Kino von China - Cinema of China

Kino von China
China Filmklappe.svg
Anzahl von Bildschirmen 41.179 (2016)
 • Pro Kopf 2,98 pro 100.000 (2016)
Hauptverteiler China-Film (32,8%)
Huaxia (22,89%)
Enlight (7,75%)
Produzierte Spielfilme (2016)
Fiktiv 772
Animiert 49
Dokumentarfilm 32
Anzahl der Zulassungen (2016)
Gesamt 1.370.000.000
 • Pro Kopf 1
Bruttokasse (2016)
Gesamt 45,71 Milliarden CN ( 6,58 Milliarden US-Dollar )
Nationale Filme 58,33 %

Das Kino von Festland - China ist ein von drei verschiedenen historischen Themen der chinesischsprachigen Kino zusammen mit dem Kino von Hong Kong und dem Kino von Taiwan .

Das Kino wurde in eingeführt China in 1896 und der erste chinesische Film, Dingjun Berg , wurde hergestellt in 1905 . In den ersten Jahrzehnten konzentrierte sich die Filmindustrie auf Shanghai . Der erste Tonfilm , Sing-Song Girl Red Peony , der die Sound-on-Disc- Technologie verwendet, wurde 1931 gedreht . In den 1930er Jahren , die als die erste "goldene Periode" des chinesischen Kinos gelten, kam die linke Filmbewegung auf. Der Streit zwischen Nationalisten und Kommunisten spiegelte sich in den produzierten Filmen wider. Nach der japanischen Invasion in China und der Besetzung Shanghais wurde die Industrie in der Stadt stark eingeschränkt, und Filmemacher zogen nach Hongkong , Chongqing und an andere Orte. In Shanghai begann eine "Solitary Island"-Periode, in der die verbliebenen Filmemacher in den ausländischen Konzessionen arbeiteten. Am Ende dieser Zeit erschien Princess Iron Fan (1941), der erste chinesische Animationsfilm . Es beeinflusste die japanische Animation während des Krieges und später Osamu Tezuka . Nach der vollständigen Besetzung durch die Besatzung 1941 und bis Kriegsende 1945 stand die Filmindustrie der Stadt unter japanischer Kontrolle.

Nach Kriegsende begann ein zweites goldenes Zeitalter mit der Wiederaufnahme der Produktion in Shanghai. Spring in a Small Town (1948) wurde bei den 24. Hong Kong Film Awards als bester chinesischsprachiger Film ausgezeichnet . Nach der kommunistischen Revolution 1949 wurden bereits inländische Filme und eine Auswahl ausländischer Filme 1951 verboten, was eine Tirade der Filmzensur in China markierte . Trotzdem stiegen die Kinobesuche stark an. Während der Kulturrevolution wurde die Filmindustrie stark eingeschränkt und kam von 1967 bis 1972 fast zum Erliegen. Die Industrie florierte nach dem Ende der Kulturrevolution, einschließlich der "Narbendramen" der 1980er Jahre wie Evening Rain (1980) , Legend of Tianyun Mountain (1980) und Hibiscus Town (1986), die die emotionalen Traumata dieser Zeit darstellen. Ab Mitte bis Ende der 1980er Jahre brachte der Aufstieg der fünften Generation mit Filmen wie One and Eight (1983) und Yellow Earth (1984) dem chinesischen Kino im Ausland eine zunehmende Popularität, insbesondere beim westlichen Arthouse-Publikum. Filme wie Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) und Farewell My Concubine (1993) gewannen bedeutende internationale Preise. Die Bewegung endete teilweise nach den Protesten auf dem Platz des Himmlischen Friedens von 1989 . Die Zeit nach 1990 sah den Aufstieg der Sechsten Generation und der Nachsechsten Generation, die beide hauptsächlich Filme außerhalb des wichtigsten chinesischen Filmsystems drehten, das hauptsächlich auf den internationalen Filmfestivals spielte.

Nach dem internationalen kommerziellen Erfolg von Filmen wie Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) und Hero (2002) hat die Zahl der Koproduktionen im chinesischsprachigen Kino zugenommen und das chinesischsprachige Kino verlagert sich in eine Domäne von großem internationalen Einfluss. Nachdem The Dream Factory (1997) die Tragfähigkeit des kommerziellen Modells bewiesen hatte und mit dem Wachstum der chinesischen Kinokassen im neuen Jahrtausend haben chinesische Filme Kinorekorde gebrochen und im Januar 2017 5 der Top 10 der höchsten Einspielergebnis Filme in China sind inländische Produktionen. Lost in Thailand (2012) war der erste chinesische Film, der an den chinesischen Kinokassen 1 Milliarde CN¥ erreichte. Monster Hunt (2015) war das erste Unternehmen, das 2 Milliarden CN¥ erreichte. Die Meerjungfrau (2016) war die erste mit 3 Milliarden CN¥. Wolf Warrior 2 (2017) schlug sie und wurde zum umsatzstärksten Film in China.

China ist die Heimat des größten Film- und Dramaproduktionskomplexes und der Filmstudios der Welt, der Oriental Movie Metropolis und Hengdian World Studios , und hatte 2010 die drittgrößte Filmindustrie nach Anzahl der jährlich produzierten Spielfilme. Im Jahr 2012 wurde das Land nach Kasseneinnahmen zum zweitgrößten Markt der Welt. Im Jahr 2016 betrug die Bruttokasse in China 45,71 Milliarden CN¥ ( 6,58 Milliarden US-Dollar ). Das Land verfügt seit 2016 über die größte Anzahl von Bildschirmen der Welt und wird voraussichtlich bis 2019 zum größten Kinomarkt werden. China ist auch zu einem wichtigen Geschäftszentrum für Hollywood-Studios geworden.

Im November 2016 verabschiedete China ein Filmgesetz, das Inhalte verbietet, die als schädlich für die „Würde, Ehre und Interessen“ der Volksrepublik gelten, und die Förderung „sozialistischer Grundwerte“ fördert, die vom Ständigen Ausschuss des Nationalen Volkskongresses genehmigt wurden , Filme dürfen in der Regel einen Monat lang in den Kinos bleiben. Studios können jedoch bei den Aufsichtsbehörden eine Verlängerung der Beschränkung beantragen.

Anfänge

Kinofilme wurden 1896 in China eingeführt. China war eines der ersten Länder, das dem Medium Film ausgesetzt war, da Louis Lumière ein Jahr nach der Erfindung der Kinematographie seinen Kameramann nach Shanghai schickte . Die erste aufgezeichnete Vorführung eines Films in China fand am 11. August 1896 in Shanghai statt , als "Akt" auf einem Varieté-Gesetz. Der erste chinesische Film, eine Aufzeichnung der Peking - Oper , Dingjun Berg , wurde im November 1905 in aus Peking . Für die nächsten zehn Jahre waren die Produktionsfirmen vor allem in ausländischem Besitz, und die heimische Filmindustrie wurde auf Shanghai, einem blühenden zentriert entrepot und die größte Stadt im Fernen Osten . 1913 wurde das erste unabhängige chinesische Drehbuch The Difficult Couple in Shanghai von Zheng Zhengqiu und Zhang Shichuan gedreht . Zhang Shichuan gründete dann 1916 die erste chinesische Filmproduktionsfirma. Der erste abendfüllende Spielfilm war Yan Ruisheng (閻瑞生), der 1921 veröffentlicht wurde ein roher Film, der jemals als kommerziell erfolgreich angesehen werden kann. Während der 1920er Jahre bildeten Filmtechniker aus den Vereinigten Staaten chinesische Techniker in Shanghai aus, und der amerikanische Einfluss war dort noch zwei Jahrzehnte lang spürbar. Da sich der Film noch in seinen frühesten Entwicklungsstadien befand, waren die meisten chinesischen Stummfilme zu dieser Zeit nur Comic-Skizzen oder Opernkurzfilme, und die Ausbildung war in technischer Hinsicht minimal, da es sich um eine Zeit des Experimentalfilms handelte.

Später, nach Versuch und Irrtum, konnte China sich von seinen eigenen traditionellen Werten inspirieren lassen und begann mit der Produktion von Martial-Arts- Filmen, wobei der erste Burning of Red Lotus Temple (1928) war. Das Brennen des Roten Lotustempels war an den Kinokassen so erfolgreich, dass die Produktion von Star Motion Pictures (Mingxing) seitdem 18 Fortsetzungen gedreht hat und den Beginn von Chinas angesehenen Kampfkunstfilmen markiert. In dieser Zeit entstanden einige der wichtigsten Produktionsfirmen, insbesondere Mingxing und Tianyi ("Unique") der Shaw-Brüder . Mingxing wurde 1922 von Zheng Zhengqiu und Zhang Shichuan gegründet und konzentrierte sich zunächst auf Comic-Kurzfilme, darunter den ältesten erhaltenen vollständigen chinesischen Film, Laborer's Love (1922). Dies verlagerte sich jedoch bald auf Spielfilme und Familiendramen, darunter Orphan Rescues Grandfather (1923). In der Zwischenzeit verlagerte Tianyi ihr Modell in Richtung Folkloredramen und drängte auch auf ausländische Märkte; ihr Film White Snake (1926) war ein typisches Beispiel für ihren Erfolg in den chinesischen Gemeinden Südostasiens. 1931 entstand der erste chinesische Tonfilm Sing-Song Girl Red Peony , das Ergebnis einer Kooperation zwischen der Bildproduktion der Mingxing Film Company und der Tontechnik von Pathé Frères . Der Ton wurde jedoch auf einer Disc aufgezeichnet , die dann im Theater synchron mit der Aktion auf der Leinwand abgespielt wurde. Der erste Ton-auf-Film- Talkie aus China war entweder Spring on Stage (歌場春色) von Tianyi oder Clear Sky After Storm von Great China Studio und Jinan Studio. Musikfilme wie Song at Midnight (1937) und Street Angels (1937) mit Zhou Xuan in der Hauptrolle wurden zu einem der beliebtesten Filmgenres in China.

