Klassik (Musik) -Classical period (music)

Wolfgang Amadeus Mozart (am Klavier sitzend)

Die klassische Periode war eine Ära der klassischen Musik zwischen etwa 1730 und 1820.

Die Klassik liegt zwischen Barock und Romantik . Klassische Musik hat eine leichtere, klarere Textur als Barockmusik, aber eine raffiniertere Verwendung der Form. Es ist hauptsächlich homophon und verwendet eine klare Melodielinie über einer untergeordneten Akkordbegleitung , aber der Kontrapunkt wurde keineswegs vergessen, insbesondere in der liturgischen Vokalmusik und später in der Zeit der weltlichen Instrumentalmusik. Es bedient sich auch des Stils Galant , der anstelle der würdevollen Ernsthaftigkeit und beeindruckenden Erhabenheit des Barocks die leichte Eleganz betonte. Vielfalt und Kontrast innerhalb eines Stücks wurden ausgeprägter als zuvor, und das Orchester nahm an Größe, Reichweite und Kraft zu.

Das Cembalo wurde als Haupttasteninstrument durch das Klavier (oder Fortepiano ) ersetzt. Im Gegensatz zum Cembalo, das die Saiten mit Federkielen zupft, schlagen Klaviere die Saiten beim Drücken der Tasten mit lederbezogenen Hämmern an, was es dem Spieler ermöglicht, lauter oder leiser zu spielen (daher der ursprüngliche Name „fortepiano“, wörtlich „laut weich“) und spielen Sie mit mehr Ausdruck; Im Gegensatz dazu ändert die Kraft, mit der ein Spieler die Cembalotasten spielt, den Klang nicht. Instrumentalmusik wurde von Komponisten der klassischen Periode als wichtig angesehen. Die Hauptarten der Instrumentalmusik waren die Sonate , das Trio , das Streichquartett , das Quintett , die Symphonie (aufgeführt von einem Orchester) und das Solokonzert , bei dem ein virtuoser Solist ein Solowerk für Violine, Klavier, Flöte oder ein anderes Instrument spielte. begleitet von einem Orchester. Vokalmusik wie Lieder für Sänger und Klavier (insbesondere das Werk von Schubert), Chorwerke und Oper (ein inszeniertes dramatisches Werk für Sänger und Orchester) waren in dieser Zeit ebenfalls wichtig.

Die bekanntesten Komponisten aus dieser Zeit sind Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven und Franz Schubert ; andere bemerkenswerte Namen sind Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Michael Haydn , Giovanni Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johann Georg Albrechtsberger , Mauro Giuliani , Christian Cannabich und der Chevalier de Saint-Georges . Beethoven gilt entweder als Komponist der Romantik oder als Komponist der Klassik, der Teil des Übergangs zur Romantik war. Schubert ist ebenso eine Übergangsfigur wie Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek und Niccolò Paganini . Die Zeit wird manchmal auch als Ära der Wiener Klassik bezeichnet , da Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven und Schubert alle in Wien wirkten .

Klassizismus

Mitte des 18. Jahrhunderts begann sich Europa in Richtung eines neuen Stils in Architektur , Literatur und Kunst zu bewegen, der allgemein als Klassizismus bekannt ist . Dieser Stil versuchte, die Ideale der klassischen Antike nachzuahmen , insbesondere die des klassischen Griechenlands . Klassische Musik verwendete Formalität und Betonung von Ordnung und Hierarchie und einen "klareren", "saubereren" Stil, der klarere Unterteilungen zwischen den Teilen (insbesondere eine klare, einzelne Melodie, begleitet von Akkorden), hellere Kontraste und "Klangfarben" (erreicht durch die Verwendung dynamischer Änderungen und Modulationen auf mehr Tonarten). Im Gegensatz zur vielschichtigen Musik des Barock bewegte sich die klassische Musik in Richtung Einfachheit statt Komplexität. Darüber hinaus begann die typische Größe von Orchestern zuzunehmen, was den Orchestern einen kraftvolleren Klang verlieh.

Die bemerkenswerte Ideenentwicklung der „ Naturphilosophie “ hatte sich bereits im öffentlichen Bewusstsein etabliert. Insbesondere wurde Newtons Physik als Paradigma genommen: Strukturen sollten gut in Axiomen begründet und sowohl gut artikuliert als auch geordnet sein. Dieser Geschmack für strukturelle Klarheit begann sich auf die Musik auszuwirken, die sich von der geschichteten Polyphonie des Barock zu einem als Homophonie bekannten Stil bewegte , bei dem die Melodie über einer untergeordneten Harmonie gespielt wird . Dieser Schritt bedeutete, dass Akkorde zu einem viel vorherrschenderen Merkmal der Musik wurden, auch wenn sie die melodische Geschmeidigkeit eines einzelnen Teils unterbrachen. Dadurch wurde die tonale Struktur eines Musikstücks hörbarer .

Der neue Stil wurde auch durch Veränderungen in der Wirtschaftsordnung und der sozialen Struktur gefördert. Im Laufe des 18. Jahrhunderts wurde der Adel zum Hauptförderer der Instrumentalmusik, während der Publikumsgeschmack zunehmend leichtere, lustige komische Opern bevorzugte . Dies führte zu Veränderungen in der Art und Weise, wie Musik aufgeführt wurde, von denen die wichtigste die Umstellung auf Standard-Instrumentalgruppen und die Verringerung der Bedeutung des Continuo war – der rhythmischen und harmonischen Grundlage eines Musikstücks, das normalerweise von einem Keyboard gespielt wird ( Cembalo oder Orgel ) und normalerweise von einer abwechslungsreichen Gruppe von Bassinstrumenten begleitet, darunter Cello , Kontrabass , Bassgambe und Theorbe . Eine Möglichkeit , den Niedergang des Continuo und seiner bezifferten Akkorde nachzuvollziehen , besteht darin , das Verschwinden des Begriffs obbligato zu untersuchen , der eine obligatorische Instrumentalstimme in einem Kammermusikwerk bedeutet . In barocken Kompositionen könnten der Continuo-Gruppe je nach Präferenz der Gruppe oder des Leiters zusätzliche Instrumente hinzugefügt werden; In klassischen Kompositionen wurden alle Teile speziell notiert, wenn auch nicht immer notiert , sodass der Begriff "obligato" überflüssig wurde. Um 1800 war Basso continuo praktisch ausgestorben, abgesehen von der gelegentlichen Verwendung eines Pfeifenorgel- Continuo-Parts in einer religiösen Messe im frühen 19. Jahrhundert.

