Vogelmann (Film) - Birdman (film)

Birdman oder (Die unerwartete Tugend der Unwissenheit)
Vogelmann poster.png
Kinostartplakat
Unter der Regie von Alejandro G. Iñárritu
Geschrieben von
Produziert von
Mit
Kinematographie Emmanuel Lubezki
Bearbeitet von
Musik von Antonio Sanchez

Produktionsunternehmen
Vertrieben von Fox Searchlight Bilder
Veröffentlichungsdatum
Laufzeit
119 Minuten
Land Vereinigte Staaten
Sprache Englisch
Budget 18 Millionen US-Dollar
Theaterkasse 103,2 Millionen US-Dollar

Birdman oder (The Unexpected Vorzug der Unwissenheit) ist ein 2014 amerikanischer schwarzer Comedy- Drama Film durch gerichteten Alejandro G. Iñárritu . Es wurde von Iñárritu, Nicolás Giacobone , Alexander Dinelaris Jr. und Armando Bó geschrieben . Der Film spielt Michael Keaton als Riggan Thomson, einen verblichenen Hollywood-Schauspieler, der vor allem dafür bekannt ist, den Superhelden "Birdman" zu spielen, während er sich bemüht, eine Broadway- Adaption einer Kurzgeschichte von Raymond Carver zu montieren. Der Film zeigt auch eine Nebendarsteller von Zach Galifianakis , Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone und Naomi Watts .

Der Film umfasst die Zeit der Vorpremieren, die zur Eröffnung des Stücks führten, und erscheint mit einer kurzen Ausnahme wie in einer einzigen Einstellung gedreht , eine Idee, die Iñárritu aus der Konzeption des Films hatte. Kameramann Emmanuel Lubezki glaubte, dass die Aufnahmezeit, die für den Long-Take- Ansatz von Birdman erforderlich war, mit älterer Technologie nicht hätte erreicht werden können. Der Film wurde im Frühjahr 2013 in New York City mit einem Budget von 16,5 Millionen US-Dollar gedreht, das gemeinsam von Fox Searchlight Pictures , New Regency Pictures und Worldview Entertainment finanziert wurde . Es wurde im folgenden Jahr im August uraufgeführt, wo es die 71. Internationalen Filmfestspiele von Venedig eröffnete .

Birdman hatte einen begrenzten Kinostart in den Vereinigten Staaten am 17. Oktober 2014, gefolgt von einer breiten Veröffentlichung am 14. November. Der Film spielte weltweit mehr als 103 Millionen US-Dollar ein und erhielt weitreichenden Beifall der Kritiker, mit Lob für sein Drehbuch, seine Regie, seine Kinematographie und die Leistungen der Besetzung (insbesondere Keaton, Norton und Stone). Birdman gewann den Oscar für den besten Film , zusammen mit der besten Regie , dem besten Originaldrehbuch und der besten Kamera aus insgesamt neun Nominierungen und verband ihn damit mit dem Grand Budapest Hotel für den am meisten nominierten und preisgekrönten Film bei den 87. Academy Awards . Es gewann auch eine herausragende Besetzung in einem Film bei den 21st Screen Actors Guild Awards sowie als bester Schauspieler in einem Musical oder einer Komödie für Keaton und als bestes Drehbuch bei den 72. Golden Globe Awards .

Parzelle

Riggan Thomson ist ein verblasster Schauspieler, der dafür bekannt ist, in den 1990er Jahren in einer Filmtrilogie einen Superhelden namens Birdman zu spielen . Er wird von der spöttischen und kritischen inneren Stimme von Birdman gequält und stellt sich häufig vor, wie er Levitation und Telekinese vollführt . Riggan versucht, Anerkennung zurückzugewinnen, indem er eine Broadway-Adaption von Raymond Carvers Kurzgeschichte " What We Talk About When We Talk About Love " schreibt, Regie führt und die Hauptrolle spielt . Die Stimme von Birdman möchte jedoch, dass Riggan zum Blockbuster-Kino zurückkehrt und besteht darauf, dass er ein wesentlicher Teil von Riggans Identität ist.

Jake, Riggans bester Freund und Anwalt, produziert das Stück, in dem Riggans Freundin Laura und Broadway-Debütantin Lesley die Hauptrollen spielen. Als seine Assistentin arbeitet Riggans Tochter Sam, eine genesende Drogenabhängige, mit der er wieder in Kontakt treten möchte. Am Tag vor der ersten Vorschau fällt eine Leuchte auf Riggans unglücklichen Co-Star Ralph. Auf Lesleys Vorschlag hin ersetzt Riggan Ralph durch ihren Freund, den brillanten, aber flüchtigen und egozentrischen Schauspieler Mike Shiner. Die ersten Vorschauen sind katastrophal: Mike bricht seinen Charakter, weil er seinen Gin durch Wasser ersetzt hat, versucht Lesley während einer Sexszene zu vergewaltigen und behauptet, dass die Requisitenpistole nicht echt aussieht. Riggan kollidiert ständig mit Mike, was in einer Schlägerei gipfelt, nachdem Riggan ein Interview der New York Times mit Mike gelesen hat, in dem er Riggans persönlichen Grund stiehlt, ein Raymond Carver-Stück zu spielen. Jake überredet Riggan, mit dem Stück fortzufahren. Als Riggan Sam beschimpft, nachdem er sie beim Marihuanakonsum gefunden hat, tadelt sie ihn beleidigend und züchtigt ihn und sagt ihm, dass er irrelevant sei und das Stück für seine eigene Eitelkeit sei.

Während der letzten Vorschau sperrt sich Riggan versehentlich draußen ein, wobei seine Robe in der Feuerleitertür steckt. Er ist gezwungen, in seinen weißen Slips über den Times Square zu gehen und durch das Publikum einzutreten, um die letzte Szene zu drehen. Ein besorgter Sam wartet nach der Show in seiner Umkleidekabine. Sie findet die Aufführung sehr ungewöhnlich, aber interessant. Sie zeigt ihm, dass die Aufnahmen vom Times Square viral gehen und erklärt, wie ihm das tatsächlich hilft.

Riggan geht auf einen Drink in eine Bar und spricht Tabitha Dickinson an, eine zynische und einflussreiche Theaterkritikerin. Sie verspricht, sein Stück mit einer ablehnenden Kritik zu "töten", ohne es überhaupt gesehen zu haben. Auf dem Rückweg kauft Riggan ein Pint Whiskey, trinkt ihn und wird ohnmächtig. Als er am nächsten Tag mit einem schweren Kater ins Theater geht, stellt er sich vor, wie Birdman versucht, ihn davon zu überzeugen, das Stück aufzugeben und einen vierten Birdman-Film zu drehen. Riggan stellt sich dann vor, wie er durch die Straßen von Manhattan fliegt, bevor er im Theater ankommt.

Am Eröffnungsabend läuft das Stück sehr gut. In seiner Umkleidekabine gesteht ein seltsam ruhiger Riggan seiner Ex-Frau Sylvia, dass er vor einigen Jahren versucht hat, sich im Meer zu ertränken, nachdem sie ihn bei einer Affäre erwischt hatte. Er erzählt ihr auch von der Birdman-Stimme, die sie ignoriert. Nachdem Sylvia gegangen ist, nimmt Riggan eine echte Waffe für die letzte Szene, in der sein Charakter Selbstmord begeht. Beim Höhepunkt schießt sich Riggan auf der Bühne in den Kopf. Das Stück erhält stehende Ovationen .

