Katholische Kunst - Catholic art

Aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie
Krönung der Jungfrau durch Enguerrand Quarton (1453-54) mit Christus und Gott dem Vater als identischen Figuren, wie vom Geistlichen angegeben, der das Werk in Auftrag gegeben hat.
Guido Reni ‚s Erzengel Michael mit Füßen tritt Satan (c. 1636, in der Kapuzinerkirche Santa Maria della Concezione, Rom ).

Katholische Kunst ist Kunst, die von oder für Mitglieder der katholischen Kirche produziert wird . Dies umfasst visuelle Kunst ( Ikonographie ), Skulptur , dekorative Kunst , angewandte Kunst und Architektur . Im weiteren Sinne können auch katholische Musik und andere Kunst einbezogen werden. Kunstausdrücke können versuchen, die katholische Lehre in greifbarer Form zu veranschaulichen, zu ergänzen und darzustellen. Die katholische Kunst spielt seit mindestens dem 4. Jahrhundert eine führende Rolle in der Geschichte und Entwicklung der westlichen Kunst . Das Hauptthema der katholischen Kunst war das Leben und die Zeit Jesu Christi sowie der mit ihm verbundenen Menschen, einschließlich seiner Jünger , der Heiligen und der Motive aus der katholischen Bibel .

Die frühesten erhaltenen Kunstwerke sind die gemalten Fresken an den Wänden der Katakomben und Versammlungshäuser der verfolgten Christen des Römischen Reiches . Die Kirche in Rom wurde von der römischen Kunst und den religiösen Künstlern der Zeit beeinflusst. Der Stein Sarkophage der römischen Christen zeigt die frühesten erhaltenen geschnitzten Statuen von Jesus, Maria und anderen biblischen Figuren. Die Legalisierung des Christentums mit dem Edikt von Mailand (313) veränderte die katholische Kunst, die reichere Formen wie Mosaike und illuminierte Manuskripte annahm . Die Kontroverse um den Bildersturm teilte kurzzeitig die Westkirche und die Ostkirche , woraufhin die künstlerische Entwicklung in verschiedene Richtungen voranschritt. Romanische und gotische Kunst blühten in der westlichen Kirche auf, als sich der Mal- und Statuenstil in eine zunehmend naturalistische Richtung bewegte.

Die protestantische Reformation im 16. Jahrhundert brachte neue Wellen der Bildzerstörung hervor, auf die die katholische Kirche mit dramatischen, aufwändigen emotionalen Barock- und Rokoko- Stilen reagierte , um die Schönheit als Transzendent zu betonen . Im 19. Jahrhundert entfernte sich die Führung in der westlichen Kunst von der katholischen Kirche, die nach der Übernahme des historischen Wiederbelebungismus zunehmend von der modernistischen Bewegung beeinflusst wurde, eine Bewegung, die in ihrer "Rebellion" gegen die Natur der Betonung der Natur als gute Schöpfung durch die Kirche entgegenwirkt von Gott .

Anfänge

Christus Jesus, der gute Hirte , 2. Jahrhundert.

Die christliche Kunst ist fast so alt wie das Christentum. Die ältesten christlichen Skulpturen stammen aus römischen Sarkophagen und stammen aus dem Anfang des 2. Jahrhunderts. Als verfolgte Sekte waren die frühesten christlichen Bilder jedoch arkan und sollten nur für Eingeweihte verständlich sein. Zu den frühchristlichen Symbolen gehören die Taube, der Fisch, das Lamm, das Kreuz, die symbolische Darstellung der vier Evangelisten als Bestien und der Gute Hirte . Die frühen Christen auch Roman dekorative angepasst Motive wie der Pfau, Wein, und der gute Hirt. In den Katakomben von Rom tauchen erkennbare Darstellungen christlicher Figuren erstmals in Zahlen auf. Die kürzlich ausgegrabene Dura-Europos- Hauskirche an den Grenzen Syriens stammt aus der Zeit um 265 n. Chr. Und enthält viele Bilder aus der Verfolgungszeit. Die erhaltenen Fresken des Taufraums gehören zu den ältesten christlichen Gemälden. Wir können den "Guten Hirten", die "Heilung des Gelähmten" und "Christus und Petrus auf dem Wasser wandeln" sehen. Ein viel größeres Fresko zeigt die beiden Marien, die das Grab Christi besuchen.

Jungfrau und Kind. Wandmalerei aus den frühen Katakomben , Rom, 4. Jahrhundert.

Im 4. Jahrhundert erlaubte das Edikt von Mailand den öffentlichen christlichen Gottesdienst und führte zur Entwicklung einer monumentalen christlichen Kunst. Christen konnten Gebäude für Gottesdienste bauen, die größer und schöner waren als die verstohlenen Treffpunkte, die sie benutzt hatten. Bestehende architektonische Formeln für Tempel waren ungeeignet, da heidnische Opfer im Freien vor den Augen der Götter stattfanden, wobei der Tempel, in dem sich die Kultfiguren und die Schatzkammer befanden, als Hintergrund diente. Als architektonisches Modell für große Kirchen wählten Christen die Basilika , das römische öffentliche Gebäude, das für Justiz und Verwaltung genutzt wird. Diese Basilikakirchen hatten ein Mittelschiff mit einem oder mehreren Gängen an jeder Seite und einer abgerundeten Apsis an einem Ende: Auf dieser erhöhten Plattform saßen der Bischof und die Priester sowie der Altar . Obwohl es den Anschein hat, dass frühe Altäre aus Holz gebaut wurden (wie es in der Dura-Europos-Kirche der Fall ist), wurden Altäre dieser Zeit aus Stein gebaut und wurden immer reicher gestaltet. Für die Kunst könnten jetzt reichhaltigere Materialien verwendet werden, wie die Mosaike , die Santa Maria Maggiore in Rom schmücken, und die Basiliken von Ravenna aus dem 5. Jahrhundert , in denen sich narrative Sequenzen zu entwickeln beginnen.