Linke Bewegung

Der 20-jährige Ruan Lingyu , ein Superstar während der Stummfilmzeit, in Liebe und Pflicht (1931).

Allerdings waren die erste wirklich wichtige chinesischen Filme produziert in den 1930er Jahren , beginnend mit dem Aufkommen der "progressiven" oder "linken" Bewegung, wie Cheng Bugao 's Frühling Silkworms (1933), Wu Yonggang ' s The Goddess (1934 ) und Sun Yu ‚s The Big Road (1935). Diese Filme wurden für ihre Betonung des Klassenkampfs und externe Bedrohungen (dh japanische Aggression) sowie für ihren Fokus auf einfache Leute wie eine Familie von Seidenbauern in Spring Silkworms und eine Prostituierte in The Goddess bekannt . Zum Teil aufgrund des Erfolgs dieser Art von Filmen wird diese Ära nach 1930 heute oft als die erste "goldene Periode" des chinesischen Kinos bezeichnet. Die linke Filmbewegung drehte sich oft um das vom Westen beeinflusste Shanghai, wo Filmemacher die kämpfende Unterschicht einer übervölkerten Stadt porträtierten.

Anfang bis Mitte der 1930er Jahre dominierten drei Produktionsfirmen den Markt: die neu gegründete Lianhua („Vereinigtes China“), die älteren und größeren Mingxing und Tianyi. Sowohl Mingxing als auch Lianhua lehnten sich nach links (Lianhuas Management vielleicht mehr), während Tianyi weiterhin weniger sozialbewusste Kost zubereitete.

Jin Yan , ein in Korea geborener chinesischer Schauspieler, der in The Big Road (1935) zu sehen war und während Chinas goldenem Zeitalter des Kinos berühmt wurde.

In dieser Zeit entstanden auch die ersten großen chinesischen Filmstars wie Hu Die , Ruan Lingyu , Li Lili , Chen Yanyan , Zhou Xuan , Zhao Dan und Jin Yan . Andere bedeutende Filme dieser Zeit sind Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), Song of the Fishermen (1934), Plunder of Peach and Plum (1934), Crossroads (1937) und Street Engel (1937). Während der 1930er Jahre kämpften die Nationalisten und die Kommunisten um Macht und Kontrolle über die großen Studios; ihr Einfluss ist in den Filmen zu sehen, die die Studios in dieser Zeit produzierten.

Japanische Besatzung und Zweiter Weltkrieg

Zhou Xuan , eine berühmte chinesische Sängerin und Filmschauspielerin.

Die japanische Invasion in China im Jahr 1937, insbesondere die Schlacht von Shanghai , beendete diesen goldenen Lauf im chinesischen Kino. Alle Produktionsfirmen mit Ausnahme der Xinhua Film Company ("Neues China") schlossen ihre Geschäfte, und viele der Filmemacher flohen aus Shanghai und zogen nach Hongkong , in die nationalistische Kriegshauptstadt Chongqing und anderswo. Die Shanghaier Filmindustrie, obwohl stark eingeschränkt, hörte jedoch nicht auf, was zur " Einsamen Insel "-Periode (auch bekannt als "Sole Island" oder "Orphan Island") führte, wobei Shanghais ausländische Konzessionen als "Insel" der Produktion im "Meer" des japanisch besetzten Territoriums. In dieser Zeit mussten Künstler und Regisseure, die in der Stadt blieben, einen schmalen Grat zwischen der Treue zu ihren linken und nationalistischen Überzeugungen und dem japanischen Druck gehen. Director Bu Wancang ‚s Mulan zieht die Armee (1939), mit seiner Geschichte eines jungen Bauers Chinesen gegen eine ausländische Invasion zu kämpfen, war ein besonders gutes Beispiel für Shanghai Fortsetzung Filmproduktion in der Mitte des Krieges. Diese Periode endete, als Japan am 7. Dezember 1941 den westlichen Alliierten den Krieg erklärte; die einsame Insel wurde schließlich vom Meer der japanischen Besatzung verschlungen. Während die Shanghaier Industrie fest unter japanischer Kontrolle war, wurden Filme wie The Greater East Asia Co-Prosperity Sphere -Promoting Eternity (1943) produziert. Am Ende des Zweiten Weltkriegs wurde eine der umstrittensten von Japan autorisierten Unternehmen, die Manchukuo Film Association , getrennt und in das chinesische Kino integriert.

Zweites Goldenes Zeitalter

Wang Danfeng im Film New Fisherman's Song (1942)

Die Filmindustrie entwickelte sich nach 1945 weiter. Die Produktion in Shanghai wurde wieder aufgenommen, als eine neue Generation von Studios den Platz einnahm, den die Lianhua- und Mingxing-Studios im vorherigen Jahrzehnt eingenommen hatten. 1945 kehrte Cai Chusheng nach Shanghai zurück, um den Namen Lianhua als "Lianhua Film Society mit Shi Dongshan, Meng Junmou und Zheng Junli" wiederzubeleben. Dies wiederum wurden die Kunlun Studios, die zu einem der wichtigsten Studios der Ära wurden (Kunlun Studios fusionierten mit sieben anderen Studios zum Shanghai Film Studio im Jahr 1949) und veröffentlichten die Klassiker The Spring River Flows East (1947). , Myriad of Lights (1948), Crows and Sparrows (1949) und San Mao, The Little Vagabond (1949). Viele dieser Filme zeigten die Desillusionierung über die unterdrückende Herrschaft der Nationalistischen Partei von Chiang Kai-shek und die kämpfende Unterdrückung der Nation durch Krieg. Der Spring River Flows East , ein dreistündiger Zweiteiler unter der Regie von Cai Chusheng und Zheng Junli , war ein besonders großer Erfolg. Seine Darstellung der Kämpfe gewöhnlicher Chinesen während des Zweiten Chinesisch-Japanischen Krieges, vollgestopft mit bissigen gesellschaftlichen und politischen Kommentaren, stieß beim damaligen Publikum auf Anklang.

Unterdessen entfernten sich Unternehmen wie die Wenhua Film Company ("Culture Films") von der linken Tradition und erforschten die Entwicklung und Entwicklung anderer dramatischer Genres. Wenhua behandelte Nachkriegsprobleme auf universalistische und humanistische Weise und vermied die Familienerzählung und melodramatischen Formeln. Ausgezeichnete Beispiele für Wenhuas Kost sind die ersten beiden Nachkriegsfilme, Unendliche Emotionen (1947) und Fake Bride, Phony Bridegroom (1947). Ein weiterer denkwürdiger Wenhua-Film ist Long Live the Missus (1947), wie Unending Emotions mit einem Originaldrehbuch der Schriftstellerin Eileen Chang . Wenhuas romantisches Drama Spring in a Small Town (1948), ein Film des Regisseurs Fei Mu kurz vor der Revolution, wird von chinesischen Filmkritikern oft als einer der wichtigsten Filme in der Geschichte des chinesischen Kinos angesehen, 2005, Hongkong film zeichnet ihn als beste 100 Jahre Film aus. Ironischerweise war es gerade seine künstlerische Qualität und der offensichtliche Mangel an "politischer Grundlage", die dazu führten, dass der Film von den Kommunisten als rechts oder reaktionär bezeichnet wurde, und der Film wurde nach dem kommunistischen Sieg in China 1949 von den Festlandbewohnern schnell vergessen , mit der Wiedereröffnung des China Film Archives nach der Kulturrevolution, wurde ein neuer Abzug aus dem Originalnegativ herausgeschnitten, der es Spring of the Small Town ermöglichte, ein neues und bewunderndes Publikum zu finden und eine ganze neue Generation von Filmemachern zu beeinflussen. Tatsächlich wurde 2002 von Tian Zhuangzhuang ein gefeiertes Remake gedreht . Ein chinesischer Peking-Opernfilm, A Wedding in the Dream (1948), vom gleichen Regisseur (Fei Mu), war der erste chinesische Farbfilm .

Frühe kommunistische Ära

Mit der kommunistischen Revolution in China im Jahr 1949 betrachtete die Regierung den Film als eine wichtige Kunstform der Massenproduktion und als Werkzeug für die Propaganda . Ab 1951 wurden chinesische Filme, Hollywood- und Hongkong-Produktionen vor 1949 verboten, da die Kommunistische Partei Chinas versuchte, die Kontrolle über die Massenmedien zu verstärken, und stattdessen Filme produzierte, die sich auf Bauern, Soldaten und Arbeiter konzentrierten, wie Bridge (1949) und The Weißhaariges Mädchen (1950). Eine der Produktionsstätten in der Mitte des Übergangs war das Changchun Film Studio .

