Perspektive auf ein über seinen Horizont hinausgehendes Feld verwandter Vorstellungen eröffnet. - Immanuel Kant

  4. Ritualistische und symbolische Funktionen. In vielen Kulturen wird Kunst bei Ritualen, Aufführungen und Tänzen als Dekoration oder Symbol verwendet. Während diese oft keinen spezifischen utilitaristischen (motivierten) Zweck haben, wissen Anthropologen, dass sie oft einem Zweck auf der Bedeutungsebene innerhalb einer bestimmten Kultur dienen. Diese Bedeutung wird nicht von einem einzelnen Individuum geliefert, sondern ist oft das Ergebnis vieler Generationen des Wandels und einer kosmologischen Beziehung innerhalb der Kultur.

    Die meisten Wissenschaftler, die sich mit Felsmalereien oder Fundstücken aus prähistorischen Kontexten beschäftigen, die nicht utilitaristisch erklärt werden können und daher als dekorativ, rituell oder symbolisch kategorisiert werden, sind sich der Falle des Begriffs „Kunst“ bewusst. – Silva Tomaskova

Motivierte Funktionen

Motivierte Kunstzwecke beziehen sich auf absichtliche, bewusste Handlungen des Künstlers oder Schöpfers. Dies können politische Veränderungen sein, einen Aspekt der Gesellschaft kommentieren, eine bestimmte Emotion oder Stimmung vermitteln, sich mit der Personalpsychologie auseinandersetzen, eine andere Disziplin veranschaulichen, (mit der Gebrauchsgrafik) ein Produkt verkaufen oder einfach als Form der Kommunikation.

  1. Kommunikation. Kunst ist in ihrer einfachsten Form eine Form der Kommunikation. Da die meisten Kommunikationsformen eine Absicht oder ein Ziel haben, die auf eine andere Person gerichtet sind, ist dies ein motivierter Zweck. Illustrative Künste, wie die wissenschaftliche Illustration, sind eine Form der Kunst als Kommunikation. Karten sind ein weiteres Beispiel. Der Inhalt muss jedoch nicht wissenschaftlich sein. Emotionen, Stimmungen und Gefühle werden auch durch die Kunst vermittelt.

    [Kunst ist eine Reihe von] Artefakten oder Bildern mit symbolischer Bedeutung als Kommunikationsmittel. – Steve Mithen

  2. Kunst als Unterhaltung . Kunst kann versuchen, eine bestimmte Emotion oder Stimmung zu erzeugen, um den Betrachter zu entspannen oder zu unterhalten. Dies ist oft die Funktion der Kunstindustrien von Filmen und Videospielen.
  3. Die Avantgarde. Kunst für politischen Wandel. Eine der bestimmenden Funktionen der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts war es, mit visuellen Bildern einen politischen Wandel herbeizuführen. Kunstbewegungen, die dieses Ziel verfolgten – unter anderem Dadaismus , Surrealismus , russischer Konstruktivismus und Abstrakter Expressionismus – werden zusammenfassend als Avantgarde- Künste bezeichnet.

    Im Gegensatz dazu scheint mir die realistische, vom Positivismus inspirierte Haltung von Thomas von Aquin bis Anatole France eindeutig feindlich gegenüber jeglichem intellektuellen oder moralischen Fortschritt zu sein. Ich hasse es, denn es besteht aus Mittelmäßigkeit, Hass und stumpfer Einbildung. Es ist diese Haltung, die heute diese lächerlichen Bücher, diese beleidigenden Theaterstücke hervorbringt. Sie nährt sich ständig von den Zeitungen und schöpft daraus Kraft und verdummt sowohl Wissenschaft als auch Kunst, indem sie eifrig dem niedrigsten Geschmack schmeichelt; an Dummheit grenzende Klarheit, ein Hundeleben. – André Breton (Surrealismus)