Viel christliche Kunst entlehnt der imperialen Bildsprache, einschließlich Christus in Majestät , und der Verwendung des Heiligenscheines als Symbol der Heiligkeit. Die spätantike christliche Kunst ersetzte den klassischen hellenistischen Naturalismus durch eine abstraktere Ästhetik. Der Hauptzweck dieses neuen Stils war es, religiöse Bedeutung zu vermitteln, anstatt Objekte und Menschen genau wiederzugeben. Realistische Perspektive, Proportionen, Licht und Farbe wurden zugunsten geometrischer Vereinfachung, umgekehrter Perspektive und standardisierter Konventionen zur Darstellung von Personen und Ereignissen ignoriert . Ikonen Christi, Mariens und der Heiligen, Elfenbeinschnitzereien und beleuchtete Manuskripte wurden zu wichtigen Medien - noch wichtiger für das moderne Verständnis, da fast alle wenigen erhaltenen Werke außer Gebäuden aus dieser Zeit aus diesen tragbaren Objekten bestehen.

Byzantinische und östliche Kunst

6.? Jahrhundert Ikone von Christus Pantokrator , ein sehr seltenen prä- Iconoclasm Symbol.

Die Einweihung von Konstantinopel als Hauptstadt im Jahr 330 n. Chr. Schuf ein großes neues christliches Kunstzentrum für das oströmische Reich , das bald zu einer eigenen politischen Einheit wurde. Zu den wichtigsten konstantinopolitischen Kirchen, die unter Kaiser Konstantin und seinem Sohn Constantius II. Erbaut wurden , gehörten die ursprünglichen Fundamente der Hagia Sophia und der Kirche der Heiligen Apostel . Als das weströmische Reich zerfiel und von "barbarischen" Völkern übernommen wurde, erreichte die Kunst des byzantinischen Reiches ein Niveau an Raffinesse, Macht und Kunstfertigkeit, wie es in der christlichen Kunst bisher nicht zu sehen war, und setzte Maßstäbe für jene Teile des Westens, die noch in Kontakt waren mit Konstantinopel.

Diese Leistung wurde durch die Kontroverse über die Verwendung von geschnitzten Bildern und die richtige Auslegung des Zweiten Gebots überprüft , die zur Krise des Bildersturms oder zur Zerstörung religiöser Bilder führte, die das Reich zwischen 726 und 843 erschütterten. Die Wiederherstellung des orthodoxen Ikonodulismus führte dazu in einer strengen Standardisierung der religiösen Bilder innerhalb der Ostorthodoxen Kirche . Die byzantinische Kunst wurde zunehmend konservativer, da die Form der Bilder selbst, von denen viele göttlichen Ursprungs waren oder von denen angenommen wurde, dass sie vom heiligen Lukas oder anderen Figuren gemalt wurden, einen Status hatte, der nicht weit von dem eines Schrifttextes entfernt war. Sie konnten kopiert, aber nicht verbessert werden. Als Zugeständnis an das Gefühl der Bilderstürmer wurde die monumentale religiöse Skulptur effektiv verboten. Keine dieser Einstellungen wurde in Westeuropa vertreten, aber die byzantinische Kunst hatte dort bis zum Hochmittelalter großen Einfluss und blieb lange danach sehr beliebt, da eine große Anzahl von Ikonen der kretischen Schule noch in der Renaissance nach Europa exportiert wurde . Nach Möglichkeit wurden byzantinische Künstler für Projekte wie Mosaike in Venedig und Palermo ausgeliehen . Die rätselhaften Fresken in Castelseprio sind möglicherweise ein Beispiel für die Arbeit eines griechischen Künstlers, der in Italien arbeitet.

Die Kunst des Ostkatholizismus war der orthodoxen Kunst Griechenlands und Russlands immer näher. Und in Ländern nahe der orthodoxen Welt, insbesondere in Polen , hat die katholische Kunst viele orthodoxe Einflüsse. Die Schwarze Madonna von Częstochowa könnte byzantinischen Ursprungs gewesen sein - sie wurde neu gestrichen und das ist schwer zu sagen. Andere Bilder, die sicherlich griechischen Ursprungs sind, wie der Salus Populi Romani und die Muttergottes der ewigen Hilfe , beide Ikonen in Rom, sind seit Jahrhunderten Gegenstand besonderer Verehrung.

Obwohl dem Einfluss, insbesondere in Russland, oft widerstanden wurde, hat die katholische Kunst auch orthodoxe Darstellungen in vielerlei Hinsicht beeinflusst, insbesondere in Ländern wie Rumänien und in der postbyzantinischen kretischen Schule , die im 15. und 15. Jahrhundert die griechisch-orthodoxe Kunst unter venezianischer Herrschaft führte 16. Jahrhundert. El Greco verließ Kreta in relativ jungen Jahren, aber Michael Damaskinos kehrte nach kurzer Zeit in Venedig zurück und konnte zwischen italienischem und griechischem Stil wechseln. Selbst der Traditionalist Theophanes der Kreter , der hauptsächlich auf dem Berg Athos arbeitet , zeigt dennoch einen unverkennbaren westlichen Einfluss.

Katholische Lehre über heilige Bilder

Die katholische theologische Position zu heiligen Bildern ist praktisch identisch mit der in Libri Carolini dargelegten , obwohl dies, der vollständigste mittelalterliche Ausdruck westlicher Ansichten über Bilder, im Mittelalter tatsächlich unbekannt war. Es wurde um 790 für Karl den Großen vorbereitet, nachdem eine schlechte Übersetzung sein Gericht zu der Annahme veranlasst hatte, dass das Byzantinische Zweite Konzil von Nicäa die Verehrung von Bildern genehmigt hatte, was in der Tat nicht der Fall war. Der katholische Gegenschlag legte einen Mittelweg zwischen den extremen Positionen des byzantinischen Bildersturms und den Ikonodulen fest und billigte die Verehrung der Bilder für das, was sie darstellten, akzeptierte jedoch nicht die orthodoxe Position, an der die Bilder in gewissem Maße teilnahmen sie repräsentierten (ein Glaube, der später im Renaissance-Neo-Platonismus im Westen wieder auftauchte ).