Riggan wacht in einem Krankenhaus auf – der Selbstmordversuch hat ihm nur die Nase weggeblasen, die chirurgisch rekonstruiert wurde. Tabitha hat eine glühende Rezension des Stücks veröffentlicht, die den Selbstmordversuch genau das nennt, was das amerikanische Theater braucht. Sam kommt mit Blumen zu Besuch und macht ein Foto von ihm, um es mit der explodierenden Zahl von Followern auf dem Twitter- Account zu teilen, den sie für ihn erstellt hat. Während sie nach draußen geht, um eine Vase zu finden, geht Riggan ins Badezimmer, entfernt die Verbände, die seine geschwollene neue Nase enthüllen, und verabschiedet sich von Birdman, der auf der Toilette sitzt. Fasziniert von den Vögeln, die vor seinem Zimmer fliegen, öffnet er das Fenster, späht zu ihnen hoch und klettert dann auf den Sims. Sam kehrt in einen leeren Raum zurück und rennt hektisch zum offenen Fenster, scannt den Boden, bevor er langsam in den Himmel schaut und lächelt.

Werfen

Produktion

Entwicklung

Birdman- Regisseur Alejandro G. Iñárritu konzipierte den Film ursprünglich als Komödie, die in einer einzigen Einstellung in einem Theater gedreht wurde. Die ursprüngliche Entscheidung für das Genre des Films, das später neu angepasst wurde, um sich auf Riggans letzte emotionale Wendung zu konzentrieren, kam vom Regisseur, der eine Änderung in seiner Herangehensweise sehen wollte. Alle seine vorherigen Filme waren Dramen, und nachdem er Biutiful Regie geführt hatte , wollte er seinen neuen Film nicht noch einmal auf dieselbe tragische Weise angehen. Die Entscheidung, den Film als Einzelaufnahme erscheinen zu lassen, kam aus seiner Erkenntnis, dass "wir unser Leben ohne Schnitt leben". Indem er den Film als Serienaufnahme präsentierte, konnte er "den Protagonisten in eine 'unausweichliche Realität' eintauchen und das Publikum mitnehmen". Iñárritu teilte seine Idee mit den argentinischen Drehbuchautoren/Cousins Nicolás Giacobone und Armando Bo sowie dem Dramatiker Alexander Dinelaris Jr. , die alle mit ihm an seinem vorherigen Film gearbeitet hatten. Ihre erste Reaktion war, ihm zu sagen, dass die Idee mit der Serienaufnahme nicht funktionieren könne. Laut Dinelaris und Giacobone sagten ihm "riesige" und "wichtige" Leute, das Projekt aus dem gleichen Grund nicht einmal auszuprobieren. Iñárritu selbst beschrieb die Technik als "fast selbstmörderisch" und befürchtete, dass sie ablenken würde, anstatt immersiv. Dinelaris sagte später, dass sie Iñárritu vielleicht ausgeredet hätten, wenn sie wirklich innegehalten und über die Idee nachgedacht hätten.

Die persönlichen und beruflichen Erfahrungen der vier Co-Autoren standen im Mittelpunkt des Drehbuchs. Dinelaris' Kontakt mit dem Broadway prägte die Darstellungen von Proben und Ereignissen hinter der Bühne, obwohl er zugab, diese übertrieben zu haben. Er hatte auch das Gefühl, dass sein Hintergrund beim Schreiben langer Dialogszenen hilfreich war, da die Szenen im Film "eher wie Spielszenen" waren. Iñárritu eigenen Erfahrungen vieler beeinflusst Birdman ' s Themen. "Wovon dieser Film spricht, habe ich durchgemacht", erinnerte sich Iñárritu. "Ich habe das alles gesehen und erlebt; es ist das, was ich in den letzten Jahren meines Lebens erlebt habe." Dinelaris beschrieb diesen Aspekt als "einen lachenden Blick auf sich selbst", sagte jedoch, dass dies auf komödiantische Weise geschehen müsse; andernfalls "wäre es der unglaublich egozentrischste Blick auf das Thema gewesen". Auch Themen aus Raymond Carvers Kurzgeschichte „ What We Talk About When We Talk About Love “, die Riggan für die Bühne der Geschichte adaptiert, beeinflussten das Drehbuch. Iñárritu wollte die Verbindung zwischen den Themen in Riggans Geschichte und denen von Carver finden. Aus diesem Grund war es dem Regisseur wichtig, dass Carvers Geschichte zum Thema des im Film dargestellten Stücks wird. Daher erklärte Iñárritu, dass sein Wunsch, Carvers Werk zu verwenden, „erschreckend“ sei, da die Rechte zur Verwendung des Carver-Materials noch während der Entwicklung des Films abgelehnt werden könnten, aber es gab keine Probleme. Carvers Witwe, die Schriftstellerin Tess Gallagher , liebte das Drehbuch und erlaubte die Adaption, indem sie sagte, dass Carver über den Film lachen würde.

Während einige Aspekte des Films – zum Beispiel der erste Frame mit Riggan – von Birdmans Konzeption bis zur Veröffentlichung unverändert blieben, durchliefen andere mehrere Iterationen. Eine davon war die Sequenz, in der das Alter Ego Birdman die vollständige Kontrolle über Riggans Gedanken übernimmt. Die Autoren wussten, dass es am tiefsten Punkt von Riggan passieren würde, also planten sie es irgendwann, nachdem Riggan die erste negative Presseberichterstattung gehört und seine Umkleidekabine zerstört hatte. In einer anderen verworfenen Version versucht Riggan, sich im Central Park zu ertränken und fliegt heraus, um sich zu retten.

Das Ende des Films änderte sich ebenfalls, die endgültige Version wurde zur Hälfte der Dreharbeiten geschrieben. Das Original sollte Johnny Depp in Riggans Umkleidekabine mit einem Fluch der Karibik- Poster im Hintergrund darstellen. Iñárritu mochte dieses Ende nicht mehr, nannte es "so peinlich" und schrieb es mit Dinelaris und Giacobone neu, nachdem ihm in einem Traum ein neues Ende eingefallen war. Iñárritu zögerte, das ursprüngliche Ende zu beschreiben, aber es wurde von Dinelaris durchgesickert. Er sagte, das ursprüngliche Ende fand im Theater statt im Krankenhaus statt und beinhaltete, dass Depp Riggan Thomsons Perücke aufsetzte und in Jack Sparrows Stimme: "... das Poster fragt Depp: 'Was zum Teufel machen wir hier, Kumpel? ?', und es sollte die Satire auf die Endlosschleife davon werden." Der Regisseur und die Co-Autoren schlossen das satirische Ende aus und bevorzugten das neue, mehrdeutige Ende.

Das Projekt des Co-Schreibens wurde durch die Zusammenarbeit zwischen den vier Co-Autoren im Internet, die von verschiedenen geografischen Standorten aus arbeiten, vorangetrieben. Bei Iñárritu in Los Angeles , Giacobone und Bo in Buenos Aires und Dinelaris in New York wurde das Drehbuch hauptsächlich über Skype-Anrufe und E-Mails geschrieben. Obwohl dies den Schreibprozess erschwerte, sagte Dinelaris, dass er glaubte, dass die besten Ideen in Birdman aus Skype-Sitzungen um zwei Uhr morgens stammten, in denen er und Giacobone „sich gegenseitig durcheinander brachten“. Die Aufnahme der One-Shot-Funktion wirkte sich auch auf das Schreiben aus. Bo sagte: "Wir haben alles mit Blick auf diese eine Aufnahme geschrieben und viele Entscheidungen, die hauptsächlich im Schneideraum getroffen wurden, wurden vor dem Dreh getroffen." Der One-Shot-Ansatz bedeutete, dass die Szenen in der Postproduktion nicht entfernt oder neu angeordnet werden konnten, daher mussten die Autoren "sehr, sehr sicher sein, was auf der Seite stand". Infolgedessen dauerte es etwa eineinhalb Jahre, bis der endgültige Entwurf fertig war. Wie Dinelaris zusammenfasste: „Man muss ein Idiot sein, um alles auf einen Schlag zu schaffen. Man muss ein Idiot sein, um es zu versuchen. Wir werden das machen. Birdman sieht jetzt nach einer guten Idee aus, aber [zum Zeitpunkt der Produktion] wussten wir nicht, wie wir landen würden."

