Kino der Vereinigten Staaten -Cinema of the United States

Kino der Vereinigten Staaten
(Hollywood)
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Hollywood Sign (Zuschnitt).jpg
Das Hollywood Sign in den Hollywood Hills , oft als Symbol der amerikanischen Filmindustrie angesehen
Anzahl Bildschirme _ 40.393 (2017)
 • Pro Kopf 14 pro 100.000 (2017)
Hauptverteiler
Produzierte Spielfilme (2016)
Fiktiv 646 (98,5 %)
Animiert 10 (1,5 %)
Zahl der Zulassungen (2017)
Gesamt 1.239.742.550
 • Pro Kopf 3.9 (2010)
Bruttokasse (2017)
Gesamt 11,1 Milliarden Dollar

Das Kino der Vereinigten Staaten , das hauptsächlich aus großen Filmstudios (auch bekannt als Hollywood ) und einigen unabhängigen Filmen besteht , hat seit dem frühen 20. Jahrhundert einen großen Einfluss auf die globale Filmindustrie . Die dominierende Stilrichtung des amerikanischen Kinos ist das klassische Hollywood-Kino , das sich von 1910 bis 1969 entwickelte und bis heute typisch für die meisten dort produzierten Filme ist. Während den Franzosen Auguste und Louis Lumière allgemein die Geburt des modernen Kinos zugeschrieben wird, wurde das amerikanische Kino bald zu einer dominierenden Kraft in der aufstrebenden Branche. Ab 2017 produzierte es nach Indien und China die drittgrößte Anzahl von Filmen aller nationalen Kinos mit durchschnittlich mehr als 600 englischsprachigen Filmen, die jedes Jahr veröffentlicht werden. Während die nationalen Kinos in Großbritannien , Kanada , Australien und Neuseeland ebenfalls Filme in derselben Sprache produzieren, sind sie nicht Teil des Hollywood-Systems. Aus diesem Grund gilt Hollywood auch als transnationales Kino und hat mehrere Sprachversionen einiger Titel produziert, oft auf Spanisch oder Französisch. Das zeitgenössische Hollywood lagert die Produktion oft nach Kanada, Australien und Neuseeland aus.

Hollywood gilt als die älteste Filmindustrie, im Sinne des Ortes, an dem die ersten Filmstudios und Produktionsfirmen entstanden. Es ist der Geburtsort verschiedener Kinogenres – darunter Comedy , Drama , Action , Musical , Romantik , Horror , Science-Fiction und das Kriegsepos – und hat das Beispiel für andere nationale Filmindustrien gegeben.

1878 demonstrierte Eadweard Muybridge die Fähigkeit der Fotografie , Bewegungen einzufangen. 1894 fand in New York City die weltweit erste kommerzielle Filmausstellung mit dem Kinetoskop von Thomas Edison statt . In den folgenden Jahrzehnten wurde die Produktion von Stummfilmen stark ausgeweitet, Studios gegründet und nach Kalifornien ausgewandert, und Filme und die Geschichten, die sie erzählten, wurden viel länger. Die Vereinigten Staaten produzierten 1927 den weltweit ersten Musikfilm mit Synchronton , The Jazz Singer , und waren in den folgenden Jahrzehnten führend in der Tonfilmentwicklung. Seit dem frühen 20. Jahrhundert hat sich die US-Filmindustrie hauptsächlich in und um die 30-Meilen-Zone angesiedelt , die ihren Mittelpunkt im Hollywood- Viertel von Los Angeles County, Kalifornien , hat . Regisseur DW Griffith spielte eine zentrale Rolle bei der Entwicklung einer Filmgrammatik . Citizen Kane (1941) von Orson Welles wird in Kritikerumfragen häufig als der größte Film aller Zeiten bezeichnet .

Die großen Filmstudios von Hollywood sind die Hauptquelle der kommerziell erfolgreichsten und meistverkauften Filme der Welt. Viele der umsatzstärksten Filme Hollywoods haben außerhalb der Vereinigten Staaten mehr Kasseneinnahmen und Ticketverkäufe generiert als anderswo gedrehte Filme. Die Vereinigten Staaten sind ein führender Pionier in der Filmtechnik und -technologie .

Geschichte

1894–1907: Ursprünge und Fort Lee

Justus D. Barnes als Anführer der Gesetzlosen Bronco Billy Anderson in The Great Train Robbery (1903), dem ersten Western .

Der erste aufgezeichnete Fall von Fotografien, die Bewegung einfangen und reproduzieren, war eine Serie von Fotografien eines laufenden Pferdes von Eadweard Muybridge , die er in Palo Alto, Kalifornien , mit einer Reihe von Standbildkameras in einer Reihe aufnahm. Muybridges Leistung veranlasste Erfinder überall, ähnliche Geräte herzustellen. In den Vereinigten Staaten gehörte Thomas Edison zu den ersten, die ein solches Gerät, das Kinetoskop, herstellten .

Harold Lloyd in der Uhrenszene von Safety Last! (1923)

Die Geschichte des Kinos in den Vereinigten Staaten kann ihre Wurzeln bis an die Ostküste zurückverfolgen, wo Fort Lee, New Jersey , einst die Filmhauptstadt Amerikas war. Ihren Anfang nahm die Branche Ende des 19. Jahrhunderts mit dem Bau von Thomas Edisons „ Black Maria “, dem ersten Filmstudio in West Orange, New Jersey . Die Städte am Hudson River und an den Hudson Palisades boten Land zu deutlich geringeren Kosten als New York City auf der anderen Seite des Flusses und profitierten stark von dem phänomenalen Wachstum der Filmindustrie um die Wende des 20. Jahrhunderts.

Die Branche begann, sowohl Kapital als auch innovative Arbeitskräfte anzuziehen. Als die Kalem Company 1907 begann, Fort Lee als Drehort in der Gegend zu nutzen, folgten schnell andere Filmemacher. 1909 baute ein Vorläufer der Universal Studios , die Champion Film Company , das erste Studio. Andere folgten schnell und bauten entweder neue Studios oder mieteten Räumlichkeiten in Fort Lee. In den 1910er und 1920er Jahren entstanden Filmunternehmen wie die Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès (Star Films), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company und Selznick Pictures Corporation machten alle Bilder in Fort Lee. Persönlichkeiten wie Mary Pickford begannen in den Biograph Studios.

In New York wurden die zur Stummfilmzeit erbauten Kaufman Astoria Studios in Queens von den Marx Brothers und WC Fields genutzt . Die Edison Studios befanden sich in der Bronx. Chelsea, Manhattan , wurde ebenfalls häufig verwendet. Andere östliche Städte, vor allem Chicago und Cleveland , dienten ebenfalls als frühe Zentren der Filmproduktion. Im Westen entwickelte sich Kalifornien bereits schnell zu einem wichtigen Filmproduktionszentrum. In Colorado war Denver die Heimat der Filmgesellschaft Art-O-Graf , und Walt Disneys frühes Animationsstudio Laugh-O-Gram hatte seinen Sitz in Kansas City , Missouri . Picture City , Florida , war in den 1920er Jahren ein geplanter Standort für ein Filmproduktionszentrum, aber aufgrund des Okeechobee-Hurrikans von 1928 brach die Idee zusammen und Picture City kehrte zu seinem ursprünglichen Namen Hobe Sound zurück . Auch der Versuch, in Detroit ein Filmproduktionszentrum aufzubauen, blieb erfolglos.

Die Filmpatentkriege des frühen 20. Jahrhunderts trugen dazu bei, die Ausbreitung von Filmunternehmen in andere Teile der USA außerhalb von New York zu erleichtern. Viele Filmemacher arbeiteten mit Equipment, für das sie keine Nutzungsrechte besaßen. Daher könnten Dreharbeiten in New York gefährlich sein, da es sich in der Nähe von Edisons Firmensitz und in der Nähe der Agenten befand, die die Firma aufbrachen, um Kameras zu beschlagnahmen. Bis 1912 hatten die meisten großen Filmfirmen aufgrund des ganzjährig günstigen Wetters in der Region Produktionsstätten in Südkalifornien in der Nähe von oder in Los Angeles eingerichtet.

1907–1927: Aufstieg Hollywoods

Die Produktion von The Count of Monte Cristo der Selig Polyscope Company aus dem Jahr 1908 unter der Regie von Francis Boggs und mit Hobart Bosworth in der Hauptrolle wurde als die erste gedreht, die 1907 in Los Angeles gedreht wurde , wobei 1957 eine Gedenktafel von der Stadt im Flagship-Store von Dearden enthüllt wurde an der Ecke Main Street und 7th Street, um die Dreharbeiten auf dem Gelände zu markieren, als es eine chinesische Wäscherei war. Bosworths Witwe schlug vor, dass die Stadt das Datum und den Ort falsch angegeben hatte und dass der Film tatsächlich im nahe gelegenen Venedig gedreht wurde , das zu dieser Zeit eine unabhängige Stadt war. Boggs' In the Sultan's Power für Selig Polyscope, ebenfalls mit Bosworth in der Hauptrolle, gilt als der erste Film, der vollständig in Los Angeles gedreht wurde, mit Dreharbeiten in der 7th und Olive Street im Jahr 1909.

Anfang 1910 wurde Regisseur DW Griffith von der Biograph Company mit seiner Schauspieltruppe, bestehend aus den Schauspielern Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore und anderen, an die Westküste geschickt . Sie begannen mit den Dreharbeiten auf einem unbebauten Grundstück in der Nähe der Georgia Street in der Innenstadt von Los Angeles. Dort beschloss das Unternehmen, neue Gebiete zu erkunden und reiste mehrere Meilen nördlich nach Hollywood, einem kleinen Dorf, das freundlich war und das Filmunternehmen genoss, dort zu filmen. Griffith drehte dann den ersten Film, der jemals in Hollywood gedreht wurde, In Old California , ein Biograph-Melodram über Kalifornien im 19. Jahrhundert, als es zu Mexiko gehörte. Griffith blieb dort monatelang und drehte mehrere Filme, bevor er nach New York zurückkehrte. Ebenfalls 1910 gründete Selig Polyscope aus Chicago das erste Filmstudio in der Gegend von Los Angeles in Edendale und das erste Studio in Hollywood wurde 1912 eröffnet. Nachdem sie 1913 von Griffiths Erfolg in Hollywood gehört hatten, machten sich viele Filmemacher auf den Weg nach Westen, um dies zu vermeiden Gebühren, die von Thomas Edison auferlegt wurden , der Patente auf den Filmherstellungsprozess besaß. Die Nestor Studios in Bayonne, New Jersey , errichteten 1911 das erste Studio im Stadtteil Hollywood. Die Nestor Studios, im Besitz von David und William Horsley, fusionierten später mit den Universal Studios; und William Horsleys andere Firma, Hollywood Film Laboratory, ist heute die älteste bestehende Firma in Hollywood, die jetzt Hollywood Digital Laboratory heißt. Das freundlichere und kostengünstigere Klima Kaliforniens führte in den 1930er Jahren schließlich dazu, dass praktisch die gesamte Filmproduktion an die Westküste verlagert wurde . Zu dieser Zeit besaß Thomas Edison fast alle für die Filmproduktion relevanten Patente, und Filmproduzenten an der Ostküste, die unabhängig von Edisons Motion Picture Patents Company handelten, wurden oft von Edison und seinen Agenten verklagt oder aufgefordert, während Filmemacher, die an der Westküste arbeiteten, dies konnten arbeiten unabhängig von Edisons Kontrolle.