Für die westliche Kirche waren Bilder nur Gegenstände, die von Handwerkern hergestellt wurden, um die Sinne der Gläubigen zu stimulieren und um des dargestellten Themas willen respektiert zu werden, nicht an sich. Obwohl in der populären Andachtspraxis häufig die Tendenz bestand, über diese Grenzen hinauszugehen, war die Kirche vor dem Aufkommen der Idee, alte Kunst zu sammeln, gewöhnlich brutal, wenn es darum ging, nicht mehr benötigte Bilder zu entsorgen, sehr zum Bedauern der Kunsthistoriker. Die meiste monumentale Skulptur des ersten Jahrtausends, die erhalten geblieben ist, wurde zerbrochen und beim Wiederaufbau von Kirchen als Trümmer wiederverwendet.

In praktischen Fragen der Verwendung von Bildern standen die Libri Carolini im Gegensatz zu ihrem theoretischen Platz in der Theologie am anti-ikonischen Ende des Spektrums katholischer Ansichten und missbilligten beispielsweise eher das Anzünden von Kerzen vor Bildern. Solche Ansichten wurden oft von einzelnen Kirchenführern geäußert, wie zum Beispiel dem berühmten Beispiel des Heiligen Bernhard von Clairvaux , obwohl viele andere sich in die andere Richtung lehnten und Kunst für ihre Kirchen ermutigten und in Auftrag gaben . Bernard war in der Tat nur gegen dekorative Bilder in Klöstern, die nicht speziell religiös waren, und populäre Prediger wie der heilige Bernardino von Siena und Savonarola zielten regelmäßig auf weltliche Bilder ab, die den Laien gehörten.

Frühes Mittelalter

Folio 27r aus dem Buch von Lindisfarne enthält die incipit Liber generationis des Matthäusevangelium .

Während die politische Struktur des Weströmischen Reiches nach dem Fall Roms zusammenbrach, finanzierte die Kirche weiterhin Kunst, wo sie konnte. Die zahlreichsten erhaltenen Werke der frühen Zeit sind illuminierte Manuskripte, die zu diesem Zeitpunkt vermutlich alle vom Klerus geschaffen wurden, häufig auch Äbte und andere hochrangige Persönlichkeiten. Die klösterliche Mischung aus "barbarischen" Dekorationsstilen und dem Buch in der Inselkunst der britischen Inseln aus dem 7. Jahrhundert sollte für den Rest des Mittelalters einen enormen Einfluss auf die europäische Kunst haben und einen alternativen Weg zum Klassizismus darstellen, der an die USA weitergegeben wurde Kontinent durch die Hiberno-Scottish Mission . Zu dieser Zeit war das Buch des Evangeliums , dessen figurative Kunst sich hauptsächlich auf evangelistische Porträts beschränkte , gewöhnlich die Art von Buch, die am aufwendigsten dekoriert war. Das Book of Kells ist das bekannteste Beispiel.

Der Kaiser Karl der Große aus dem 9. Jahrhundert machte sich daran, Kunstwerke zu schaffen, die dem Status seines wiederbelebten Reiches entsprechen. Die karolingische und ottonische Kunst beschränkte sich weitgehend auf den Kreis des kaiserlichen Hofes und verschiedene Klosterzentren, von denen jedes seinen eigenen künstlerischen Stil hatte. Karolingische Künstler versuchten bewusst, den ihnen zur Verfügung stehenden Beispielen byzantinischer und spätantiker Kunst nachzuahmen, indem sie Manuskripte wie die Chronographie von 354 kopierten und Werke wie den Utrecht-Psalter produzierten , der Kunsthistoriker immer noch dahingehend trennt, ob es sich um eine Kopie von vielem handelt früheres Manuskript oder eine originale karolingische Schöpfung. Dies wurde wiederum dreimal in England kopiert, zuletzt im frühgotischen Stil.

Markus aus den karolingischen Ebbo-Evangelien .

Elfenbeinschnitzereien, oft für Buchumschläge, stützten sich auf die Diptychen der Spätantike . Zum Beispiel handelt es sich bei den Vorder- und Rückseiten der Lorsch-Evangelien um einen kaiserlichen Triumph des 6. Jahrhunderts, der an den Triumph Christi und der Jungfrau angepasst ist. Sie stützten sich jedoch auch auf die Inseltradition, insbesondere in Bezug auf dekorative Details, und verbesserten diese in Bezug auf die Darstellung der menschlichen Figur erheblich. In Abteien und Nonnenklöstern in ganz Westeuropa wurden Kopien der auf Pergament illustrierten und mit Edelmetallen geschmückten Schriften oder liturgischen Bücher hergestellt. Ein Werk wie der Stockholmer Codex Aureus ("Goldbuch") könnte in Blattgold auf lila Pergament geschrieben sein , in Anlehnung an römische und byzantinische kaiserliche Manuskripte. Die angelsächsische Kunst war oft freier und verwendete lebhaftere Strichzeichnungen, und es gab andere unterschiedliche Traditionen, wie die Gruppe außergewöhnlicher mozarabischer Manuskripte aus Spanien, einschließlich des Saint-Sever Beatus , und jene in Girona und der Morgan Library .

Wir wissen, dass Karl der Große in seiner Pfalzkapelle in Aachen ein lebensgroßes Kruzifix mit der Christusfigur aus Edelmetall hatte , und viele solcher Objekte, die alle inzwischen verschwunden sind, sind in großen angelsächsischen Kirchen und anderswo verzeichnet. Die Goldene Madonna von Essen und einige kleinere Reliquienfiguren sind heute alles, was von dieser spektakulären Tradition übrig bleibt, völlig außerhalb der byzantinischen Normen. Wie die Essener Figur bestanden diese vermutlich alle aus dünnen Gold- oder Silberblechen, die von einem Holzkern getragen wurden.

Romanisch

Das Gero-Kreuz von ca. 960 (Rahmen später).