Gießen

Michael Keaton war Iñárritus erste Wahl, um Riggan Thomson zu spielen.

Iñárritu besetzte mehrere der Hauptrollen, bevor der Film finanziert wurde. Darunter war die Hauptrolle. Zu Beginn der Drehbuchentwicklung hatte Iñárritu Keaton nicht im Sinn, aber er hatte seine Meinung am Ende geändert: "Als ich das Drehbuch fertigstellte, wusste ich, dass Michael nicht die Wahl oder Option war, er war der Typ". Iñárritu besetzte Keaton wegen seiner Tiefe in einer Vielzahl von Schauspielstilen: Er konnte mit den Anforderungen der Bühne, der Naharbeit, der Komik und der Empathie "mit einer tiefen Tiefe für beide" umgehen.

Keaton wusste von Birdman, bevor Iñárritu ihn kontaktierte. Er war mitten in der Produktion eines anderen Projekts, als er erfuhr, dass Iñárritu einen weiteren Film drehte. Keaton, ein Fan seiner Arbeit, flog nach Hause, um mehr zu erfahren. Iñárritu schickte ihm das Drehbuch und sie besprachen es beim Abendessen. Das erste , was Keaton den Direktor gefragt wurde , ob er sich über ihn lustig machte ( in Bezug auf seine Rolle in Tim Burton ‚s Batman - Filme ), aber nach Iñárritu die Rolle erklärt, seine technischen und die Produktion des Films, Keaton vereinbart Riggan zu spielen.

Iñárritu nannte seine Entscheidung, Galifianakis als Jake zu besetzen, "eine Wette". Galifianakis erfüllte die Kriterien des Regisseurs, liebenswert und lustig zu sein, aber Iñárritu hielt ihn auch für sensibel, was ihm die Rolle einbrachte. Emma Stone wusste bereits, dass sie mit Iñárritu arbeiten wollte, bevor ihr die Rolle von Sam angeboten wurde. Das Drehbuch, das Iñárritu ihr und dem Rest der Besetzung gab, kam mit dem Foto Man on Wire , auf dem Philippe Petit auf einem Drahtseil die Zwillingstürme überquerte. Iñárritu sagte der Besetzung: "Wir machen das".

Nachdem diese Akteure verpflichtet waren, suchte Iñárritu nach Finanzierung. Er lud Fox Searchlight Pictures zunächst ein , das Projekt zu finanzieren, aber sie lehnten sein Angebot ab, weil sie der Meinung waren, dass sein Budget zu hoch war. Irgendwann wollte Megan Ellison von Annapurna Pictures an dem Projekt beteiligt werden, entschied sich aber dagegen, da sie im Gegensatz zu ihren anderen Filmen von Anfang an nicht involviert war. Iñárritu wandte sich an Brad Weston, den Präsidenten von New Regency , der das Angebot annahm. Als Executive Claudia Lewis von Searchlight von dem Deal erfuhr, überlegte sie es sich noch einmal und bat darum, in den Deal aufgenommen zu werden. Searchlight und New Regency hatten zuvor zusammengearbeitet, um 12 Years a Slave zu finanzieren , und sie beschlossen, sich für Birdman zusammenzuschließen und ein Budget von 16,5 Millionen US-Dollar zu finanzieren.

Weston und Lewis entwickelten eine enge Beziehung zu Iñárritu, bearbeiteten mit ihm das Drehbuch und wechselten einige der Schauspieler. Als sie in die Produktion eintraten , sollte Josh Brolin die Rolle von Mike Shiner spielen, aber die Finanziers beschlossen, ihn wegen Terminkonflikten zu Norton zu wechseln.

Er sagte, Nortons Erfahrung als Theaterschauspieler, kombiniert mit seinem Selbstbewusstsein, bedeutete, dass "Edward in gewisser Weise eine Art mentale Realität hatte", aber Norton glaubt, dass er derjenige war, der Iñárritu davon überzeugt hat, ihn aufzunehmen. Norton war ein Fan der Arbeit des Regisseurs und beeindruckte mit seiner Fähigkeit, die Grenzen des Filmemachens zu überschreiten. Norton hörte von einem Freund von Iñárritus Projekt. Nachdem er das Drehbuch bekommen hatte, las er es bis 3:00 Uhr morgens durch. Norton sagte: "Ich habe so gelacht, dass ich die Leute aufgeweckt habe." Norton wollte Iñárritu am nächsten Tag treffen, und als sie sich trafen, sagte Norton ihm, dass er nicht jemanden besetzen könne, der die "Verkörperung" dessen sei, worauf das Drehbuch abzielte. Stattdessen musste der Regisseur jemanden besetzen, "der in dieser Welt zumindest ein bisschen authentische Erfahrungstiefe hat". Iñárritu stimmte zu.

Amy Ryan, eine der letzten Darstellerinnen, wurde eingeladen, weil Iñárritu sie in dem Stück Detroit gesehen hatte . Lindsay Duncan hatte auch große Erfahrung in der Theaterwelt und entschied sich aufgrund der Qualität des Drehbuchs, das Angebot der Kritikerin anzunehmen. "Es ist köstlich wegen der Schrift." Aber wie Shiners Charakter fand Iñárritu es schwierig, Laura zu besetzen. Riseborough traf ihn an einer Straßenecke zu einer Tasse Tee und erinnerte sich an das Ereignis: "Ich sagte ihm, dass ich über heiße Kohlen kriechen würde, um mit ihm zu arbeiten." Iñárritu beschrieb Laura als "eine sehr verrückte, skurrile Rolle", sagte aber: "Als [Andrea Riseborough] es tat, wusste ich, dass sie es war, weil sie es im Ton richtig machte und sie verstand, wer sie war – sie war" nicht urteilen".

Proben und Dreharbeiten

Michael Keaton (Riggan) probt eine Action-Sequenz des Films

Als das Schreiben fertig war, kontaktierte Iñárritu den Freund und Kameramann Emmanuel Lubezki , um seine Idee für den Film zu besprechen. Nachdem er das Drehbuch gelesen hatte, war Lubezki besorgt, dass Iñárritu ihm den Job anbieten würde, da Birdman "alle Elemente eines Films hatte, die ich überhaupt nicht machen wollte" - Komödie, Studioarbeit und lange Einstellungen -, aber er änderte seine Meinung danach weitere Diskussion mit dem Direktor. Das Paar hatte zusammen an Werbespots und einem Kurzfilm in der Anthologie To Each His Own Cinema gearbeitet , aber nicht an Spielfilmen. Lubezki wollte sichergehen, dass Rodrigo Prieto , der Kameramann aller vier Spielfilme von Iñárritu , mit dieser Entscheidung zufrieden war, aber nachdem er seinen Segen erhalten hatte, gingen die beiden in die Vorproduktion.