Die Privatstudios in Shanghai, darunter Kunming, Wenhua, Guotai und Datong, wurden ermutigt, von 1949 bis 1951 neue Filme zu drehen. Sie drehten in dieser Zeit ungefähr 47 Filme, gerieten jedoch bald in Schwierigkeiten, aufgrund der Aufregung über die von Kunlun produzierten Drama The Life of Wu Xun (1950) unter der Regie von Sun Yu und mit Veteran Zhao Dan in der Hauptrolle. Dem Feature wurde in einem anonymen Artikel in der People's Daily im Mai 1951 vorgeworfen , feudale Ideen zu verbreiten. Nachdem bekannt wurde, dass der Artikel von Mao Zedong verfasst wurde , wurde der Film verboten, ein Film-Lenkungsausschuss gebildet, um die Filmindustrie "umzuerziehen", und innerhalb von zwei Jahren wurden diese privaten Studios alle in die staatliche Shanghai Film eingegliedert Atelier .

Das kommunistische Regime löste das Problem des Mangels an Filmtheatern, indem es mobile Projektionseinheiten baute, die durch die abgelegenen Regionen Chinas touren konnten, um sicherzustellen, dass auch die Ärmsten Zugang zu Filmen hatten. Bis 1965 gab es rund 20.393 solcher Einheiten. Damit stieg die Zahl der Kinobesucher stark an, teilweise unterstützt durch die Ausgabe von Kinokarten an Arbeitseinheiten und Anwesenheitspflicht, von 47 Millionen im Jahr 1949 auf 4,15 Milliarden im Jahr 1959. In den 17 Jahren zwischen der Gründung der Volksrepublik China und der Kulturrevolution wurden 603 Spielfilme und 8.342 Rollen Dokumentarfilme und Wochenschauen produziert, die meist als kommunistische Propaganda von der Regierung gesponsert wurden. In Guerilla on the Railroad (铁道游击队) aus dem Jahr 1956 beispielsweise wurde die Kommunistische Partei Chinas als die wichtigste Widerstandskraft gegen die Japaner im Krieg gegen die Invasion dargestellt . Chinesische Filmemacher wurden nach Moskau geschickt , um den Stil des Filmemachens des sowjetischen sozialistischen Realismus zu studieren . Die Beijing Film Academy wurde 1950 gegründet und 1956 wurde die Beijing Film Academy offiziell eröffnet. Ein wichtiger Film dieser Ära ist This Life of Mine (1950) unter der Regie von Shi Hu, der einem alten Bettler folgt, der über sein früheres Leben als Polizist nachdenkt, der seit 1911 für die verschiedenen Regimes arbeitete. Der erste chinesische Breitbildfilm wurde 1960 produziert . Animierte Filme eine Vielzahl von mit Volkskunst , wie papercuts , Schattenspiele , Puppenspiel und traditionelle Gemälde , waren auch sehr beliebt für die Unterhaltung und Erziehung von Kindern. Der berühmteste davon, der Klassiker Havoc in Heaven (zwei Teile, 1961, 4), wurde von Wan Laiming von den Wan Brothers gedreht und beim London International Film Festival mit dem Outstanding Film Award ausgezeichnet .

Das Auftauen der Zensur in den Jahren 1956-57 (bekannt als die Hundert-Blumen-Kampagne ) und in den frühen 1960er Jahren führte dazu, dass mehr einheimische chinesische Filme gedreht wurden, die weniger auf ihre sowjetischen Gegenstücke angewiesen waren. Während dieser Kampagne kam die schärfste Kritik von den satirischen Komödien von Lü Ban . Before the New Director Arrives enthüllt die hierarchischen Beziehungen zwischen den Kadern, während sein nächster Film, Die unvollendete Komödie (1957), während der Anti-Rechts-Bewegung als "giftiges Unkraut" bezeichnet wurde und Lü lebenslang verboten wurde, Regie zu führen. Die unvollendete Komödie wurde erst nach Maos Tod gezeigt. Weitere erwähnenswerte Filme in dieser Zeit produziert wurden Anpassung der literarischen Klassiker, wie Hu Sang ‚s Das Neujahrs Sacrifice (1956; angepasst von einer Lu Xun Geschichte) und Shui Hua ‘ s The Lin Familie Shop (1959; angepasst von einem Mao Dun Geschichte). Der prominenteste Filmemacher dieser Ära war Xie Jin , dessen drei Filme insbesondere Frau Basketball - Spieler No. 5 (1957), The Red Detachment of Women (1961) und zweistufiger Sisters (1964), sind Beispiele Chinas ihr Fachwissen bei Filmemachen während diesmal. Filme aus dieser Zeit sind poliert und weisen einen hohen Produktionswert und aufwendige Sets auf. Während Peking und Shanghai die Hauptproduktionszentren blieben, baute die Regierung zwischen 1957 und 1960 regionale Studios in Guangzhou , Xi'an und Chengdu , um die Darstellung ethnischer Minderheiten in Filmen zu fördern. Das chinesische Kino begann sich in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren in Filmen wie Five Golden Flowers (1959), Third Sister Liu (1960), Serfs (1963) und Ashima (1964) direkt mit der Frage dieser ethnischen Minderheiten zu befassen .

Filme der Kulturrevolution

Während der Kulturrevolution wurde die Filmindustrie stark eingeschränkt. Fast alle bisherigen Filme wurden verboten, nur wenige neue produziert, die sogenannten „revolutionären Musteropern “. Die bemerkenswerteste davon war eine Ballettversion der revolutionären Oper The Red Detachment of Women , die 1970 von Pan Wenzhan und Fu Jie inszeniert wurde. Die Spielfilmproduktion kam in den frühen Jahren von 1967 bis 1972 fast zum Erliegen 1972 unter der strengen Gerichtsbarkeit der Gang of Four bis 1976, als sie gestürzt wurden. Die wenigen Filme, die in dieser Zeit produziert wurden, wie beispielsweise Breaking with Old Ideas aus dem Jahr 1975 , waren in Bezug auf Handlung und Charakterisierung stark reguliert.

In den Jahren unmittelbar nach der Kulturrevolution florierte die Filmindustrie erneut als Medium der populären Unterhaltung. Die Produktion stieg stetig, von 19 Spielfilmen im Jahr 1977 auf 125 im Jahr 1986. Im Inland produzierte Filme wurden einem großen Publikum vorgeführt und Tickets für ausländische Filmfestivals verkauften sich schnell. Die Industrie versuchte, die Massen wiederzubeleben, indem sie innovativere und "explorative" Filme wie ihre Gegenstücke im Westen drehte.

In den 1980er Jahren geriet die Filmindustrie in schwere Zeiten, konfrontiert mit den doppelten Problemen der Konkurrenz durch andere Unterhaltungsformen und der Sorge der Behörden, dass viele der beliebten Thriller- und Martial-Arts- Filme gesellschaftlich inakzeptabel seien. Im Januar 1986 wurde die Filmindustrie vom Kultusministerium in das neu gebildete Ministerium für Rundfunk, Kino und Fernsehen überführt , um sie einer "strengeren Kontrolle und Leitung" zu unterstellen und "die Produktionsaufsicht zu verstärken".

Das Ende der Kulturrevolution brachte die Veröffentlichung von "Narbendramen", die die emotionalen Traumata dieser Zeit darstellten. Der bekannteste von ihnen ist wahrscheinlich Xie Jins Hibiscus Stadt (1986), obwohl sie noch in den 1990er Jahren mit zu sehen war Tian Zhuangzhuang ‚s The Blue Kite (1993). In den 1980er Jahren wurde von Deng Xiaoping eine offene Kritik an bestimmten früheren Politiken der Kommunistischen Partei gefördert , um die Exzesse der Kulturrevolution und der früheren Anti-Rechts-Kampagne aufzudecken und Dengs neue Politik der „ Reform und Öffnung “ zu legitimieren . " Zum Beispiel wurde der Preis für den besten Film bei den ersten Golden Rooster Awards 1981 an zwei "Narbendramen" verliehen, Evening Rain ( Wu Yonggang , Wu Yigong , 1980) und Legend of Tianyun Mountain ( Xie Jin , 1980).

Viele Narbendramen wurden von Mitgliedern der vierten Generation gedreht, deren eigene Karriere oder ihr Leben während der fraglichen Ereignisse gelitten hatte, während jüngere Regisseure der fünften Generation wie Tian sich eher auf weniger kontroverse Themen der unmittelbaren Gegenwart oder der fernen Vergangenheit konzentrierten. Die offizielle Begeisterung für Narbendramen ließ in den 1990er Jahren nach, als jüngere Filmemacher begannen, sich mit negativen Aspekten der Mao-Ära auseinanderzusetzen. Der Blaumilan , obwohl er ein ähnliches Thema wie die früheren Narbendramen hatte, war im Stil realistischer und wurde nur durch Verschleierung seines wahren Skripts hergestellt. Im Ausland gezeigt, wurde es auf dem chinesischen Festland verboten, während Tian selbst fast ein Jahrzehnt lang verboten war, Filme zu drehen. Nach den Protesten auf dem Platz des Himmlischen Friedens 1989 wurden auf dem chinesischen Festland nur wenige oder gar keine Narbendramen im Inland veröffentlicht.