In Los Angeles wuchsen die Studios und Hollywood. Vor dem Ersten Weltkrieg wurden Filme in mehreren amerikanischen Städten gedreht, aber Filmemacher tendierten mit der Entwicklung der Industrie eher nach Südkalifornien . Angezogen wurden sie vom warmen Klima und der zuverlässigen Sonneneinstrahlung, die es ermöglichte, ihre Filme das ganze Jahr über im Freien zu drehen, sowie von den abwechslungsreichen Kulissen, die zur Verfügung standen. Kriegsschäden trugen zum Niedergang der damals dominierenden europäischen Filmindustrie zugunsten der USA bei, wo die Infrastruktur noch intakt war. Die stärkere frühe Reaktion der öffentlichen Gesundheit auf die Grippeepidemie von 1918 in Los Angeles im Vergleich zu anderen amerikanischen Städten verringerte die Zahl der Fälle dort und führte zu einer schnelleren Genesung, was zur zunehmenden Dominanz Hollywoods über New York City beitrug. Während der Pandemie schlossen Beamte des öffentlichen Gesundheitswesens in einigen Gerichtsbarkeiten vorübergehend Kinos, große Studios stellten die Produktion wochenlang ein und einige Schauspieler erkrankten an der Grippe. Dies verursachte große finanzielle Verluste und ernsthafte Schwierigkeiten für kleine Studios, aber die Branche als Ganzes erholte sich während der Roaring Twenties mehr als .

Es gibt mehrere Ausgangspunkte für das Kino (insbesondere das amerikanische Kino), aber es war Griffiths umstrittenes Epos von 1915 Die Geburt einer Nation , das den Weg für das weltweite Filmvokabular bereitete, das Zelluloid bis heute dominiert.

Im frühen 20. Jahrhundert, als das Medium noch neu war, fanden viele jüdische Einwanderer eine Anstellung in der US-amerikanischen Filmindustrie. Sie konnten sich in einem brandneuen Geschäft einen Namen machen: der Ausstellung von Kurzfilmen in Schaufenstertheatern namens Nickelodeons nach ihrem Eintrittspreis von einem Nickel (fünf Cent). Innerhalb weniger Jahre wechselten ehrgeizige Männer wie Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer und die Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel und Jack) auf die Produktionsseite des Unternehmens. Bald waren sie die Leiter einer neuen Art von Unternehmen: des Filmstudios . Die USA hatten in diesen frühen Jahren mindestens zwei Regisseurinnen, Produzenten und Studioleiterinnen: Lois Weber und die in Frankreich geborene Alice Guy-Blaché . Sie bereiten auch die Bühne für die Internationalität der Branche; der Industrie wird oft amerikazentrischer Provinzialismus vorgeworfen .

Andere Filmemacher kamen nach dem Ersten Weltkrieg aus Europa: Regisseure wie Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang und Jean Renoir ; und Schauspieler wie Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman und Charles Boyer . Sie schlossen sich einem einheimischen Angebot an Schauspielern an, die nach der Einführung des Tonfilms von der New Yorker Bühne in den Westen gelockt wurden, um eine der bemerkenswertesten Wachstumsindustrien des 20. Jahrhunderts zu bilden. Auf dem Höhepunkt der Popularität von Filmen Mitte der 1940er Jahre produzierten die Studios insgesamt etwa 400 Filme pro Jahr, die von einem Publikum von 90 Millionen Amerikanern pro Woche gesehen wurden.

Ton wurde in den späten 1920er Jahren auch in Hollywood weit verbreitet. Nachdem The Jazz Singer , der erste Film mit synchronisierten Stimmen, 1927 erfolgreich als Vitaphone-Talkie veröffentlicht wurde, reagierten Hollywood-Filmunternehmen auf Warner Bros. und begannen, den Vitaphone-Sound – den Warner Bros. bis 1928 besaß – in zukünftigen Filmen zu verwenden. Im Mai 1928 erlangte Electrical Research Product Incorporated (ERPI), eine Tochtergesellschaft der Western Electric Company, ein Monopol über den Vertrieb von Filmton.

Ein Nebeneffekt der „Tonfilme“ war, dass viele Schauspieler, die ihre Karriere im Stummfilm gemacht hatten, plötzlich arbeitslos waren, weil sie oft schlechte Stimmen hatten oder sich ihren Text nicht merken konnten. In der Zwischenzeit, im Jahr 1922, verließ der US-Politiker Will H. Hays die Politik und gründete die Organisation der Filmstudio-Chefs, die als Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) bekannt ist. Die Organisation wurde zur Motion Picture Association of America , nachdem Hays 1945 in den Ruhestand getreten war.

In der Frühzeit des Tonfilms stellten amerikanische Studios fest, dass ihre Tonproduktionen auf fremdsprachigen Märkten und sogar von Sprechern anderer englischer Dialekte abgelehnt wurden. Die Synchronisationstechnik war noch zu primitiv zum Überspielen . Eine der Lösungen bestand darin, parallele fremdsprachige Versionen von Hollywood-Filmen zu erstellen. Um 1930 eröffneten die amerikanischen Firmen ein Studio in Joinville-le-Pont , Frankreich, wo die gleichen Sets und Garderoben und sogar Massenszenen für verschiedene Time-Sharing- Crews verwendet wurden.

Auch ausländische arbeitslose Schauspieler, Dramatiker und Gewinner von Fotogenie-Wettbewerben wurden ausgewählt und nach Hollywood geholt, wo sie Parallelversionen der englischsprachigen Filme drehten. Diese parallelen Versionen hatten ein geringeres Budget, wurden nachts gedreht und wurden von amerikanischen Regisseuren der zweiten Reihe gedreht, die die Fremdsprache nicht sprachen. Zu den spanischsprachigen Crews gehörten Personen wie Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat und Edgar Neville . Die Produktionen waren aus folgenden Gründen in ihren beabsichtigten Märkten nicht sehr erfolgreich:

Brown Derby , eine Ikone, die zum Synonym für das Goldene Zeitalter Hollywoods wurde.
  • Die niedrigeren Budgets waren offensichtlich.
  • Viele Theaterschauspieler hatten keine Vorerfahrung im Kino.
  • Die Originalfilme waren selbst oft zweitklassig, da die Studios erwarteten, dass sich die Top-Produktionen von selbst verkaufen würden.
  • Die Mischung aus ausländischen Akzenten (Kastilisch, Mexikanisch und Chilenisch zum Beispiel im spanischen Fall) war für das Publikum seltsam.
  • In einigen Märkten fehlten mit Ton ausgestattete Theater.

Trotzdem schneiden einige Produktionen wie die spanische Version von Dracula im Vergleich zum Original gut ab. Mitte der 1930er Jahre war die Synchronisation so weit fortgeschritten, dass das Überspielen üblich wurde.

1913–1969: Klassisches Hollywood-Kino und das Goldene Zeitalter Hollywoods

Das klassische Hollywood-Kino oder das Goldene Zeitalter Hollywoods wird als technischer und erzählerischer Stil definiert, der für das amerikanische Kino von 1913 bis 1969 charakteristisch ist, während dessen Tausende von Filmen in den Hollywood-Studios herausgebracht wurden. Der klassische Stil begann 1913 zu entstehen, wurde 1917 beschleunigt, nachdem die USA in den Ersten Weltkrieg eingetreten waren , und verfestigte sich schließlich, als der Film The Jazz Singer 1927 veröffentlicht wurde, wodurch die Ära des Stummfilms beendet und die Kassengewinne für die Filmindustrie gesteigert wurden Einführung von Ton in Spielfilme.

Die meisten Hollywood-Bilder hielten sich eng an eine Formel – Western , Slapstick Comedy , Musical , Animated Cartoon , Biographical Film (biografisches Bild) – und dieselben Kreativteams arbeiteten oft an Filmen, die vom selben Studio produziert wurden. Zum Beispiel arbeiteten Cedric Gibbons und Herbert Stothart immer an MGM- Filmen, Alfred Newman arbeitete zwanzig Jahre lang bei 20th Century Fox , die Filme von Cecil B. De Mille wurden fast alle bei Paramount gedreht und die Filme von Regisseur Henry King wurden hauptsächlich gedreht für 20th Century Fox .

Gleichzeitig konnte man meistens erahnen, welches Studio welchen Film gedreht hat, vor allem wegen der Schauspieler, die darin auftraten; MGM behauptete zum Beispiel, es habe „mehr Sterne unter Vertrag genommen, als es im Himmel gibt“. Jedes Studio hatte seinen eigenen Stil und charakteristische Details, die es ermöglichten, dies zu wissen – eine Eigenschaft, die heute selten vorhanden ist.

Zum Beispiel ist To Have and Have Not (1944) nicht nur wegen der ersten Paarung der Schauspieler Humphrey Bogart (1899–1957) und Lauren Bacall (1924–2014) bemerkenswert, sondern weil es von zwei zukünftigen Nobelpreisträgern geschrieben wurde in Literatur : Ernest Hemingway (1899–1961), der Autor des Romans, auf dem das Drehbuch nominell basierte, und William Faulkner (1897–1962), der an der Verfilmung arbeitete.