Lubezki war besorgt, dass kein Film so gedreht wurde, wie Iñárritu es sich vorgestellt hatte, was bedeutete, dass es kein Referenzmaterial zum Nachschlagen geben würde. Die beiden entschieden, dass der einzige Weg, um zu lernen, wie man es dreht, darin besteht, es selbst zu drehen, also mieteten sie ein Lagerhaus in den Sony Studios in Los Angeles und bauten eine Proxy-Bühne. Die Einrichtung war minimal. Für Wände wurden Leinwand und C-Ständer verwendet, Klebeband und einige Möbelstücke markierten Bereiche. Mit einer Kamera und einigen Stellvertretern arbeitete das Duo den Film durch, um zu sehen, ob es möglich war. Als sie erkannten, dass kein Theater die benötigte komplizierte Kameraarbeit aufnehmen konnte, heuerten sie die Kaufman Astoria Studios in New York an. Trotzdem wollte Iñárritu in einem Broadway-Theater drehen, musste aber mit den Proben mehrere Wochen warten, bevor er sich das St. James Theatre sichern konnte . Dann verbrachten sie einige Monate damit, "Blaupausen" der Aufnahmen zu entwerfen und zu erstellen und die Szenen zu blockieren, wobei sie die Stellvertreter benutzten, um das Drehbuch zu lesen und durchzugehen. Die Planung war präzise. Iñárritu sagte: "Es gab überhaupt keinen Raum zum Improvisieren. Jede Bewegung, jede Zeile, jede Türöffnung, absolut alles wurde einstudiert." Nachdem diese Vorarbeiten abgeschlossen waren, begannen die Schauspieler mit den Proben: Laut Lubezki machten sie die Szenen mit den Schauspielern, "als wir irgendwie wussten, wie der Rhythmus der Szenen war". Er beschrieb den atypischen Ansatz "wie einen auf den Kopf gestellten Film, bei dem man vor der Produktion die Postproduktion macht".

Ich weiß, dass Alejandro sehr hartnäckig darauf bedacht ist, das Kaninchen im Hut zu behalten und nicht sehr genau zu sein, wie es geschossen wurde, aber ich muss sagen, es brauchte eine Menge Proben und es war sehr spezifisch ... Es gab keinen Luxus des Schneidens weg oder bearbeiten um alles. Du wusstest, dass jede Szene im Film blieb, und wie im Theater war dies deine Chance, diese Szene zu erleben.

–  Emma Stein

Zu diesem Zeitpunkt waren die Redakteure Douglas Crise und Stephen Mirrione an dem Projekt beteiligt. Als Iñárritu Mirrione erzählte, dass er vorhabe, dass Lubezki Tischlesungen und die Proben aufzeichnen sollte, schlug er vor, sie sofort zu bearbeiten, um frühzeitig herauszufinden, was funktioniert und was nicht. Der Schnitt ermöglichte es den Redakteuren auch, mit dem Regisseur Tempoprobleme zu besprechen, wie die Position der Nacht-Tag-Übergänge und andere Ruhemomente im Film. Auch Produktionsdesigner Kevin Thompson war vor Ort und zeichnete die Szenen aus. Die Kameraarbeit erforderte, dass viele Elemente des Sets auf eine bestimmte Weise gebaut wurden. Zum Beispiel wurden Riggans Schminkspiegel und Schreibtisch so konstruiert, dass die Kamera sein Spiegelbild sehen würde. Thompson berücksichtigte auch die Bedürfnisse der Crew und gestaltete beispielsweise die Treppe etwas breiter für die Fußgröße von Steadicam-Operator Chris Haarhoff. Dann konstruierte er eine Vorlage für das Set, das sie in New York bauen würden. Die Autoren waren auch an den Proben beteiligt und verfeinerten das Drehbuch, um "sicherzustellen, dass der Film flüssig war und nie aufhörte".

St. James Theatre und Kaufman Astoria Studios in New York wurden verwendet, um die Bühnen- bzw. Backstage-Szenen von Birdman zu filmen .

Nachdem die Logistik der Szenen ausgearbeitet und das Timing knapp war, begab sich das Team für weitere Proben in die Kaufman Studios, gefolgt von der ausschließlichen Dreharbeiten in New York im Frühjahr 2013. Die Studios wurden verwendet, um die Backstage-Bereiche zu filmen des Films, einschließlich Riggans Umkleidekabine und den Theaterkorridoren. Das St. James Theatre wurde zwei Wochen lang genutzt; es war der Ort für die Bühnenszenen. Die Barsegmente wurden in The Rum House in der 47th Street gedreht und die 43rd Street wurde für die Action-Sequenz verwendet. Der Film konnte wegen der Terminvereinbarung mit dem Theater nicht chronologisch gedreht werden. An allen Drehorten, auch im Studio, wurden die Szenen mit natürlichem Licht beleuchtet, da Lubezki wollte, dass der Film "so naturalistisch wie möglich" aussieht. Die Nachtszenen konnten auf diese Weise aufgrund der Helligkeit von New York gefilmt werden. Lubezki fand das Ausleuchten der Szenen der schwierigste Teil seiner Arbeit an dem Film. Die Beleuchtung musste nicht nur realistisch aussehen, sondern auch so gestaltet sein, dass die kontinuierlichen Kamerabewegungen die Schatten der Crew nicht auf die Schauspieler projizieren.

Während der gesamten Dreharbeiten wurden Arri Alexa- Kameras verwendet; eine Alexa M wurde für Handheld-Sequenzen verwendet und eine Alexa XT wurde an die Steadicam angeschlossen . Weder verwendete Matteboxen jedoch. Steadicam-Operator Chris Haarhoff erklärt diese Entscheidung: „Wir wollten nicht, dass dieses große schwarze Ding in ihre Augenlinie rutscht. Lubezki – der die gesamte Handkameraarbeit gemacht hat – hatte sich für die Alexa M entschieden, weil die Kamera sehr klein war und es ihm ermöglichte, in winzige Räume und nahe an die Schauspieler zu gelangen und manchmal fünf Zentimeter von Keatons Gesicht entfernt zu filmen. Die Kamera ermöglichte auch Aufnahmen über einen so langen Zeitraum – notwendig für die langen Einstellungen des Films –, dass Lubezki so weit ging, zu sagen, dass der Film vor Jahren unmöglich gewesen wäre. Die Kameras wurden mit Leica Summilux-C oder Zeiss Master Primes belichtet. Lubezki sagte, dass diese saubere Bilder lieferten und sagte: "Sie können all diese Lichter im Rahmen haben und sie verursachen nicht wirklich schlechtes Licht oder ähnliches". In Bezug auf die Größen testeten sie zunächst 21 mm, aber dies gab Iñárritu nicht die "Intimität", die er wollte. Stattdessen griff die Crew zu einer 18-mm-Leica, die für den Großteil des Films verwendet wurde. Nur wenn eine Betonung erforderlich war, wechselten sie das Objektiv auf ein 14-mm-Objektiv, aber dies war selten.

Trotz aller Vorbereitung begann ein typischer Drehtag mit Proben. Diese dauerten normalerweise den größten Teil des Vormittags, danach folgte die Fotografie. Das akribische Timing der Szenen führte dazu, dass die Takes wegen der kleinsten Pannen abgebrochen wurden. Emma Stone erinnerte sich in einem Interview mit Jimmy Fallon daran, wie eine sechsminütige Aufnahme der Szene, in der Riggan Mike zum ersten Mal trifft, ruiniert wurde, nachdem sie zu schnell um eine Ecke gelaufen war. Takes wurden auch wiederholt, wenn Iñárritu der Rhythmus einer Szene nicht richtig vorkam oder wenn er und Lubezki mit der Einstellung einer Einstellung nicht zufrieden waren. Im Laufe der Dreharbeiten wurden auch Dialogzeilen weggelassen, was Iñárritu mehr Möglichkeiten während der Nachbearbeitung gab. Aus diesem Grund war die Anzahl der Takes für eine bestimmte Szene hoch, normalerweise zwanzig für die kürzeren Szenen, die Takes liefen um die fünfzehnte herum reibungslos. Chris Haarhoff beschrieb es als "eine Art Tanz, bei dem alle hoffentlich gleichzeitig versuchen würden, ihren Höhepunkt zu erreichen". Die Drehorte schränkten manchmal auch die Takes ein; die Live-Sequenz am Times Square wurde nur zweimal gedreht, da sie die Aufmerksamkeit der Touristen nicht auf sich ziehen wollten.