Aufstieg der fünften Generation

Ein Kino in Qufu , Shandong

Ab Mitte der späten 1980er Jahre brachte der Aufstieg der sogenannten fünften Generation chinesischer Filmemacher eine zunehmende Popularität des chinesischen Kinos im Ausland. Die meisten Filmemacher der fünften Generation hatten 1982 ihr Studium an der Beijing Film Academy abgeschlossen, darunter Zhang Yimou , Tian Zhuangzhuang , Chen Kaige , Zhang Junzhao , Li Shaohong , Wu Ziniu und andere. Diese Absolventen stellten die erste Gruppe von Filmemachern seit der Kulturrevolution dar , die ihren Abschluss machten und bald traditionelle Methoden des Geschichtenerzählens über Bord geworfen und sich für einen freieren und unorthodoxeren symbolischen Ansatz entschieden haben. Nachdem die sogenannte Narbenliteratur in der Fiktion den Weg für eine offene Diskussion geebnet hatte, wurden vor allem Zhang Junzhaos Eins und Acht (1983) und Chen Kaiges Gelbe Erde (1984) als Anfänge der fünften Generation bezeichnet. Die berühmtesten Regisseure der fünften Generation, Chen Kaige und Zhang Yimou, produzierten berühmte Werke wie King of the Children (1987), Ju Dou (1989), Raise the Red Lantern (1991) und Farewell My Concubine (1993). ), die nicht nur von chinesischen Kinobesuchern, sondern auch vom westlichen Arthouse- Publikum gefeiert wurden . Tian Zhuangzhuangs Filme, obwohl sie bei westlichen Zuschauern weniger bekannt sind, wurden von Regisseuren wie Martin Scorsese gut aufgenommen . In dieser Zeit begann das chinesische Kino, die Früchte internationaler Aufmerksamkeit zu ernten, darunter 1988 der Goldene Bär für Rote Hirse , 1992 der Goldene Löwe für Die Geschichte von Qiu Ju , 1993 die Palme d'Or für Abschied von meiner Konkubine und drei Best Nominierungen für fremdsprachige Filme bei den Academy Awards. In all diesen preisgekrönten Filmen spielte die Schauspielerin Gong Li , die vor allem dem internationalen Publikum zum bekanntesten Star der fünften Generation wurde.

Diverse in Stil und Thema reichten Filme aus der fünften Generation Regisseure schwarze Komödie ( Huang Jianxin ‚s The Black Kanone Vorfall , 1985) in die esoterische (Chen Kaige Leben auf einer Schnur , 1991), aber sie teilen eine gemeinsame Ablehnung der sozialistische-realistische Tradition, die von früheren chinesischen Filmemachern in der kommunistischen Ära geprägt wurde. Andere bemerkenswerte Regisseure der fünften Generation sind Wu Ziniu , Hu Mei , Li Shaohong und Zhou Xiaowen . Filmemacher der fünften Generation reagierten gegen die ideologische Reinheit des Kinos der Kulturrevolution. Durch den Umzug in regionale Ateliers begannen sie, die Aktualität der lokalen Kultur auf dokumentarische Weise zu erkunden. Anstelle von Geschichten, die heroische militärische Kämpfe schildern, wurden die Filme aus dem Drama des täglichen Lebens der einfachen Leute aufgebaut. Sie behielten auch den politischen Vorsprung, zielten jedoch darauf ab, Probleme zu untersuchen, anstatt genehmigte Richtlinien zu recyceln. Während Kulturrevolutionsfilme Charakter verwendeten, bevorzugten die jüngeren Regisseure psychologische Tiefe nach dem Vorbild des europäischen Kinos. Sie übernahmen komplexe Handlungen, mehrdeutige Symbolik und stimmungsvolle Bilder. Einige ihrer mutigeren Werke mit politischen Untertönen wurden von den chinesischen Behörden verboten.

Diese Filme kamen mit einem kreativen Genre von Geschichten, einem neuen Drehstil, die Regisseure verwendeten umfangreiche Farben und lange Einstellungen , um die Geschichte und Struktur der nationalen Kultur zu präsentieren und zu erkunden. Aufgrund der Komplexität der neuen Filme waren die Filme für ein gebildeteres Publikum als alles andere geeignet. Der neue Stil war für einige profitabel und half Filmemachern, Fortschritte im Geschäft zu machen. Es ermöglicht Regisseuren, sich von der Realität zu lösen und ihren künstlerischen Sinn zu zeigen.

Auch die vierte Generation wurde wieder bekannt. Aufgrund ihrer Label nach dem Aufstieg der fünften Generation, das waren Direktoren , deren Karrieren wurden von der Kulturrevolution ins Stocken geraten und die wurden professionell vor 1966 geschult Wu Tianming , insbesondere herausragende Beiträge von helfende großen Fifth Generation Direktoren unter der zur Finanzierung Schirmherrschaft des Xi'an Film Studios (das er 1983 übernahm), während er weiterhin Filme wie Old Well (1986) und The King of Masks (1996) drehte .

Die Bewegung der fünften Generation endete teilweise nach dem Tiananmen-Zwischenfall 1989 , obwohl ihre wichtigsten Regisseure weiterhin bemerkenswerte Werke produzierten. Mehrere seiner Filmemacher gingen ins selbstgewählte Exil: Wu Tianming zog in die USA (später kehrte er jedoch zurück), Huang Jianxin ging nach Australien , während viele andere in fernsehbezogene Werke gingen.

Hauptmelodiendramen

In einer Zeit, in der sozialistische Dramen begannen, Zuschauer zu verlieren, begann die chinesische Regierung, sich tiefer in die Welt der Populärkultur und des Kinos einzumischen, indem sie das offizielle Genre der "Hauptmelodie" (主旋律) schuf, inspiriert von Hollywoods Fortschritten in Musikdramen . 1987 gab das Ministerium für Radio, Film und Fernsehen eine Erklärung heraus, in der er das Filmemachen ermutigte, die die Hauptmelodie betont, um "den Nationalgeist und den Nationalstolz zu stärken". Der Ausdruck "Hauptmelodie" bezieht sich auf den musikalischen Begriff Leitmotiv , der mit dem "Thema unserer Zeit" übersetzt wird, das nach Ansicht von Wissenschaftlern repräsentativ für Chinas gesellschaftspolitisches Klima und den kulturellen Kontext des populären Kinos ist. Diese Hauptmelodiefilme (主旋律电影), die auch in der Neuzeit noch regelmäßig produziert werden, versuchen, den kommerziellen Mainstream durch den Einsatz von Musik im Hollywood-Stil und Spezialeffekten nachzuahmen. Ein wesentliches Merkmal dieser Filme ist die Aufnahme eines „ roten Liedes “, das als Propagandalied geschrieben wurde, um die Volksrepublik China zu unterstützen. Durch das Drehen des Films um das Motiv eines roten Liedes kann der Film an den Kinokassen an Bedeutung gewinnen, da Lieder allgemein als zugänglicher angesehen werden als ein Film. Theoretisch wird das rote Lied, sobald es die Charts dominiert, das Interesse an dem Film wecken, den er begleitet.

Hauptmelodiendramen werden oft vom Staat subventioniert und haben freien Zugang für Regierungs- und Militärpersonal. Die chinesische Regierung gibt jährlich zwischen „einer und zwei Millionen RMB“ aus, um die Produktion von Filmen im Hauptgenre der Melodien zu unterstützen. 1. August Film Studio , der Film- und Fernsehproduktionsarm der Volksbefreiungsarmee , ist ein Studio, das Hauptmelodienkino produziert. Hauptmelodienfilme, die oft vergangene militärische Engagements darstellen oder Biopics von KPCh-Führern der ersten Generation sind, haben bei den Golden Rooster Awards mehrere Preise für den besten Film gewonnen . Zu den berühmteren Melodiedramen zählen das zehnstündige Epos Decisive Engagement (大决战, 1991) unter der Regie von Cai Jiawei, Yang Guangyuan und Wei Lian; Der Opiumkrieg (1997), Regie: Xie Jin ; und The Founding of a Republic (2009) unter der Regie von Han Sanping und dem Regisseur der fünften Generation, Huang Jianxin . Die Gründung einer Armee (2017) wurde von der Regierung in Auftrag gegeben, um den 90. Jahrestag der Volksbefreiungsarmee zu feiern, und ist der dritte Teil der Reihe Die Gründung einer Republik. Der Film zeigte viele junge chinesische Popsänger, die bereits in der Branche etabliert sind, darunter Li Yifeng , Liu Haoran und Lay Zhang , um den Ruf des Films als Hauptmelodiedrama zu stärken.