  4. Kunst als "freie Zone" , aus der Aktion der gesellschaftlichen Zensur herausgenommen. Im Gegensatz zu den Avantgarde- Bewegungen, die kulturelle Unterschiede auslöschen wollten, um neue universelle Werte hervorzubringen, hat die zeitgenössische Kunst ihre Toleranz gegenüber kulturellen Unterschieden sowie ihre kritischen und befreienden Funktionen (soziale Untersuchung, Aktivismus, Subversion, Dekonstruktion ... ) zu einem offeneren Ort für Forschung und Experimente.
  5. Kunst für soziale Forschung, Subversion oder Anarchie. Während subversive oder dekonstruktivistische Kunst der Kunst für politischen Wandel ähnlich ist, kann sie versuchen, Aspekte der Gesellschaft ohne spezifisches politisches Ziel zu hinterfragen. In diesem Fall kann die Funktion der Kunst einfach darin bestehen, einen Aspekt der Gesellschaft zu kritisieren.
    Sprühen Sie Graffiti an eine Wand in Rom
    Graffiti - Kunst und andere Arten von Straßenkunst sind Grafiken und Bilder , die sind Spray-lackiert oder stencilled auf öffentlich einsehbaren Mauern, Gebäude, Bussen, Zügen und Brücken, in der Regel ohne Genehmigung. Bestimmte Kunstformen wie Graffiti können ebenfalls illegal sein, wenn sie gegen Gesetze verstoßen (in diesem Fall Vandalismus).
  6. Kunst für soziale Zwecke. Kunst kann verwendet werden, um Bewusstsein für eine Vielzahl von Gründen zu schaffen. Eine Reihe von Kunstaktivitäten zielte darauf ab, das Bewusstsein für Autismus , Krebs, Menschenhandel und eine Vielzahl anderer Themen wie Meeresschutz, Menschenrechte in Darfur , ermordete und vermisste Aborigine-Frauen, Misshandlung älterer Menschen und Umweltverschmutzung zu schärfen . Trashion , die Verwendung von Müll zur Herstellung von Mode, die von Künstlern wie Marina DeBris praktiziert wird, ist ein Beispiel für den Einsatz von Kunst, um das Bewusstsein für Umweltverschmutzung zu schärfen.
  7. Kunst für psychologische und heilende Zwecke. Kunst wird auch von Kunsttherapeuten, Psychotherapeuten und klinischen Psychologen als Kunsttherapie eingesetzt . Die Diagnostische Zeichnungsserie zum Beispiel wird verwendet, um die Persönlichkeit und die emotionale Funktion eines Patienten zu bestimmen. Dabei steht nicht das Endprodukt im Vordergrund, sondern ein Heilungsprozess durch schöpferische Handlungen wird angestrebt. Das resultierende Kunstwerk kann auch einen Einblick in die Probleme des Subjekts geben und geeignete Ansätze für konventionellere Formen der psychiatrischen Therapie vorschlagen.
  8. Kunst für Propaganda oder Kommerz. Kunst wird oft als eine Form der Propaganda verwendet und kann daher verwendet werden, um volkstümliche Vorstellungen oder Stimmungen subtil zu beeinflussen. In ähnlicher Weise beeinflusst auch Kunst, die versucht, ein Produkt zu verkaufen, Stimmung und Emotionen. In beiden Fällen besteht der Zweck der Kunst darin, den Betrachter auf subtile Weise in eine bestimmte emotionale oder psychologische Reaktion auf eine bestimmte Idee oder ein bestimmtes Objekt zu manipulieren.
  9. Kunst als Fitnessindikator. Es wurde argumentiert, dass die Fähigkeiten des menschlichen Gehirns bei weitem das übersteigen, was zum Überleben in der Umgebung der Vorfahren erforderlich war. Eine evolutionspsychologische Erklärung dafür ist, dass das menschliche Gehirn und die damit verbundenen Eigenschaften (wie künstlerische Fähigkeiten und Kreativität) das menschliche Äquivalent des Pfauenschwanzes sind . Der Zweck des extravaganten Schwanzes des männlichen Pfaus wurde argumentiert, um Weibchen anzulocken (siehe auch Fischer-Ausreißer- und Handicap-Prinzip ). Nach dieser Theorie war eine überlegene Kunstausführung evolutionär wichtig, weil sie Gefährten anzog.

Die oben beschriebenen Funktionen der Kunst schließen sich nicht gegenseitig aus, da sich viele von ihnen überschneiden können. Kunst zum Zwecke der Unterhaltung kann beispielsweise auch versuchen, ein Produkt zu verkaufen, dh den Film oder das Videospiel.

Öffentlicher Zugang

Das Metropolitan Museum of Art in Manhattan . Museen sind wichtige Foren für die Präsentation bildender Kunst .

Seit der Antike stellt ein Großteil der feinsten Kunst eine bewusste Darstellung von Reichtum oder Macht dar, die oft durch die Verwendung massiver und teurer Materialien erreicht wird. Viele Kunstwerke wurden von politischen Herrschern oder religiösen Einrichtungen in Auftrag gegeben, wobei bescheidenere Versionen nur den Reichsten der Gesellschaft zur Verfügung stehen.

Dennoch gab es viele Epochen, in denen eigentumsmäßig sehr hochwertige Kunst in weiten Teilen der Gesellschaft verfügbar war, vor allem in billigen Medien wie Keramik, die im Boden verharrt, und verderblichen Medien wie Textilien und Holz . In vielen verschiedenen Kulturen findet man die Keramik indigener Völker Amerikas in so vielen Gräbern, dass sie eindeutig nicht auf eine soziale Elite beschränkt waren , obwohl andere Kunstformen dies gewesen sein mögen. Reproduktionsmethoden wie Formen erleichterten die Massenproduktion und wurden verwendet, um hochwertige antike römische Keramik und griechische Tanagra-Figuren auf einen sehr breiten Markt zu bringen. Zylindersiegel waren sowohl künstlerisch als auch praktisch und wurden von der Mittelschicht im Alten Orient sehr häufig verwendet . Nachdem Münzen weit verbreitet waren, wurden auch diese zu einer Kunstform, die die breiteste Gesellschaftsschicht erreichte.