Wirtschaftliche Veränderungen wirkten sich auch auf das Gleichgewicht zwischen Verfügbarkeit und Qualität von Musikern aus. Während im Spätbarock ein bedeutender Komponist über die gesamten musikalischen Ressourcen einer Stadt verfügen konnte, waren die musikalischen Kräfte eines adeligen Jagdschlosses oder eines kleinen Hofes kleiner und in ihrem Niveau fester. Dies war ein Ansporn, einfachere Parts für Ensemblemusiker zu spielen, und im Fall einer ansässigen Virtuosengruppe ein Ansporn, spektakuläre, idiomatische Parts für bestimmte Instrumente zu schreiben, wie im Fall des Mannheimer Orchesters , oder virtuose Soloparts für besonders begabte Geiger oder Flötisten. Darüber hinaus wurde der Appetit des Publikums auf eine kontinuierliche Versorgung mit neuer Musik aus dem Barock übernommen. Das bedeutete, dass Werke bestenfalls mit ein oder zwei Proben aufführbar sein mussten. Auch nach 1790 schreibt Mozart von „der Probe“, mit der Implikation, dass seine Konzerte nur eine Probe hätten.

Da eine einzelne melodische Linie stärker betont wurde, lag der Schwerpunkt mehr darauf, diese Linie für Dynamik und Phrasierung zu notieren. Dies steht im Gegensatz zur Barockzeit, als Melodien typischerweise ohne Dynamik, Phrasierungszeichen oder Verzierungen geschrieben wurden, da angenommen wurde, dass der Interpret diese Elemente an Ort und Stelle improvisieren würde. In der Klassik wurde es für Komponisten immer üblicher, anzugeben, wo Interpreten Verzierungen wie Triller oder Wendungen spielen sollten. Die Vereinfachung der Textur machte solche instrumentalen Details wichtiger und machte auch die Verwendung charakteristischer Rhythmen wie aufmerksamkeitsstarke Eröffnungsfanfaren, den Trauermarschrhythmus oder das Menuett-Genre wichtiger, um den Ton eines einzelnen Satzes zu etablieren und zu vereinheitlichen .

Die klassische Periode sah auch die allmähliche Entwicklung der Sonatenform , einer Reihe von Strukturprinzipien für Musik, die die klassische Vorliebe für melodisches Material mit harmonischer Entwicklung in Einklang brachten, die über Musikgenres hinweg angewendet werden konnte. Die Sonate selbst blieb weiterhin die Hauptform für Solo- und Kammermusik, während später in der Klassik das Streichquartett zu einer herausragenden Gattung wurde. In dieser Zeit entstand die Symphonieform für Orchester (diese wird im Volksmund Joseph Haydn zugeschrieben ). Das Concerto grosso (ein Konzert für mehr als einen Musiker), eine sehr beliebte Form im Barock, wurde allmählich durch das Solokonzert mit nur einem Solisten ersetzt. Komponisten begannen, mehr Wert auf die Fähigkeit des jeweiligen Solisten zu legen, virtuose Fähigkeiten mit herausfordernden, schnellen Skalen- und Arpeggio-Läufen zu demonstrieren. Trotzdem blieben einige Concerti grossi übrig, von denen das berühmteste Mozarts Sinfonia Concertante für Violine und Bratsche in Es-Dur war .

Ein modernes Streichquartett. In den 2000er Jahren bilden Streichquartette der Klassik den Kern der Kammermusikliteratur. Von links nach rechts: Violine 1, Violine 2, Cello, Viola

Hauptmerkmale

In der klassischen Periode besteht das Thema aus Phrasen mit kontrastierenden melodischen Figuren und Rhythmen . Diese Phrasen sind relativ kurz, normalerweise vier Takte lang, und können gelegentlich spärlich oder knapp erscheinen. Die Textur ist hauptsächlich homophon , mit einer klaren Melodie über einer untergeordneten Akkordbegleitung , zum Beispiel einem Alberti-Bass . Dies steht im Gegensatz zur Praxis in der Barockmusik , wo ein Stück oder Satz typischerweise nur ein musikalisches Thema hat, das dann in mehreren Stimmen gemäß den Prinzipien des Kontrapunkts ausgearbeitet wird , während ein konsistenter Rhythmus oder Metrum durchgehend beibehalten wird. Infolgedessen hat die klassische Musik tendenziell eine leichtere und klarere Textur als der Barock. Der klassische Stil lehnt sich an den Stil galant an, einen Musikstil, der anstelle der würdevollen Ernsthaftigkeit und beeindruckenden Erhabenheit des Barocks die leichte Eleganz betonte.

Strukturell hat klassische Musik im Allgemeinen eine klare musikalische Form mit einem gut definierten Kontrast zwischen Tonika und Dominante , der durch klare Kadenzen eingeleitet wird . Dynamik wird verwendet, um die strukturellen Eigenschaften des Stücks hervorzuheben. Insbesondere die Sonatenform und ihre Varianten wurden in der frühen Klassik entwickelt und häufig verwendet. Der klassische Ansatz zur Struktur steht wiederum im Gegensatz zum Barock, wo sich eine Komposition normalerweise zwischen Tonika und Dominante und wieder zurück bewegt, aber durch einen kontinuierlichen Fortschritt von Akkordwechseln und ohne ein Gefühl der "Ankunft" in der neuen Tonart. Während der Kontrapunkt in der klassischen Periode weniger betont wurde, wurde er keineswegs vergessen, besonders später in der Periode, und Komponisten verwendeten den Kontrapunkt immer noch in "ernsten" Werken wie Sinfonien und Streichquartetten sowie in religiösen Stücken wie Messen.

Der klassische Musikstil wurde durch technische Entwicklungen bei Instrumenten unterstützt. Die weitverbreitete Übernahme der gleichschwebenden Stimmung machte die klassische musikalische Struktur möglich, indem sichergestellt wurde, dass Kadenzen in allen Tonarten ähnlich klangen. Das Fortepiano und dann das Pianoforte ersetzten das Cembalo und ermöglichten dynamischere Kontraste und nachhaltigere Melodien. Im Laufe der Klassik wurden Tasteninstrumente reichhaltiger, klangvoller und kraftvoller.