Die romanische Kunst , der lange die vorromanische vorausging , entwickelte sich in Westeuropa von etwa 1000 n. Chr. Bis zum Aufstieg des gotischen Stils. Der Kirchenbau war durch eine Zunahme der Höhe und der Gesamtgröße gekennzeichnet. Gewölbedächer wurden von dicken Steinmauern, massiven Säulen und Rundbögen getragen. Die dunklen Innenräume wurden von Fresken Jesu, Mariens und der Heiligen beleuchtet, die oft nach byzantinischen Vorbildern gestaltet waren.

Steinschnitzereien zierten das Äußere und das Innere, insbesondere das Tympanon über dem Haupteingang, auf dem oft ein Christus in Majestät oder im Gericht abgebildet war, und das große hölzerne Kruzifix war zu Beginn der Periode eine deutsche Neuerung. Die Kapitelle der Säulen wurden auch oft kunstvoll mit figurativen Szenen geschnitzt. Das Ensemble großer und gut erhaltener Kirchen in Köln , damals die größte Stadt nördlich der Alpen, und Segovia in Spanien gehören heute zu den besten Orten, um die Auswirkungen der neuen größeren Kirchen auf die Stadtlandschaft zu schätzen, aber viele Einzelgebäude Es gibt Kathedralen von Durham , Ely und Tournai bis hin zu einer großen Anzahl einzelner Kirchen, insbesondere in Südfrankreich und Italien. In wohlhabenderen Gegenden überleben viele romanische Kirchen, die von einer barocken Umgestaltung bedeckt sind, die mit diesen viel einfacher zu tun ist als mit einer gotischen Kirche.

Nur wenige der großen Wandgemälde, die ursprünglich die meisten Kirchen bedeckten, sind in gutem Zustand erhalten. Das Jüngste Gericht wurde normalerweise an der Westwand gezeigt, mit einem Christus in Majestät in der Apsis-Halbkuppel. Es wurden umfangreiche Erzählzyklen des Lebens Christi entwickelt, und die Bibel mit dem Psalter wurde zum typischen Schwerpunkt der Erleuchtung, wobei häufig geschichtliche Initialen verwendet wurden . Metallarbeiten, einschließlich Verzierungen in Emaille , wurden sehr raffiniert, und viele spektakuläre Schreine, in denen Reliquien aufbewahrt werden, sind erhalten geblieben. Das bekannteste ist das Heiligtum der Drei Könige im Kölner Dom von Nikolaus von Verdun und anderen (ca. 1180–1225).

Gotische Kunst

Das westliche (königliche) Portal in der Kathedrale von Chartres ( ca. 1145). Diese architektonischen Statuen gehören zu den frühesten gotischen Skulpturen und waren eine Revolution im Stil und das Vorbild für eine Generation von Bildhauern.

Die gotische Kunst entstand Mitte des 12. Jahrhunderts in Frankreich. Die von Abt Suger erbaute Basilika in Saint-Denis war das erste größere Gebäude im gotischen Stil. Neue Mönchsorden , insbesondere die Zisterzienser und Kartäuser , waren wichtige Erbauer, die unverwechselbare Stile entwickelten, die sie in ganz Europa verbreiteten. Die Franziskanermönche funktionale Stadtkirchen mit riesigen offenen Schiffen gebaut zu großen Gemeinden predigen. Allerdings regionale Unterschiede blieben wichtig, auch wenn durch die Ende des 14. Jahrhunderts, ein kohärentes bekannt als Universal-Stil Internationalen Gotik entwickelt hatte, die bis zum Ende des 15. Jahrhunderts fortgesetzt, und darüber hinaus in vielen Bereichen. Die Hauptmedien der gotischen Kunst waren Skulptur, Tafelmalerei , Glasmalerei , Fresko und das beleuchtete Manuskript , obwohl religiöse Bilder auch in Metallarbeiten, Wandteppichen und bestickten Gewändern zum Ausdruck kamen. Die architektonischen Neuerungen des Spitzbogens und des fliegenden Pfeilers ermöglichten höhere, leichtere Kirchen mit großen Flächen verglaster Fenster. Die gotische Kunst nutzte diese neue Umgebung voll aus und erzählte eine narrative Geschichte durch Bilder, Skulpturen, Glasmalereien und hochfliegende Architektur. Die Kathedrale von Chartres ist ein Paradebeispiel dafür.

Die gotische Kunst war oft typologischer Natur und spiegelte den Glauben wider, dass die Ereignisse des Alten Testaments die des Neuen vorwegnahmen und dass dies tatsächlich ihre Hauptbedeutung war. Alte und neutestamentliche Szenen wurden nebeneinander in Werken wie dem Speculum Humanae Salvationis und der Dekoration von Kirchen gezeigt. Die Gotik fiel mit einem großen Wiederaufleben der Marienverehrung zusammen , bei der die bildende Kunst eine wichtige Rolle spielte. Bilder der Jungfrau Maria entwickelten sich von den byzantinischen hieratischen Typen über die Krönung der Jungfrau zu menschlicheren und intimeren Typen, und Zyklen des Lebens der Jungfrau waren sehr beliebt. Künstler wie Giotto , Fra Angelico und Pietro Lorenzetti in Italien sowie die frühniederländische Malerei brachten der Kunst Realismus und eine natürlichere Menschlichkeit. Westliche Künstler und ihre Förderer vertrauten viel mehr auf innovative Ikonographie , und es wird viel mehr Originalität gesehen, obwohl die meisten Künstler immer noch kopierte Formeln verwendeten. Das Stundenbuch wurde hauptsächlich für Laien entwickelt, die es sich leisten konnten - das früheste bekannte Beispiel scheint für eine unbekannte Laie geschrieben worden zu sein, die um 1240 in einem kleinen Dorf in der Nähe von Oxford lebte - und jetzt wurden königliche und aristokratische Beispiele zum Typ Manuskript am häufigsten aufwendig dekoriert. Die meisten religiösen Kunstwerke, einschließlich der beleuchteten Manuskripte, wurden inzwischen von Laienkünstlern hergestellt, aber der Auftraggeber gab häufig detailliert an, was das Werk enthalten sollte.