Nach der Veröffentlichung von The Jazz Singer im Jahr 1927 erzielte Warner Bros. großen Erfolg und konnte nach dem Kauf von Stanley Theatres und First National Productions im Jahr 1928 eine eigene Reihe von Kinos erwerben. Im Gegensatz dazu gehörten die Loews-Kinos MGM seit ihrer Gründung im Jahr 1924, während Die Fox Film Corporation besaß das Fox Theatre . RKO (ein Zusammenschluss von Keith-Orpheum Theatres und der Radio Corporation of America aus dem Jahr 1928 ) reagierte ebenfalls auf das Monopol von Western Electric/ERPI für den Ton in Filmen und entwickelte ihre eigene Methode, bekannt als Photophone , um Ton in Filme zu bringen.

Paramount, das 1926 Balaban und Katz erwarb, würde auf den Erfolg von Warner Bros. und RKO antworten und Ende der 1920er Jahre auch eine Reihe von Theatern kaufen und ein Monopol auf Theater in Detroit, Michigan, halten . In den 1930er Jahren gehörten fast alle der ersten großstädtischen Theater in den Vereinigten Staaten den Big Five-Studios – MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. und 20th Century Fox .

1927–1948: Aufstieg und Niedergang des Studiosystems

Hollywood-Filmstudios, 1922

Filmfirmen arbeiteten unter dem Studiosystem . Die großen Studios erhielten Gehalt für Tausende von Menschen – Schauspieler, Produzenten, Regisseure, Autoren, Stuntmen, Handwerker und Techniker. Sie besaßen oder pachteten Movie Ranches im ländlichen Südkalifornien für Außenaufnahmen von Western und anderen groß angelegten Genrefilmen, und die großen Studios besaßen 1920 Hunderte von Kinos in Städten und Gemeinden im ganzen Land, in denen ihre Filme gezeigt wurden und die es immer waren braucht frisches Material.

Spencer Tracy war der erste Schauspieler, der zwei Jahre hintereinander für seine Rollen in „Captains Courageous“ (1937) und „Boys Town “ (1938) den Preis für den besten Schauspieler erhielt (und sieben weitere Nominierungen erhielt).

Im Jahr 1930 schuf MPPDA-Präsident Will Hays den Hays (Production) Code , der den Zensurrichtlinien folgte und in Kraft trat, nachdem die Regierung mit Zensur drohte, die bis 1930 ausgeweitet wurde. Der Code wurde jedoch erst 1934 durchgesetzt, nachdem die katholische Überwachungsorganisation The Legion of Decency – entsetzt über einige der provokativen Filme und grellen Werbespots der Ära, die später als Pre-Code Hollywood klassifiziert wurde – drohte mit einem Boykott von Kinofilmen, wenn er nicht in Kraft treten würde. Die Filme, die kein Gütesiegel der Production Code Administration erhielten, mussten eine Strafe von 25.000 US-Dollar zahlen und konnten in den Kinos nicht profitieren, da die MPPDA jedes Kino im Land über die Big Five-Studios kontrollierte.

In den 1930er Jahren sowie während des größten Teils des goldenen Zeitalters dominierte MGM die Filmleinwand und hatte die Topstars in Hollywood, und ihnen wurde auch zugeschrieben, das gesamte Hollywood-Starsystem geschaffen zu haben. Einige MGM- Stars waren „King of Hollywood“ Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland und Gene Kelly . Aber MGM stand nicht alleine da.

Eine weitere große Errungenschaft des US-Kinos in dieser Ära kam durch die Animationsfirma von Walt Disney . 1937 schuf Disney den erfolgreichsten Film seiner Zeit, Schneewittchen und die sieben Zwerge . Prompt wurde diese Auszeichnung 1939 noch übertroffen, als Selznick International mit „Vom Winde verweht“ den bis heute inflationsbereinigt erfolgreichsten Film aller Zeiten schuf .

Viele Filmhistoriker haben auf die vielen großartigen Kinowerke hingewiesen, die aus dieser Zeit des stark reglementierten Filmemachens hervorgegangen sind. Das war unter anderem deshalb möglich, weil bei so vielen Filmen nicht jeder ein großer Hit werden musste. Ein Studio könnte auf einen Mittelpreisfilm mit gutem Drehbuch und relativ unbekannten Schauspielern setzen: Citizen Kane , Regie Orson Welles (1915–1985) und oft als der größte Film aller Zeiten angesehen , passt auf diese Beschreibung. In anderen Fällen kämpften willensstarke Regisseure wie Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) und Frank Capra (1897–1991) gegen die Studios, um ihre künstlerischen Visionen zu verwirklichen.

Der Höhepunkt des Studiosystems dürfte das Jahr 1939 gewesen sein, in dem Klassiker wie Der Zauberer von Oz , Vom Winde verweht , Postkutsche , Mr. Smith geht nach Washington , Sturmhöhe , Nur Engel haben Flügel , Ninotschka und andere erschienen Mitternacht . Unter den anderen Filmen aus dem Goldenen Zeitalter, die heute als Klassiker gelten, sind Casablanca , It's a Wonderful Life , It Happened One Night , das Original King Kong , Meuterei auf der Bounty , Top Hat , City Lights , Red River , The Lady aus Shanghai , Hinteres Fenster , Am Wasser , Rebell ohne Grund , Manche mögen's heiß und Der mandschurische Kandidat .

Prozentsatz der US-Bevölkerung, der durchschnittlich wöchentlich ins Kino ging, 1930–2000
Walt Disney stellt jeden der sieben Zwerge in einer Szene aus dem Original- Trailer von Schneewittchen aus dem Jahr 1937 vor.

Das Studiosystem und das Goldene Zeitalter Hollywoods erlagen zwei Kräften, die sich Ende der 1940er Jahre entwickelten:

1938 wurde Walt Disneys Schneewittchen und die sieben Zwerge während einer Reihe glanzloser Filme der großen Studios veröffentlicht und wurde schnell zum Film mit den höchsten Einnahmen, der bis zu diesem Zeitpunkt veröffentlicht wurde. Peinlich für die Studios war, dass es sich um einen unabhängig produzierten Animationsfilm handelte, in dem keine im Studio beschäftigten Stars zu sehen waren. Dies schürte die bereits weit verbreitete Frustration über die Praxis der Blockbuchung , bei der Studios nur Filme eines ganzen Jahres auf einmal an die Kinos verkauften und den Lock-in nutzten , um Veröffentlichungen von mittelmäßiger Qualität zu decken.

Der stellvertretende Generalstaatsanwalt Thurman Arnold – ein bekannter „ Trust Buster “ der Roosevelt-Administration – nutzte diese Gelegenheit, um im Juli 1938 ein Verfahren gegen die acht größten Hollywood-Studios wegen Verstößen gegen das Sherman Antitrust Act einzuleiten . Die Bundesklage führte dazu, dass fünf der acht Studios (die "Big Five": Warner Bros. , MGM , Fox , RKO und Paramount ) im Oktober 1940 einen Kompromiss mit Arnold erzielten und ein Zustimmungsdekret unterzeichneten , in dem sie innerhalb von drei Jahren zustimmten:

  • Beseitigen Sie die Blockbuchung von Kurzfilmthemen in einer Anordnung, die als "One-Shot"- oder "Full Force"-Blockbuchung bekannt ist.
  • Beseitigen Sie die Blockbuchung von mehr als fünf Spielfilmen in ihren Kinos.
  • Beteiligen Sie sich nicht länger an Blindkäufen (oder dem Kauf von Filmen durch Theaterbezirke, ohne vorher Filme zu sehen) und veranstalten Sie stattdessen Handelsausstellungen , bei denen alle 31 Theaterbezirke in den USA alle zwei Wochen Filme sehen, bevor Filme in den Kinos gezeigt werden.
  • Richten Sie in jedem Theaterbezirk einen Verwaltungsausschuss ein, um diese Anforderungen durchzusetzen.

Die „Kleinen Drei“ ( Universal Studios , United Artists und Columbia Pictures ), die keine Kinos besaßen, weigerten sich, an der Zustimmungsverfügung teilzunehmen. Eine Reihe unabhängiger Filmproduzenten waren ebenfalls unzufrieden mit dem Kompromiss und gründeten eine Gewerkschaft namens Society of Independent Motion Picture Producers und verklagten Paramount wegen des Monopols, das sie immer noch über die Detroit Theatres hatten – da Paramount auch durch Schauspieler wie Bob Hope an Dominanz gewann , Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, Schlagersänger Bing Crosby, Alan Ladd und auch langjähriger Schauspieler für das Studio Gary Cooper – bis 1942. Die Big Five Studios erfüllten die Anforderungen des Consent of Decree während des Zweiten Weltkriegs nicht, ohne größere Konsequenzen, aber nach Kriegsende schlossen sie sich Paramount als Angeklagte im Hollywood-Kartellverfahren an, ebenso wie die Little Three Studios.

Der Oberste Gerichtshof entschied schließlich, dass das Eigentum der großen Studios an Kinos und Filmverleih einen Verstoß gegen das Sherman Antitrust Act darstellt . Infolgedessen begannen die Studios, Schauspieler und technisches Personal aus ihren Verträgen mit den Studios zu entlassen. Dies veränderte das Paradigma des Filmemachens durch die großen Hollywood-Studios, da jedes eine völlig andere Besetzung und ein anderes Kreativteam haben konnte.

Die Entscheidung führte zum allmählichen Verlust der Merkmale, die Filme von Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures und 20th Century Fox sofort identifizierbar machten. Bestimmte Filmleute wie Cecil B. DeMille blieben entweder bis zum Ende ihrer Karriere Vertragskünstler oder setzten für ihre Filme dieselben Kreativteams ein, sodass ein DeMille-Film immer noch wie einer aussah, egal ob er 1932 oder 1956 gedreht wurde.

Außerdem sank die Anzahl der jährlich produzierten Filme, da das durchschnittliche Budget in die Höhe schnellte, was einen großen Strategiewechsel für die Branche bedeutete. Die Studios wollten nun Unterhaltung produzieren, die das Fernsehen nicht bieten konnte: spektakuläre, überlebensgroße Produktionen. Die Studios begannen auch, Teile ihrer Kinofilmbibliotheken an andere Unternehmen zu verkaufen, um sie an das Fernsehen zu verkaufen. Bis 1949 hatten alle großen Filmstudios den Besitz ihrer Kinos aufgegeben.