Eine weitere wichtige Innovation kam im 15. Jahrhundert in Europa, als die Druckgrafik mit kleinen Holzschnitten begann , meist religiösen, die oft sehr klein und handkoloriert waren und sogar von Bauern erschwinglich waren , die sie an die Wände ihrer Häuser klebten. Gedruckte Bücher waren anfangs sehr teuer, fielen aber stetig im Preis, bis sich im 19. Jahrhundert selbst die Ärmsten einige mit gedruckten Illustrationen leisten konnten. Beliebte Drucke vieler verschiedener Arten schmücken seit Jahrhunderten Häuser und andere Orte.

Das Kunstmuseum Basel ( Schweiz ) ist das älteste öffentliche Kunstmuseum der Welt.

1661 eröffnete die Stadt Basel in der Schweiz das erste öffentliche Kunstmuseum der Welt, das Kunstmuseum Basel . Heute zeichnet sich seine Sammlung durch eine beeindruckend weite historische Spannweite vom frühen 15. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart aus. Seine verschiedenen Schwerpunkte verleihen ihm internationales Ansehen als eines der bedeutendsten Museen seiner Art. Diese umfassen: Gemälde und Zeichnungen von Künstlern, die zwischen 1400 und 1600 am Oberrhein tätig waren, sowie zur Kunst des 19. bis 21. Jahrhunderts.

Öffentliche Gebäude und Denkmäler , weltliche und religiöse, sprechen normalerweise die gesamte Gesellschaft und Besucher als Betrachter an, und die Präsentation für die breite Öffentlichkeit ist seit langem ein wichtiger Faktor bei ihrer Gestaltung. Ägyptische Tempel sind insofern typisch, als die größte und aufwendigste Dekoration an den Teilen angebracht wurde, die von der Öffentlichkeit gesehen werden konnten, und nicht an den Bereichen, die nur von den Priestern gesehen wurden. Viele Bereiche der königlichen Paläste, Schlösser und die Häuser der gesellschaftlichen Elite waren oft allgemein zugänglich, und große Teile der Kunstsammlungen solcher Leute waren oft für jedermann, für einen geringen Preis oder solche einsehbar die richtige Kleidung zu tragen, egal wer sie waren, wie im Schloss von Versailles , wo die entsprechenden zusätzlichen Accessoires (silberne Schuhschnallen und ein Schwert) in Geschäften außerhalb gemietet werden konnten.

Es wurden spezielle Vorkehrungen getroffen, um der Öffentlichkeit zu ermöglichen, viele königliche oder private Sammlungen in Galerien zu sehen, wie bei der Orleans-Sammlung, die hauptsächlich in einem Flügel des Palais Royal in Paris untergebracht ist und während des größten Teils des 18. Jahrhunderts besichtigt werden konnte. In Italien wurde der Kunsttourismus der Grand Tour ab der Renaissance zu einem wichtigen Wirtschaftszweig, und Regierungen und Städte bemühten sich, ihre Schlüsselwerke zugänglich zu machen. Die British Royal Collection ist nach wie vor eigenständig, aber große Schenkungen wie die Old Royal Library gingen an das 1753 gegründete British Museum . Die Uffizien in Florenz wurden 1765 vollständig als Galerie eröffnet, obwohl diese Funktion das Gebäude nach und nach übernommen hatte lange Zeit aus den ursprünglichen Beamtenämtern. Das Gebäude, das heute vom Prado in Madrid bewohnt wird, wurde vor der Französischen Revolution für die öffentliche Ausstellung von Teilen der königlichen Kunstsammlung errichtet, und ähnliche königliche Galerien, die der Öffentlichkeit zugänglich waren, existierten in Wien , München und anderen Hauptstädten. Die Eröffnung des Musée du Louvre während der Französischen Revolution (1793) als öffentliches Museum für einen Großteil der ehemaligen französischen königlichen Sammlung markierte sicherlich eine wichtige Etappe in der Entwicklung des öffentlichen Zugangs zur Kunst, die das Eigentum an einen republikanischen Staat überführte, aber es war eine Fortsetzung bereits etablierter Trends.

Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunstvermittlungsprogramme für Kinder in Schulen sind auf diesen Impuls zurückzuführen, Kunst für alle zugänglich zu machen. Museen stellen jedoch nicht nur Kunst zur Verfügung, sondern beeinflussen auch die Wahrnehmung von Kunst durch das Publikum, wie Studien ergaben. Somit ist das Museum selbst nicht nur eine stumpfe Bühne für die Präsentation von Kunst, sondern spielt eine aktive und wichtige Rolle in der Gesamtwahrnehmung von Kunst in der modernen Gesellschaft.

Museen in den Vereinigten Staaten sind in der Regel Geschenke der Reichen an die Massen. ( Das Metropolitan Museum of Art in New York City zum Beispiel wurde von John Taylor Johnston gegründet , einem Eisenbahnmanager, dessen persönliche Kunstsammlung das Museum begründete.) Aber trotz alledem ist zumindest eine der wichtigen Funktionen der Kunst im 21. Jahrhundert bleibt ein Zeichen für Reichtum und sozialen Status.