Immer wenn gedreht wurde, standen alle Beteiligten unter Druck, aber die Darsteller hatten eine positive Erfahrung. Norton sagte, dass normalerweise in der Filmproduktion die Hälfte der Leute aufgrund sich wiederholender Aspekte "auschecken" kann, aber während der Dreharbeiten zu Birdman "ist jeder dran, das Ganze, und Sie sind alle auf Kribbeln, weil Sie sich alle verlassen". auf vierzig andere Leute, den Ball nicht fallen zu lassen". Aus diesem Grund sagte Stone, der Regisseur sei in der Lage gewesen, das Beste aus der Besetzung herauszuholen. Ich weiß nicht einmal, dass du es hattest". Naomi Watts kommentierte, dass die Atmosphäre „sinnbildlich dafür war, wie es sich auf der Bühne anfühlt – zumindest meine langjährigen Erinnerungen von vor langer Zeit“. Andrea Riseborough beschrieb den Prozess unterdessen als "wunderbar" und erwähnte, wie es möglich war, die Dreharbeiten einer Sequenz von weitem zu hören, bevor die Kamera eintraf, und dann "die Magie passiert mit dir, und dann verlässt dich alles, und alles ist" Leise". Nachdem sie einen Take erfolgreich abgeschlossen hatten, war es jedoch für alle Beteiligten klar. Norton sagte: "Ich war noch nie an einem Set, an dem jeder Tag mit einem enormen, authentischen Jubel darüber endete, dass er es geschafft hat. Sie warten auf den Schrei von [Iñárritu], und alle waren wirklich aufgeregt."

Musik und Soundtrack

Die Originalmusiksegmente des Films sind eine Schlagzeugpartitur, die ausschließlich aus Solo-Jazz-Percussion-Performances von Antonio Sánchez besteht . Die Partitur wird durch eine Reihe bekannter klassischer Musikstücke ergänzt, darunter Mahler und Tschaikowsky . Iñárritu hielt die besondere Auswahl klassischer Stücke nicht für wichtig. Dennoch orientierte sich die Auswahl klassischer Musik stark an hochmelodischen Partituren, die überwiegend aus dem klassischen Repertoire des 19. Jahrhunderts stammten (Mahler, Tschaikowsky, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu erklärte, dass die klassischen Komponenten aus der Welt des Stücks stammen, und nannte das Radio in Riggans Zimmer und die Show selbst als zwei Quellen der Musik. Zu den klassischen Musiksegmenten gehörten auch zwei Kompositionen des amerikanischen Komponisten John Adams . Mehrere Jazzkompositionen von Victor Hernández Stumpfhauser und Joan Valent bilden ein Gegengewicht zur Originalkomposition von Sánchez. Die Schlagzeugteile machen jedoch den Großteil der Partitur aus und wurden von Sánchez komponiert. Iñárritu erklärte die Wahl, indem sie sagte, dass sie dabei halfen, Szenen zu strukturieren, und dass "Das Schlagzeug für mich eine großartige Möglichkeit war, den Rhythmus des Films zu finden ... In der Komödie ist der Rhythmus König, und ich habe nicht die Werkzeuge, um sie zu bearbeiten." Zeit und Raum zu bestimmen, wusste ich, dass ich etwas brauchte, das mir hilft, den inneren Rhythmus des Films zu finden."

Der Jazz-Schlagzeuger Antonio Sánchez komponierte und nahm die Filmmusik auf.

Im Januar 2013 kontaktierte Iñárritu seinen Freund und Jazz-Schlagzeuger Antonio Sánchez und lud ihn ein, die Filmmusik zu komponieren. Seine Reaktion darauf, einen Soundtrack nur mit Schlagzeug zu schreiben, war ähnlich wie Lubezkis Gedanken, den Film wie eine einzige Einstellung zu drehen: "Es war ein beängstigender Vorschlag, weil ich keinen Anhaltspunkt hatte, wie ich das erreichen könnte. Es gibt keinen anderen Film, den ich kenne." ein Ergebnis wie dieses." Auch Sánchez hatte zuvor noch nicht an einem Film gearbeitet, dennoch komponierte er nach Erhalt des Drehbuchs "rhythmische Themen" für jeden der Charaktere. Iñárritu suchte jedoch den gegenteiligen Ansatz und bevorzugte Spontaneität und Improvisation. Sánchez wartete dann, bis die Produktion nach New York verlegt wurde, bevor er weiter komponierte, wo er für ein paar Tage das Set besuchte, um sich ein besseres Bild von dem Film zu machen. Danach, eine Woche vor den Dreharbeiten, gingen er und Iñárritu in ein Studio, um einige Demos aufzunehmen. Während dieser Sitzungen führte der Regisseur ihn zuerst durch die Szene und führte ihn dann, während Sánchez improvisierte, indem er seine Hand hob, um auf ein Ereignis hinzuweisen – etwa eine Figur, die eine Tür öffnete – oder indem er den Rhythmus mit verbalen Klängen beschrieb. Sie nahmen etwa siebzig Demos auf, die Iñárritu verwendet hat, um das Tempo der Szenen am Set zu bestimmen, und sobald die Dreharbeiten abgeschlossen waren, fügte sie sie in den Rohschnitt ein. Sánchez fasste den Prozess mit den Worten zusammen: "Der Film ernährte sich von den Trommeln und die Trommeln ernährten sich von den Bildern". Der offizielle Soundtrack wurde im Oktober 2014 als CD (77 min) und im April 2015 als LP (69 min) veröffentlicht.

Als die Academy of Motion Picture Arts and Sciences im Dezember 2014 ihre Longlist für den Oscar für die beste Originalmusik veröffentlichte , fehlte Birdman auf der Liste. Am Vortag erhielt Sánchez eine Notiz vom Preisausschuss, in der er die Entscheidung erläuterte, in der er Regel 15 der 87 die in zahlreichen entscheidenden Momenten des Films sehr prominent zu sehen sind, hat es dem Komitee erschwert, Ihren Beitrag zu akzeptieren". Sánchez legte Berufung ein, und zusammen mit Iñárritu und dem Executive Vice President von Fox Music schickten sie Briefe an Charles Fox, den Vorsitzenden des Exekutivkomitees der Musikabteilung der Academy, und forderten das Komitee auf, ihre Entscheidung zu überdenken. Einer der Punkte, die sie ansprachen, war, dass das Komitee das Verhältnis von klassischer zu originaler Musik falsch berechnete, was Sánchez nach Klärung der Meinung war, dass er "auf wirklich solidem Boden" stehe. Eine Antwort von Fox am 19. als Vertonung verwendet wird", "ebenfalls zur Wirksamkeit des Films beiträgt" und dass die musikalische Identität des Films sowohl durch das Schlagzeug als auch durch die klassische Musik geschaffen wurde. Letztendlich haben sie ihre Entscheidung nicht rückgängig gemacht. Sánchez sagte, dass er und Iñárritu mit der Erklärung nicht zufrieden seien.

