Kubismus - Cubism

Pablo Picasso , 1910, Mädchen mit Mandoline (Fanny Tellier) , Öl auf Leinwand, 100,3 × 73,6 cm, Museum of Modern Art , New York

Der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts , die die europäische Malerei und Skulptur revolutionierte und verwandte Bewegungen in Musik , Literatur und Architektur inspirierte . In kubistischen Kunstwerken werden Objekte in abstrahierter Form analysiert, zerlegt und neu zusammengesetzt – anstatt Objekte aus einem einzigen Blickwinkel darzustellen, stellt der Künstler das Subjekt aus einer Vielzahl von Blickwinkeln dar, um das Subjekt in einem größeren Kontext darzustellen. Der Kubismus gilt als die einflussreichste Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts. Der Begriff wird im Allgemeinen in Verbindung mit einer Vielzahl von Kunstwerken verwendet, die in den 1910er und während der 1920er Jahre in Paris ( Montmartre und Montparnasse ) oder in der Nähe von Paris ( Puteaux ) produziert wurden.

Die Bewegung wurde von Pablo Picasso und Georges Braque entwickelt und wurde von Jean Metzinger , Albert Gleizes , Robert Delaunay , Henri Le Fauconnier , Juan Gris und Fernand Léger unterstützt . Ein Haupteinfluss, der zum Kubismus führte, war die Darstellung der dreidimensionalen Form im Spätwerk von Paul Cézanne . Eine Retrospektive von Cézannes Gemälden wurde im Salon d'Automne von 1904 gezeigt, aktuelle Werke wurden im Salon d'Automne von 1905 und 1906 gezeigt, gefolgt von zwei Gedenk-Retrospektiven nach seinem Tod im Jahr 1907.

In Frankreich entwickelten sich Ableger des Kubismus, darunter der Orphismus , die abstrakte Kunst und später der Purismus . Die Auswirkungen des Kubismus waren weitreichend und weitreichend. In Frankreich und anderen Ländern entwickelten sich Futurismus , Suprematismus , Dada , Konstruktivismus , Vortizismus , De Stijl und Art Deco als Reaktion auf den Kubismus. Frühe futuristische Gemälde haben mit dem Kubismus die Verschmelzung von Vergangenheit und Gegenwart gemeinsam, die Darstellung verschiedener Ansichten des abgebildeten Gegenstandes gleichzeitig oder nacheinander, auch Mehrfachperspektive, Gleichzeitigkeit oder Multiplizität genannt, während der Konstruktivismus von Picassos Technik der Skulptur aus einzelnen Elementen zu konstruieren. Andere gemeinsame Fäden zwischen diesen unterschiedlichen Bewegungen sind die Facettierung oder Vereinfachung geometrischer Formen und die Assoziation von Mechanisierung und modernem Leben.

Geschichte

Historiker haben die Geschichte des Kubismus in Phasen unterteilt. In einem Schema war die erste Phase des Kubismus, bekannt als Analytischer Kubismus , ein von Juan Gris a posteriori geprägter Begriff, sowohl radikal als auch einflussreich als eine kurze, aber sehr bedeutende Kunstbewegung zwischen 1910 und 1912 in Frankreich. Eine zweite Phase, der synthetische Kubismus , blieb bis etwa 1919 wichtig, als die surrealistische Bewegung an Popularität gewann. Der englische Kunsthistoriker Douglas Cooper schlug in seinem Buch The Cubist Epoch ein anderes Schema vor und beschrieb drei Phasen des Kubismus . Laut Cooper gab es den "Frühkubismus" (von 1906 bis 1908), als die Bewegung ursprünglich in den Ateliers von Picasso und Braque entwickelt wurde; die zweite Phase wurde "Hoher Kubismus" genannt (von 1909 bis 1914), in der Juan Gris als wichtiger Exponent (nach 1911) hervortrat; und schließlich bezeichnete Cooper den "Spätkubismus" (von 1914 bis 1921) als die letzte Phase des Kubismus als radikale Avantgarde- Bewegung. Douglas Coopers restriktive Verwendung dieser Begriffe zur Unterscheidung der Werke von Braque, Picasso, Gris (ab 1911) und Léger (in geringerem Maße) implizierte ein bewusstes Werturteil.

Pablo Picasso , Les Demoiselles d'Avignon , 1907, gilt als wichtiger Schritt zur Gründung der kubistischen Bewegung
Pablo Picasso , 1909–10, Figure dans un Fauteuil (Sitzender Akt, Femme nue assise) , Öl auf Leinwand, 92,1 × 73 cm, Tate Modern , London

Protokubismus: 1907-1908

Der Kubismus blühte zwischen 1907 und 1911 auf. Pablo Picassos Gemälde Les Demoiselles d'Avignon von 1907 wurde oft als protokubistisches Werk angesehen.