Sechste Generation

Die Ära nach 1990 wurde als staatliche Zensurpolitik als "Rückkehr des Amateurfilmers" bezeichnet , nachdem die Demonstrationen auf dem Tiananmen-Platz eine kantige Underground-Filmbewegung hervorgebracht hatten, die lose als Sechste Generation bezeichnet wird. Aufgrund fehlender staatlicher Finanzierung und Unterstützung wurden diese Filme schnell und kostengünstig gedreht, wobei Materialien wie 16-mm-Film und digitales Video und meist nicht professionelle Schauspieler und Schauspielerinnen verwendet wurden, wodurch ein dokumentarisches Gefühl erzeugt wurde, oft mit langen Einstellungen, Handkameras , und Umgebungsgeräusche; eher dem italienischen Neorealismus und Cinéma Vérité verwandt als den oft üppigen, weitaus durchdachteren Produktionen der fünften Generation. Anders als die fünfte Generation bringt die sechste Generation eine kreativere individualistische, antiromantische Lebensauffassung mit und schenkt dem zeitgenössischen urbanen Leben viel mehr Aufmerksamkeit, insbesondere wenn es von Orientierungslosigkeit, Rebellion und Unzufriedenheit mit Chinas zeitgenössischen wirtschaftlichen Spannungen und dem umfassenden kulturellen Hintergrund des sozialen Marketings betroffen ist . Viele mit einem extrem niedrigen Budget gemacht wurden (ein Beispiel ist Jia Zhangke , die Triebe auf digitale Video-, und früher auf 16 mm; Wang Xiaoshuai ‚s The Days (1993) für US $ 10.000 gemacht wurden). Titel und Themen vieler dieser Filme spiegeln die Anliegen der Sechsten Generation wider. Die Sechste Generation interessiert sich für marginalisierte Individuen und die weniger vertretenen Randgruppen der Gesellschaft. Zum Beispiel, Zhang Yuan ‚s-Hand Peking Bastards (1993) konzentriert sich auf die Jugend Punk - Subkultur , Künstler wie mit Cui Jian , Dou Wei und He Yong verpönt von vielen staatlichen Behörden, während Jia Zhangke Debütfilm Xiao Wu (1997) betrifft ein provinzieller Taschendieb .

Als die Sechste Generation internationale Bekanntheit erlangte, waren viele nachfolgende Filme Joint Ventures und Projekte mit internationalen Geldgebern, blieben jedoch recht entschlossen zurückhaltend und mit niedrigem Budget. Jias Platform (2000) wurde teilweise von Takeshi Kitanos Produktionshaus finanziert, während sein Still Life auf HD-Video gedreht wurde . Still Life war eine Überraschungsergänzung und gewann 2006 den Goldenen Löwen der Internationalen Filmfestspiele von Venedig . Still Life , das sich mit Provinzarbeitern in der Drei-Schluchten- Region befasst, steht in scharfem Kontrast zu den Werken chinesischer Regisseure der fünften Generation wie Zhang Yimou und Chen Kaige, die zu dieser Zeit House of Flying Daggers (2004) und The Promise (2005) produzierten. Es zeigte keinen Star von internationalem Ruf und wurde hauptsächlich von Laien gespielt.

Viele Filme der sechsten Generation haben die negativen Eigenschaften von Chinas Eintritt in den modernen kapitalistischen Markt hervorgehoben . Li Yang ‚s Blinder Schacht (2003) zum Beispiel ist ein Bericht von zwei mörderischen con-Männern im ungeregelten und notorisch gefährlichen Bergbau im Norden Chinas. (Li lehnte das Etikett der sechsten Generation ab, obwohl er zugab, dass er nicht die fünfte Generation war). Während Jia Zhangkes The World (2004) die Leere der Globalisierung vor dem Hintergrund eines international thematisierten Freizeitparks betont .

Einige der produktivsten Sechste Generation Direktoren entstanden haben , sind Wang Xiaoshuai ( The Days , Beijing Bicycle , So Long, My Son ), Zhang Yuan ( Beijing Bastards , East Palace, West Palace ), Jia Zhangke ( Xiao Wu , Unknown Pleasures , Platform , Die Welt , Ein Hauch von Sünde , Berge können verschwinden , Ash ist reinstes Weiß ), He Jianjun ( Postbote ) und Lou Ye ( Suzhou River , Sommerpalast ). Ein junger Regisseur, der die meisten Anliegen der Sechsten Generation nicht teilt, ist Lu Chuan ( Kekexili: Mountain Patrol , 2004; City of Life and Death , 2010).

Bemerkenswerte Regisseure der sechsten Generation: Jia Zhangke, Zhang Meng und Diao Yinan

Bei den Filmfestspielen von Cannes 2018 zeigten zwei der chinesischen Filmemacher der sechsten Generation, Jia Zhangke und Zhang Meng – deren düstere Werke das chinesische Kino in den 1990er Jahren veränderten – an der französischen Riviera. Obwohl beide Regisseure das chinesische Kino repräsentieren, sind ihre Profile recht unterschiedlich. Der 49-jährige Jia hat 2017 das Pingyao International Film Festival ins Leben gerufen und auf der anderen Seite ist Zhang, ein 56-jähriger Professor an einer Filmhochschule, der jahrelang für Regierungsaufträge und heimische Fernsehsendungen gearbeitet hat, nachdem er mit seinen eigenen Projekten zu kämpfen hatte. Trotz ihres unterschiedlichen Profils stellen sie einen wichtigen Eckpfeiler des chinesischen Kinos dar und werden beiden zugeschrieben, chinesische Filme auf die internationale Kinoleinwand zu bringen. Der neueste Film des chinesischen Regisseurs Jia Zhangke, Ash Is Purest White , wurde für den offiziellen Wettbewerb um die Palme d'Or der 71. Filmfestspiele von Cannes, den höchsten Preis der Filmfestspiele, ausgewählt. Es ist Jias fünfter Film, ein Gangster-Rachedrama, das bis heute sein teuerster Mainstream-Film ist. Bereits 2013 gewann Jia den Preis für das beste Drehbuch für A Touch of Sin, nach Nominierungen für Unknown Pleasures im Jahr 2002 und 24 City im Jahr 2008. 2014 war er Mitglied der offiziellen Jury und im folgenden Jahr wurde sein Film Mountains May Depart nominiert . Laut der Unterhaltungswebsite Variety wurde in diesem Jahr eine Rekordzahl chinesischer Filme eingereicht, aber nur Jias romantisches Drama wurde ausgewählt, um um die Palme d'Or zu konkurrieren. In der Zwischenzeit wird Zhang sein Debüt in Cannes mit The Pluto Moment geben , einem langsamen Beziehungsdrama über ein Team von Filmemachern, die nach Drehorten und musikalischen Talenten im ländlichen Hinterland Chinas suchen. Der Film ist Zhangs bisher profilierteste Produktion, da er den Schauspieler Wang Xuebing in der Hauptrolle spielt. Der Film wurde teilweise von iQiyi finanziert, dem Unternehmen hinter einer der beliebtesten Online-Video-Browsing-Sharing-Sites Chinas. Diao Yinan ist auch ein bemerkenswertes Mitglied der sechsten Generation, dessen Werke Black Coal Thin Ice , Wild Goose Lake , Night Train und Uniform umfassen, die auf Festivals wie Cannes uraufgeführt und im Ausland Anerkennung fanden.

Generationenunabhängige Bewegung

Es gibt eine wachsende Zahl unabhängiger Filmemacher der siebten oder nach der sechsten Generation, die Filme mit extrem niedrigen Budgets und mit digitalem Equipment machen. Sie sind die sogenannte dGeneration (für Digital). Diese Filme, wie auch die von Filmemachern der sechsten Generation, werden größtenteils außerhalb des chinesischen Filmsystems gedreht und werden hauptsächlich auf internationalen Filmfestivals gezeigt. Ying Liang und Jian Yi sind zwei dieser Generation Filmemacher. Yings Taking Father Home (2005) und The Other Half (2006) stehen beide stellvertretend für die Generationentrends des Spielfilms. Liu Jiayin drehte zwei dGeneration-Spielfilme, Oxhide (2004) und Oxhide II (2010), die die Grenze zwischen Dokumentar- und Erzählfilm verwischen. Oxhide , das Liu als Filmstudentin gedreht hat, rahmt sich und ihre Eltern in ihrer klaustrophobischen Pekinger Wohnung in einer von Kritikern gelobten Erzählung ein. An Elephant Sitting Still war ein weiteres großartiges Werk, das als einer der größten Filme aller Zeiten als Filmdebüt und der letzte Film des verstorbenen Hu Bo angesehen wurde .

Neue Dokumentarfilmbewegung

Zwei Jahrzehnte der Reform und Kommerzialisierung haben in Festlandchina dramatische soziale Veränderungen mit sich gebracht, die sich nicht nur im Spielfilm, sondern auch in einer wachsenden Dokumentarfilmbewegung widerspiegeln. Wu Wenguangs 70-minütiger Bumming in Beijing: The Last Dreamers (1990) gilt heute als eines der ersten Werke dieser „ New Documentary Movement “ (NDM) in China. Bumming , entstanden zwischen 1988 und 1990, enthält Interviews mit fünf jungen Künstlern, die in Peking ihren Lebensunterhalt bestreiten und staatlich autorisierten Aufgaben unterliegen. Mit einem Camcorder gedreht , endet der Dokumentarfilm damit, dass vier der Künstler nach den Tiananmen-Protesten 1989 ins Ausland ziehen. Dance with the Farm Workers (2001) ist ein weiterer Dokumentarfilm von Wu.

Ein weiterer international gefeierter Dokumentarfilm ist Wang Bings neunstündige Geschichte der Deindustrialisierung Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003). Wangs spätere Dokumentarfilme He Fengming (2007), Crude Oil (2008), Man with no name (2009), Three Sisters (2012) und Feng ai (2013) festigten seinen Ruf als führender Dokumentarist der Bewegung.

Li Hong , die erste Frau in der NDM, erzählt in Out of Phoenix Bridge (1997) die Geschichte von vier jungen Frauen, die wie Millionen andere Männer und Frauen aus den ländlichen Gebieten in die Großstädte ziehen und nach Peking gekommen sind, um dort ein Leben.