Dies wurde durch die Wunderentscheidung von 1952 im Fall Joseph Burstyn Inc. gegen Wilson ergänzt , in der der Oberste Gerichtshof der Vereinigten Staaten seine frühere Position aus dem Fall Mutual Film Corporation gegen Industrial Commission of Ohio von 1915 aufhob und diesen Antrag formulierte Bilder waren eine Kunstform und hatten Anspruch auf den Schutz des Ersten Verfassungszusatzes ; US-Gesetze konnten Filme nicht mehr zensieren. Bis 1968, als die Filmstudios ihrer Zensurfunktion zunehmend aufsässig wurden, hatte die Motion Picture Association of America (MPAA) den Hays Code ersetzt – der nun stark verletzt wurde, nachdem die staatliche Androhung der Zensur, die den Ursprung des Codes rechtfertigte, beendet war – mit dem Filmbewertungssystem.

1965–1983: New Hollywood und postklassisches Kino

Regisseur und Produzent Steven Spielberg , Mitbegründer der DreamWorks Studios .

Postklassisches Kino ist die sich verändernden Methoden des Geschichtenerzählens im New Hollywood. Es wurde argumentiert, dass neue Herangehensweisen an Drama und Charakterisierung mit den in der klassischen Zeit erworbenen Erwartungen des Publikums spielten: Die Chronologie kann durcheinander geraten, die Handlungsstränge können „ verdrehte Enden “ aufweisen und die Grenzen zwischen dem Antagonisten und dem Protagonisten können verwischt werden. Die Wurzeln des postklassischen Geschichtenerzählens sind im Film Noir , in Rebel Without a Cause (1955) und in Hitchcocks erschütterndem Psycho zu sehen .

The New Hollywood ist das Aufkommen einer neuen Generation von an Filmschulen ausgebildeten Regisseuren, die die in Europa in den 1960er Jahren als Ergebnis der Französischen Neuen Welle nach der Amerikanischen Revolution entwickelten Techniken übernommen hatten; Der Film Bonnie and Clyde aus dem Jahr 1967 markierte auch den Beginn des Aufschwungs des amerikanischen Kinos, da eine neue Generation von Filmen anschließend auch an den Kinokassen Erfolge feiern würde. Filmemacher wie Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski und William Friedkin kamen, um Kost zu produzieren, die der Geschichte des Films huldigten und bestehende Genres und Techniken weiterentwickelten. Eingeleitet durch die Veröffentlichung von Andy Warhols Blue Movie im Jahr 1969 , wurde das Phänomen der Erotikfilme für Erwachsene von Prominenten (wie Johnny Carson und Bob Hope ) öffentlich diskutiert und von Kritikern (wie Roger Ebert ) ernst genommen, eine Entwicklung, auf die verwiesen wird Ralph Blumenthal von der New York Times , als „ Porno-Chic “ bezeichnet und später als das Goldene Zeitalter des Pornos bekannt , begann zum ersten Mal in der modernen amerikanischen Kultur. Laut dem preisgekrönten Autor Toni Bentley basiert Radley Metzgers Film The Opening of Misty Beethoven aus dem Jahr 1976 auf dem Theaterstück Pygmalion von George Bernard Shaw (und seinem Derivat My Fair Lady ) und erreicht aufgrund des Erreichens eines Mainstream-Niveaus in der Handlung und Sets, gilt als das "Kronjuwel" dieses " Goldenen Zeitalters ".

Auf dem Höhepunkt seines Ruhms in den frühen 1970er Jahren war Charles Bronson mit 1 Million US-Dollar pro Film die weltweite Nummer 1 an den Kinokassen. In den 1970er Jahren wurden die Filme der Filmemacher aus New Hollywood oft sowohl von der Kritik gefeiert als auch kommerziell erfolgreich. Während die frühen New-Hollywood-Filme wie Bonnie und Clyde und Easy Rider relativ Low-Budget-Affären mit amoralischen Helden und gesteigerter Sexualität und Gewalt waren, erfreuten sich Friedkin mit The Exorcist , Spielberg mit Jaws , Coppola mit The Godfather und Apocalypse Now enormer Erfolge , Scorsese mit Taxi Driver , Kubrick mit 2001: A Space Odyssey , Polanski mit Chinatown und Lucas mit American Graffiti und Star Wars trugen jeweils dazu bei, den modernen „ Blockbuster “ entstehen zu lassen, und veranlassten die Studios, sich immer stärker darauf zu konzentrieren, dies zu versuchen enorme Hits produzieren.

Die zunehmende Nachsicht dieser jungen Regisseure half nicht. Oft würden sie den Zeitplan und das Budget überschreiten und sich selbst oder das Studio in den Bankrott treiben. Die drei bemerkenswertesten Beispiele dafür sind Coppolas Apocalypse Now und One From The Heart und insbesondere Michael Ciminos Heaven 's Gate , das United Artists im Alleingang bankrott machte . Apocalypse Now verdiente sich jedoch schließlich sein Geld zurück und erlangte weithin Anerkennung als Meisterwerk und gewann die Palme d'Or in Cannes .

1975–2008: Aufstieg der modernen Blockbuster und Independent-Filme

Schauspieler Tom Hanks
Einige von Hollywoods Blockbuster-Actionhelden aus den 1970er bis 2000er Jahren. Von links: (obere Reihe) Sylvester Stallone , Arnold Schwarzenegger , Bruce Willis , Steven Seagal (untere Reihe) Dolph Lundgren , Jean-Claude Van Damme , Wesley Snipes , Jackie Chan .

Spektakuläre Epen, die sich neuer Breitwandverfahren bedienten, waren seit den 1950er Jahren immer beliebter. In den 1980er und 1990er Jahren kam es zu einer weiteren bedeutenden Entwicklung. Die volle Akzeptanz von Heimvideos durch Studios eröffnete ein riesiges neues Geschäft, das es zu nutzen gilt. Filme, die im Kino vielleicht schlecht abgeschnitten haben, konnten sich nun auf dem Videomarkt durchsetzen. Es sah auch die erste Generation von Filmemachern mit Zugang zu Videobändern. Regisseure wie Quentin Tarantino und Paul Thomas Anderson konnten Tausende von Filmen sichten und produzierten Filme mit unzähligen Referenzen und Verbindungen zu früheren Arbeiten. Tarantino hatte eine Reihe von Kooperationen mit Regisseur Robert Rodriguez . Rodriguez führte 1992 Regie bei dem Actionfilm El Mariachi , der ein kommerzieller Erfolg war, nachdem er 2 Millionen Dollar bei einem Budget von 7.000 Dollar einspielte.

Dies, zusammen mit der Explosion des unabhängigen Films und den immer niedrigeren Kosten für das Filmemachen, veränderte die Landschaft des amerikanischen Filmemachens erneut und führte zu einer Renaissance des Filmemachens in Hollywoods Unter- und Mittelschicht – denjenigen, die keinen Zugang zu den finanziellen Ressourcen der Studios hatten. Mit dem Aufstieg der DVD im 21. Jahrhundert wurden DVDs für Studios schnell noch profitabler und führten zu einer Explosion von zusätzlichen Szenen, erweiterten Versionen und Kommentarspuren mit den Filmen.

In den USA wurde die PG-13- Einstufung 1984 eingeführt, um Filme zu berücksichtigen, die die Grenze zwischen PG und R überspannten, was hauptsächlich auf die Kontroversen um den gewalttätigen Inhalt der PG-Filme Indiana Jones and the Temple of Doom und Gremlins ( beide 1984).

Der Film Die Hard aus dem Jahr 1988 begründete das, was zu einer gemeinsamen Formel für viele Actionfilme der 1990er Jahre werden sollte, in denen ein einsamer Jedermann gegen einen schillernden Terroristen, der normalerweise Geiseln hält, in einer isolierten Umgebung zu sehen ist. Solche Filme und ihre Fortsetzungen werden oft als „ Die Hard on a _____“ bezeichnet: Under Siege (Schlachtschiff), Cliffhanger (Berg), Speed ​​(Bus), The Rock (Gefängnisinsel), Con Air (Gefängnisflugzeug), Air Force Eins (Präsidentenflugzeug) usw.

Filmemacher  hatten in den 1990er Jahren Zugang zu technologischen, politischen und wirtschaftlichen Innovationen, die in den vergangenen Jahrzehnten nicht verfügbar waren. Dick Tracy (1990) wurde der erste 35-mm -Spielfilm mit digitalem Soundtrack. Batman Returns (1992) war der erste Film, der den inzwischen zum Industriestandard gewordenen Sechskanal-Stereoton von Dolby Digital nutzte . Computergenerierte Bilder wurden erheblich erleichtert, als es möglich wurde, Filmbilder in einen Computer zu übertragen und sie digital zu manipulieren. Die Möglichkeiten wurden in Regisseur James CameronsTerminator 2: Judgement Day“ (1991) in Bildern des sich verändernden Charakters T-1000 deutlich . Computergrafik oder CG hat sich bis zu einem Punkt entwickelt, an dem Jurassic Park (1993) in der Lage war, die Techniken zu verwenden, um realistisch aussehende Tiere zu erstellen. Jackpot (2001) war der erste Film, der vollständig digital gedreht wurde. Im Film Titanic wollte Cameron mit seinem Film die Grenzen der Spezialeffekte verschieben und engagierte Digital Domain und Pacific Data Images , um die Entwicklungen in der Digitaltechnik fortzusetzen, die der Regisseur bei der Arbeit an The Abyss und Terminator 2: Judgement Day vorangetrieben hat . Viele frühere Filme über die RMS Titanic drehten Wasser in Zeitlupe , was nicht ganz überzeugend aussah. Cameron ermutigte seine Crew, ihre 14 m lange Miniatur des Schiffes zu drehen, als ob "wir einen Werbespot für die White Star Line machen".

Amerikanische Filmindustrie (1995–2017)
Alle Werte in Milliarden
Jahr Eintrittskarten Einnahmen
1995 1.22 5,31 $
1996 1.31 5,79 $
1997 1.39 6,36 $
1998 1.44 6,77 $
1999 1.44 7,34 $
2000 1.40 7,54 $
2001 1.48 8,36 $
2002 1.58 9,16 $
2003 1.52 9,20 $
2004 1,50 9,29 $
2005 1.37 8,80 $
2006 1.40 9,16 $
2007 1.42 9,77 $
2008 1.36 9,75 $
2009 1.42 10,64 $
2010 1.33 10,48 $
2011 1.28 10,17 $
2012 1.40 11,16 $
2013 1.34 10,89 $
2014 1.26 10,27 $
2015 1.32 11,16 $
2016 1.30 11,26 $
2017 1.23 10,99 $
Wie von The Numbers zusammengestellt

Sogar The Blair Witch Project (1999), ein Low-Budget-Indie- Horrorfilm von Eduardo Sanchez und Daniel Myrick , war ein großer finanzieller Erfolg. Gedreht mit einem Budget von nur 35.000 US-Dollar, ohne große Stars oder Spezialeffekte, spielte der Film 248 Millionen US-Dollar mit dem Einsatz moderner Marketingtechniken und Online-Werbung ein. Obwohl nicht in der Größenordnung von George Lucas ' 1-Milliarde-Dollar-Prequel zur Star Wars-Trilogie , verdiente sich The Blair Witch Project die Auszeichnung, der profitabelste Film aller Zeiten zu sein, gemessen an den Bruttoprozentsätzen.