Es gab Versuche von Künstlern, Kunst zu schaffen, die nicht von den Reichen als Statusobjekt gekauft werden kann. Einer der wichtigsten ursprünglichen Motivatoren für einen Großteil der Kunst der späten 1960er und 1970er Jahre war es, Kunst zu schaffen, die nicht gekauft und verkauft werden konnte. Es sei "notwendig, mehr als bloße Objekte zu präsentieren", sagte der bedeutende deutsche Nachkriegskünstler Joseph Beuys. In dieser Zeit entstanden Dinge wie Performancekunst, Videokunst und Konzeptkunst . Die Idee war, dass, wenn das Kunstwerk eine Performance war, die nichts zurückließ, oder einfach eine Idee war, es nicht gekauft und verkauft werden konnte. "Demokratische Vorschriften, die sich um die Idee drehen, dass ein Kunstwerk eine Ware ist, trieben die ästhetische Innovation voran, die Mitte der 1960er Jahre keimte und während der 1970er Jahre geerntet wurde. Künstler, die allgemein unter der Überschrift Konzeptkunst identifiziert werden ... für die Auseinandersetzung mit den materiellen und materialistischen Anliegen der gemalten oder skulpturalen Form ... [haben] versucht, das Kunstobjekt qua Objekt zu untergraben."

Versailles: Louis Le Vau öffnete den Innenhof, um den weitläufigen Eingangscour d'honneur zu schaffen , der später in ganz Europa kopiert wurde.

In den Jahrzehnten danach sind diese Ideen etwas verloren gegangen, da der Kunstmarkt gelernt hat, DVDs mit Videoarbeiten in limitierter Auflage, Einladungen zu exklusiven Performance-Kunstwerken und die Reste von Konzeptstücken zu verkaufen. Viele dieser Aufführungen schaffen Werke, die nur von der Elite verstanden werden, die darüber aufgeklärt wurde, warum eine Idee, ein Video oder ein scheinbarer Müll als Kunst angesehen werden kann. Der Statusmarker wird zum Verstehen des Werks, anstatt es notwendigerweise zu besitzen, und das Kunstwerk bleibt eine Aktivität der Oberschicht. "Mit der weit verbreiteten Verwendung der DVD-Aufnahmetechnologie in den frühen 2000er Jahren haben Künstler und das Galeriesystem, das seine Gewinne aus dem Verkauf von Kunstwerken erzielt, ein wichtiges Mittel zur Kontrolle des Verkaufs von Video- und Computerkunstwerken in limitierten Auflagen an Sammler gewonnen."

Kontroversen

Kunst ist aus den unterschiedlichsten Gründen seit langem umstritten, d. Bildersturm ist die Zerstörung von Kunst, die aus einer Vielzahl von Gründen, einschließlich religiöser, unbeliebt ist. Anikonismus ist eine allgemeine Abneigung gegen alle figurativen Bilder oder oft nur religiöse und war ein roter Faden in vielen großen Religionen. Es war ein entscheidender Faktor in der Geschichte der islamischen Kunst , wo Darstellungen von Mohammed besonders umstritten bleiben. Viele Kunst wurde nicht gemocht, nur weil sie unpopuläre Herrscher, Parteien oder andere Gruppen darstellte oder auf andere Weise für sie stand. Künstlerische Konventionen waren oft konservativ und wurden von Kunstkritikern sehr ernst genommen , wenn auch oft viel weniger von einer breiteren Öffentlichkeit. Der ikonographische Inhalt der Kunst könnte Kontroversen auslösen, wie bei spätmittelalterlichen Darstellungen des neuen Motivs der Ohnmacht der Jungfrau in Szenen der Kreuzigung Jesu . Das Jüngste Gericht von Michelangelo war aus verschiedenen Gründen umstritten, darunter Verletzungen des Anstands durch Nacktheit und die Apollo- ähnliche Pose Christi.

Der Inhalt eines Großteils der formalen Kunst im Laufe der Geschichte wurde nicht nur vom Künstler, sondern vom Mäzen oder Auftraggeber diktiert, aber mit dem Aufkommen der Romantik und den wirtschaftlichen Veränderungen in der Kunstproduktion wurde die Vision des Künstlers zur üblichen Bestimmungsgröße für den Inhalt seiner Kunst, was die Häufigkeit von Kontroversen erhöht, wenn auch oft ihre Bedeutung verringert. Starke Anreize für wahrgenommene Originalität und Publizität ermutigten Künstler auch, um Kontroversen zu werben. Théodore Géricault ‚s Floss der Medusa (c. 1820), war ein politischer Kommentar zu einem aktuellen Ereignis teil. Édouard Manet ‚s Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), wurde skandalös nicht wegen der nackten Frau, sondern weil sie neben Männern sitzen vollständig in der Kleidung der Zeit gekleidet, anstatt in Roben der antiken Welt. John Singer Sargent ‚s Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), führte zu einer Kontroverse über das rötliche rosa verwendete die Frau Ohrläppchen zu färben, als viel zu suggestiv und angeblich ruiniert das High-Society - Modell Ruf. Die allmähliche Abkehr vom Naturalismus und die Darstellung realistischer Darstellungen der visuellen Erscheinung von Sujets im 19. und 20. Jahrhundert führte zu einer über ein Jahrhundert andauernden Kontroverse.

Performance von Joseph Beuys , 1978: Jeder ein Künstler – Auf dem Weg zur libertären Form des sozialen Organismus .