Das Orchester nahm an Größe und Reichweite zu und wurde standardisierter. Die Cembalo- oder Pfeifenorgel - Basso-Continuo - Rolle im Orchester wurde zwischen 1750 und 1775 nicht mehr verwendet, wodurch die Streichergruppe Holzbläser zu einer eigenständigen Gruppe wurde, die aus Klarinetten , Oboen , Flöten und Fagotten bestand .

Während Vokalmusik wie die komische Oper beliebt war, wurde der Instrumentalmusik große Bedeutung beigemessen. Die Hauptarten der Instrumentalmusik waren Sonate , Trio , Streichquartett , Quintett , Symphonie , Konzert (normalerweise für ein virtuoses Soloinstrument, begleitet von Orchester) und leichte Stücke wie Serenaden und Divertimentos . Die Sonatenform entwickelte sich und wurde zur wichtigsten Form. Es wurde verwendet, um den ersten Satz der meisten großangelegten Werke in Sinfonien und Streichquartetten aufzubauen . Die Sonatenform wurde auch in anderen Sätzen und in einzelnen, eigenständigen Stücken wie Ouvertüren verwendet .

Geschichte

Übergang Barock/Klassik c. 1730–1760

Gluck, Detail eines Porträts von Joseph Duplessis , datiert 1775 ( Kunsthistorisches Museum , Wien)

In seinem Buch The Classical Style behauptet der Autor und Pianist Charles Rosen , dass Komponisten von 1755 bis 1775 nach einem neuen Stil suchten, der effektiver dramatisch war. In der Zeit des Hochbarock beschränkte sich der dramatische Ausdruck auf die Darstellung individueller Affekte (die "Lehre der Neigungen" oder was Rosen "dramatisches Gefühl" nennt). Zum Beispiel gibt der Komponist in Händels Oratorium Jephtha im Quartett „O, spare your daughter“ vier Emotionen separat wieder, eine für jede Figur. Schließlich wurde diese Darstellung individueller Emotionen als simpel und unrealistisch angesehen; Komponisten versuchten, mehrere Emotionen gleichzeitig oder nacheinander innerhalb einer einzigen Figur oder Bewegung ("dramatische Handlung") darzustellen. So bewegen sich die Liebenden im Finale des 2. Aktes von Mozarts Die Entführung aus dem Serail „von Freude über Argwohn und Empörung bis zur endgültigen Versöhnung“.

Musikalisch erforderte diese „dramatische Aktion“ mehr musikalische Abwechslung. Während sich die Barockmusik durch einen nahtlosen Fluss innerhalb einzelner Sätze und weitgehend einheitliche Texturen auszeichnete, versuchten Komponisten nach dem Hochbarock, diesen Fluss durch abrupte Änderungen in Textur, Dynamik, Harmonie oder Tempo zu unterbrechen. Unter den stilistischen Entwicklungen, die dem Hochbarock folgten, wurde die dramatischste als Empfindsamkeit bezeichnet , und ihr bekanntester Vertreter war Carl Philipp Emanuel Bach . Komponisten dieses Stils verwendeten die oben diskutierten Unterbrechungen auf die abrupteste Weise, und die Musik kann manchmal unlogisch klingen. Der italienische Komponist Domenico Scarlatti führte diese Entwicklungen weiter. Seine mehr als 500 einsätzigen Sonaten für Klavier enthalten auch abrupte Texturwechsel, aber diese Wechsel sind in Perioden organisiert, ausgewogene Phrasen, die zu einem Markenzeichen des klassischen Stils wurden. Allerdings klingen Scarlattis Änderungen in der Textur immer noch plötzlich und unvorbereitet. Die herausragende Leistung der großen klassischen Komponisten (Haydn, Mozart und Beethoven) war ihre Fähigkeit, diese dramatischen Überraschungen logisch motiviert klingen zu lassen, so dass "das Expressive und das Elegante Hand in Hand gehen konnten".

Zwischen dem Tod von JS Bach und der Reife von Haydn und Mozart (ungefähr 1750–1770) experimentierten Komponisten mit diesen neuen Ideen, die in der Musik von Bachs Söhnen zu sehen sind. Johann Christian entwickelte einen Stil, den wir heute Roccoco nennen , der einfachere Texturen und Harmonien umfasste und der „charmant, undramatisch und ein wenig leer“ war. Wie bereits erwähnt, versuchte Carl Philipp Emmanuel, die Dramatik zu steigern, und seine Musik war „gewalttätig, ausdrucksstark, brillant, immer wieder überraschend und oft zusammenhanglos“. Und schließlich erweiterte Wilhelm Friedemann, der älteste Sohn JS Bachs, barocke Traditionen auf idiomatische, unkonventionelle Weise.

Zunächst übernahm der neue Stil barocke Formen – die ternäre Da-Capo-Arie , die Sinfonia und das Konzert –, komponierte jedoch mit einfacheren Stimmen, mehr notierten Verzierungen und nicht mit den im Barock üblichen improvisierten Verzierungen und einer nachdrücklicheren Aufteilung Stücke in Abschnitte. Im Laufe der Zeit führte die neue Ästhetik jedoch zu radikalen Veränderungen in der Zusammenstellung der Teile und zu einer Änderung der grundlegenden formalen Layouts. Komponisten aus dieser Zeit suchten nach dramatischen Effekten, markanten Melodien und klareren Texturen. Eine der großen strukturellen Änderungen war eine Abkehr vom komplexen, dichten polyphonen Stil des Barock, in dem mehrere ineinander verwobene Melodielinien gleichzeitig gespielt wurden, und hin zur Homophonie , einer leichteren Textur, die eine klare einzelne Melodielinie verwendet, die von Akkorden begleitet wird.

Barockmusik verwendet im Allgemeinen viele harmonische Fantasien und polyphone Abschnitte, die sich weniger auf die Struktur des Musikstücks konzentrieren, und es wurde weniger Wert auf klare musikalische Phrasen gelegt. In der Klassik wurden die Harmonien einfacher. Die Struktur des Stücks, die Phrasen und kleine melodische oder rhythmische Motive, wurden jedoch viel wichtiger als in der Barockzeit.