Die New Documentary Movement hat sich in letzter Zeit mit dem dGeneration-Filmemachen überschnitten, wobei die meisten Dokumentarfilme billig und unabhängig im digitalen Format gedreht wurden. Xu Xin 's Karamay (2010), Zhao Liang ' s Behemoth , Huang Weikai 's Disorder (2009), Zhao Dayong ' s Ghost Town (2009), Du Haibing 's 1428 (2009), Xu Tong ' s Fortune Teller ( 2010) und Li Ning ‚s Band (2010) habe ich alle im digitalen Format. Alle hatten ihren Einfluss in der internationalen Dokumentarfilmszene und die Verwendung digitaler Formate ermöglicht Werke von größerer Länge.

Chinesische Animationsfilme

Anfang ~ 1950er Jahre

Inspiriert durch den Erfolg von Disney Animation, die Autodidakten Pioniere Wan Brüder , Wan Laiming und Wan Guchan , machte die erste chinesische kurze animierte in den 1920er Jahren, so die Geschichte der chinesischen Animation einweihen. (Chen Yuanyuan 175) Viele Live-Action-Filme der republikanischen Ära enthielten auch animierte Sequenzen.

1937 beschlossen die Wan-Brüder, 《铁扇公主》Princess Iron Fan zu produzieren , den ersten chinesischen Zeichentrickfilm und den vierten nach den amerikanischen Spielfilmen Schneewittchen , Gullivers Reisen und Das Abenteuer von Pinocchio . Zu dieser Zeit war die chinesische Animation als Kunstform auf der Weltbühne bekannt geworden. Der 1941 fertiggestellte Film wurde unter China United Pictures veröffentlicht und erregte in Asien große Resonanz. Der japanische Animator Shigeru Tezuka sagte einmal, er habe die Medizin aufgegeben, nachdem er den Cartoon gesehen hatte, und sich entschieden, Animation zu betreiben.

1950er ~ 1980er

Während dieser goldenen Ära hatte die chinesische Animation eine Vielzahl von Stilen entwickelt, darunter Tintenanimation, Schattenspielanimation, Puppenanimation und so weiter. Einige der wichtigsten Werke sind "大闹天宫" Tumult im Himmel " ,哪吒闹海" Nezha ‚s Rebellion im Meer und"天书奇谈" Heavenly Buch , das auch hohe Lob und zahlreiche Auszeichnungen in der Welt gewonnen hat.

1980er ~ 1990er Jahre

Nach Deng Xiaopings Reformperiode und der „Öffnung“ Chinas wurden die Filme Calabash Brothers , 《黑猫警长》Black Cat Sheriff , 《阿凡提》Avanti Story und andere beeindruckende Animationsfilme veröffentlicht. Zu dieser Zeit bevorzugte China jedoch immer noch die einzigartigen, amerikanisch und europäisch beeinflussten Animationswerke der Japaner gegenüber den weniger fortgeschrittenen einheimischen.

1990er ~ 2000er

In den 1990er Jahren ersetzten digitale Produktionsmethoden manuelle Handzeichnungsmethoden; Doch selbst mit dem Einsatz fortschrittlicher Technologie wurde keines der animierten Werke als bahnbrechender Film angesehen. Animationsfilme, die versuchten, alle Altersgruppen anzusprechen, wie Lotus Lantern und Storm Resolution, fanden nicht viel Aufmerksamkeit. Die einzigen animierten Werke, die Popularität zu erlangen schienen, waren diejenigen, die für Kinder gedacht waren, wie Pleasant Goat und Wolfy 《喜羊羊与灰太狼》.

2010er ~ Gegenwart

Während dieser Zeit wurde das technische Niveau der chinesischen Animationsproduktion umfassend etabliert und 3D-Animationsfilme wurden zum Mainstream. Da jedoch immer mehr ausländische Filme (zB aus Japan, Europa und den Vereinigten Staaten) nach China importiert werden, bleiben chinesische Animationswerke im Schatten dieser ausländischen Animationsfilme.

Erst mit der Veröffentlichung von 《西游记之大圣归来》<<Journey to the West: The Return of Monkey King>> im Jahr 2015, einem Live-Action-Film, in dessen Produktion CGI ausgiebig verwendet wurde, wurden chinesische Animationswerke nahm die Zügel zurück. Dieser Film war ein großer Hit im Jahr 2015 und brach mit 956 Millionen CN¥ an der chinesischen Kinokasse den Bruttorekord für chinesische inländische Animationsfilme.

Nach dem Erfolg von Journey to the West wurden mehrere andere hochwertige Animationsfilme veröffentlicht, wie <<Wind Language Curse>> und 《白蛇缘起》 <<White Snake>>. Obwohl keiner dieser Filme in Bezug auf den Kassen- und Popularitätsaspekt Fortschritte machte, interessierten sich die Filmemacher immer mehr für animierte Werke.

Dies änderte sich mit dem bahnbrechenden Animationsfilm 《哪吒之魔童降世》<<Nezha>>. Er kam 2019 in die Kinos und wurde in China zum zweiterfolgreichsten Film aller Zeiten. Mit diesem Film hat der chinesische Animationsfilm als Medium endgültig die Vorstellung in China gebrochen, dass einheimische Animationsfilme nur für Kinder bestimmt sind. Mit Nezha (2019) ist die chinesische Animation mittlerweile zu einer wahren Unterhaltungsquelle für Groß und Klein geworden.

Neue Modelle und das neue chinesische Kino

Kommerzielle Erfolge

Mit der Liberalisierung Chinas in den späten 1970er Jahren und seiner Öffnung für ausländische Märkte haben kommerzielle Erwägungen Auswirkungen auf das Filmschaffen nach den 1980er Jahren gehabt. Traditionell ausgestrahlte Arthouse-Filme machen selten genug, um die Gewinnschwelle zu erreichen. Ein Beispiel ist The Horse Thief (1986), Regisseur Tian Zhuangzhuangs der fünften Generation , ein narrativer Film mit minimalem Dialog über einen tibetischen Pferdedieb. Der Film, der exotische Landschaften zeigt, wurde vom chinesischen und einigen westlichen Arthouse-Publikum gut aufgenommen, schnitt jedoch an den Kinokassen schlecht ab. Tians späterer The Warrior and the Wolf (2010) war ein ähnlicher kommerzieller Misserfolg. Zuvor gab es Beispiele erfolgreicher kommerzieller Filme in der Zeit nach der Liberalisierung. Einer war der Liebesfilm Romance on the Lu Mountain (1980), der bei älteren Chinesen ein Erfolg war. Der Film brach das Guinness-Buch der Rekorde als am längsten laufenden Film in einer ersten Auflage . Jet Lis Filmdebüt Shaolin Temple (1982) war ein sofortiger Hit im In- und Ausland ( zum Beispiel in Japan und Südostasien ). Ein weiterer erfolgreicher Werbefilm war Murder in 405 (405谋杀案, 1980), ein Mordthriller.

Feng Xiaogang ‚s The Dream Factory (1997) als Wendepunkt in der chinesischen Filmindustrie angekündigt wurde, ein hesui Pian ( Chinese New Year -screened Film) , die die Lebensfähigkeit des Geschäftsmodells in Chinas demonstriert sozialistischen Marktgesellschaft. Feng ist der erfolgreichste kaufmännische Direktor der Zeit nach 1997. Fast alle seine Filme erzielten im Inland hohe Renditen, während er ethnische chinesische Co-Stars wie Rosamund Kwan , Jacqueline Wu , Rene Liu und Shu Qi verwendete , um die Attraktivität seiner Filme zu steigern.

In den zehn Jahren nach 2010 sieht sich das chinesische heimische Kino aufgrund des Zustroms von Hollywood-Filmen (obwohl die Zahl der Vorführungen jedes Jahr verringert wird) zunehmenden Herausforderungen ausgesetzt. Die Branche wächst und einheimische Filme beginnen an den Kinokassen die großen Hollywood-Blockbuster zu erreichen. Nicht alle heimischen Filme sind jedoch finanziell erfolgreich. Im Januar 2010 James Cameron ‚s Avatar wurde von Nicht-3D - Kinos für herausgezogen Hu Mei s Biopic‘ Konfuzius , aber dieser Schritt zu einer Gegenreaktion auf Hu Film führt. Zhang Yangs Sonnenblume aus dem Jahr 2005 verdiente ebenfalls wenig Geld, aber seine frühere Spicy Love Soup (1997) mit niedrigem Budget spielte das Zehnfache seines Budgets von 3 Millionen Yen ein. Ebenso wurde der Crazy Stone von 2006 , ein Schläfer-Hit , für nur 3 Millionen HKD / 400.000 US-Dollar hergestellt. In 2009-11, Feng Aftershock (2009) und Jiang Wen ‚s Let the Bullets Fly (2010) wurde Chinas höchste inländische Filme Einspielergebnis, mit After verdient ¥ 670 Millionen (US $ 105 Millionen) und läßt die Kugeln fliegen ¥ 674 Millionen (US 110 Millionen Dollar). Loste in Thailand (2012) wurde der erste chinesische Film zu erreichen ¥ 1 Milliarde an den chinesischen Kinokassen und Monster - Jagd (2015) wurden die erste CN ¥ 2000000000 zu erreichen. Im November 2015 waren 5 der 10 umsatzstärksten Filme in China inländische Produktionen. Am 8. Februar 2016 die chinesische Kasse einen neuen Ein-Tages - Brutto Rekord mit CN ¥ 660 Millionen, schlug den bisherigen Rekord von CN ¥ 425 Millionen am 18. Juli festgelegt 2015. Ebenfalls im Februar 2016 The Mermaid , Regie Stephen Chow wurde zum erfolgreichsten Film in China und überholte Monster Hunt . Es ist auch der erste Film, der 3 Milliarden CN¥ erreicht.