Im 20. Jahrhundert, Pablo Picasso ‚s Guernica (1937) verwendete verhaftete kubistisch Techniken und stark monochromatische Öle , die erschütternden Folgen einer zeitgenössischen Bombardierung einer kleinen, alten baskischen Stadt darzustellen. Leon Golub ‚s Interrogation III (1981), zeigt einen weiblichen Akt, umreift mit Kapuze Häftlings an einen Stuhl, öffnen Sie ihre Beine ihre Geschlechtsorgane zu offenbaren, umgeben von zwei Peiniger in der täglichen Kleidung. Andres Serrano ‚s Piss Christ (1989) ist ein Foto von einem Kruzifix, heilig für die christliche Religion und repräsentiert Christus ‘ s Opfer und letzte Leiden, unter Wasser in einem Glas des eigenen Urins des Künstlers. Der daraus resultierende Aufruhr führte zu Äußerungen im Senat der Vereinigten Staaten über die öffentliche Förderung der Künste.

Theorie

Vor der Moderne ging es der Ästhetik in der westlichen Kunst stark darum, das angemessene Gleichgewicht zwischen verschiedenen Aspekten des Realismus oder der Naturwahrheit und dem Ideal zu erreichen ; Ideen, was das richtige Gleichgewicht ist, haben sich im Laufe der Jahrhunderte hin und her verschoben. Dieses Anliegen fehlt in anderen Kunsttraditionen weitgehend. Der ästhetische Theoretiker John Ruskin , der sich für den Naturalismus von J. M. W. Turner einsetzte , sah die Rolle der Kunst als die künstliche Vermittlung einer wesentlichen Wahrheit, die nur in der Natur zu finden war.

Die Definition und Bewertung von Kunst ist seit dem 20. Jahrhundert besonders problematisch geworden. Richard Wollheim unterscheidet drei Ansätze zur Beurteilung des ästhetischen Wertes von Kunst: den Realisten , wobei die ästhetische Qualität ein absoluter Wert ist, der unabhängig von jeder menschlichen Sichtweise ist; der Objektivist , wobei es sich auch um einen absoluten Wert handelt, der jedoch von der allgemeinen menschlichen Erfahrung abhängt; und die relativistische Position , wobei es sich nicht um einen absoluten Wert handelt, sondern von der menschlichen Erfahrung verschiedener Menschen abhängt und mit ihr variiert.

Ankunft der Moderne

Komposition mit Rot, Blau und Gelb (1930) von Piet Mondrian (Niederländisch, 1872–1944)

Die Ankunft der Moderne im späten 19. Jahrhundert führte zu einem radikalen Bruch in der Vorstellung von der Funktion der Kunst und dann erneut im späten 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Postmoderne . Clement Greenbergs Artikel "Modernist Painting" von 1960 definiert moderne Kunst als "den Einsatz charakteristischer Methoden einer Disziplin, um die Disziplin selbst zu kritisieren". Greenberg wandte diese Idee ursprünglich auf die Bewegung des Abstrakten Expressionismus an und benutzte sie, um flache (nicht-illusionistische) abstrakte Malerei zu verstehen und zu rechtfertigen:

Realistische, naturalistische Kunst hatte das Medium verstellt, indem sie Kunst benutzte, um Kunst zu verbergen; Die Moderne nutzte die Kunst, um auf die Kunst aufmerksam zu machen. Die Beschränkungen, die das Medium der Malerei ausmachen – die ebene Oberfläche, die Form des Trägers, die Eigenschaften des Pigments – wurden von den Alten Meistern als negative Faktoren behandelt, die nur implizit oder indirekt anerkannt werden konnten. In der Moderne wurden diese Einschränkungen als positive Faktoren angesehen und offen anerkannt.

Nach Greenberg entstanden mehrere bedeutende Kunsttheoretiker, wie unter anderem Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin und Griselda Pollock . Obwohl ursprünglich nur dazu gedacht, eine bestimmte Gruppe von Künstlern zu verstehen, ist Greenbergs Definition der modernen Kunst für viele Kunstideen innerhalb der verschiedenen Kunstbewegungen des 20. und frühen 21. Jahrhunderts wichtig.

Pop-Künstler wie Andy Warhol wurden sowohl bemerkenswert als auch einflussreich durch ihre Arbeit , die die Populärkultur sowie die Kunstwelt einschloss und möglicherweise kritisierte . Künstler der 1980er, 1990er und 2000er weiteten diese Technik der Selbstkritik über die hohe Kunst hinaus auf alle kulturellen Bilder aus, einschließlich Modebilder, Comics, Plakate und Pornografie.