Die Ikonographie wurde von Veränderungen in der Theologie beeinflusst, wobei Darstellungen der Himmelfahrt Marias durch den älteren Tod der Jungfrau an Bedeutung gewannen, und von Andachtspraktiken wie der Devotio Moderna , die neue Behandlungen Christi in andachtsbildern Themen wie dem Mann der Leiden hervorbrachten , Nachdenklicher Christus und Pietà , die sein menschliches Leiden und seine Verletzlichkeit betonten, in einer parallelen Bewegung zu der in Darstellungen der Jungfrau. Viele solcher Bilder waren jetzt kleine Ölgemälde, die für private Meditation und Hingabe in den Häusern der Reichen bestimmt waren. Sogar in den letzten Urteilen wurde Christus jetzt normalerweise gezeigt, wie er seine Brust freilegt, um die Wunden seiner Passion zu zeigen . Heilige wurden häufiger gezeigt, und Altarbilder zeigten Heilige, die für die jeweilige Kirche oder den Spender relevant waren, die an einer Kreuzigung oder einer thronenden Jungfrau und einem Kind teilnahmen oder den zentralen Raum selbst besetzten (dies normalerweise für Arbeiten, die für Seitenkapellen bestimmt waren). Im Laufe der Zeit wurden viele alte ikonografische Merkmale, die aus neutestamentlichen Apokryphen stammten, unter klerikalem Druck allmählich beseitigt, wie die Hebammen bei der Geburt Christi , obwohl andere zu gut etabliert und als harmlos angesehen wurden.

In der frühniederländischen Malerei aus den reichsten Städten Nordeuropas wurde ein neuer Realismus in der Ölmalerei mit subtilen und komplexen theologischen Anspielungen kombiniert, die genau durch die sehr detaillierten Einstellungen religiöser Szenen ausgedrückt wurden. Das Mérode-Altarbild (1420er Jahre) von Robert Campin und die Verkündigung von Washington Van Eyck oder die Madonna von Kanzler Rolin (beide 1430er Jahre, von Jan van Eyck ) sind Beispiele.

Im 15. Jahrhundert ermöglichte die Einführung billiger Drucke , meist im Holzschnitt , sogar Bauern, Andachtsbilder zu Hause zu haben. Diese Bilder, die am unteren Rand des Marktes winzig sind und oft grob gefärbt sind, wurden zu Tausenden verkauft, sind aber heute äußerst selten, da die meisten an Wände geklebt wurden. Beliebt und billig waren auch Andenken an Pilgerfahrten zu Schreinen wie Ton- oder Bleiabzeichen, Medaillen und mit Bildern gestempelte Ampullen . Blockbücher aus der Mitte des Jahrhunderts , bei denen sowohl Text als auch Bilder als Holzschnitt geschnitten wurden, scheinen für Pfarrer in den Niederlanden , wo sie am beliebtesten waren, erschwinglich gewesen zu sein . Bis zum Ende des Jahrhunderts wurden gedruckte Bücher mit Illustrationen, die sich immer noch hauptsächlich mit religiösen Themen befassten, der wohlhabenden Mittelschicht schnell zugänglich, ebenso wie Gravuren von ziemlich hoher Qualität von Druckern wie Israhel van Meckenem und Master ES .

Für die Reichen wurden kleine Tafelbilder , sogar Polyptychen in der Ölmalerei , immer beliebter und zeigten oft Spenderporträts neben, wenn auch oft viel kleiner als die abgebildete Jungfrau oder die Heiligen. Diese wurden normalerweise zu Hause ausgestellt.

Kunst der Renaissance

Statuen in der Kathedrale Saint Martin in Utrecht wurden im 16. Jahrhundert im reformatorischen Bildersturm angegriffen .

Die Kunst der Renaissance , die stark von der "Wiedergeburt" (französisch: Renaissance ) des Interesses an der Kunst und Kultur der klassischen Antike beeinflusst war, setzte zunächst die Trends der Vorperiode ohne grundlegende Änderungen fort, verwendete jedoch klassische Kleidung und architektonische Rahmenbedingungen, die immerhin sehr waren geeignet für neutestamentliche Szenen. Doch ein klarer Verlust religiöser Intensität ist offensichtlich in vielen frühen Renaissance religiöse Gemälden - die berühmten Fresken in der Tornabuoni Kapelle von Domenico Ghirlandaio (1485-1490) scheinen mehr daran interessiert , in der detaillierten Darstellung von Szenen aus dem bürgerlichen Leben in der Stadt als ihre tatsächlichen Themen, die Das Leben der Jungfrau und Johannes des Täufers sowie die Magi-Kapelle von Benozzo Gozzoli (1459–1461) ist eher eine Feier des Medici- Status als eine Ankunft der Magier . Beide Beispiele (die noch zeitgenössische Kleidung verwendeten) stammen aus Florenz , dem Herzen der frühen Renaissance, und dem Ort, an dem der charismatische dominikanische Prediger Savonarola seinen Angriff auf die Weltlichkeit des Lebens und der Kunst der Bürger startete und in seinem berühmten Lagerfeuer gipfelte der Eitelkeiten im Jahre 1497; Tatsächlich hatten andere Prediger seit Jahrzehnten ähnliche Veranstaltungen abgehalten, jedoch in kleinerem Umfang. Viele Künstler der frühen Renaissance , wie Fra Angelico und Botticelli, waren äußerst fromm, und letzterer war einer von vielen, die unter den Einfluss von Savonarola fielen.

Die kurze Hochrenaissance (ca. 1490–1520) von Leonardo da Vinci , Michelangelo und Raphael veränderte die katholische Kunst grundlegender und brach mit der alten Ikonographie, die gründlich in die theologischen Konventionen für Originalkompositionen integriert war, die sowohl künstlerische Imperative als auch den Einfluss von Humanismus der Renaissance . Sowohl Michelangelo als auch Raphael arbeiteten fast ausschließlich für das Papsttum während eines Großteils ihrer Karriere, einschließlich des Jahres 1517, als Martin Luther seine fünfundneunzig Thesen schrieb . Der Zusammenhang zwischen den Ereignissen war nicht nur chronologisch, da die Ablässe , die Luther provozierten, zur Finanzierung des päpstlichen künstlerischen Programms beitrugen, wie viele Historiker betont haben.