Postproduktion und visuelle Effekte

Birdman wurde von Douglas Crise und Stephen Mirrione geschnitten , die beide schon einmal mit dem Regisseur an 21 Grams and Babel gearbeitet hatten . Das Zusammenfügen von Aufnahmen war natürlich ein wesentlicher Bestandteil des Schnitts, aber Crise und Mirrione hatten damit bereits Erfahrung. Der Regisseur hatte Takes eingefügt, die in früheren Filmen zusammengefügt wurden, aber in diesen hatten die Cutter, wenn die Cutter der Meinung waren, dass das Stitching nicht funktionierte, die Möglichkeit, Schnitte einzuführen. Mirrione sagte, dass Iñárritu in Birdman "dieses Sicherheitsnetz losgelassen" habe. Aus diesem Grund mussten die Redakteure frühzeitig in das Projekt eingebunden werden, und während der Dreharbeiten war Crise jeden Tag am Set. (Mirrione war beschäftigt und konnte nicht in New York sein.) Crise war es nicht gewohnt, am Set zu sein und Feedback zu geben, sagte aber, er sei froh, dass Iñárritu es "aus ihm herausgezogen" habe, da er wusste, dass sie nicht viel Platz zum Reparieren hätten Szenen später, also mussten sie sie richtig machen. Für das Stitching diskutierte Crise neben dem Regisseur auch Strategien mit Lubezki und Thompson, und Techniken zum Zusammenkleben von Takes umfassten Schwenks an Wänden und Körpern von Schauspielern. Die Redakteure waren es gewohnt, den Rhythmus einer Szene durch die Positionierung von Schnitten anpassen zu können, sodass sie ohne dieses Werkzeug stattdessen Sánchez' Musik verwendeten. Der Regisseur gab Crise früh die New Yorker Aufnahmen, um beim Tempo zu helfen, und bat ihn, die Musik zum Film zu schneiden. Dennoch bezeichnete Crise den Bearbeitungsworkflow als "ziemlich traditionell". Die Cutter haben den Film in Los Angeles zusammengeschnitten. Einige Wochen nach dem Dreh waren sie ziemlich weit am Schnitt selbst und wechselten in den visuellen Effektmodus, wo sie die Aufnahmen verfeinerten.

Sie reden immer davon, dass eine Choreografin beim Schneiden einer Tanzszene keine Kürzungen will, weil sie etwas entwirft, um die gesamte Bewegung zu sehen, und das hat Alejandro hier gemacht.

–  Stephen Mirrione

Die visuellen Effekte für den Film wurden vom in Montreal ansässigen Studio Rodeo FX erstellt . Sie verbrachten vier Monate damit, an dem Film zu arbeiten, und laut Ara Khanikian, Supervisor für visuelle Effekte, "betrafen die visuellen Effekte 90% der Frames im Film". Viele Arbeiten waren subtil. Zum Beispiel das Zusammenfügen von Aufnahmen oder das Erstellen des Hintergrunds für die Fenster in der Krankenhausszene. Viele Aufnahmen in den Spiegeln des Films, und es wurde viel Arbeit aufgewendet, um die Reflexionen der Crew aus diesen zu entfernen. Um dies zu erreichen, erstellte das Studio eine digitale 2,5D- Mattmalerei der reflektierten Umgebung. Dann rotoskopierten sie die Teile des Spiegels heraus, die nicht die Vordergrundakteure und ihre Spiegelungen enthielten, und ersetzten diese durch die digitale Umgebung. Einige der Originalaufnahmen zeigten Flecken und Schmutz auf den Spiegeln, also entwickelte das Studio eine Möglichkeit, sie zu extrahieren, damit sie sie wieder in den Film einfügen konnten. Auch im Film wurde ein Matte Painting für die nächtlichen Tag-Zeitraffer konstruiert, die durch Streichen und Reprojizieren von Aufnahmen der Gebäude, die zu verschiedenen Tageszeiten aufgenommen wurden, zusammen geschaffen wurden. Rodeo FX hat auch das Tempo der Szenen angepasst. Iñárritu verlangte einen "sehr präzisen Rhythmus und Fluss" für den Film, daher musste das Studio einen Großteil davon mit Timewarp- Kurven neu beschleunigen , um das vom Regisseur gewünschte Tempo zu erreichen.

Im Gegensatz zu einigen der kleineren Anpassungen erforderte die Flugsequenz jedoch eine umfangreiche Vorbereitung. Iñárritu verbrachte drei Wochen mit Halon Entertainment, um die Sequenz vorab zu visualisieren . In New York nutzte Lubezki dann die Choreografie der Vorvisualisierung, um mit einem Kamerakran auf einem LKW Hintergrundplatten für die Sequenz zu drehen. Als diese gedreht wurden, hatte Lubezki vier GoPro- Kameras an das Objektiv der Filmkamera montiert , um die Lichtumgebung um ihn herum einzufangen. Später, auf einer Greenstage in Montreal, beleuchtete Lubezki Keaton mit einer Technik, die er auf Gravity entwickelt hatte , mit LED-Panels, die Bilder mit hohem Dynamikumfang des umgebenden New Yorker Filmmaterials zeigten. Die Paneele beleuchteten Keaton dann realistisch. Khanikian beschrieb die Wirkung des Prozesses mit den Worten: „Anstatt die Standardbeleuchtung auf dem Greenscreen zu verwenden, erhielten wir die richtige rote Reflexion von den roten Ziegeln und die gleiche Farbe des Himmels spiegelte sich auf Michaels Kopf. Es funktionierte so gut. " Rodeo FX vollendete dann die letzten Aufnahmen. Die Sequenz war das letzte Stück, das die Cutter in den Film eingefügt haben. Mirrione kommentierte, dass sie, bevor die Sequenz fertig war, sich "nur vorgestellt hatten, wie es sich anfühlen würde", aber als sie fertig war, "hat es den Film auf dieses ekstatische Niveau gebracht, das mich absolut umgehauen hat".

Das Sounddesign für den Film wurde von Martín Hernández übernommen, der an allen Spielfilmen des Regisseurs mitgewirkt hat. Der Produktionssound, den sein Team erhielt, war "überraschend perfekt und sauber", so dass sie nicht viel Zeit damit verbringen mussten, ihn aufzuräumen. Das Fehlen von visuellen Schnitten im Film bedeutete jedoch eine Abweichung von der üblichen Art und Weise, wie Hernández den Ton bearbeitete. „Normalerweise mag Alejandro, wie er es nennt, ‚das Aufeinanderprallen der Geräusche‘. Die Kamera ändert den Blickwinkel innerhalb der Szene und alles ändert sich – Hintergründe, Texturen, Dialoge. Offensichtlich würde das bei Birdman nicht funktionieren, denn hier , alles fließt." Außerdem musste der Ton von Objekten im Film mit ihrer Position auf dem Bildschirm koordiniert werden, eine nicht triviale Aufgabe, da die Kamera fast immer in Bewegung war. Hernández half auch, Sánchez' Tracks zu schneiden, indem er Momente aus den New Yorker Aufnahmen gegen den Film auswählte und bearbeitete. Als die Tracks in Los Angeles neu aufgenommen wurden, verwendete das Team für jeden Take zweiunddreißig Mikrofone, um "Distanz, Nähe und Resonanz zu haben". Hernández bezeichnete den Job als „verrückt“. Eine große Herausforderung bei der Nachbearbeitung des Soundworks bestand darin, den Sound des Theaterpublikums zu gestalten, insbesondere in der Szene, in der Mike betrunken ist und aus der Rolle kommt. Iñárritu wusste, wie er wollte, dass das Publikum reagierte, aber um den Klang ihrer Reaktion herauszufinden, brauchten fünf Sounddesigner vier Monate Arbeit. Hernández sagte, er denke, für einen Film im Allgemeinen, dass die durch Ton erzeugte Erzählung "mehr 'Explosionen' hervorruft" als die durch Bilder erzeugte, und dass in Birdman "Alejandro während des gesamten Films Sound explodiert".