Duchamp hat einmal vorgeschlagen, dass Kunst jede Aktivität jeglicher Art ist – alles. Dass heute nur noch bestimmte Tätigkeiten als Kunst klassifiziert werden, ist jedoch eine soziale Konstruktion. Es gibt Beweise dafür, dass dies ein Element der Wahrheit sein kann. In The Invention of Art: A Cultural History untersucht Larry Shiner die Konstruktion des modernen Systems der Künste, dh der bildenden Kunst. Er findet Beweise dafür, dass das ältere System der Künste vor unserem modernen System (Bildende Kunst) Kunst als jede handwerkliche Tätigkeit des Menschen betrachtete; Zum Beispiel besaß die antike griechische Gesellschaft nicht den Begriff Kunst, sondern Techne . Techne kann weder als Kunst noch als Handwerk verstanden werden, denn die Unterscheidungen von Kunst und Handwerk sind historische Produkte, die später in der Menschheitsgeschichte entstanden sind. Techne umfasste Malerei, Bildhauerei und Musik, aber auch Kochen, Medizin, Reiten , Geometrie , Zimmerei, Prophetie und Landwirtschaft usw.

Neue Kritik und der "absichtliche Fehlschluss"

Nach Duchamp in der ersten Hälfte des 20. Dies führte zum Aufstieg der Schule der Neuen Kritik und zur Debatte über den absichtlichen Trugschluss . Dabei ging es um die Frage, ob die ästhetischen Absichten des Künstlers bei der Erschaffung des Kunstwerks, welcher Art auch immer, mit der Kritik und Bewertung des Endprodukts des Kunstwerks verbunden werden sollen, oder ob das Kunstwerk unabhängig von den Absichten des Künstlers für sich allein beurteilt werden sollte.

1946 veröffentlichten William K. Wimsatt und Monroe Beardsley einen klassischen und kontroversen New Critical Essay mit dem Titel „ The Intentional Fallacy “, in dem sie sich entschieden gegen die Relevanz der Absicht eines Autors oder der „beabsichtigten Bedeutung“ bei der Analyse eines literarischen Werkes aussprachen . Für Wimsatt und Beardsley zählten nur die Worte auf der Seite; Der Import von Bedeutungen von außerhalb des Textes wurde als irrelevant und potenziell ablenkend angesehen.

In einem anderen Aufsatz, " The Affective Fallacy ", der als eine Art Schwester-Essay zu "The Intentional Fallacy" diente, haben Wimsatt und Beardsley auch die persönliche/emotionale Reaktion des Lesers auf ein literarisches Werk als gültiges Mittel zur Analyse eines Textes abgetan. Dieser Trugschluss wurde später von Theoretikern aus der literarischen Schule der Leser-Antwort verworfen . Ironischerweise wurde einer der führenden Theoretiker dieser Schule, Stanley Fish , selbst von New Critics ausgebildet. Fish kritisiert Wimsatt und Beardsley in seinem 1970 erschienenen Essay "Literatur im Leser".

Wie Gaut und Livingston in ihrem Essay "The Creation of Art" zusammenfassen: "Strukturalistische und poststrukturalistische Theoretiker und Kritiker haben viele Aspekte der Neuen Kritik scharf kritisiert, angefangen mit der Betonung der ästhetischen Wertschätzung und der sogenannten Autonomie der Kunst". , aber sie wiederholten den Angriff auf die Annahme der biografischen Kritik, dass die Aktivitäten und Erfahrungen des Künstlers ein privilegiertes kritisches Thema seien." Diese Autoren behaupten, dass: „Anti-Intentionalisten wie Formalisten sind der Ansicht, dass die Absichten, die mit der Herstellung von Kunst verbunden sind, für die richtige Interpretation von Kunst irrelevant oder peripher sind. haben keinen Einfluss auf die richtige Interpretation des Werkes."

Gaut und Livingston definieren die Intentionalisten im Unterschied zu den Formalisten und stellen fest: "Intentionalisten sind im Gegensatz zu den Formalisten der Ansicht, dass die Bezugnahme auf Intentionen wesentlich ist, um die korrekte Interpretation von Werken festzulegen." Sie zitieren Richard Wollheim mit den Worten: "Die Aufgabe der Kritik ist die Rekonstruktion des Schaffensprozesses, wobei der Schaffensprozess wiederum als etwas gedacht werden muss, das nicht vor dem Kunstwerk selbst endet, sondern endet."

"Linguistic turn" und seine Debatte

Das Ende des 20. Jahrhunderts förderte eine umfangreiche Debatte , die in der Kunstphilosophie als "linguing turn controversy" oder "debatte über unschuldige Augen" bekannt ist. In dieser Debatte wurde die Begegnung des Kunstwerks so diskutiert, dass sie davon bestimmt wird, inwieweit die konzeptuelle Begegnung mit dem Kunstwerk gegenüber der wahrnehmungsbezogenen Begegnung mit dem Kunstwerk dominiert.