Die meisten Bilder aus dieser Zeit aus dem 15. Jahrhundert waren religiöse Bilder. Dies ist in gewissem Sinne selbstverständlich, aber „religiöse Bilder“ beziehen sich auf mehr als nur einen bestimmten Bereich von Themen; es bedeutet, dass die Bilder existierten, um institutionelle Ziele zu erreichen. Die Kirche gab Kunstwerke aus drei Hauptgründen in Auftrag: Der erste war die Indoktrination, klare Bilder konnten einer ungebildeten Person Bedeutung vermitteln. Das zweite war die leichte Erinnerung, Darstellungen von Heiligen und anderen religiösen Figuren ermöglichen einen Punkt des mentalen Kontakts. Das dritte ist, Ehrfurcht im Herzen des Betrachters zu erregen. Johannes von Genua glaubte, dass dies mit Bild einfacher zu tun sei als mit Worten. In Anbetracht dieser drei Grundsätze kann davon ausgegangen werden, dass Gold verwendet wurde, um den Geist und das Herz des Betrachters zu beeindrucken, wo später während der protestantischen Reformation die Fähigkeit, Gold durch die Verwendung einfacher Pigmente zu rendern, die Fähigkeiten eines Künstlers auf eine Weise zeigte, die das Aufbringen von Blattgold auf eine Platte nicht

Die protestantische Reformation war in vielen Teilen Europas ein Holocaust der Kunst. Obwohl der Lutheranismus bereit war, mit viel existierender katholischer Kunst zu leben, solange sie nicht zum Mittelpunkt der Hingabe wurde, sahen die radikaleren Ansichten von Calvin , Zwingli und anderen öffentliche religiöse Bilder jeglicher Art als Götzendienst an , und Kunst wurde in Gebieten systematisch zerstört wo ihre Anhänger herrschten. Dieser zerstörerische Prozess dauerte bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts, als Religionskriege Perioden der protestantischen Kontrolle der Bilderstürmer über einen Großteil des Kontinents brachten . In England und Schottland war die Zerstörung religiöser Kunst, die während des englischen Commonwealth am intensivsten war, besonders schwer. Einige Steinskulpturen, beleuchtete Manuskripte und Buntglasfenster (teuer zu ersetzen) sind erhalten geblieben, aber von den Tausenden von hochwertigen Werken gemalter und holzgeschnitzter Kunst, die im mittelalterlichen Großbritannien hergestellt wurden, sind praktisch keine mehr erhalten.

In Rom zerstörte die Entlassung des katholischen Kaisers Karl V. und seiner weitgehend protestantischen Söldnertruppen von 1527 sowohl die Kunst als auch die Künstler enorm, von denen viele biografische Aufzeichnungen abrupt enden. Andere Künstler konnten in verschiedene Teile Italiens fliehen und hatten oft Schwierigkeiten, den Faden ihrer Karriere aufzugreifen. Italienische Künstler, mit Ausnahme von Girolamo da Treviso , scheinen wenig Interesse am Protestantismus gehabt zu haben. In Deutschland folgten jedoch die führenden Persönlichkeiten wie Albrecht Dürer und seine Schüler, Lucas Cranach der Ältere , Albrecht Altdorfer und die Donauschule sowie Hans Holbein der Jüngere den Reformatoren. Die Entwicklung der deutschen religiösen Malerei war um 1540 abrupt zum Stillstand gekommen, obwohl weiterhin viele Drucke und Buchillustrationen, insbesondere von alttestamentlichen Themen, hergestellt wurden.

Konzil von Trient

Das Fresko des
Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo (1534–1541) wurde in der Gegenreformation unter anderem wegen Nacktheit (später über mehrere Jahrhunderte hinweg übermalt), die Christus nicht sitzend oder bärtig zeigte, einschließlich der heidnische Figur von Charon .

Die italienische Malerei entwickelte sich nach 1520, mit Ausnahme der Kunst Venedigs , zum Manierismus , einem hoch entwickelten Stil, der nach Wirkung strebte und die Besorgnis vieler Kirchenmänner auf sich zog, dass sie für die Masse der Bevölkerung nicht attraktiv war. Der Druck der Kirche, religiöse Bilder einzuschränken, wirkte sich ab den 1530er Jahren auf die Kunst aus und führte zu den Dekreten der letzten Sitzung des Konzils von Trient im Jahr 1563, die kurze und eher unerklärliche Passagen über religiöse Bilder enthielten, die einen großen Einfluss auf die Entwicklung der katholischen Kunst haben sollten. Frühere katholische Kirchenräte hatten selten das Bedürfnis gehabt, sich zu diesen Themen zu äußern, im Gegensatz zu orthodoxen , die oft über bestimmte Arten von Bildern entschieden haben.

Das Dekret bestätigte die traditionelle Doktrin, dass Bilder nur die abgebildete Person darstellten und dass die Verehrung für sie der Person selbst und nicht dem Bild zuteil wurde, und wies ferner an, dass:

... jeder Aberglaube soll beseitigt werden ... jede Laszivität soll vermieden werden; auf solche Weise, dass Figuren nicht mit einer Schönheit gemalt oder geschmückt werden sollen, die zur Lust anregt ... es wird nichts gesehen, was ungeordnet oder unkompliziert oder verwirrt angeordnet ist, nichts, was profan ist, nichts Unkorrektes, wenn man sieht, dass Heiligkeit das Haus wird von Gott. Und dass diese Dinge umso getreuer eingehalten werden, wie es die heilige Synode vorschreibt, dass niemand ein ungewöhnliches Bild an einem Ort oder in einer Kirche platzieren oder platzieren lassen darf, wie auch immer davon ausgenommen ist, außer dass dieses Bild genehmigt wurde von vom Bischof ...