Muzio Clementis Sonate in g-Moll, Nr. 3, Op. 50, "Didone abbandonata", Adagio-Satz

Ein weiterer wichtiger Bruch mit der Vergangenheit war die radikale Überarbeitung der Oper durch Christoph Willibald Gluck , der einen großen Teil der Schichtung und Improvisationsornamente abbaute und sich auf die Punkte der Modulation und des Übergangs konzentrierte. Indem er diese Momente, in denen sich die Harmonie ändert, stärker in den Mittelpunkt rückte, ermöglichte er kraftvolle dramatische Verschiebungen in der emotionalen Farbe der Musik. Um diese Übergänge hervorzuheben, verwendete er Änderungen in der Instrumentierung ( Orchestrierung ), Melodie und Modus . Als einer der erfolgreichsten Komponisten seiner Zeit brachte Gluck viele Nachahmer hervor, darunter Antonio Salieri . Ihre Betonung der Zugänglichkeit brachte große Erfolge in der Oper und in anderer Vokalmusik wie Liedern, Oratorien und Chören. Diese galten als die wichtigsten Musikarten für Aufführungen und erfreuten sich daher größter öffentlicher Erfolge.

Die Phase zwischen Barock und dem Aufkommen der Klassik (um 1730) war die Heimat verschiedener konkurrierender Musikstile. Die Vielfalt der künstlerischen Wege wird durch die Söhne Johann Sebastian Bachs repräsentiert : Wilhelm Friedemann Bach , der die barocke Tradition auf persönliche Weise fortsetzte; Johann Christian Bach , der barocke Texturen vereinfachte und Mozart am deutlichsten beeinflusste; und Carl Philipp Emanuel Bach , der leidenschaftliche und manchmal heftig exzentrische Musik der Empfindsamkeitsbewegung komponierte . Die Musikkultur stand an einem Scheideweg: Die Meister des alten Stils hatten die Technik, aber das Publikum hungerte nach dem Neuen. Auch deshalb genoss CPE Bach ein so hohes Ansehen: Er verstand die älteren Formen recht gut und verstand es, sie in neuem Gewand und mit gesteigerter Formenvielfalt zu präsentieren.

1750–1775

Haydn-Porträt von Thomas Hardy , 1792

In den späten 1750er Jahren gab es blühende Zentren des neuen Stils in Italien, Wien, Mannheim und Paris; Dutzende Symphonien wurden komponiert und es gab Bands von Musikern, die mit Musiktheatern in Verbindung gebracht wurden. Oper oder andere von Orchester begleitete Vokalmusik war das Merkmal der meisten musikalischen Veranstaltungen, wobei Konzerte und Symphonien (die aus der Ouvertüre hervorgingen ) als instrumentale Zwischenspiele und Einleitungen für Opern und Gottesdienste dienten. Im Laufe der Klassik entwickelten sich Symphonien und Konzerte, die unabhängig von der Vokalmusik präsentiert wurden.

Mozart schrieb eine Reihe von Divertimentos, leichte Instrumentalstücke, die der Unterhaltung dienen sollten. Dies ist der 2. Satz seines Divertimento in Es-Dur, KV 113.

Das „normale“ Orchesterensemble – ein durch Bläser ergänztes Streicherensemble – und Sätze mit besonderem rhythmischem Charakter wurden Ende der 1750er Jahre in Wien etabliert. Die Länge und das Gewicht der Stücke waren jedoch immer noch mit einigen barocken Merkmalen festgelegt: Einzelne Sätze konzentrierten sich immer noch auf einen "Affekt" (musikalische Stimmung) oder hatten nur einen stark kontrastierenden Mittelteil, und ihre Länge war nicht wesentlich größer als die barocker Sätze. Es gab noch keine klar formulierte Theorie, wie man im neuen Stil komponieren sollte. Es war ein Moment, reif für einen Durchbruch.

Der erste große Meister dieses Stils war der Komponist Joseph Haydn . In den späten 1750er Jahren begann er Symphonien zu komponieren, und bis 1761 hatte er ein Triptychon ( Morgen , Mittag und Abend ) ganz im zeitgenössischen Modus komponiert. Als Vizekapellmeister und später Kapellmeister erweiterte sich sein Schaffen: Allein in den 1760er Jahren komponierte er über vierzig Symphonien. Und während sein Ruhm wuchs, sein Orchester erweitert und seine Kompositionen kopiert und verbreitet wurden, war seine Stimme nur eine unter vielen.

Während einige Gelehrte vermuten, dass Haydn von Mozart und Beethoven überschattet wurde, wäre es schwierig, Haydns zentrale Bedeutung für den neuen Stil und damit für die Zukunft der westlichen Kunstmusik als Ganzes zu übertreiben. Zu dieser Zeit, vor der Vorherrschaft von Mozart oder Beethoven, und mit Johann Sebastian Bach, der hauptsächlich Kennern der Tastenmusik bekannt war, erreichte Haydn einen Platz in der Musik, der ihn über alle anderen Komponisten stellte, außer vielleicht Georg Friedrich Händel aus der Barockzeit . Haydn übernahm bestehende Ideen und veränderte ihre Funktionsweise radikal – was ihm die Titel „Vater der Symphonie “ und „Vater des Streichquartetts “ einbrachte.

Eine der Antriebskräfte für sein Vorwärtsdrängen war die erste Regung dessen, was später als Romantik bezeichnet wurde – die Sturm-und-Drang- oder „Sturm- und Drang “-Phase in der Kunst, eine kurze Periode, in der offensichtliche und dramatische Emotionalität herrschte eine stilistische Vorliebe. Dementsprechend wollte Haydn dramatischere Kontraste und emotional ansprechendere Melodien mit geschärftem Charakter und Individualität in seinen Stücken. Diese Periode verblasste in Musik und Literatur, beeinflusste jedoch das, was danach kam, und wurde schließlich Bestandteil des ästhetischen Geschmacks späterer Jahrzehnte.

Die Abschiedssymphonie Nr. 45 in f♯ -Moll verdeutlicht Haydns Integration der unterschiedlichen Anforderungen des neuen Stils mit überraschend scharfen Wendungen und einem langen langsamen Adagio zum Abschluss des Werks. 1772 vollendete Haydn seine sechs Streichquartette aus Opus 20, in denen er die polyphonen Techniken verwendete, die er aus der vorangegangenen Barockzeit gesammelt hatte, um eine strukturelle Kohärenz zu schaffen, die in der Lage war, seine melodischen Ideen zusammenzuhalten. Für einige markiert dies den Beginn des "reifen" klassischen Stils, in dem die Zeit der Reaktion auf die spätbarocke Komplexität einer Zeit der Integration barocker und klassischer Elemente Platz machte.