Unter dem Einfluss von Hollywood-Science-Fiction-Filmen wie Prometheus , veröffentlicht am 8. Juni 2012, sind solche Genres, insbesondere die Weltraum-Science-Filme, auf dem chinesischen Filmmarkt in den letzten Jahren rasant aufgestiegen. Am 5. Februar 2019 erreichte der Film The Wandering Earth unter der Regie von Frant Kwo weltweit 699,8 Millionen US-Dollar und wurde damit zum dritthöchsten Einspielergebnis in der Geschichte des chinesischen Kinos.

Andere Direktoren

He Ping ist ein Regisseur von hauptsächlich westlichen Filmen, die in chinesischen Schauplätzen spielen. Seine Swordsmen in Double Flag Town (1991) und Sun Valley (1995) erforschen Erzählungen, die auf dem kargen Terrain Westchinas in der Nähe der Wüste Gobi angesiedelt sind . Sein historisches Drama Red Firecracker, Green Firecracker (1994) gewann zahlreiche Preise im In- und Ausland.

Im Kino der letzten Zeit haben chinesische Kameraleute bei einigen gefeierten Filmen Regie geführt. Anders als Zhang Yimou, Lü Yue machte Herr Zhao (1998), eine schwarze Komödie Film auch im Ausland erhalten. Gu Changwei ‚s minimalistisches Epos Peacock (2005), über ruhigen, gewöhnliche chinesische Familie mit drei sehr unterschiedlichen Geschwister in der post- Kulturrevolution Ära, nach Hause nahm den Silbernen Bär Preis 2005 Berlin International Film Festival . Hou Yong ist ein weiterer Kameramann, der Filme ( Jasmin Women , 2004) und Fernsehserien drehte . Es gibt Schauspieler, die die Doppelrolle von Schauspiel und Regie überspannen. Xu Jinglei , eine beliebte chinesische Schauspielerin, hat bisher sechs Filme gedreht. Ihr zweiter Film Letter from an Unknown Woman (2004) brachte ihr den Preis für die beste Regie des San Sebastián International Film Festival ein . Eine weitere beliebte Schauspielerin und Regisseurin ist Zhao Wei , deren Regiedebüt So Young (2013) ein riesiger Kassen- und Kritikererfolg war.

Der angesehenste chinesische Schauspieler-Regisseur ist zweifellos Jiang Wen , der neben seiner Schauspielkarriere mehrere von der Kritik gefeierte Filme gedreht hat. Sein Regiedebüt In the Heat of the Sun (1994) war der erste Film der VR China, der bei den Golden Horse Film Awards in Taiwan als bester Film ausgezeichnet wurde . Seine anderen Filme wie Devils on the Doorstep (2000, Cannes Grand Prix) und Let the Bullets Fly (2010) wurden ähnlich gut aufgenommen. Anfang 2011 war Let the Bullets Fly der erfolgreichste heimische Film in der Geschichte Chinas.

Chinesisches internationales Kino und Erfolge im Ausland

Regisseur Jia Zhangke beim Skip City International D-Cinema Festival in Kawaguchi, Saitama, Japan, 22. Juli 2005
Huang Xiaoming , ein chinesischer Schauspieler, Sänger und Model.

Seit den späten 1980er Jahren und zunehmend in den 2000er Jahren haben chinesische Filme im Ausland beachtliche Kinoerfolgserfolge verzeichnet. Früher nur Cineast gesehen, montierte seine weltweite Anziehungskraft nach den internationalen Kinokassen und kritischem Erfolg von Ang Lee ‚s Zeit Martial Arts Film Crouching Tigern, Hidden Dragon , die gewonnenen Besten fremdsprachigen Film für den Oscar Produktion Dieser multinationale im Jahr 2000 erhöht seine Anziehungskraft, indem es Stars aus allen Teilen der chinesischsprachigen Welt zeigt. Es bot vielen eine Einführung in das chinesische Kino (und insbesondere das Wuxia- Genre) und erhöhte die Popularität vieler früherer chinesischer Filme. Bis heute ist Crouching Tiger der kommerziell erfolgreichste fremdsprachige Film in der US-Geschichte.

In ähnlicher Weise war Zhang Yimous Hero im Jahr 2002 ein weiterer internationaler Kassenerfolg. Die Besetzung bestand aus berühmten Schauspielern aus Festlandchina und Hongkong, die auch im Westen einigermaßen bekannt waren , darunter Jet Li , Zhang Ziyi , Maggie Cheung und Tony Leung Chiu-Wai . Trotz der Kritik von einigen, dass diese beiden Filme dem westlichen Geschmack etwas entgegenkommen, war Hero in den meisten Teilen Asiens ein phänomenaler Erfolg und führte zwei Wochen lang die US-Kinokassen an und brachte allein in den USA genug ein, um die Produktionskosten zu decken.

Andere Filme wie Farewell My Concubine , 2046 , Suzhou River , The Road Home und House of Flying Daggers wurden weltweit von der Kritik gefeiert. Die Hengdian World Studios können mit einer Gesamtfläche von bis zu 330 ha als das "Chinese Hollywood" bezeichnet werden. und 13 Schießbasen, darunter eine 1:1-Kopie der Verbotenen Stadt .

Jiang Qinqin bei der Eröffnungsfeier des Tokyo International Film Festival 2016.

Die Erfolge von Crouching Tiger, Hidden Dragon und Hero machen es schwierig, die Grenze zwischen dem "chinesischsprachigen Kino" und einem stärker international ausgerichteten "chinesischsprachigen Kino" abzugrenzen. Crouching Tiger zum Beispiel wurde von einem in Taiwan geborenen amerikanischen Regisseur ( Ang Lee ) inszeniert, der oft in Hollywood arbeitet. Zu den panchinesischen Hauptdarstellern gehören Festlandchinesen ( Zhang Ziyi ), Hongkong ( Chow Yun-Fat ), Taiwan ( Chang Chen ) und malaysische ( Michelle Yeoh ) Schauspieler und Schauspielerinnen; der Film wurde von einer Reihe chinesischer, amerikanischer, Hongkonger und taiwanesischer Filmfirmen koproduziert. Ebenso zog Lees chinesischsprachige Lust, Vorsicht (2007) eine Crew und Besetzung aus Festlandchina, Hongkong und Taiwan an und enthält eine Orchesterpartitur des französischen Komponisten Alexandre Desplat . Diese Verschmelzung von Menschen, Ressourcen und Fachwissen aus den drei Regionen und dem weiteren Ostasien und der Welt markiert die Bewegung des chinesischsprachigen Kinos in eine Domäne von großem internationalen Einfluss. Andere Beispiele für Filme in dieser Form sind The Promise (2005), The Banquet (2006), Fearless (2006), The Warlords (2007), Bodyguards and Assassins (2009) und Red Cliff (2008-09). Die Leichtigkeit, mit der ethnische chinesische Schauspielerinnen und Schauspieler das Festland und Hongkong überqueren, hat die Zahl der Koproduktionen im chinesischsprachigen Kino erheblich erhöht. Viele dieser Filme zeigen auch südkoreanische oder japanische Schauspieler, um ihre ostasiatischen Nachbarn anzusprechen. Einige vom Festland stammende Künstler wie Hu Jun , Zhang Ziyi , Tang Wei und Zhou Xun erhielten einen Aufenthalt in Hongkong im Rahmen des Quality Migrant Admission Scheme und haben in vielen Produktionen in Hongkong mitgewirkt.

Industrie

Abendkasse und Bildschirme

Im Jahr 2010 war das chinesische Kino nach der Anzahl der jährlich produzierten Spielfilme die drittgrößte Filmindustrie. Im Jahr 2013 war Chinas Bruttokasse ¥ 21,8 Mrd. ( US $ 3,6 Mrd.), der zweitgrößte Filmmarkt der Welt durch Kasseneinnahmen. Im Januar 2013 erreichte Lost in Thailand (2012) als erster chinesischer Film an den Kinokassen 1 Milliarde Yen. Im Mai 2013 waren 7 der 10 umsatzstärksten Filme in China inländische Produktionen. Ab 2014 wird rund die Hälfte aller Tickets online verkauft, wobei die größten Ticketverkaufsseiten Maoyan.com (82 Millionen), Gewara.com (45 Millionen) und Wepiao.com (28 Millionen) sind. Im Jahr 2014 verdienten chinesische Filme ¥ 1870000000 außerhalb China. Bis Dezember 2013 gab es im Land 17.000 Bildschirme. Bis zum 6. Januar 2014 gab es im Land 18.195 Bildschirme. Im Großraum China gibt es rund 251 IMAX-Kinos. Im Jahr 2014 gab es im Land 299 Kinoketten (252 ländliche, 47 städtische), 5.813 Kinos und 24.317 Leinwände.