Zehn Jahre nach dem Dekret wurde Paolo Veronese von der Inquisition gerufen , um zu erklären, warum sein Abendmahl , eine riesige Leinwand für das Refektorium eines Klosters, in den Worten der Inquisition enthielt: "Trottel, betrunkene Deutsche, Zwerge und andere solche Skurrilitäten". sowie extravagante Kostüme und Kulissen, in der Tat eine Fantasy-Version eines venezianischen Patrizierfestes. Veronese wurde gesagt, dass er sein Gemälde innerhalb von drei Monaten ändern müsse - tatsächlich änderte er nur den Titel in Das Fest im Haus Levi , immer noch eine Episode aus den Evangelien, aber eine weniger zentrale, und keine weitere sagte. Aber die Zahl solcher dekorativen Behandlungen religiöser Themen ging stark zurück, ebenso wie "unauffällig oder verwirrt arrangierte" manieristische Stücke, wie eine Reihe von Büchern, insbesondere des flämischen Theologen Molanus ( De Picturis und Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ) "Abhandlung über heilige Bilder"), 1570), Kardinal Federico Borromeo ( De Pictura Sacra ) und Kardinal Gabriele Paleotti ( Discorso , 1582) sowie Anweisungen lokaler Bischöfe verstärkten die Dekrete und gingen oft bis ins kleinste Detail auf das, was akzeptabel war. Eines der frühesten davon, Degli Errori dei Pittori (1564), von der dominikanischen Theologin Andrea Gilio da Fabriano, schloss sich dem Chor der Kritik an Michelangelos Jüngstem Gericht an und verteidigte die fromme und einfache Natur vieler mittelalterlicher Bilder. Andere Schriftsteller waren jedoch weniger mit der mittelalterlichen Kunst einverstanden und viele traditionelle Ikonografien, die ohne ausreichende biblische Grundlage betrachtet wurden, waren tatsächlich verboten (zum Beispiel die Ohnmacht der Jungfrau ), ebenso wie die Einbeziehung klassischer heidnischer Elemente in die religiöse Kunst und fast alle Nacktheit, einschließlich das des Jesuskindes. Laut der großen Mittelalterlerin Émile Mâle war dies "der Tod der mittelalterlichen Kunst".

Barockkunst

Der Altar der Vierzehnheiligen , Wallfahrtskirche in Oberfranken

Die Barockkunst, die sich in den Jahrzehnten nach dem Konzil von Trient entwickelte, obwohl das Ausmaß, in dem dies einen Einfluss darauf hatte, umstritten ist, erfüllte sicherlich die meisten Anforderungen des Konzils, insbesondere in den früheren, einfacheren Phasen, die mit dem Carracci und dem Carracci verbunden waren Caravaggio , der dennoch auf klerikalen Widerstand über den Realismus seiner heiligen Figuren stieß.

Die Themen wurden direkt und dramatisch gezeigt, mit relativ wenigen abstrusen Anspielungen. Die Auswahl an Themen wurde erheblich erweitert, da Barockkünstler sich freuten, neue biblische Episoden und dramatische Momente aus dem Leben der Heiligen zu finden. Als die Bewegung bis ins 17. Jahrhundert andauerte, neigten Einfachheit und Realismus dazu, langsamer in Spanien und Frankreich abzunehmen, aber das Drama blieb bestehen, hervorgerufen durch die Darstellung extremer Momente, dramatischer Bewegungen, Farben und Hell-Dunkel- Beleuchtung und, falls nötig, Wirte von aufgeregten Engeln und wirbelnde Wolken, die alle den Anbeter überwältigen sollten. Architektur und Skulptur zielten auf die gleichen Effekte ab; Bernini (1598–1680) verkörpert den Barockstil in diesen Künsten. Die Barockkunst verbreitete sich im katholischen Europa und in den von den Jesuiten und Franziskanern geförderten Überseemissionen in Asien und Amerika und hob Malerei und / oder Skulptur der Quito School , der Cuzco School und der Chilote School of Religious Imagery hervor .

Neue ikonische Themen, die im Barock populär wurden, waren das Heilige Herz Jesu und die Unbefleckte Empfängnis Mariens; Die endgültige Ikonographie für letztere scheint vom Meister und damaligen Schwiegervater von Diego Velázquez , dem Maler und Theoretiker Francisco Pacheco , erstellt worden zu sein, dem die Inquisition in Sevilla auch die Genehmigung neuer Bilder übertragen hatte. Die Himmelfahrt Mariens wurde ein sehr verbreitetes Thema, und (trotz eines Caravaggio des Themas) der Tod der Jungfrau starb in der katholischen Kunst fast aus; Molanus und andere hatten dagegen geschrieben.

18. Jahrhundert

Gianbattista Tiepolo , Madonna und Kind mit dem Heiligen Philip Neri , 1739–40

Im 18. Jahrhundert entwickelte sich der weltliche Barock zu einem noch extravaganteren, aber leichteren Rokoko- Stil, der sich nur schwer an religiöse Themen anpassen ließ, obwohl Gianbattista Tiepolo dies konnte. In der späteren Hälfte des Jahrhunderts gab es eine Reaktion, insbesondere in der Architektur, gegen den Barock und eine Rückkehr zu strengeren klassischen und palladianischen Formen.

Inzwischen verlangsamte sich die Produktionsrate religiöser Kunst spürbar. Nach einer Flut von Bau- und Umbauten im Barock waren die katholischen Länder zum größten Teil deutlich mit Kirchen, Klöstern und Klöstern überfüllt, bei einigen Orten wie Neapel fast absurd. Die Kirche war jetzt als Schutzpatron weniger wichtig als das Königshaus und die Aristokratie, und die Nachfrage der Mittelklasse nach Kunst, meist weltlich, nahm rapide zu. Künstler könnten nun eine erfolgreiche Karriere in der Malerei von Porträts, Landschaften, Stillleben oder anderen Genre-Spezialisierungen haben, ohne jemals ein religiöses Thema zu malen - etwas Ungewöhnliches, das in den katholischen Ländern bisher ungewöhnlich war, in protestantischen Ländern jedoch lange Zeit die Norm. Die Zahl der Verkäufe von Gemälden, Metallarbeiten und anderen kirchlichen Einrichtungen an private Sammler nahm im Laufe des Jahrhunderts zu, insbesondere in Italien, wo die Grand Tour zu Netzwerken von Händlern und Agenten führte. Leonardo da Vincis Londoner Jungfrau der Felsen wurde von der Mailänder Kirche, für die sie um 1781 gemalt wurde, an den schottischen Künstler und Händler Gavin Hamilton verkauft . Die Version im Louvre wurde offenbar drei Jahrhunderte zuvor von Leonardo selbst von derselben Kirche abgelenkt, um zum König von Frankreich zu gehen.