Ausschlaggebend für die linguistische Wende-Debatte in der Kunstgeschichte und den Geisteswissenschaften waren die Werke einer weiteren Tradition, nämlich des Strukturalismus von Ferdinand de Saussure und der darauf folgenden Bewegung des Poststrukturalismus . 1981 schuf der Künstler Mark Tansey ein Kunstwerk mit dem Titel "The Innocent Eye" als Kritik an der herrschenden Meinungsverschiedenheit in der Kunstphilosophie der letzten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts. Zu den einflussreichen Theoretikern zählen Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault und Jacques Derrida . Die Macht der Sprache, genauer gesagt bestimmter rhetorischer Tropen, in der Kunstgeschichte und im historischen Diskurs wurde von Hayden White untersucht . Dass Sprache kein transparentes Denkmedium ist, wurde durch eine ganz andere Form der Sprachphilosophie betont, die ihren Ursprung in den Werken von Johann Georg Hamann und Wilhelm von Humboldt hat . Ernst Gombrich und Nelson Goodman kamen in seinem Buch Languages ​​of Art : An Approach to a Theory of Symbols zu dem Schluss, dass die konzeptuelle Begegnung mit dem Kunstwerk in den 1960er und 1970er Jahren ausschließlich über die wahrnehmungs- und visuelle Begegnung mit dem Kunstwerk herrsche. Er wurde auf der Grundlage von Forschungen des mit dem Nobelpreis ausgezeichneten Psychologen Roger Sperry in Frage gestellt, der behauptete, dass die menschliche visuelle Begegnung nicht auf Konzepte beschränkt sei, die nur in der Sprache dargestellt werden (linguistischer Turn) und dass andere Formen der psychologischen Repräsentation des Kunstwerks waren gleichermaßen vertretbar und nachweisbar. Sperrys Ansicht setzte sich schließlich gegen Ende des 20. Jahrhunderts durch, wobei ästhetische Philosophen wie Nick Zangwill unter anderem eine Rückkehr zum moderaten ästhetischen Formalismus stark verteidigten.

Klassifizierungsstreitigkeiten

Der Original- Brunnen von Marcel Duchamp , 1917, fotografiert von Alfred Stieglitz auf der 291 nach der Ausstellung der Gesellschaft unabhängiger Künstler von 1917 . Stieglitz nutzte eine Kulisse aus The Warriors von Marsden Hartley , um das Urinal zu fotografieren. Das Ausstellungseingangsschild ist deutlich zu erkennen.

Streitigkeiten darüber, ob etwas als Kunstwerk einzustufen ist oder nicht, werden als Klassifikationsstreitigkeiten über Kunst bezeichnet. Klassifikatorische Streitigkeiten im 20. Jahrhundert gehörten kubistische und impressionistische Gemälde, Duchamp ‚s - Brunnen , die Filme, Superlativ Imitationen von Banknoten , Konzeptkunst und Videospiele . Der Philosoph David Novitz hat argumentiert, dass Meinungsverschiedenheiten über die Definition von Kunst selten der Kern des Problems sind. Vielmehr seien "die leidenschaftlichen Anliegen und Interessen, die der Mensch seinem gesellschaftlichen Leben entgegenbringt", "so sehr Teil aller klassifikatorischen Auseinandersetzungen um Kunst". Klassifikationsstreitigkeiten sind, so Novitz, häufiger Streitigkeiten über gesellschaftliche Werte und den Weg der Gesellschaft als über die eigentliche Theorie. Als zum Beispiel die Daily Mail Hirsts und Emins Arbeit kritisierte , indem sie argumentierte: "Kunst ist seit 1000 Jahren eine unserer großen zivilisatorischen Kräfte. Heutzutage drohen eingelegte Schafe und schmutzige Betten, uns alle zu Barbaren zu machen", sind sie es nicht eine Definition oder Theorie über Kunst voranbringen, aber den Wert der Arbeit von Hirst und Emin in Frage stellen. 1998 schlug Arthur Danto ein Gedankenexperiment vor, das zeigt, dass "der Status eines Artefakts als Kunstwerk eher aus den Ideen resultiert, die eine Kultur auf es bezieht, als aus seinen inhärenten physischen oder wahrnehmbaren Qualitäten. Kulturelle Interpretation (eine Art Kunsttheorie) ) ist daher konstitutiv für die Kunstlichkeit eines Objekts."

Anti-Kunst ist ein Label für Kunst, das die etablierten Parameter und Werte der Kunst bewusst in Frage stellt; Es ist ein Begriff, der mit dem Dadaismus verbunden ist und Marcel Duchamp kurz vor dem Ersten Weltkrieg zugeschrieben wird, als er Kunst aus gefundenen Objekten machte . Eines davon, Fountain (1917), ein gewöhnliches Urinal, hat beträchtliche Bekanntheit und Einfluss auf die Kunst erlangt. Anti-Kunst ist ein Merkmal der Arbeit von Situationist International , der Lo-Fi-Mail-Art-Bewegung und den Young British Artists , obwohl sie von den Stuckisten , die sich selbst als Anti-Anti-Kunst bezeichnen, immer noch abgelehnt wird .

Architektur wird oft als eine der bildenden Künste bezeichnet; es handelt sich jedoch wie in der dekorativen Kunst oder in der Werbung um die Schaffung von Objekten, bei denen die praktischen Erwägungen der Verwendung wesentlich sind, so dass sie beispielsweise normalerweise nicht in einem Gemälde enthalten sind.

Werturteil

Die hohlen Holzgräber der Aborigines. Nationalgalerie, Canberra , Australien.