1908 bezeichnete der Kritiker Louis Vauxcelles in seiner Rezension der Ausstellung von Georges Braque in der Galerie von Kahnweiler Braque als einen wagemutigen Mann, der die Form verachtet und „alles, Orte und Figuren und Häuser auf geometrische Schemata, auf Würfel reduziert“.

Vauxcelles erzählte, wie Matisse ihm damals sagte: "Braque hat gerade [an den Salon d'Automne von 1908] ein Gemälde aus kleinen Würfeln geschickt". Der Kritiker Charles Morice übermittelte Matisses Worte und sprach von Braques kleinen Würfeln. Das Motiv des Viadukts von l'Estaque hatte Braque zu drei Gemälden inspiriert, die von der Vereinfachung der Form und der Dekonstruktion der Perspektive geprägt waren.

Georges Braques 1908 Houses at L'Estaque (und verwandte Werke) veranlassten Vauxcelles, in Gil Blas , 25. März 1909, auf bizarreries cubiques (kubische Kuriositäten) zu verweisen . Gertrude Stein bezeichnete Landschaften von Picasso aus dem Jahr 1909, wie beispielsweise Reservoir at Horta de Ebro , als die ersten kubistischen Gemälde. Die erste organisierte Gruppenausstellung von Kubisten fand im Frühjahr 1911 im Salon des Indépendants in Paris in einem Raum namens „Salle 41“ statt; es umfasste Werke von Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Robert Delaunay und Henri Le Fauconnier , jedoch wurden keine Werke von Picasso oder Braque ausgestellt.

1911 wurde Picasso als Erfinder des Kubismus anerkannt, während Braques Bedeutung und Vorrang später in Bezug auf seine Behandlung von Raum, Volumen und Masse in den Landschaften von L'Estaque argumentiert wurde. Aber „diese Sicht des Kubismus ist mit einer deutlich restriktiven Definition verbunden, welche Künstler zu Recht als Kubisten zu bezeichnen sind“, schrieb der Kunsthistoriker Christopher Green: „Der Beitrag der Künstler, die 1911 im Salon des Indépendants ausstellten [.. .]"

Die Behauptung, dass die kubistische Darstellung von Raum, Masse, Zeit und Volumen die Flachheit der Leinwand unterstützt (und nicht widerspricht), wurde bereits 1920 von Daniel-Henry Kahnweiler aufgestellt , wurde jedoch in den 1950er und 1960er Jahren kritisiert. vor allem von Clement Greenberg .

Zeitgenössische Ansichten des Kubismus sind komplex und entstanden in gewissem Maße als Reaktion auf die "Salle 41"-Kubisten, deren Methoden sich zu sehr von denen Picassos und Braques unterschieden, um sie nur als zweitrangig zu betrachten. Daher haben sich alternative Interpretationen des Kubismus entwickelt. Weitere Ansichten des Kubismus schließen Künstler ein, die später mit den "Salle 41"-Künstlern in Verbindung gebracht wurden, zB Francis Picabia ; die Brüder Jacques Villon , Raymond Duchamp-Villon und Marcel Duchamp , die ab Ende 1911 den Kern der Sektion d'Or (oder der Puteaux-Gruppe ) bildeten; die Bildhauer Alexander Archipenko , Joseph Csaky und Ossip Zadkine sowie Jacques Lipchitz und Henri Laurens ; und Maler wie Louis Marcoussis , Roger de La Fresnaye , František Kupka , Diego Rivera , Léopold Survage , Auguste Herbin , André Lhote , Gino Severini (nach 1916), María Blanchard (nach 1916) und Georges Valmier (nach 1918). Grundsätzlich argumentiert Christopher Green, dass Douglas Coopers Begriffe „später durch Interpretationen der Werke von Picasso, Braque, Gris und Léger untergraben wurden, die eher ikonografische und ideologische Fragen als Darstellungsmethoden betonen“.

John Berger identifiziert die Essenz des Kubismus mit dem mechanischen Diagramm. "Das metaphorische Modell des Kubismus ist das Diagramm: Das Diagramm ist eine sichtbare symbolische Darstellung unsichtbarer Prozesse, Kräfte, Strukturen. Ein Diagramm muss bestimmte Aspekte der Erscheinung nicht meiden, aber auch diese werden als Zeichen und nicht als Nachahmungen oder Nachbildungen behandelt."