1775–1790

Wolfgang Amadeus Mozart, posthumes Gemälde von Barbara Krafft aus dem Jahr 1819

Haydn, der über ein Jahrzehnt als Musikdirektor eines Fürsten gearbeitet hatte, hatte weitaus mehr Ressourcen und Spielraum für das Komponieren als die meisten anderen Komponisten. Seine Position gab ihm auch die Möglichkeit, die Kräfte zu formen, die seine Musik spielen würden, da er qualifizierte Musiker auswählen konnte. Diese Gelegenheit wurde nicht vertan, da Haydn, der schon recht früh in seiner Karriere begann, versuchte, die Technik des Aufbaus und der Entwicklung von Ideen in seiner Musik voranzutreiben. Sein nächster wichtiger Durchbruch war in den Streichquartetten Opus 33 (1781), in denen die melodischen und die harmonischen Rollen zwischen den Instrumenten wechseln: Oft ist momentan unklar, was Melodie und was Harmonie ist. Dadurch verändert sich die Arbeitsweise des Ensembles zwischen dramatischen Übergangsmomenten und Höhepunkten: Die Musik fließt fließend und ohne erkennbare Unterbrechung. Dann nahm er diesen integrierten Stil und begann ihn auf Orchester- und Vokalmusik anzuwenden.

Die Eröffnungstakte der Arie des Commendatore in Mozarts Oper Don Giovanni . Das Orchester beginnt mit einem dissonanten verminderten Septakkord (G# dim7 mit einem H im Bass) und bewegt sich zu einem dominanten Septakkord (A7 mit einem C# im Bass), bevor es sich beim Auftritt des Sängers zum Tonika -Akkord (d-Moll) auflöst.

Haydns Begabung zur Musik war eine Art zu komponieren, eine Art, Werke zu strukturieren, die zugleich der maßgeblichen Ästhetik des neuen Stils entsprach. Ein jüngerer Zeitgenosse, Wolfgang Amadeus Mozart , brachte jedoch sein Genie in Haydns Ideen ein und wandte sie auf zwei der wichtigsten Genres der Zeit an: die Oper und das Virtuosenkonzert. Während Haydn einen Großteil seines Berufslebens als Hofkomponist verbrachte, wollte Mozart den öffentlichen Erfolg im Konzertleben der Städte und spielte für die breite Öffentlichkeit. Das bedeutete, dass er Opern schreiben und virtuose Stücke schreiben und aufführen musste. Haydn war kein Virtuose auf internationaler Tourneeebene; Er strebte auch nicht danach, Opernwerke zu schaffen, die viele Nächte lang vor einem großen Publikum gespielt werden könnten. Mozart wollte beides erreichen. Darüber hinaus hatte Mozart auch eine Vorliebe für mehr chromatische Akkorde (und größere Kontraste in der harmonischen Sprache im Allgemeinen), eine größere Vorliebe für die Schaffung einer Fülle von Melodien in einem einzigen Werk und eine italienischere Sensibilität in der Musik als Ganzes. Er fand in Haydns Musik und später in seinem Studium der Polyphonie von JS Bach Mittel, um seine künstlerische Begabung zu disziplinieren und zu bereichern.

Die Familie Mozart c. 1780. Das Porträt an der Wand zeigt Mozarts Mutter.

Mozart erregte schnell die Aufmerksamkeit von Haydn, der den neuen Komponisten begrüßte, seine Werke studierte und den jüngeren Mann als seinen einzig wahren musikalischen Kollegen betrachtete. Bei Mozart fand Haydn eine größere Auswahl an Instrumenten, dramatischen Effekten und melodischen Ressourcen. Die Lernbeziehung bewegte sich in beide Richtungen. Auch Mozart hatte großen Respekt vor dem älteren, erfahreneren Komponisten und wollte von ihm lernen.

Mozarts Ankunft in Wien im Jahr 1780 brachte eine Beschleunigung in der Entwicklung des klassischen Stils. Dort nahm Mozart die Verschmelzung von italienischer Brillanz und germanischer Geschlossenheit auf, die sich in den letzten 20 Jahren zusammengebraut hatte. Seine eigene Vorliebe für auffällige Brillanz, rhythmisch komplexe Melodien und Figuren, lange Kantilenenmelodien und virtuose Schnörkel verband sich mit einer Wertschätzung für formale Kohärenz und innere Verbundenheit. An diesem Punkt stoppten Krieg und wirtschaftliche Inflation den Trend zu größeren Orchestern und erzwangen die Auflösung oder Reduzierung vieler Theaterorchester. Dies drückte den klassischen Stil nach innen: zur Suche nach größeren Ensembles und technischen Herausforderungen – zum Beispiel das Verteilen der Melodie über Holzbläser oder die Verwendung einer in Terzen harmonisierten Melodie. Dieser Prozess legte großen Wert auf Musik in kleinen Ensembles, Kammermusik genannt. Es führte auch zu einem Trend zu mehr öffentlichen Auftritten, was dem Streichquartett und anderen kleinen Ensembles einen weiteren Schub gab.

In diesem Jahrzehnt begann der öffentliche Geschmack zunehmend anzuerkennen, dass Haydn und Mozart ein hohes kompositorisches Niveau erreicht hatten. Als Mozart 1781 im Alter von 25 Jahren ankam, waren die vorherrschenden Stile Wiens erkennbar mit der Entstehung des frühen klassischen Stils in den 1750er Jahren verbunden. Ende der 1780er Jahre hatten sich Veränderungen in der Aufführungspraxis , dem relativen Stellenwert von Instrumental- und Vokalmusik, technischen Anforderungen an Musiker und stilistischer Einheitlichkeit bei den Komponisten etabliert, die Mozart und Haydn nachahmten. In diesem Jahrzehnt komponierte Mozart seine berühmtesten Opern, seine sechs späten Symphonien, die dazu beitrugen, das Genre neu zu definieren, und eine Reihe von Klavierkonzerten, die immer noch an der Spitze dieser Formen stehen.