Der Erfolg von Blair Witch als Indie-Projekt bleibt jedoch eine der wenigen Ausnahmen, und die Kontrolle der Big Five- Studios über die Filmproduktion  nahm in den 1990er Jahren weiter zu. Die Big Six-Unternehmen erlebten in den 1990er Jahren alle eine Phase der Expansion. Sie entwickelten jeweils unterschiedliche Wege, um sich an die steigenden Kosten in der Filmindustrie anzupassen, insbesondere an die steigenden Gehälter von Filmstars, angetrieben von mächtigen Agenten. Die größten Stars wie Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson und Julia Roberts erhielten zwischen 15 und 20 Millionen US-Dollar pro Film und erhielten in einigen Fällen sogar einen Anteil am Gewinn des Films.

Drehbuchautoren hingegen wurden im Allgemeinen weniger bezahlt als die besten Schauspieler oder Regisseure, normalerweise weniger als 1 Million Dollar pro Film. Der größte Einzelfaktor für steigende Kosten waren jedoch Sondereffekte. Bis 1999 betrugen die durchschnittlichen Kosten eines Blockbuster-Films 60 Millionen US-Dollar vor Marketing und Werbung, die weitere 80 Millionen US-Dollar kosteten. Seitdem werden amerikanische Filme zunehmend in zwei Kategorien unterteilt: Blockbuster und Independent-Filme .

Studios ergänzen diese Filme mit unabhängigen Produktionen , die mit kleinen Budgets und oft unabhängig von der Studiogesellschaft hergestellt werden. Filme, die auf diese Weise gedreht werden, betonen normalerweise eine hohe professionelle Qualität in Bezug auf Schauspiel, Regie, Drehbuchschreiben und andere mit der Produktion verbundene Elemente sowie auf Kreativität und Innovation. Diese Filme verlassen sich normalerweise auf kritisches Lob oder Nischenmarketing, um ein Publikum zu gewinnen. Aufgrund des niedrigen Budgets eines unabhängigen Films kann ein erfolgreicher unabhängiger Film ein hohes Gewinn-Kosten-Verhältnis aufweisen, während ein Misserfolg nur minimale Verluste verursacht, sodass Studios Dutzende solcher Produktionen zusätzlich zu ihren High-Stakes-Veröffentlichungen sponsern können.

Das amerikanische Independent-Kino wurde in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren wiederbelebt, als eine weitere neue Generation von Filmemachern, darunter Spike Lee , Steven Soderbergh , Kevin Smith und Quentin Tarantino , Filme wie „ Do the Right Thing“ , „Sex, Lies“ und „Videotape“ , „Clerks“ drehten und Reservoir-Hunde . In Bezug auf Regie, Drehbuch, Schnitt und andere Elemente waren diese Filme innovativ und oft respektlos, spielten mit den Konventionen von Hollywood-Filmen und widersprachen ihnen. Darüber hinaus stellten ihre beachtlichen finanziellen Erfolge und ihr Übergang in die Populärkultur die kommerzielle Rentabilität des unabhängigen Films wieder her. Seitdem hat sich die unabhängige Filmindustrie im amerikanischen Kino klarer definiert und an Einfluss gewonnen. Viele der großen Studios haben davon profitiert, indem sie Tochterunternehmen gegründet haben, um ähnliche Filme zu produzieren. zum Beispiel Fox Searchlight Pictures .

Zu dieser Zeit war Harvey Weinstein ein Hollywood-Powerplayer, der von der Kritik gefeierte Filme wie „ Shakespeare in Love“ , „Good Will Hunting “ und den Oscar-prämierten „The English Patient“ in Auftrag gab . Unter TWC hatte Weinstein eine fast ununterbrochene Kette erfolgreicher Filme herausgebracht. Die Gewinner des besten Films, The Artist und The King's Speech , wurden im Auftrag von Weinstein veröffentlicht.

Hollywood Boulevard vom Dolby Theatre , vor 2006

Das Jahrzehnt der 2000er Jahre brachte viele bedeutende Entwicklungen in der Filmindustrie auf der ganzen Welt mit sich, insbesondere in der verwendeten Technologie. Aufbauend auf den Entwicklungen in den 1990er Jahren wurden Computer verwendet, um Effekte zu erzeugen, die zuvor teurer gewesen wären, von der subtilen Auslöschung der umliegenden Inseln in Cast Away (wobei Tom Hanks ' Figur gestrandet ist, ohne dass ein anderes Land in Sicht ist) bis hin zu den riesigen Kampfszenen wie die in den Matrix- Fortsetzungen und 300 .

In den 2000er Jahren erlebten mehrere Genres das Wiederaufleben. Fantasy-Film- Franchises dominierten die Kinokassen mit „Der Herr der Ringe“ , „Harry Potter“ , „Fluch der Karibik“ , der „Star Wars“ -Prequel-Trilogie (ab 1999), „Die Chroniken von Narnia “ usw. Comic - Superheldenfilme wurden zu einem Mainstream-Blockbuster-Genre die Veröffentlichungen von Blade , X-Men , Unbreakable und Spider-Man . Gladiator löste in ähnlicher Weise die Wiederbelebung epischer Filme aus , während das von Bollywood inspirierte Moulin Rouge! tat dasselbe für Musikfilme . Computeranimation ersetzte die traditionelle Animation als dominierendes Medium für animierte Spielfilme im amerikanischen Kino. Obwohl Hollywood immer noch einige Filme für das Familienpublikum produziert, insbesondere Animationen, ist die überwiegende Mehrheit der Filme hauptsächlich für ein junges erwachsenes Publikum konzipiert.

2008–heute: Zeitgenössisches Kino

Seit den späten 2000er Jahren wird der Theatermarkt vom Superhelden- Genre dominiert, insbesondere seit der Entstehung des Marvel Cinematic Universe (seit 2008) und des DC Extended Universe (seit 2013). Ab 2022 sind sie die bestbezahlten Produktionen für Schauspieler, weil die Gehaltsschecks in anderen Genres selbst für Top-Schauspieler geschrumpft sind.

Ab 2020 sollte der Fantasy-Film Frozen II aus dem Jahr 2019 ursprünglich am 26. Juni 2020 auf Disney+ erscheinen , bevor er auf den 15. März verschoben wurde. Disney-CEO Bob Chapek erklärte, dass dies an den „starken Themen der Ausdauer“ des Films liege und die Bedeutung der Familie, Botschaften, die unglaublich relevant sind". Am 16. März 2020 gab Universal bekannt, dass „The Invisible Man“ , „The Hunt “ und „ Emma “ – alles Filme, die damals in den Kinos liefen – bereits am 20. März über Premium Video on Demand zu einem empfohlenen Preis von jeweils 19,99 US-Dollar erhältlich sein würden. Nachdem Onward seit seiner Veröffentlichung Anfang März unter schlechten Kassenzahlen gelitten hatte, wurde es am 21. März digital erhältlich und am 3. April zu Disney+ hinzugefügt. Paramount kündigte am 20. März an, dass Sonic the Hedgehog ebenfalls einen frühen Start plant Veröffentlichung als Video- on -Demand am 31. März. Am 16. März gab Warner Bros. bekannt, dass Birds of Prey vorzeitig am 24. März als Video- on-Demand veröffentlicht wird Das gleichnamige Buch würde am 12. Juni direkt zu Disney+ wechseln und einen Kinostart komplett überspringen.

Im Jahr 2021 waren trotz der COVID-19-Pandemie in den Vereinigten Staaten Studios, die verschiedene Filme wie Black Widow , F9 , Death on the Nile und West Side Story produziert haben , gezwungen, ihre Veröffentlichungen auf nach 2020 zu verschieben oder zu verschieben.

Verschiedene Studios haben auf die Krise mit kontroversen Entscheidungen reagiert, auf das Kinofenster zu verzichten und ihre Filme tagtäglich zu veröffentlichen . NBCUniversal veröffentlichte Trolls World Tour am 10. April direkt zum Video-on-Demand- Verleih, während gleichzeitig begrenzte heimische Kinovorführungen über Autokinos empfangen wurden; CEO Jeff Shell behauptet, dass der Film innerhalb der ersten drei Wochen fast 100 Millionen Dollar an Einnahmen erzielt habe. Die Entscheidung wurde von AMC Theatres abgelehnt , das daraufhin ankündigte, dass seine Vorführungen von Universal Pictures-Filmen sofort eingestellt würden, obwohl die beiden Unternehmen schließlich einem zweiwöchigen Kinofenster zustimmen würden. Bis Dezember 2020 gab Warner Bros. Pictures seine Entscheidung bekannt, seine Filmliste von 2021 gleichzeitig in beiden Kinos und auf seiner Streaming-Site HBO Max für einen Zeitraum von einem Monat zu veröffentlichen, um die Zuschauerzahlen zu maximieren. Der Schritt wurde von verschiedenen Branchenkennern vehement kritisiert, von denen viele Berichten zufolge vor der Ankündigung nicht über die Entscheidung informiert waren und sich vom Studio getäuscht fühlten.