Früher Kubismus: 1909-1914

Albert Gleizes , L'Homme au Balcon, Man on a Balcony (Porträt von Dr. Théo Morinaud) , 1912, Öl auf Leinwand, 195,6 × 114,9 cm (77 × 45 1/4 Zoll ), Philadelphia Museum of Art . Im selben Jahr fertiggestellt, in dem Albert Gleizes zusammen mit Jean Metzinger das Buch Du "Cubisme" verfasst hat . Ausgestellt im Salon d'Automne, Paris, 1912, Armory Show , New York, Chicago, Boston, 1913

Es gab einen deutlichen Unterschied zwischen Kahnweilers Kubisten und den Salonkubisten. Vor 1914 erhielten Picasso, Braque, Gris und Léger (in geringerem Maße) die Unterstützung eines einzigen engagierten Kunsthändlers in Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, der ihnen ein jährliches Einkommen für das ausschließliche Recht zum Kauf ihrer Werke garantierte. Kahnweiler verkauft nur an einen kleinen Kennerkreis. Seine Unterstützung gab seinen Künstlern die Freiheit, in relativer Privatsphäre zu experimentieren. Picasso arbeitete bis 1912 in Montmartre, während Braque und Gris bis nach dem Ersten Weltkrieg dort blieben. Léger hatte seinen Sitz in Montparnasse.

Im Gegensatz dazu haben sich die Salonkubisten ihren Ruf vor allem dadurch aufgebaut, dass sie regelmäßig im Salon d'Automne und im Salon des Indépendants ausstellten, beides große nichtakademische Salons in Paris. Sie waren sich der öffentlichen Reaktion und der Notwendigkeit der Kommunikation unweigerlich bewusster. Bereits 1910 begann sich eine Gruppe zu bilden, zu der Metzinger, Gleizes, Delaunay und Léger gehörten. Sie trafen sich regelmäßig im Atelier von Henri le Fauconnier in der Nähe des Boulevard du Montparnasse . Zu diesen Soireen gehörten oft Schriftsteller wie Guillaume Apollinaire und André Salmon . Gemeinsam mit anderen jungen Künstlern wollte die Gruppe im Gegensatz zur neoimpressionistischen Farbbetonung eine Formforschung betonen.

Louis Vauxcelles verwies in seiner Besprechung des 26. " Auf dem Salon d'Automne 1910 stellte Metzinger einige Monate später seine stark gebrochene Nu à la cheminée (Nude) aus , die später sowohl in Du "Cubisme" (1912) als auch in Les Peintres Cubistes (1913) reproduziert wurde .

Die erste öffentliche Kontroverse, die der Kubismus auslöste, resultierte aus den Salon-Aufführungen der Indépendants im Frühjahr 1911. Diese Aufführungen von Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier und Léger machten den Kubismus erstmals der breiten Öffentlichkeit bekannt. Unter den präsentierten kubistischen Werken stellte Robert Delaunay seinen Eiffelturm Tour Eiffel (Solomon R. Guggenheim Museum, New York) aus.

Die "Kubisten" dominieren den Pariser Herbstsalon, The New York Times , 8. Oktober 1911. Picassos 1908 sitzende Frau ( Meditation ) wird zusammen mit einem Foto des Künstlers in seinem Atelier (oben links) reproduziert. Oben rechts ist Metzingers Baigneuses (1908–09) wiedergegeben. Abgebildet sind auch Werke von Derain, Matisse, Friesz, Herbin und ein Foto von Braque

Im Salon d'Automne desselben Jahres wurden neben der Gruppe Indépendants von Salle 41 Werke von André Lhote , Marcel Duchamp , Jacques Villon, Roger de La Fresnaye , André Dunoyer de Segonzac und František Kupka ausgestellt . Die Ausstellung wurde in der Ausgabe der New York Times vom 8. Oktober 1911 rezensiert . Dieser Artikel wurde ein Jahr nach Gelett Burgess ' The Wild Men of Paris und zwei Jahre vor der Armory Show veröffentlicht , die erstaunte Amerikaner, die an realistische Kunst gewöhnt waren, in die experimentellen Stile der europäischen Avantgarde einführte, darunter Fauvismus, Kubismus, und Futurismus. Der Artikel der New York Times von 1911 porträtierte Werke von Picasso, Matisse, Derain, Metzinger und anderen, die vor 1909 datiert wurden; nicht auf dem Salon 1911 ausgestellt. Der Artikel trug den Titel Die "Kubisten" dominieren den Herbstsalon von Paris und den Untertitel Die exzentrische Schule der Malerei erhöht ihre Vogue in der aktuellen Kunstausstellung – Was ihre Anhänger versuchen zu tun.

Unter allen im Pariser Herbstsalon ausgestellten Gemälden zieht keines so viel Aufmerksamkeit auf sich wie die außergewöhnlichen Produktionen der sogenannten "kubistischen" Schule. Tatsächlich deuten Depeschen aus Paris darauf hin, dass diese Werke leicht das Hauptmerkmal der Ausstellung sind. […]

Trotz des verrückten Charakters der "kubistischen" Theorien ist die Zahl derer, die sie bekennen, ziemlich ansehnlich. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger – das sind einige der auf Leinwänden signierten Namen, vor denen Paris stand und nun wieder in blankem Staunen steht.