In gewissem Zusammenhang mit dem oben Gesagten wird das Wort Kunst auch verwendet, um Werturteile anzuwenden, wie in Ausdrücken wie "das Essen war ein Kunstwerk" (der Koch ist ein Künstler) oder "die Kunst der Täuschung" (die hoch erreichte Fertigkeit des Betrügers wird gelobt). Es ist diese Verwendung des Wortes als Maß für hohe Qualität und hohen Wert, die dem Begriff seine Subjektivität verleiht. Werturteile zu fällen, erfordert eine Grundlage für Kritik. Auf der einfachsten Ebene lässt sich feststellen, ob die Wirkung des Objekts auf die Sinne die Kriterien erfüllt, um als Kunst zu gelten, ob es als attraktiv oder abstoßend wahrgenommen wird. Obwohl Wahrnehmung immer durch Erfahrung gefärbt und notwendigerweise subjektiv ist, wird allgemein angenommen, dass das, was ästhetisch nicht befriedigend ist, keine Kunst sein kann. Allerdings ist "gute" Kunst für eine Mehrheit der Betrachter nicht immer oder nicht einmal regelmäßig ästhetisch ansprechend. Mit anderen Worten, die Hauptmotivation eines Künstlers muss nicht das Streben nach Ästhetik sein. Außerdem zeigt Kunst oft schreckliche Bilder, die aus sozialen, moralischen oder zum Nachdenken anregenden Gründen gemacht wurden. Zum Beispiel ist Francisco Goyas Gemälde, das die spanischen Erschießungen vom 3. Mai 1808 darstellt, eine grafische Darstellung eines Erschießungskommandos, das mehrere flehende Zivilisten hinrichtet. Gleichzeitig demonstriert die erschreckende Bildsprache Goyas hohes künstlerisches Können in Komposition und Ausführung und erzeugt die passende gesellschaftliche und politische Empörung. Somit wird die Debatte darüber fortgesetzt, welche Art ästhetischer Befriedigung, wenn überhaupt, erforderlich ist, um „Kunst“ zu definieren.

Die Übernahme neuer Werte oder die Rebellion gegen akzeptierte Vorstellungen des ästhetisch Überlegenen müssen nicht gleichzeitig mit einer völligen Aufgabe des Strebens nach dem ästhetisch Anziehenden einhergehen. Tatsächlich ist es oft umgekehrt, dass die Revision dessen, was im Volksmund als ästhetisch angesehen wird, eine Wiederbelebung der ästhetischen Sensibilität und eine neue Wertschätzung für den Anspruch der Kunst selbst ermöglicht. Unzählige Schulen haben ihre eigenen Wege zur Definition von Qualität vorgeschlagen, doch in mindestens einem Punkt scheinen sie sich alle einig zu sein: Sobald ihre ästhetischen Entscheidungen akzeptiert sind, wird der Wert des Kunstwerks durch seine Fähigkeit bestimmt, die Grenzen des gewählten Mediums zu überschreiten durch die Seltenheit des Könnens des Künstlers oder durch seine akkurate Widerspiegelung im sogenannten Zeitgeist einen universellen Nerv zu treffen . Kunst soll oft menschliche Emotionen ansprechen und mit ihnen verbinden. Es kann ästhetische oder moralische Gefühle wecken und kann als eine Art der Kommunikation dieser Gefühle verstanden werden. Künstler drücken etwas aus, damit ihr Publikum einigermaßen erregt wird, aber sie müssen dies nicht bewusst tun. Kunst kann als Erforschung des menschlichen Daseins betrachtet werden ; das heißt, was es heißt, ein Mensch zu sein. Im weiteren wurde von Emily L. Spratt argumentiert, dass die Entwicklung der künstlichen Intelligenz, insbesondere im Hinblick auf ihre Verwendung mit Bildern, eine Neubewertung der ästhetischen Theorie in der heutigen Kunstgeschichte und ein Überdenken der Grenzen der menschlichen Kreativität erfordert.

Kunst und Recht

Ein wesentliches Rechtsproblem sind Kunstfälschungen , Plagiate , Nachbildungen und Werke, die stark an anderen Kunstwerken angelehnt sind.

Der Handel mit Kunstwerken oder die Ausfuhr aus einem Land kann gesetzlichen Regelungen unterliegen. Auch international gibt es umfangreiche Bemühungen, die geschaffenen Kunstwerke zu schützen. Die UN , die UNESCO und Blue Shield International versuchen auf nationaler Ebene für einen wirksamen Schutz zu sorgen und bei bewaffneten Konflikten oder Katastrophen direkt einzugreifen. Dies kann insbesondere Museen, Archive, Kunstsammlungen und Ausgrabungsstätten betreffen. Damit soll auch die wirtschaftliche Basis eines Landes gesichert werden, zumal Kunstwerke oft von touristischer Bedeutung sind. Der Gründungspräsident von Blue Shield International, Karl von Habsburg , erläuterte während eines Einsatzes im Libanon im April 2019 einen weiteren Zusammenhang zwischen der Zerstörung von Kulturgut und der Fluchtursache: „Kulturgüter sind Teil der Identität der Menschen, die darin leben ein bestimmter Ort. Wenn Sie ihre Kultur zerstören, zerstören Sie auch ihre Identität. Viele Menschen werden entwurzelt, haben oft keine Perspektive mehr und fliehen deshalb aus ihrer Heimat.“

Siehe auch

Anmerkungen

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Weiterlesen

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Externe Links