Branchenkommentatoren haben die zunehmende Behandlung von Filmen als „ Inhalt “ durch Unternehmen festgestellt, die mit dem Aufstieg von Streaming-Plattformen wie Netflix , Disney+ , Paramount+ und Apple TV+ korrelieren . Dies beinhaltet die Verwischung der Grenzen zwischen Film, Fernsehen und anderen Medienformen, da immer mehr Menschen sie gemeinsam auf vielfältige Weise konsumieren, wobei einzelne Filme mehr durch ihre Markenidentität und ihr kommerzielles Potenzial als durch ihr Medium, ihre Geschichten und ihre Kunstfertigkeit definiert werden. Der Kritiker Matt Zoller Seitz hat die Veröffentlichung von Avengers: Endgame im Jahr 2019 als „die entscheidende Niederlage von ‚Kino‘ durch ‚Inhalt‘“ aufgrund seines großen Erfolgs als „Stück Unterhaltung“ beschrieben, das von der Marke Marvel definiert wird kulminiert eine Reihe von Blockbuster-Filmen, die Züge des seriellen Fernsehens haben. Die Filme Space Jam: A New Legacy und Red Notice wurden als Beispiele für diese Behandlung angeführt, wobei der erstere von vielen Kritikern als "eine lange Infomercial für HBO Max" beschrieben wurde, die Szenen und Charaktere enthält, die an verschiedene Warner Bros.-Eigenschaften erinnern, wie z Casablanca , The Matrix und Austin Powers , während letzterer ein 200-Millionen-Dollar-Heist-Film von Netflix ist, den Kritiker als „einen Film beschrieben haben, der sich eher von einer Maschine verarbeitet anfühlt […] als irgendetwas, das sich einer künstlerischen Absicht oder sogar einem ehrlichen Wunsch nach Unterhaltung nähert ." Einige haben zum Ausdruck gebracht, dass Space Jam die zunehmend zynische Behandlung von Filmen als bloßes geistiges Eigentum (IP) demonstriert, das verwertet werden soll, ein Ansatz, den der Kritiker Scott Mendelson „IP um des geistigen Eigentums willen“ nannte.

Hollywood und Politik

81. Oscar- Verleihung, Dolby Theatre , Hollywood, 2009

In den 1930er Jahren sahen die Demokraten und die Republikaner Geld in Hollywood. Präsident Franklin Roosevelt sah eine große Partnerschaft mit Hollywood. Er nutzte das erste wirkliche Potenzial von Hollywoods Stars in einer nationalen Kampagne. Melvyn Douglas tourte 1939 durch Washington und traf die wichtigsten New Dealer.

Politische Vermerke

Befürwortungsschreiben von Hauptdarstellern wurden unterzeichnet, Radioauftritte und gedruckte Werbung wurden gemacht. Filmstars wurden verwendet, um ein großes Publikum in die politische Sichtweise der Partei einzubeziehen. In den 1960er Jahren war John F. Kennedy ein neues, junges Gesicht für Washington, und seine starke Freundschaft mit Frank Sinatra veranschaulichte diese neue Ära des Glamours. Die letzten Mogule Hollywoods waren verschwunden und jüngere, neuere Führungskräfte und Produzenten begannen, liberalere Ideen voranzutreiben.

Prominente und Geld lockten Politiker in den hochklassigen, glitzernden Hollywood-Lifestyle. Wie Ron Brownstein in seinem Buch The Power and the Glitter schrieb, war das Fernsehen in den 1970er und 1980er Jahren ein enorm wichtiges neues Medium in der Politik, und Hollywood half in diesen Medien mit Schauspielern, die Reden über ihre politischen Überzeugungen hielten, wie Jane Fonda gegen den Vietnamkrieg. Obwohl die meisten Prominenten und Produzenten linksgerichtet sind und dazu neigen, die Demokratische Partei zu unterstützen , brachte diese Ära einige republikanische Schauspieler und Produzenten hervor. Der frühere Schauspieler Ronald Reagan wurde Gouverneur von Kalifornien und anschließend der 40. Präsident der Vereinigten Staaten . Mit Arnold Schwarzenegger als Gouverneur von Kalifornien im Jahr 2003 ging es weiter .

Politische Spenden

Heute helfen Spenden aus Hollywood, die Bundespolitik zu finanzieren. Am 20. Februar 2007 veranstaltete beispielsweise der damalige demokratische Präsidentschaftskandidat Barack Obama eine Hollywood-Gala im Wert von 2.300 Dollar pro Teller, die von den DreamWorks- Gründern David Geffen , Jeffrey Katzenberg und Steven Spielberg im Beverly Hilton veranstaltet wurde.

Kritik

Versteckte Werbung

Native Advertising sind Informationen, die auf subtilere Weise überzeugen sollen als klassische Propaganda . Ein modernes Beispiel, das in den Vereinigten Staaten üblich ist, ist Copaganda , in dem Fernsehsendungen unrealistisch schmeichelhafte Darstellungen der Strafverfolgung zeigen, teilweise um Ausrüstung zu leihen und ihre Unterstützung beim Sperren von Straßen zu erhalten, um leichter vor Ort filmen zu können. Andere Rufwäsche- Vorwürfe wurden in der Unterhaltungsindustrie erhoben, einschließlich der Aufpolierung des Images der Mafia.

Produktplatzierung war auch ein Kritikpunkt, da die Tabakindustrie das Rauchen auf dem Bildschirm förderte. Die Centers for Disease Control zitieren, dass 18 % der jugendlichen Raucher nicht mit dem Rauchen anfangen würden, wenn Filme mit Rauchen automatisch ein R-Rating erhalten würden, was 1 Million Leben retten würde.

Zensur

Hollywood-Produzenten versuchen im Allgemeinen, die Zensuranforderungen der chinesischen Regierung einzuhalten , um Zugang zum eingeschränkten und lukrativen Kinomarkt des Landes zu erhalten, der seit 2016 die zweitgrößte Kinokasse der Welt hat. Dazu gehört die Priorisierung sympathischer Darstellungen chinesischer Schriftzeichen Filme, wie die Verwandlung der Schurken in Red Dawn von Chinesen zu Nordkoreanern. Aufgrund vieler in China verbotener Themen, wie Dalai Lama und Winnie-the-Pooh, die in der South Park -Folge „ Band in China “ involviert sind , wurde South Park nach der Ausstrahlung der Folge in China vollständig verboten. Dem Film Christopher Robin aus dem Jahr 2018 , dem neuen Winnie-the-Pooh-Film, wurde eine Veröffentlichung in China verweigert.

Obwohl Tibet früher in Hollywood eine Célèbre war, die in Filmen wie Kundun und Sieben Jahre in Tibet zu sehen war , ist dies im 21. Jahrhundert nicht mehr der Fall. Im Jahr 2016 zog Marvel Entertainment Kritik für seine Entscheidung auf sich, Tilda Swinton als „The Ancient One“ in der Verfilmung Doctor Strange zu besetzen , in der eine weiße Frau eine traditionell tibetische Figur spielte. Der Schauspieler und hochkarätige Tibet-Unterstützer Richard Gere erklärte, er sei nicht länger willkommen, an Mainstream-Hollywood-Filmen teilzunehmen, nachdem er die chinesische Regierung kritisiert und zum Boykott der Olympischen Sommerspiele 2008 in Peking aufgerufen hatte.

Historische Beispiele

Hollywood zensierte auch fast in den 1930er Jahren alle negativen Darstellungen von Nazis selbst, um den Zugang zum deutschen Publikum aufrechtzuerhalten. Etwa zu dieser Zeit führte die Wirtschaftszensur zur Selbstzensur von Inhalten, um der Gruppe zu gefallen, die ihren wirtschaftlichen Einfluss ausübte. Der Hays Code war von 1930 bis 1967 ein von der Industrie geführtes Bemühen um strenge Selbstzensur, um religiöse Einwände gegen bestimmte Inhalte zu besänftigen und jegliche staatliche Zensur abzuwehren, die daraus resultieren könnte.

Globales Hollywood

Das chinesische Theater vor 2007
Ägyptisches Theater Haupteintrag

Die politische Ökonomie der Kommunikationsforscher konzentriert sich seit langem auf die internationale oder globale Präsenz, Macht, Rentabilität und Popularität von Hollywood-Filmen. Bücher über globales Hollywood von Toby Miller und Richard Maxwell, Janet Wasko und Mary Erickson, Kerry Segrave, John Trumpbour und Tanner Mirrlees untersuchen die internationale politische Ökonomie von Hollywoods Macht.

Laut Tanner Mirrlees stützt sich Hollywood auf vier kapitalistische Strategien, „um Nicht-US-Filmproduzenten, -aussteller und -publikum anzuziehen und in seinen Bereich zu integrieren: Eigentum, grenzüberschreitende Produktionen mit untergeordneten Dienstleistern, Content-Lizenzvereinbarungen mit Ausstellern und darauf ausgerichtete Blockbuster Reise um die Welt."

1912 waren amerikanische Filmfirmen weitgehend in den Wettbewerb um den heimischen Markt eingetaucht. Es war schwierig, die große Nachfrage nach Filmen zu befriedigen, die durch den Nickelodeon- Boom entstanden war. Mitglieder der Motion Picture Patents Company wie Edison Studios versuchten auch, die Konkurrenz durch französische, italienische und andere importierte Filme einzuschränken. Der Export von Filmen wurde dann für diese Unternehmen lukrativ. Vitagraph Studios war das erste amerikanische Unternehmen, das eigene Vertriebsbüros in Europa eröffnete und 1906 eine Niederlassung in London und kurz darauf eine zweite Niederlassung in Paris gründete.

Andere amerikanische Unternehmen drängten ebenfalls auf ausländische Märkte, und der amerikanische Vertrieb im Ausland expandierte bis Mitte der 1920er Jahre weiter. Ursprünglich verkaufte ein Großteil der Unternehmen ihre Filme indirekt. Da sie jedoch im Überseehandel unerfahren waren, verkauften sie die ausländischen Rechte an ihren Filmen einfach an ausländische Verleihfirmen oder Exportagenten. Allmählich wurde London zu einem Zentrum für die internationale Verbreitung von US-Filmen.

Viele britische Unternehmen erzielten Gewinne, indem sie als Agenten für dieses Geschäft fungierten, und schwächten dadurch die britische Produktion, indem sie einen großen Teil des britischen Marktes amerikanischen Filmen überließen. Bis 1911 waren ungefähr 60 bis 70 Prozent der nach Großbritannien importierten Filme amerikanisch. Die Vereinigten Staaten schnitten auch in Deutschland, Australien und Neuseeland gut ab.

In jüngerer Zeit, als die Globalisierung zu intensivieren begann und die Regierung der Vereinigten Staaten aktiv Freihandelsprogramme und den Handel mit Kulturprodukten förderte, wurde Hollywood zu einer weltweiten Kulturquelle. Der Erfolg auf den Exportmärkten Hollywoods lässt sich nicht nur an dem Boom amerikanischer multinationaler Medienkonzerne auf der ganzen Welt ablesen, sondern auch an der einzigartigen Fähigkeit, Filme mit großem Budget zu produzieren, die den populären Geschmack in vielen verschiedenen Kulturen überzeugend ansprechen.