Ein Komponist, der Einfluss auf die Verbreitung des ernsteren Stils hatte, den Mozart und Haydn geprägt hatten, ist Muzio Clementi , ein begabter virtuoser Pianist, der sich mit Mozart in einem musikalischen „Duell“ vor dem Kaiser verband, in dem sie beide auf dem Klavier improvisierten und ihre Kompositionen aufführten . Clementis Sonaten für Klavier verbreiteten sich weit und er wurde in den 1780er Jahren zum erfolgreichsten Komponisten in London . Zu dieser Zeit war auch Jan Ladislav Dussek in London , der wie Clementi die Klavierbauer ermutigte, den Umfang und andere Eigenschaften ihrer Instrumente zu erweitern, und dann die neu eröffneten Möglichkeiten voll ausschöpfte. Die Bedeutung Londons in der Klassik wird oft übersehen, aber es diente als Heimat der Broadwood- Fabrik für den Klavierbau und als Basis für Komponisten, die, obwohl weniger bemerkenswert als die "Wiener Schule", einen entscheidenden Einfluss auf das hatten, was kam später. Sie waren Komponisten vieler schöner Werke, die für sich genommen bemerkenswert sind. Londons Geschmack für Virtuosität mag die komplexe Passagenarbeit und die ausgedehnten Aussagen zu Tonika und Dominante gefördert haben.

Um 1790–1820

Als Haydn und Mozart mit dem Komponieren begannen, wurden Symphonien als einzelne Sätze gespielt – vor, zwischen oder als Zwischenspiele innerhalb anderer Werke – und viele von ihnen dauerten nur zehn oder zwölf Minuten; Instrumentalgruppen hatten unterschiedliche Spielstandards, und das Continuo war ein zentraler Bestandteil des Musizierens.

In den vergangenen Jahren hatte sich die soziale Welt der Musik dramatisch verändert. Internationale Veröffentlichungen und Tourneen waren explosionsartig gewachsen, und Konzertgesellschaften bildeten sich. Die Notation wurde spezifischer, anschaulicher – und Schemata für Werke wurden vereinfacht (aber vielfältiger in ihrer genauen Ausarbeitung). Im Jahr 1790, kurz vor Mozarts Tod, als sich sein Ruf schnell verbreitete, war Haydn bereit für eine Reihe von Erfolgen, insbesondere seine späten Oratorien und Londoner Symphonien . Komponisten in Paris, Rom und ganz Deutschland wandten sich wegen ihrer Formideen an Haydn und Mozart.

Porträt Beethovens von Joseph Karl Stieler , 1820

In den 1790er Jahren entstand eine neue Generation von Komponisten, die um 1770 geboren wurden. Während sie mit den früheren Stilen aufgewachsen waren, hörten sie in den neueren Werken von Haydn und Mozart ein Vehikel für größeren Ausdruck. 1788 ließ sich Luigi Cherubini in Paris nieder und komponierte 1791 Lodoiska , eine Oper, die ihn berühmt machte. Sein Stil spiegelt eindeutig den reifen Haydn und Mozart wider, und seine Instrumentierung verlieh ihm ein Gewicht, das in der großen Oper noch nicht zu spüren war . Sein Zeitgenosse Étienne Méhul erweiterte die instrumentale Wirkung mit seiner Oper Euphrosine et Coradin von 1790, der eine Reihe von Erfolgen folgten. Der letzte Anstoß zur Veränderung kam von Gaspare Spontini , der von zukünftigen romantischen Komponisten wie Weber, Berlioz und Wagner zutiefst bewundert wurde. Die innovative harmonische Sprache seiner Opern, ihre raffinierte Instrumentierung und ihre "verketteten" geschlossenen Nummern (ein Strukturmuster, das später von Weber in Euryanthe übernommen und von ihm über Marschner an Wagner weitergegeben wurde) bildeten die Grundlage, aus der Französisch und Die deutsche romantische Oper hatte ihre Anfänge.

Hummel 1814

Der verhängnisvollste der neuen Generation war Ludwig van Beethoven , der seine nummerierten Werke 1794 mit einem Satz von drei Klaviertrios herausbrachte, die im Repertoire bleiben. Etwas jünger als die anderen, aber aufgrund seines jugendlichen Studiums bei Mozart und seiner angeborenen Virtuosität ebenso erfolgreich, war Johann Nepomuk Hummel . Auch Hummel studierte bei Haydn; er war mit Beethoven und Franz Schubert befreundet . Er konzentrierte sich mehr auf das Klavier als auf jedes andere Instrument, und seine Zeit in London in den Jahren 1791 und 1792 führte zur Komposition und Veröffentlichung von drei Klaviersonaten, Opus 2, im Jahr 1793, die idiomatisch Mozarts Techniken zur Vermeidung der erwarteten Kadenz und Clementis manchmal modal verwendeten unsichere virtuose Figuration. Zusammengenommen können diese Komponisten als Vorreiter eines breiten Stilwandels und als Zentrum der Musik angesehen werden. Sie studierten die Werke der anderen, kopierten ihre Gesten in der Musik und benahmen sich gelegentlich wie streitsüchtige Rivalen.

Die entscheidenden Unterschiede zur vorherigen Welle sind in der Verschiebung der Melodien nach unten, der zunehmenden Dauer von Sätzen, der Akzeptanz von Mozart und Haydn als Paradigmen, der stärkeren Nutzung von Tasteninstrumenten, der Verschiebung von "vokalem" Schreiben zu "pianistischem" Schreiben zu sehen , die wachsende Anziehungskraft von Moll und modaler Mehrdeutigkeit und die zunehmende Bedeutung variierender Begleitfiguren, um "Textur" als Element in der Musik nach vorne zu bringen. Kurz gesagt, die späte Klassik suchte nach Musik, die innerlich komplexer war. Das Wachstum von Konzertgesellschaften und Laienorchestern, die die Bedeutung der Musik als Teil des bürgerlichen Lebens verdeutlichten, trug zu einem boomenden Markt für Klaviere, Klaviermusik und Virtuosen bei, die als Vorbilder dienen konnten. Hummel, Beethoven und Clementi waren alle für ihre Improvisation bekannt.

Der unmittelbare Einfluss des Barock verblasste weiter: Der Generalbass als Mittel der Aufführung verlor an Bedeutung, die Aufführungspraxis der Mitte des 18. Jahrhunderts starb weiter aus. Gleichzeitig wurden jedoch vollständige Ausgaben barocker Meister verfügbar, und der Einfluss des Barockstils nahm weiter zu, insbesondere durch die immer stärkere Verwendung von Messing. Ein weiteres Merkmal dieser Zeit ist die wachsende Zahl von Aufführungen, bei denen der Komponist nicht anwesend war. Dies führte zu mehr Details und Spezifität in der Notation; Beispielsweise gab es weniger "optionale" Teile, die getrennt von der Hauptpartitur standen.