Das digitale Zwischenprodukt wurde von einem Team von Technicolor unter der Leitung von Steven Scott fertiggestellt. Sie hatten zuvor mit Lubezki an Gravity zusammengearbeitet , mussten sich Birdman jedoch aufgrund des Serienbild-Ansatzes anders nähern. Laut Scott „haben wir so etwas noch nie gemacht“. Das Farbtiming musste so erfolgen, dass die Übergänge zwischen farbkorrigierten Umgebungen unsichtbar waren, im Gegensatz zu einem normalen Film, bei dem die Übergänge mit sichtbaren Schnitten zusammenfallen. Dazu fügte das Team bei stillstehender Kamera, mitten in Schwenks und anderen Kamerabewegungen eigene Schnitte ein. Sie entwickelten dann eine Möglichkeit, die stationären Schnitte farbkorrigieren und die bewegten Schnitte in eine Form der Auflösung zu verwandeln, die es ihnen ermöglichte, "all diese unabhängigen, verrückten, komplizierten Farbkorrekturen durchzuführen, die organisch von einem zum anderen fließen würden". Das Einfügen der Auflösungen erforderte Rotoskopie- Methoden, die die Software, die Scott und sein Team verwendeten, nicht hatten, aber eine Unternehmensvereinbarung zwischen Technicolor und dem Entwickler der Software führte zur Entwicklung eines Tools, das Scott benötigte. Für das Farbtiming selbst war es eine der Prioritäten des Teams, die Gesichter so dimensional und lesbar wie möglich zu gestalten. Dies erforderte unter anderem die Hervorhebung von Gesichtern, aber die bewegte Kameraführung erforderte, dass die dabei verwendeten Matten von Hand animiert werden mussten. Lubezki machte Notizen zu den Bereichen, die er verfolgen wollte, dann führte das Team die Animationen durch. Über den gesamten Prozess bemerkte Iñárritu, dass "jeder außerhalb seiner Komfortzone war", während Scott sagte, es sei das herausforderndste DI-Projekt seiner Karriere.

Analyse und Themen

Der Regisseur betont und verteidigt die verschiedenen Mehrdeutigkeiten, die der Film bewusst enthält: "Am Ende des Films kann [es] so vielfältig interpretiert werden, wie es Sitzplätze im Theater gibt." Viele Aspekte der Filmtheorie wurden in Bezug auf den Film durch kritische Kritiken diskutiert, die unter anderem (a) Filmgenre ; (b) beabsichtigte und ungelöste Unklarheiten der Handlung ; und (c) die komplexe Wechselwirkung von Riggans Privatleben mit seinem Berufsleben als Schauspieler . Eine kurze Liste der verschiedenen Formen von Filmgenre mit dem Film verknüpft hat es als Schwarz Humor Film, ein psychische Gesundheit Film, ein Realismus / alternativ bezeichnet enthalten ist Surrealismus / magischen Realismus Film, dunkel Humor Parodie Film , ein Film des psychologischen Realismus, ein gescheitertes häusliches Versöhnungsdrama oder ein Film über theatralischen Realismus und Naturalismus. Iñárritu hat seine Vorliebe, die den Anhängern seiner vorherigen Filme bekannt ist, beibehalten, absichtlich mehrere Handlungsstränge in diesen Film aufzunehmen, die am Ende absichtlich ungelöst bleiben. Separate Kritiken in der Presse haben den Film auch als eng mit dem Thema der letzten Talfahrt einer späten Midlife-Crisis im Leben eines ehemaligen Schauspielers zusammengefaßt, der in seinem öffentlichen und privaten Leben einen Abschluss und eine Lösung sucht.

Die Vater-Tochter-Themen im Film, dargestellt durch die Beziehung von Riggan und Samantha, waren für die Co-Autoren Dinelaris und Giacobone die "schwierigsten" und wichtigsten Teile des Films, da sie beide ähnliche Erfahrungen in ihren Familien machten ihre eigenen Beziehungen zu ihren Töchtern. Als die Autoren nach der Bedeutung des zweideutigen Endes gefragt wurden, das der Regisseur nicht kommentieren wollte, gaben sie an, dass ein komödiantisches Ende völlig ausgeschlossen sei. Die Autoren stellten auch fest, dass sich die Überlegungen zum Abschluss des Films nicht direkt auf Riggan oder den Charakter von Birdman konzentrierten, sondern auf das Leben der überlebenden Charaktere im Film, insbesondere auf die Darstellung von Riggans Tochter Samantha.

Travis LaCouter von First Things bemerkt die thematische Anziehungskraft zwischen Riggans Wahnsinn oder tatsächlichen Superkräften und schreibt, dass "die Bedeutung dieser Kräfte – real oder eingebildet – offensichtlich ist: Sie sind für Riggan das Ding jenseits der Etiketten, der Kern seines Genies und, weil er sieht es als Ausverkauf an, die Quelle seiner großen Angst." LaCouter kommt zu dem Schluss, dass "die skurrile Tiefe dieses Films darin besteht, wie er den Zuschauer herausfordert, die alltägliche Magie zu betrachten, die wir tendenziell ignorieren, unterdrücken oder ärgern".

Die Kritiker Barbara Schweizerhof und Matthew Pejkovici sehen das zentrale Thema des Films in einer satirischen Kritik des zeitgenössischen Theaterrealismus, den Pejkovici lobenswert mit Fellinis Film (1963) vergleicht. Wie Pejkovici sagt: "Ähnlich wie Fellinis Klassiker 8½ aus den 1960er Jahren ist Iñárritus Birdman ein sehr intimer Film über das Unwohlsein eines Künstlers, aber dennoch episch, innovativ und ehrgeizig. Iñárritu fängt den Kampf des Künstlers zwischen Ehrgeiz, Bewunderung und Berühmtheit ein mit atemberaubendem Umfang und Können in Form eines One-Take-Formats, während seine Kamera auf atemberaubende Weise durch die Backstage-Korridore, über die Bühne, auf die belebten Straßen von NYC und wieder zurück streicht."

Thematisch verglich Richard Brody es auch mit Opening Night (1977) von John Cassavetes . Brody sagte, die Schauspieler spielten in "der Art des modernen Naturalismus, ohne Exzentrizität der Gestik, Exzess des Ausdrucks oder gesteigerte und formalistische Präzision, die das Business-Casual des zeitgenössischen Kinos ist". The Wall Street Journal ' s Caryn James verglich die Geschichte der von Don Quijote (der selbst glaubt , ein Ritter zu sein), wie die Hauptfigur glaubt , dass er ein Superheld ist (das Äquivalent zu einem Ritter im 21. Jahrhundert). Dieser Zusammenhang wurde auch in der wissenschaftlichen Literatur hervorgehoben.

Veröffentlichung

Birdman wurde zusammen mit Mohsen Makhmalbafs neuem Film als Eröffnungsfilm der 71. Internationalen Filmfestspiele von Venedig ausgewählt . Eine limitierte Veröffentlichung begann am 17. Oktober 2014 in vier nordamerikanischen Kinos, gefolgt von einer landesweiten Veröffentlichung in 857 Kinos am 14. November 2014.

Theaterkasse

Birdman spielte 42,3 Millionen US-Dollar in Nordamerika und 60,9 Millionen US-Dollar in anderen Gebieten ein, was einem weltweiten Gesamtvolumen von 103,2 Millionen US-Dollar bei einem Budget von etwa 17 Millionen US-Dollar entspricht.

Der Film verdiente 424.397 US-Dollar während seiner begrenzten Eröffnung in Nordamerika in vier Kinos in New York und Los Angeles am Wochenende des 17. Oktober 2014, ein Durchschnitt von 106.099 US-Dollar pro Kino, was ihn zum 18. Filme) und Ranking Nr 20. im zweiten Wochenende vom 24. Oktober 2014, Birdman erweitert bis 50 Theatern und $ 1.380.000, was einem $ 27.593 pro-Theater übersetzt durchschnittlich verdient. Der Film expandierte am Wochenende des 14. November 2014 landesweit auf 857 Kinos, spielte 2.471.471 US-Dollar ein, mit einem Durchschnitt von 2.884 US-Dollar pro Kino und rangierte auf Platz 10. Am selben Wochenende spielte Birdman 11,6 Millionen US-Dollar ein.