In den Kriegen nach der Französischen Revolution wurden große Mengen feinster Kunst, insbesondere Gemälde, sorgfältig ausgewählt, um von den französischen Armeen oder den von ihnen errichteten weltlichen Regimen angeeignet zu werden. Viele wurden nach Paris geschickt, um den Louvre (einige sollten irgendwann zurückgegeben werden, andere nicht) oder lokale Museen, die von den Franzosen gegründet wurden, wie die Brera in Mailand . Die Unterdrückung von Klöstern, die seit Jahrzehnten unter katholischen aufgeklärten Despoten des Ancien Régime , zum Beispiel im Edikt über müßige Institutionen (1780) von Joseph II. Von Österreich , im Gange war, nahm erheblich zu. Bis 1830 war ein Großteil der besten katholischen religiösen Kunst in Museen öffentlich ausgestellt, wie dies seitdem der Fall ist. Dies erweiterte zweifellos den Zugang zu vielen Werken und förderte das öffentliche Bewusstsein für das Erbe der katholischen Kunst, jedoch zu einem Preis, da Objekte als eher von künstlerischer als von religiöser Bedeutung angesehen wurden und aus ihrem ursprünglichen Kontext und Umfeld heraus gesehen wurden Sie wurden für entwickelt.

19. und 20. Jahrhundert

Der Verzicht auf die heilige Elisabeth von Ungarn (1850) durch den präraffaelitischen Künstler James Collinson , der zum Katholizismus konvertiert ist

Im 19. Jahrhundert wurde der Klassizismus sowohl von katholischen als auch von protestantischen Kirchen weitgehend abgelehnt, was mit dem Säkularismus der Französischen Revolution und der Aufklärung verbunden war . Dies führte zur Wiederbelebung der Gotik , einer Rückkehr zu gotisch geprägten Formen in Architektur, Skulptur und Malerei, angeführt von Menschen wie Augustus Pugin in England und Eugène Viollet-le-Duc in Frankreich. Weltweit wurden Tausende von gotischen Kirchen und Kathedralen in einer neuen Welle des Kirchenbaus hergestellt, und der gotische Stil des Kollegiums wurde zur Norm für andere kirchliche Institutionen. Mittelalterliche gotische Kirchen, insbesondere in England und Frankreich, wurden restauriert, oft sehr eigensinnig. In der Malerei führten ähnliche Einstellungen zur deutschen Nazarenerbewegung und den englischen Präraffaeliten . Beide Bewegungen umfassten sowohl katholische als auch protestantische Mitglieder, aber auch einige Künstler, die zum Katholizismus konvertierten.

Typisches populäres Bild des Unbefleckten Herzens Mariens

Außerhalb dieser und ähnlicher Bewegungen produzierte die etablierte Kunstwelt viel weniger religiöse Malerei als jemals zuvor seit dem Römischen Reich, obwohl viele Arten angewandter Kunst für Kirchenbeschläge im gotischen Stil hergestellt wurden. Kommerzielle populäre katholische Kunst blühte mit billigeren Techniken für die Massenreproduktion auf. Die Farblithographie ermöglichte es, farbige Bilder billig zu reproduzieren, was zu einer viel breiteren Verbreitung heiliger Karten führte . Ein Großteil dieser Kunst verwendete weiterhin verwässerte Versionen des Barock. Das Unbefleckte Herz Mariens war ein neues Thema des 19. Jahrhunderts, und neue Erscheinungen in Lourdes und Fátima sowie neue Heilige lieferten neue Themen für die Kunst.

Architekten begannen, andere frühere christliche Stile wiederzubeleben und mit neuen zu experimentieren, was zu Ergebnissen wie Sacre Coeur in Paris, Sagrada Familia in Barcelona und der byzantinisch beeinflussten Westminster Cathedral in London führte. Das 20. Jahrhundert führte zur Übernahme modernistischer Architektur- und Kunststile. Diese Bewegung lehnte traditionelle Formen zugunsten nützlicher Formen mit einem Minimum an Dekoration ab. Solche Kunst, wie sie es gab, vermied Naturalismus und menschliche Qualitäten und bevorzugte stilisierte und abstrakte Formen. Beispiele für die Moderne sind die Liverpool Metropolitan Cathedral von Christ the King und die Los Angeles Cathedral .

Zu den modernen katholischen Künstlern zählen Brian Whelan , Efren Ordonez , Ade Bethune , Imogen Stuart und Georges Rouault .

21. Jahrhundert

Die frühe Übernahme modernistischer Stile zu Beginn des 21. Jahrhunderts setzte sich mit den Trends des 20. Jahrhunderts fort. Künstler begannen mit Materialien und Farben zu experimentieren. In vielen Fällen trug dies zu Vereinfachungen bei, die zur Ähnlichkeit mit der frühchristlichen Kunst führten. Einfachheit wurde als der beste Weg angesehen, dem Betrachter rein christliche Botschaften zu bringen.

Themen

Das Gent-Altarbild: Die Anbetung des Lammes (Innenansicht), gemalt 1432 von Jan van Eyck
Das Wilton-Diptychon (ca. 1395–1399), Tempera auf Holz, jeder Abschnitt 57 cm × 29,2 cm (22,44  in × 11,50 in). National Gallery, London

Einige der häufigsten Themen der katholischen Kunst:

Das Leben Christi in der Kunst :

Maria:

Andere:

Siehe auch

Fußnoten

Verweise

Externe Links