Die Wucht dieser Verschiebungen wurde mit Beethovens 3. Sinfonie deutlich, der der Komponist den Namen Eroica gab, was italienisch für „heroisch“ ist. Wie bei Strawinskys Frühlingsopfer war es vielleicht nicht das erste seiner ganzen Neuerungen, aber seine aggressive Verwendung aller Teile des klassischen Stils hebt es von seinen zeitgenössischen Werken ab: auch in Länge, Ehrgeiz und harmonischen Ressourcen .

Erste Wiener Schule

Ansicht von Wien im Jahr 1758, von Bernardo Bellotto

Die Erste Wiener Schule ist ein Name, der hauptsächlich verwendet wird, um sich auf drei Komponisten der Klassik im Wien des späten 18. Jahrhunderts zu beziehen : Haydn, Mozart und Beethoven. Franz Schubert wird gelegentlich in die Liste aufgenommen.

Im deutschsprachigen Raum wird der Begriff Wiener Klassik verwendet . Dieser Begriff wird oft allgemeiner auf die Klassik in der Musik als Ganzes angewendet, um sie von anderen Perioden zu unterscheiden, die umgangssprachlich als Klassik bezeichnet werden, nämlich barocke und romantische Musik .

Der Begriff „Wiener Schule“ wurde erstmals 1834 vom österreichischen Musikwissenschaftler Raphael Georg Kiesewetter verwendet, obwohl er nur Haydn und Mozart als Mitglieder der Schule zählte. Andere Schriftsteller folgten diesem Beispiel, und schließlich wurde Beethoven in die Liste aufgenommen. Die Bezeichnung „Erste“ wird heute hinzugefügt, um Verwechslungen mit der Zweiten Wiener Schule zu vermeiden .

Abgesehen von Schubert kannten sich diese Komponisten sicherlich (wobei Haydn und Mozart sogar gelegentliche Kammermusikpartner waren), es gibt jedoch keinen Sinn, in dem sie an einer Zusammenarbeit im Sinne einer Schule des 20. Jahrhunderts beteiligt waren wie die Zweite Wiener Schule oder Les Six . Es gibt auch keinen nennenswerten Sinn dafür, dass ein Komponist von einem anderen „geschult“ wurde (so wie Berg und Webern von Schönberg unterrichtet wurden), obwohl es stimmt, dass Beethoven eine Zeit lang Unterricht von Haydn erhielt.

Versuche, die Erste Wiener Schule um spätere Persönlichkeiten wie Anton Bruckner , Johannes Brahms und Gustav Mahler zu erweitern, sind rein journalistischer Art und in der akademischen Musikwissenschaft nie anzutreffen.

Klassischer Einfluss auf spätere Komponisten

1875 Ölgemälde von Franz Schubert von Wilhelm August Rieder , nach seinem eigenen Aquarellporträt von 1825

Musikepochen und ihre vorherrschenden Stile, Formen und Instrumente verschwinden selten auf einmal; Stattdessen werden Features im Laufe der Zeit ersetzt, bis der alte Ansatz einfach als "altmodisch" empfunden wird. Der klassische Stil „starb“ nicht plötzlich; Vielmehr wurde es unter dem Gewicht der Änderungen allmählich eingestellt. Um nur ein Beispiel zu nennen: Während allgemein gesagt wird, dass die klassische Ära aufhörte, das Cembalo in Orchestern zu verwenden, geschah dies nicht plötzlich zu Beginn der klassischen Ära im Jahr 1750. Vielmehr hörten die Orchester langsam auf, das Cembalo zu spielen Basso continuo , bis die Praxis Ende des 18. Jahrhunderts eingestellt wurde.

Felix Mendelssohn
Porträt von Mendelssohn von James Warren Childe , 1839

Eine entscheidende Änderung war die Verschiebung hin zu Harmonien, die sich auf "flache" Tonarten konzentrieren: Verschiebungen in die Richtung der Subdominante . Im klassischen Stil war die Dur-Tonart weitaus häufiger als die Moll-Tonart, wobei die Chromatik durch die Verwendung einer "scharfen" Modulation gemildert wurde (z. B. ein Stück in C-Dur, das zu G-Dur, D-Dur oder A-Dur moduliert, die alle Tonarten sind mit mehr Scharfen). Außerdem wurden oft Abschnitte im Moll-Modus als Kontrast verwendet. Beginnend mit Mozart und Clementi begann eine schleichende Kolonisierung der Subdominantregion (der ii- oder IV-Akkord, der in der Tonart C-Dur die Tonarten d-Moll oder F-Dur wäre). Bei Schubert blühten subdominante Modulationen auf, nachdem sie in Kontexten eingeführt wurden, in denen sich frühere Komponisten auf Dominantverschiebungen beschränkt hätten (Modulationen auf den Dominantakkord , z. B. in der Tonart C-Dur, Modulation nach G-Dur). Dies führte dunklere Farben in die Musik ein, verstärkte den Moll-Modus und erschwerte die Aufrechterhaltung der Struktur. Beethoven trug dazu durch seine zunehmende Verwendung der Quarte als Konsonanz und modale Mehrdeutigkeit bei – zum Beispiel der Beginn der Symphonie Nr. 9 in d-Moll .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber und John Field gehören neben dem jungen Felix Mendelssohn zu den prominentesten Vertretern dieser Generation von „Protoromantikern“ . Ihr Formgefühl war stark vom klassischen Stil geprägt. Obwohl sie noch keine „gelehrten“ Komponisten waren (die Regeln nachahmten, die von anderen kodifiziert wurden), reagierten sie direkt auf Werke von Haydn, Mozart, Clementi und anderen, wenn sie ihnen begegneten. Auch die ihnen in Orchestern zur Verfügung stehende Instrumentalbesetzung war in Zahl und Vielfalt recht „klassisch“, was Ähnlichkeiten mit klassischen Werken zuließ.