Mit der Globalisierung hat sich die Filmproduktion aus mehreren Gründen in Hollywood konzentriert: Die Vereinigten Staaten haben den größten einzelnen Heimatmarkt in Dollar ausgedrückt, unterhaltsame und weithin sichtbare Hollywood-Filme haben eine globale Anziehungskraft, und die Rolle des Englischen als universelle Sprache trägt zum Ausgleich bei höhere Fixkosten der Produktion.

Hollywood ist tiefer in die chinesischen Märkte vorgedrungen, obwohl es von Chinas Zensur beeinflusst wurde. In China gedrehte Filme werden zensiert, Themen wie „Geister, Gewalt, Mord, Horror und Dämonen“ werden strikt vermieden. Solche Handlungselemente laufen Gefahr, gekürzt zu werden. Hollywood musste "genehmigte" Filme machen, die den offiziellen chinesischen Standards entsprechen, aber mit ästhetischen Standards, die den Kassengewinnen geopfert wurden. Sogar das chinesische Publikum fand es langweilig, auf die Veröffentlichung großartiger amerikanischer Filme zu warten, die in ihrer Muttersprache synchronisiert wurden.

Rolle der Frau

Meryl Streep wird als eine der einflussreichsten Frauen Hollywoods bezeichnet und Katharine Hepburn erhielt vier Oscars als beste Hauptdarstellerin – ein Rekord für jede Darstellerin.

Die Repräsentation von Frauen im Film wird fast so lange als Thema betrachtet, wie der Film eine Industrie ist. Die Darstellung von Frauen wurde als abhängig von anderen Charakteren, mütterlichen und häuslichen Figuren kritisiert, die im Vergleich zu unternehmungslustigen und ehrgeizigen männlichen Charakteren zu Hause bleiben, überemotional und auf Jobs mit niedrigem Status beschränkt sind. Damit sind Frauen unterrepräsentiert und werden ständig in Geschlechterstereotype gesteckt und stecken.

Im Zentrum der US-Filmindustrie, Hollywood, sind Frauen in kreativen Positionen statistisch unterrepräsentiert. Diese Unterrepräsentation wurde als „ Zelluloiddecke “ bezeichnet , eine Variante des Begriffs „ Glasdecke “ zur Diskriminierung bei der Beschäftigung . 2013 schafften die „bestbezahlten Schauspieler … 2+12 -mal so viel Geld wie die bestbezahlten Schauspielerinnen.“ „Ältere [männliche] Schauspieler verdienen mehr als ihre weiblichen Gleichgestellten“ im Alter, wobei „weibliche Filmstars im Durchschnitt das meiste Geld pro Film verdienen mit 34 Jahren, während männliche Stars mit 51 am meisten verdienen."

Der 2013 Celluloid Ceiling Report, der vom Center for the Study of Women in Television and Film an der San Diego State University durchgeführt wurde, sammelte eine Liste mit Statistiken von „2.813 Personen, die bei den 250 erfolgreichsten Filmen des Jahres 2012 beschäftigt waren“.

Frauen stellten 2018 nur 36 Prozent der Hauptfiguren im Film dar – ein Rückgang von einem Prozent gegenüber den 37 Prozent im Jahr 2017. 2019 stieg dieser Prozentsatz auf 40 Prozent. Frauen machen 51 Prozent der Kinobesucher aus. In Schlüsselpositionen wie Regisseur und Kameramann dominieren jedoch nach wie vor Männer. Für die Oscar-Nominierungen wurden bisher nur fünf Frauen für die beste Regie nominiert, aber keine hat in den letzten 92 Jahren jemals in dieser Kategorie gewonnen. Während sich die Vertretung der Frauen verbessert hat, gibt es noch viel zu tun in Bezug auf die Vielfalt unter diesen Frauen. Der Anteil schwarzer weiblicher Charaktere stieg von 16 Prozent im Jahr 2017 auf 21 Prozent im Jahr 2018. Der Anteil der Latina-Schauspielerinnen ging jedoch im vergangenen Jahr auf vier Prozent zurück, drei Prozentpunkte weniger als die sieben Prozent, die 2017 erreicht wurden.

Frauen entfielen:

  • „18 % aller Regisseure, ausführenden Produzenten, Produzenten, Autoren, Kameraleute und Redakteure. Dies spiegelt keine Veränderung gegenüber 2011 und nur eine Steigerung von 1 % gegenüber 1998 wider.“
  • "9% aller Direktoren."
  • "15 % der Autoren."
  • "25% aller Produzenten."
  • "20 % aller Redakteure."
  • "2% aller Kameraleute."
  • "38 % der Filme beschäftigten 0 oder 1 Frau in den betrachteten Rollen, 23 % beschäftigten 2 Frauen, 28 % beschäftigten 3 bis 5 Frauen und 10 % beschäftigten 6 bis 9 Frauen."

In einem Artikel der New York Times heißt es, dass nur 15 % der Top-Filme im Jahr 2013 Frauen in einer Hauptrolle hatten. Der Autor der Studie stellte fest, dass "der Prozentsatz der weiblichen Sprechrollen seit den 1940er Jahren, als sie zwischen 25 und 28 Prozent schwankten, nicht viel zugenommen hat". "Seit 1998 ist die Vertretung von Frauen in anderen Rollen hinter den Kulissen als der Regie nur um 1 Prozent gestiegen." Bei den 250 umsatzstärksten Filmen im Jahr 2012 (9 Prozent) führten Frauen „den gleichen Prozentsatz wie 1998“ aus.

Rasse und Ethnizität

Michael Peña war Zeremonienmeister bei der Aufnahme der Farm Worker Movement in die Labour Hall of Fame und der Einweihung des Cesar E. Chavez Memorial Auditorium im US-Arbeitsministerium im März 2012. Während dieser Zeit wurde er für die Besetzung besetzt Cesar Chávez -Film.

Am 10. Mai 2021 kündigte NBC an, die 79. Golden Globe Awards im Jahr 2022 nicht im Fernsehen zu übertragen, um einen Boykott der HFPA durch mehrere Medienunternehmen wegen unzureichender Bemühungen zur Behebung der mangelnden Vertretung der Vielfalt innerhalb der Mitgliedschaft der Vereinigung mit Person zu unterstützen Farbe , aber dass es offen wäre, die Zeremonie im Jahr 2023 im Fernsehen zu übertragen, wenn die HFPA mit ihren Reformbemühungen erfolgreich wäre.

Seit den späten Tagen der Filmindustrie gibt es zahlreiche Zelluloiddarstellungen von irischen Amerikanern. Zu den Filmen mit irisch-amerikanischen Themen gehören Gesellschaftsdramen wie Little Nellie Kelly und The Cardinal , Arbeitsepen wie On the Waterfront und Gangsterfilme wie Angels with Dirty Faces , The Friends of Eddie Coyle und The Departed . Obwohl die klassische Ära des amerikanischen Kinos überwiegend von Kaukasiern vor und hinter der Kamera dominiert wird, haben es Minderheiten und Farbige geschafft, ihre eigenen Wege zu finden, um ihre Filme auf die Leinwand zu bringen.

Das amerikanische Kino hat oft negative Stereotypen gegenüber Ausländern und ethnischen Minderheiten reflektiert und verbreitet . Zum Beispiel werden Russen und russische Amerikaner normalerweise als brutale Gangster, rücksichtslose Agenten und Schurken dargestellt. Laut der russisch-amerikanischen Professorin Nina L. Chruschtschow „kann man nicht einmal den Fernseher einschalten und ins Kino gehen, ohne die Russen als schrecklich zu bezeichnen.“ Italiener und italienische Amerikaner werden normalerweise mit dem organisierten Verbrechen und der Mafia in Verbindung gebracht . Hispanic- und Latino-Amerikaner werden weitgehend als sexualisierte Figuren wie Latino- Machos oder Latina- Füchsinnen , Gangmitglieder , (illegale) Einwanderer oder Entertainer dargestellt . Die Repräsentation in Hollywood hat jedoch in letzter Zeit zugenommen, wovon es in den 1990er Jahren eine spürbare Dynamik erlangte und Unterdrückung, Ausbeutung oder Widerstand nicht als zentrale Themen betont. Laut Ramírez Berg betonen Filme der dritten Welle "keine Unterdrückung oder keinen Widerstand von Chicano ; die ethnische Zugehörigkeit in diesen Filmen existiert als eine Tatsache von mehreren, die das Leben der Charaktere prägen und ihre Persönlichkeit prägen." Filmemacher wie Edward James Olmos und Robert Rodriguez waren in der Lage, die Erfahrung von Hispano- und Lateinamerikanern wie noch nie zuvor auf der Leinwand darzustellen , und Schauspieler wie Hilary Swank , Jordana Brewster , Jessica Alba , Camilla Belle , Al Madrigal , Alexis Bledel , Alexa PenaVega , Ana de Armas und Rachel Zegler sind erfolgreich geworden. In den letzten zehn Jahren haben Filmemacher von Minderheiten wie Chris Weitz , Alfonso Gomez-Rejon und Patricia Riggen Appler-Erzählungen erhalten. Frühe Darstellungen in Filmen von ihnen umfassen La Bamba (1987), Selena (1997), The Mask of Zorro (1998), Goal II (2007), Overboard (2018), Father of the Bride (2022) und Josefina LópezReal Women Have Curves , ursprünglich ein Theaterstück , das 1990 uraufgeführt und später 2002 als Film veröffentlicht wurde.