Das Land hat 2015 etwa 8.035 Leinwände hinzugefügt (bei durchschnittlich 22 neuen Leinwänden pro Tag, was die Gesamtzahl um etwa 40 % auf etwa 31.627 Leinwände erhöht, was etwa 7.373 weniger als die Anzahl der Leinwände in den Vereinigten Staaten ist. Chinesische Filme entfielen 61,48 % der Ticketverkäufe im Jahr 2015 (gegenüber 54 % im Vorjahr), wobei mehr als 60 % der Ticketverkäufe online getätigt wurden Der durchschnittliche Ticketpreis sank 2015 um etwa 2,5 % auf 5,36 USD 1,26 Milliarden Menschen kauften im Jahr 2015 Kinokarten. Chinesische Filme spielten im Jahr 2015 im Ausland 427 Millionen US-Dollar ein . In der Woche des chinesischen Neujahrsfests 2016 stellte das Land mit 548 Millionen US-Dollar und übertraf damit den bisherigen Rekord von 529,6 Millionen US-Dollar vom 26. Dezember 2015 bis zum 1. Januar 2016. Chinesische Filme spielten 2016 auf ausländischen Märkten 3,83 Milliarden CN¥ ( 550 Millionen US-Dollar ) ein.

Jahr Brutto
(in Milliarden
Yuan )

Inlandsanteil
verkaufte Tickets
(in Millionen)
Anzahl der
Bildschirme
2003 weniger als 1
2004 1,5
2005 2 60% 157.2 4.425
2006 2.67 176.2 3.034 oder 4.753
2007 3.33 55% 195,8 3.527 oder 5.630
2008 4.34 61% 209,8 4.097 oder 5.722
2009 6.21 56% 263.8 4.723 oder 6.323
2010 10.17 56% 290 6.256 oder 7.831
2011 13.12 54 % 370 9.286
2012 17.07 48,5% 462
2013 21.77 59% 612 18.195
2014 29,6 55% 830 23.600
2015 44 61,6% 1.260 31.627
2016 45,71 58,33 % 1.370 41.179
2017 55,9 53,8% 1.620 50.776
2018 60,98 62,2% 1720 60.000

Filmfirmen

Im April 2015 war Alibaba Pictures (8,77 Milliarden US-Dollar) das größte chinesische Filmunternehmen . Andere große Unternehmen sind Huayi Brothers Media (7,9 Milliarden US-Dollar), Enlight Media (5,98 Milliarden US-Dollar) und Bona Film Group (542 Millionen US-Dollar). Die größten Verleiher nach Marktanteilen im Jahr 2014 waren: China Film Group (32,8%), Huaxia Film (22,89%), Enlight Pictures (7,75%), Bona Film Group (5,99%), Wanda Media (5,2%), Le Vision Pictures (4,1%), Huayi Brothers (2,26%), United Exhibitor Partners (2%), Heng Ye Film Distribution (1,77%) und Beijing Anshi Yingna Entertainment (1,52%). Die größten Kinoketten im Jahr 2014 durch Kasse Brutto waren: Wanda Cinema Line - ( US $ 676.960.000 ), China Film Stellar (393.350.000), Dadi Theater Schaltung (378.170.000), Shanghai United Schaltung (355.070.000), Guangzhou Jinyi Zhujiang (335,39 Millionen), China Film South Cinema Circuit (318,71 Millionen), Zhejiang Time Cinema (190,53 Millionen), China Film Group Digital Cinema Line (177,42 Millionen), Hengdian Cinema Line (170,15 Millionen) und Beijing New Film Association (163,09 Millionen).

Bemerkenswerte unabhängige (nicht staatliche) Filmunternehmen

Huayi Brothers ist Chinas mächtigstes unabhängiges (dh nicht staatliches) Unterhaltungsunternehmen. Huayi Brothers mit Sitz in Peking ist ein diversifiziertes Unternehmen, das sich mit Film- und Fernsehproduktion, Vertrieb, Theaterausstellung sowie Talentmanagement beschäftigt. Bemerkenswerte Filme sind Kung Fu Hustle aus dem Jahr 2004 ; und 2010 Aftershock , das bei Rotten Tomatoes eine Bewertung von 91% hatte.

Beijing Enlight Media konzentriert sich auf die Genres Action und Romantik. Enlight platziert in der Regel mehrere Filme in Chinas Top-20-Einnahmen. Enlight ist auch ein wichtiger Akteur in Chinas Produktions- und Vertriebsgeschäft für Fernsehserien. Unter der Führung seines CEO Wang Changtian hat das börsennotierte Unternehmen mit Sitz in Peking eine Marktkapitalisierung von fast 1 Milliarde US-Dollar erreicht.

Siehe auch

Listen

Anmerkungen

Verweise

Zitate

Quellen

Weiterlesen

  • Carlo Celli. „Chinas konfuzianischer, frauenfeindlicher Nationalismus“ Nationale Identität im globalen Kino: Wie Filme die Welt erklären . Palgrave MacMillan 2013, 1-22.
  • Rey Chow , Primitive Passions: Visuality, Sexuality, Ethnography, and Contemporary Chinese Cinema , Columbia University Press 1995.
  • Cheng, Jim, Annotated Bibliography For Chinese Film Studies , Hong Kong University Press 2004.
  • Shuqin Cui, Women Through the Lens: Gender and Nation in a Century of Chinese Cinema , University of Hawaii Press 2003.
  • Dai Jinhua, Cinema and Desire: Feministischer Marxismus und Kulturpolitik im Werk von Dai Jinhua , Hrsg. Jing Wang und Tani E. Barlow. London: Verso 2002.
  • Rolf Giesen (2015). Chinesische Animation: Eine Geschichte und Filmographie, 1922-2012 . Illustriert von Bryn Barnard. McFarland. ISBN 978-1476615523. Abgerufen am 17. Mai 2014 .
  • Hu, Lindan (2017). "Rettung der weiblichen Begierde aus der Revolutionsgeschichte: Chinesisches Frauenkino in den 1980er Jahren". Asiatische Zeitschrift für Frauenstudien . 23 (1): 49–65. doi : 10.1080/12259276.2017.1279890 . S2CID  218771001 .
  • Harry H. Kuoshu, Celluloid China: Cinematic Encounters with Culture and Society , Southern Illinois University Press 2002 - Einführung, diskutiert 15 Filme ausführlich.
  • Jay Leyda , Dianying , MIT Press, 1972.
  • Laikwan Pang, Building a New China in Cinema: The Chinese Left-Wing Cinema Movement, 1932-1937 , Rowman & Littlefield Pub Inc 2002.
  • Quiquemelle, Marie-Claire; Passek, Jean-Loup , Hrsg. (1985). Le Cinéma-Chinois . Paris: Centre national d'art et de culture Georges Pompidou. ISBN 9782858502639. OCLC  11965661 .
  • Rea, Christoph. Chinesische Filmklassiker, 1922-1949. New York: Columbia University Press, 2021. ISBN 9780231188135
  • Seio Nakajima. 2016. „Die Entstehung, Struktur und Transformation des zeitgenössischen chinesischen Filmfelds: Globale Verbindungen und nationale Brechungen.“ Global Media and Communication Band 12, Nummer 1, S. 85–108. [1]
  • Zhen Ni, Chris Berry, Memoirs From The Beijing Film Academy , Duke University Press 2002.
  • Semsel, George, hrsg. "Chinesischer Film: Der Stand der Technik in der Volksrepublik", Praeger, 1987.
  • Semsel, George, Xia Hong und Hou Jianping, Hrsg. Chinesische Filmtheorie: Ein Leitfaden für die neue Ära", Praeger, 1990.
  • Semsel, George, Chen Xihe und Xia Hong, Hrsg. Film in Contemporary China: Critical Debates, 1979-1989", Praeger, 1993.
  • Gary G. Xu, Sinascape: Zeitgenössisches chinesisches Kino , Rowman & Littlefield, 2007.
  • Emilie Yueh-yu Yeh und Darrell William Davis. 2008. „Renationalisierung der chinesischen Filmindustrie: Fallstudie über die China Film Group und die Filmvermarktung.“ Journal of Chinese Cinemas Volume 2, Issue 1, S. 37–51. [2]
  • Yingjin Zhang (Autor), Zhiwei Xiao (Autor, Herausgeber), Encyclopedia of Chinese Film , Routledge, 1998.
  • Yingjin Zhang, Hrsg., Cinema and Urban Culture in Shanghai, 1922-1943 , Stanford, CA: Stanford University Press, 1999.
  • Yingjin Zhang, Chinese National Cinema (National Cinemas Series.), Routledge 2004 - allgemeine Einführung.
  • Ying Zhu , "Chinesisches Kino während der Ära der Reform: der Einfallsreichtum des Systems", Westport, CT: Praeger, 2003.
  • Ying Zhu , "Art, Politics and Commerce in Chinese Cinema", zusammen mit Stanley Rosen, Hong Kong University Press, 2010
  • Ying Zhu und Seio Nakajima, „The Evolution of Chinese Film as an Industry“, S. 17–33 in Stanley Rosen und Ying Zhu, Hrsg., Art, Politics and Commerce in Chinese Cinema, Hong Kong University Press, 2010. [3 ]
  • Wang, Lingzhen. Chinesisches Frauenkino: Transnationale Kontexte . Columbia University Press , 13. August 2013. ISBN  0231527446 , 9780231527446.

Externe Links