Die Kräfte, die dazu bestimmt waren, den Einfluss des klassischen Stils zu beenden, sammelten jedoch Stärke in den Werken vieler der oben genannten Komponisten, insbesondere Beethovens. Die am häufigsten genannte ist harmonische Innovation. Wichtig ist auch der zunehmende Fokus auf eine kontinuierliche und rhythmisch einheitliche Begleitfiguration: Beethovens Mondscheinsonate war das Modell für Hunderte von späteren Stücken – wo die wechselnde Bewegung einer rhythmischen Figur einen Großteil der Dramatik und des Interesses des Werks ausmacht, während es sich um eine Melodie handelt schwebt darüber. Größere Kenntnis der Werke, größeres instrumentales Know-how, zunehmende Instrumentenvielfalt, das Wachstum von Konzertgesellschaften und die unaufhaltsame Dominanz des immer mächtigeren Klaviers (das durch technologische Entwicklungen wie die Verwendung von Stahlsaiten einen kühneren, lauteren Ton erhielt) schwere gusseiserne Rahmen und sympathisch vibrierende Saiten) schufen ein riesiges Publikum für anspruchsvolle Musik. All diese Trends trugen zur Verlagerung hin zum „romantischen“ Stil bei .

Die Grenze zwischen diesen beiden Stilen zu ziehen, ist sehr schwierig: Einige Abschnitte von Mozarts späteren Werken sind für sich genommen in Harmonie und Orchestrierung nicht von Musik zu unterscheiden, die 80 Jahre später geschrieben wurde – und einige Komponisten schrieben bis ins frühe 20. Jahrhundert hinein in normativen klassischen Stilen. Schon vor Beethovens Tod bezeichneten sich Komponisten wie Louis Spohr als Romantiker, die zum Beispiel eine extravagantere Chromatik in ihre Werke einbauten (z. B. die Verwendung chromatischer Harmonien in der Akkordfolge eines Stücks ). Umgekehrt weisen Werke wie Schuberts Sinfonie Nr. 5 , die chronologisch am Ende der Klasik und am Beginn der Romantik entstanden sind, ein bewusst anachronistisches künstlerisches Paradigma auf, das auf den Kompositionsstil mehrerer Jahrzehnte zuvor zurückgreift.

Der Niedergang Wiens als wichtigstes musikalisches Zentrum für Orchesterkomposition in den späten 1820er Jahren, ausgelöst durch den Tod von Beethoven und Schubert , markierte jedoch die endgültige Verfinsterung des klassischen Stils – und das Ende seiner kontinuierlichen organischen Entwicklung eines Komponisten, der in unmittelbarer Nähe lernte Andere. Franz Liszt und Frédéric Chopin besuchten in jungen Jahren Wien, zogen dann aber in andere Städte. Komponisten wie Carl Czerny suchten, obwohl sie stark von Beethoven beeinflusst waren, auch nach neuen Ideen und neuen Formen, um die größere Welt des musikalischen Ausdrucks und der Aufführung, in der sie lebten, einzuschließen.

Das erneute Interesse an der formalen Ausgewogenheit und Zurückhaltung der klassischen Musik des 18. Jahrhunderts führte im frühen 20. Jahrhundert zur Entwicklung des sogenannten neoklassizistischen Stils, zu dessen Vertretern Strawinsky und Prokofjew zumindest zeitweise in ihrer Karriere zählten.

Klassische historische Instrumente

Fortepiano von Paul McNulty nach Walter & Sohn, c. 1805

Gitarre

Die Barockgitarre mit vier oder fünf Sätzen Doppelsaiten oder "Gängen" und kunstvoll verziertem Schallloch war ein ganz anderes Instrument als die frühe klassische Gitarre , die eher dem modernen Instrument mit den standardmäßigen sechs Saiten ähnelt. Gemessen an der Anzahl der für das Instrument veröffentlichten Bedienungsanleitungen – über dreihundert Texte wurden zwischen 1760 und 1860 von über zweihundert Autoren veröffentlicht – markierte die klassische Periode ein goldenes Zeitalter für die Gitarre.

Saiten

In der Barockzeit gab es eine größere Vielfalt an Streichinstrumenten, die in Ensembles verwendet wurden, wobei Instrumente wie die Viola d'amore und eine Reihe von Bundgamben verwendet wurden, die von kleinen Gamben bis zu großen Bassgamben reichten. In der Klassik war die Streichersektion des Orchesters auf nur vier Instrumente standardisiert:

  • Violine (in Orchestern und Kammermusik gibt es typischerweise erste Violinen und zweite Violinen, wobei erstere die Melodie und/oder eine höhere Linie spielen und letztere entweder eine Gegenmelodie, einen Harmoniepart, einen Part unterhalb der ersten Violinlinie in der Tonhöhe spielen , oder eine Begleitlinie)
  • Bratsche (die Altstimme der Orchesterstreichergruppe und des Streichquartetts; sie spielt oft "innere Stimmen", bei denen es sich um Begleitlinien handelt, die die Harmonie des Stücks ausfüllen)
  • Cello (das Cello spielt in der Musik der klassischen Ära zwei Rollen; manchmal wird es verwendet, um die Basslinie des Stücks zu spielen, die normalerweise von den Kontrabässen verdoppelt wird [Anmerkung: Wenn Celli und Kontrabässe dieselbe Basslinie lesen, spielen die Bässe eine Oktave tiefer die Celli, weil der Bass ein transponierendes Instrument ist]; und zu anderen Zeiten spielt er Melodien und Soli in der tieferen Lage)
  • Kontrabass (der Bass spielt normalerweise die tiefsten Töne in der Streichersektion, um die Basslinie für das Stück bereitzustellen)

In der Barockzeit erhielten die Kontrabassisten normalerweise keine separate Stimme; Stattdessen spielten sie normalerweise dieselbe Basso-Continuo - Basslinie wie die Celli und andere tiefe Instrumente (z. B. Theorbe , Schlangenblasinstrument , Gamben ), wenn auch eine Oktave unter den Celli, da der Kontrabass ein transponierendes Instrument ist, das eine Oktave erklingt niedriger als geschrieben steht. In der klassischen Ära schrieben einige Komponisten weiterhin nur eine Bassstimme für ihre Symphonie mit der Bezeichnung "Bassi"; dieser Basspart wurde von Cellisten und Kontrabassisten gespielt. Während der Klassik begannen einige Komponisten, den Kontrabässen eine eigene Stimme zu geben.

Holzbläser

Schlagzeug

Tastaturen

Messing

Siehe auch

Anmerkungen

Weiterlesen

Externe Links