Die afroamerikanische Repräsentation in Hollywood verbesserte sich gegen Ende des 20. Jahrhunderts nach dem Zusammenbruch des Studiosystems drastisch, da Filmemacher wie Spike Lee und John Singleton in der Lage waren, die afroamerikanische Erfahrung wie kein anderer auf der Leinwand darzustellen, während Schauspieler wie Halle Berry und Will Smith wurden zu äußerst erfolgreichen Kassenschlagern. In den letzten Jahrzehnten haben Filmemacher von Minderheiten wie Ryan Coogler , Ava DuVernay und F. Gary Gray die kreative Herrschaft über große Tentpole-Produktionen erhalten. Im alten Hollywood, als rassistische Vorurteile gesellschaftlich akzeptiert waren, war es nicht ungewöhnlich, dass weiße Schauspieler schwarze Gesichter trugen . In Moonlight wird Männlichkeit als starr und aggressiv dargestellt, inmitten des Verhaltens junger schwarzer Männer in Chirons Teenager-Peergroup. Der Ausdruck von Hyper-Männlichkeit unter schwarzen Männern wurde mit der Akzeptanz und Gemeinschaft unter Gleichaltrigen in Verbindung gebracht. Ein Homosexueller innerhalb der schwarzen Gemeinschaft zu sein, wurde andererseits mit sozialer Entfremdung und homophober Beurteilung durch Gleichaltrige in Verbindung gebracht, weil schwarze schwule Männer als schwach oder verweichlicht angesehen werden. In dem Film wird Chiron als schwarzer schwuler Mann in diese Kluft gestellt und ändert seine Darstellung von Männlichkeit als Strategie, um Spott zu vermeiden, da Homosexualität als unvereinbar mit schwarzen männlichen Erwartungen angesehen wird. Als kleiner Junge verbirgt Kevin seine Sexualität, um nicht wie Chiron herausgegriffen zu werden. Als Chiron älter wird, erkennt er die Notwendigkeit, einem heteronormativen Ideal schwarzer Männlichkeit zu entsprechen, um Missbrauch und Homophobie zu vermeiden. Als Erwachsener entscheidet sich Chiron dafür, die stereotype schwarze männliche Geschlechterleistung anzunehmen, indem er muskulös und ein Drogendealer wird.

Kreuzung der Welt

Laut dem koreanisch-amerikanischen Schauspieler Daniel Dae Kim wurden asiatische und asiatisch-amerikanische Männer „als unergründliche Bösewichte und asexualisierte Art von Eunuchen dargestellt“. Wird als äußerst höflich und umsichtig angesehen. Das Media Action Network for Asian Americans beschuldigte den Regisseur und das Studio, die Besetzung des Films Aloha geschönt zu haben , und Crowe entschuldigte sich dafür, dass Emma Stone als eine Figur falsch besetzt wurde, die zu einem Viertel chinesischer und zu einem Viertel hawaiianischer Abstammung sein soll. Während des gesamten 20. Jahrhunderts gab es relativ wenige Schauspielrollen in Filmen, und viele verfügbare Rollen waren enge Charaktere. In jüngerer Zeit haben junge asiatisch-amerikanische Komiker und Filmemacher auf YouTube eine Plattform gefunden , die es ihnen ermöglicht, eine starke und treue Fangemeinde unter ihren asiatischen Amerikanern aufzubauen. Obwohl der Film Crazy Rich Asians in jüngerer Zeit in den Vereinigten Staaten dafür gelobt wurde, dass er eine überwiegend asiatische Besetzung aufweist, wurde er anderswo dafür kritisiert, dass er gemischtrassige und nichtchinesische Schauspieler als ethnisch chinesische Charaktere besetzte. Ein weiterer Film, Always Be My Maybe , der kürzlich gelobt wurde, nimmt vertraute Rom-Com-Beats und schlaue Schichten intelligenter sozialer Kommentare, um seinen eigenen süßen Groove zu finden“, so Rotten Tomatoes

Vor dem 11. September wurden Araber und arabische Amerikaner oft als Terroristen dargestellt . Die Entscheidung, Naomi Scott , die Tochter eines englischen Vaters und einer ugandisch-indischen Gujarati -Mutter, in dem Aladdin- Film für die Hauptrolle von Prinzessin Jasmine einzustellen , zog ebenfalls Kritik nach sich, ebenso wie Vorwürfe des Kolorismus , wie einige Kommentatoren erwartet hatten Rolle an eine Schauspielerin arabischer oder nahöstlicher Herkunft zu gehen. Im Januar 2018 wurde berichtet, dass weiße Statisten während der Dreharbeiten braunes Make-up aufgetragen haben, um sich „einzufügen“, was bei Fans und Kritikern einen Aufschrei und eine Verurteilung auslöste und die Praxis als „eine Beleidigung für die gesamte Branche“ brandmarkte. während die Produzenten beschuldigt werden, keine Menschen mit nahöstlichem oder nordafrikanischem Erbe einzustellen. Disney antwortete auf die Kontroverse mit den Worten: „Vielfalt unserer Darsteller und Hintergrunddarsteller war eine Voraussetzung und nur in einer Handvoll Fällen, wenn es um Spezialfähigkeiten, Sicherheit und Kontrolle (Spezialeffekt-Rigs, Stunt-Darsteller und Umgang mit Tieren) ging Crew komponiert, um sich einzufügen." Das Feld der amerikanischen Komödie umfasst viele Juden . Zum Vermächtnis gehören auch Songwriter und Autoren, zum Beispiel der Autor des Songs „Viva Las Vegas“ Doc Pomus oder Billy the Kid-Komponist Aaron Copland. Viele Juden standen an vorderster Front in Frauenfragen.

Im 20. Jahrhundert wurden frühe Darstellungen von amerikanischen Ureinwohnern in Filmen und Fernsehrollen erstmals von europäischen Amerikanern in Schein-Traditionskleidung aufgeführt. Beispiele waren The Last of the Mohicans (1920), Hawkeye and the Last of the Mohicans (1957) und F Troop (1965–67). In späteren Jahrzehnten wurden indianische Schauspieler wie Jay Silverheels in der Fernsehserie The Lone Ranger (1949–57) bekannt. Die Rollen der amerikanischen Ureinwohner waren begrenzt und spiegelten nicht die Kultur der amerikanischen Ureinwohner wider. In den 1970er Jahren zeigten einige Filmrollen der amerikanischen Ureinwohner zunehmende Komplexität, wie die in Little Big Man (1970), Billy Jack (1971) und The Outlaw Josey Wales (1976), in denen amerikanische Ureinwohner in Nebenrollen dargestellt wurden.

Arbeitsbedingungen

Hollywoods Arbeitsablauf ist insofern einzigartig, als ein Großteil seiner Belegschaft nicht jeden Tag in der gleichen Fabrik arbeitet und nicht jeden Tag der gleichen Routine folgt, sondern an entfernten Orten auf der ganzen Welt filmt, wobei ein Zeitplan von den Szenen vorgegeben wird gefilmt und nicht das, was für die Produktivität am sinnvollsten ist. Zum Beispiel würde ein urbaner Film, der ausschließlich nachts vor Ort gedreht wird, erfordern, dass der Großteil seiner Crews eine Friedhofsschicht arbeitet, während eine situative Comedy-Serie, die hauptsächlich auf der Bühne dreht und nur ein oder zwei Tage pro Woche vor Ort ist, einem traditionelleren folgen würde Arbeitsplan. Western werden oft an Orten in der Wüste gedreht, die weit von den Häusern der Crew entfernt sind, in Gebieten mit begrenzten Hotels, die lange Fahrten vor und nach einem Drehtag erfordern, die so viele verfügbare Sonnenstunden nutzen, dass die Arbeiter letztendlich 16 oder 17 Stunden einplanen müssen Stunden am Tag vom Verlassen des Hauses bis zur Rückkehr.

Während die Rolle der Arbeiterschaft in Amerika in vielen Teilen des Landes abgenommen hat, haben die Gewerkschaften Hollywood seit ihrem Start während der Weltwirtschaftskrise fest im Griff , als Arbeiter vor den blühenden Filmstudios Schlange standen und nach dem einzigen Job in der Stadt suchten. Diese Arbeiter erwarteten schreckliche Bedingungen, da die Studios die eifrigen Arbeitskräfte mit mageren Löhnen und der allgegenwärtigen Bedrohung durch Hunderte von anderen ausbeuteten, die direkt vor den Toren warteten, um ihren Platz einzunehmen, falls sie sich beschwerten.

Aufgrund der Gelegenheitsbeschäftigung in Hollywood können einzelne Arbeitnehmer ihre Rechte auf Mindestlohngarantien und Zugang zu Renten- und Gesundheitsplänen, die von Film zu Film oder von Fernsehserie zu Fernsehserie übertragen werden, nur durch Tarifverhandlungen zum Ausdruck bringen und den Studios anbieten Zugang zu geschultem Personal, das in der Lage ist, vom ersten Tag an ein Set zu betreten, mit dem Wissen und der Erfahrung, um mit der hochtechnischen Ausrüstung umzugehen, die sie bedienen sollen.

Die Mehrheit der Arbeiter in Hollywood wird von mehreren Gewerkschaften und Gilden vertreten. Die 150.000 Mitglieder starke International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) vertritt die meisten Handwerksberufe , wie z. B. die Griffe, Elektriker und Kameraleute, aber auch Redakteure, Tontechniker und Haar- und Maskenbildner. Die Screen Actors Guild (SAG) ist die nächstgrößere Gruppe, die rund 130.000 Schauspieler und Darsteller vertritt, die Directors Guild of America (DGA) vertritt die Regisseure und Produktionsleiter, die Writers Guild of America (WGA) vertritt die Autoren und die International Brotherhood of Teamsters (IBT) vertritt die Fahrer.

Die Gewerkschaften und Gilden dienen als Tarifverhandlungseinheit für ihre Mitgliedschaft und verhandeln in regelmäßigen Abständen (derzeit meist über 3-Jahres-Verträge) mit der Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), einem Handelsbündnis, das die Filmstudios und Fernsehsender vertritt Stellen Sie die Crews ein, um ihre Inhalte zu erstellen.

Während die Beziehung zwischen Arbeitnehmern und Management im Laufe der Jahre im Allgemeinen freundschaftlich war, die Zusammenarbeit mit dem Staat, um sichere Protokolle zu entwickeln, um während Covid-19 weiterzuarbeiten, und die gemeinsame Lobbyarbeit zugunsten von Steueranreizen , sind Vertragsverhandlungen bekanntermaßen strittig über Änderungen in der Industrie und als Antwort auf die steigende Einkommensungleichheit . Die Beziehung wurde 1945 sogar blutig , als sich ein sechsmonatiger Streik der Bühnenbildner an einem schwülheißen Oktobertag in einen blutigen Nahkampf zwischen Streikenden, Streikbrechern und Studiosicherheit verwandelte.

Siehe auch

Allgemein

Verweise

Anmerkungen

Weiterlesen

  • Hallett, Hilary A. Geht nach Westen, junge Frauen! Der Aufstieg des frühen Hollywood . Berkeley, Kalifornien: University of California Press, 2013.
  • Ragan, David. Wer ist wer in Hollywood, 1900–1976 ? New Rochelle, NY: Arlington House, 1976. Ich dachte daran

Externe Links