Der Film startete am 13. November 2014 in Mexiko und spielte am Eröffnungswochenende 628.915 US-Dollar ein und startete am 2. Januar 2015 in Großbritannien mit 2.337.407 US-Dollar am Wochenende. In Großbritannien, Australien und Italien spielte der Film 7,6 Millionen US-Dollar, 3,97 Millionen US-Dollar bzw. 1,97 Millionen US-Dollar ein.

Kritische Antwort

Auf der Rezensions-Aggregations- Website Rotten Tomatoes hat der Film eine Zustimmung von 91%, basierend auf 351 Rezensionen, und eine durchschnittliche Bewertung von 8,50/10. Der kritische Konsens der Website lautet: " Birdman ist ein aufregender Sprung nach vorne für Regisseur Alejandro González Iñárritu und ein ehrgeiziges technisches Schaufenster, das von einer vielschichtigen Geschichte und herausragenden Leistungen von Michael Keaton und Edward Norton angetrieben wird." Auf Metacritic erhielt der Film eine gewichtete durchschnittliche Punktzahl von 87 von 100, basierend auf 58 Kritikern, was auf "universelle Anerkennung" hinweist. Die von CinemaScore befragten Zuschauer gaben dem Film eine durchschnittliche Note von „A–“ auf einer Skala von A+ bis F. Im Jahr 2015 wurde der Film von The Guardian als einer der 50 besten Filme des bisherigen Jahrzehnts ausgezeichnet .

Die Auftritte von (von links nach rechts) Michael Keaton , Edward Norton und Emma Stone wurden alle von Kritikern gelobt und für Oscars nominiert .

Margaret Pomeranz und David Stratton von At the Movies lobten das Schreiben, die Regie, die Performances und die Kameraführung des Films. Stratton bezeichnete auch die Umsetzung der Percussion-Partitur als "wirklich aufregend", während Pomeranz zusammenfasste: "Es ist einfach wirklich schön geschrieben und umwerfend gespielt und wunderschön gemacht." Beide gaben dem Film fünf Sterne, was Birdman zum einzigen Film machte, der 2014 eine solche Bewertung von den Gastgebern erhielt. In der New York Times verglich Manohla Dargis die Hauptfigur mit Ikarus , der griechischen mythologischen Figur, die danach in den Tod stürzte fliegt zu nah an der Sonne. Sie bemerkte auch einen Verweis auf Susan Sontag ist Against Interpretation in der Garderobe Spiegel.

Richard Kolker verglich den Film sowohl Alfred Hitchcock 's Rope (1948) und Alexander Sokurov ' s Russian Ark (2002). Kolker kommt zu dem Schluss, dass Birdman "ein Film über Schauspielerei, Identität, Transformation und die mysteriösen Effekte von Superhelden ist, (und) gefilmt wird, um die Illusion zu erzeugen, in einer einzigen fortlaufenden Aufnahme gemacht zu werden. Wie bei Rope sind die Schnitte versteckt, und die Ergebnis ist ein rhythmischer Rutsch durch das Leben eines Schauspielers auf der Suche nach sich selbst, eine von vornherein zum Scheitern verurteilte Suche."

Auch die internationale Rezeption des Films war hoch gelobt. In Deutschland erhielt der Film in einer Film-Gesamtbewertung bei EPD Film eine Bewertung von 3,4 von 5 Punkten, basierend auf sieben Kritiken. Die deutsche Kritikerin Barbara Schweizerhof gab dem Film 4 von 5 möglichen Sternen und lobte die satirische Virtuosität des Regisseurs bei der Herstellung des Films. In ihrer Kritik sprach Schweizerhof davon, dass der Film den Zuschauer einlädt, ihn "ein zweites und drittes Mal" zu sehen, und lobte die technische Leistung, eine Handlung darzustellen, die "den fiebrigen Bewusstseinsstrom" seiner Hauptfigur während des gesamten Films darstellt .

Die Kameraarbeit, die den größten Teil des Films als eine durchgehende Einstellung darstellt, wurde für ihre Ausführung und Verwendung mit großem Beifall begrüßt. Die Schauspielerei wurde weithin gelobt, insbesondere die von Keaton, wobei Peter Debruge von Variety die Aufführung als "Comeback des Jahrhunderts" bezeichnete. Debruge beschrieb den Film als "eine selbstbewusste Showbiz-Satire" und nannte ihn "einen Triumph auf jeder kreativen Ebene". Robbie Collin von The Daily Telegraph bewertete den Film mit 5/5 und lobte insbesondere die Verwendung langer Einstellungen von Emmanuel Lubezki , Kameramann. Richard Roeper gab dem Film ein "A" und schrieb, dass Keaton ernsthaft für eine Oscar-Nominierung als bester Schauspieler plädiert (die Keaton später erreichte).

Richard Brody , der für The New Yorker schrieb , nannte den Film "Godardian" und verglich ihn mit Pierrot le Fou (1965), Every Man for Himself (1980), Alphaville (1965) und Germany Year 90 Nine Zero (1991), vier Klassikern Filme des französischen Regisseurs Jean-Luc Godard . Er schlug jedoch vor, dass der Film nicht die gleiche filmische Meisterschaft erreichte, und fügte hinzu: "Es ist keine gute Idee für einen Filmemacher, mit Mr. Godard in den Ring zu steigen". In seinen kritischen Kommentaren zu dem Film kam er zu dem Schluss, dass der Film „über einfache, beiläufige Dichotomien von Theater vs. In einer anderen Rezension in The New Yorker , die die Rezension von Brody separat ergänzte, lehnte Anthony Lane den Vorschlag des Films ab, dass Filmkritiker Filme zerstören wollten, und erklärte: „Jemand hätte Iñárritu sagen können, dass Kritiker zwar oft gemein, aber nicht präventiv sind, und dass jeder, der wie Tabitha sagt: 'Ich werde dein Stück zerstören', bevor er es tatsächlich sieht, nicht lange im Job bleiben würde."

Einige Bewertungen waren negativ. Richard Lawson von Vanity Fair nannte den Film "grauenhaft" und "täuschend einfach". Scott Tobias, der für The Dissolve schrieb , gab dem Film 1,5 Sterne. Er lobt Lubezkis Kinematographie als erfolgreich darin, "die Zuschauer in einer Schnellkochtopfatmosphäre einzufangen, während Riggan und seine Spieler darum kämpfen, sie zusammenzuhalten", schlägt jedoch vor, dass Iñárritu "unfähig zur Modulation" ist und dass " Birdman eine Säure hat, die Iñárritu kann nicht zum Witz werden".

Auszeichnungen

Bei den 87. Academy Awards gewann Birdman vier Oscars: Bester Film , Beste Regie , Bestes Originaldrehbuch und Beste Kamera . Michael Keaton wurde als Bester Hauptdarsteller nominiert , Edward Norton und Emma Stone wurden in den Kategorien Beste Nebendarsteller nominiert, und es erhielt auch Nominierungen für Tonbearbeitung und Tonmischung.

Keaton erhielt seinen ersten Golden Globe Award , den er bei den 72. Golden Globe Awards als Bester Schauspieler in einem Film – Musical oder Komödie gewann . Der Film gewann auch den Golden Globe Award für das beste Drehbuch.

Top-Ten-Listen

Birdman wurde auf den Top-Ten-Listen vieler Kritiker aufgeführt.

Anmerkungen

Verweise

Externe Links