Was meinen sie? Haben sich die Verantwortlichen von den Sinnen verabschiedet? Ist es Kunst oder Wahnsinn? Wer weiß?

Salon des Indépendants

Der anschließende Salon des Indépendants von 1912 in Paris (20. März bis 16. Mai 1912) war geprägt von der Präsentation von Marcel Duchamps Akt, eine Treppe herabsteigend, Nr. 2 , der selbst unter den Kubisten einen Skandal auslöste. Es wurde tatsächlich vom Hanging Committee abgelehnt, dem seine Brüder und andere Kubisten angehörten. Obwohl das Werk im Oktober 1912 im Salon de la Section d'Or und 1913 in der Armory Show in New York gezeigt wurde, verzieh Duchamp seinen Brüdern und ehemaligen Kollegen nie die Zensur seines Werkes. Juan Gris, ein Neuzugang in der Salonszene, stellte sein Portrait of Picasso (Art Institute of Chicago) aus, während Metzingers zwei Ausstellungen La Femme au Cheval (Frau mit einem Pferd) 1911-1912 ( National Gallery of Denmark ) umfassten. Delaunays monumentale La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) und Légers La Noce , The Wedding (Musée National d'Art Moderne, Paris) wurden ebenfalls ausgestellt.

Galeries Dalmau

1912 präsentierten die Galeries Dalmau die weltweit erste deklarierte Gruppenausstellung zum Kubismus ( Exposició d'Art Cubista ) mit einer umstrittenen Ausstellung von Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin und Marcel Duchamp (Barcelona, ​​20. April bis 10. Mai 1912 ). Die Ausstellung in Dalmau umfasste 83 Werke von 26 Künstlern. Jacques Nayrals Verbindung mit Gleizes führte ihn dazu, das Vorwort für die kubistische Ausstellung zu schreiben, das vollständig übersetzt und in der Zeitung La Veu de Catalunya wiedergegeben wurde . Duchamps Nude Descending a Staircase Nr. 2 wurde zum ersten Mal ausgestellt.

Umfangreiche Medienberichterstattung (in Zeitungen und Zeitschriften) vor, während und nach der Ausstellung hat die Galeries Dalmau als treibende Kraft in der Entwicklung und Verbreitung der Moderne in Europa etabliert. Die Berichterstattung in der Presse war zwar umfangreich, aber nicht immer positiv. In den Zeitungen Esquella de La Torratxa und El Noticiero Universal wurden Artikel veröffentlicht, die die Kubisten mit einer Reihe von Karikaturen mit abfälligem Text angreifen. Der Kunsthistoriker Jaime Brihuega schreibt über die Dalmau-Schau: „Zweifellos hat die Ausstellung eine starke Aufregung in der Öffentlichkeit hervorgerufen, die sie mit viel Misstrauen aufgenommen hat.

Salon d'Automne

Der kubistische Beitrag zum Salon d'Automne von 1912 führte zu einem Skandal bezüglich der Nutzung von Regierungsgebäuden wie dem Grand Palais , um solche Kunstwerke auszustellen. Die Empörung des Politikers Jean Pierre Philippe Lampué machte am 5. Oktober 1912 die Titelseite des Le Journal für solche Kunst. Die Kubisten wurden vom sozialistischen Abgeordneten Marcel Sembat verteidigt .

Vor diesem Hintergrund der öffentlichen Wut schrieben Jean Metzinger und Albert Gleizes Du "Cubisme" (erschienen 1912 von Eugène Figuière, 1913 ins Englische und Russische übersetzt). Unter den ausgestellten Arbeiten waren Le Fauconnier 's große Komposition Les Montagnards Attaques par die ours (Mountaineers Angegriffen von Bär) jetzt auf Rhode Island School of Design Museum, Joseph Csaky ' s Deux Femme, Zwei Frauen (eine Skulptur jetzt verloren), aber auch bis hin zu den stark abstrakten Gemälden von Kupka, Amorpha (The National Gallery, Prag) und Picabia , La Source (The Spring) (Museum of Modern Art, New York).

Abstraktion und das Fertige

Robert Delaunay , Simultaneous Windows on the City , 1912, 46 x 40 cm, Hamburger Kunsthalle , ein Beispiel für abstrakten Kubismus

Die extremsten Formen des Kubismus wurden nicht von Picasso und Braque praktiziert, die sich der totalen Abstraktion widersetzten. Im Gegensatz dazu akzeptierten andere Kubisten, insbesondere František Kupka , und diejenigen, die von Apollinaire als Orphisten angesehen wurden (Delaunay, Léger, Picabia und Duchamp), die Abstraktion, indem sie sichtbare Inhalte vollständig entfernten. Kupkas zwei Beiträge beim Salon d'Automne von 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs und Amorpha chromatique chaude , waren stark abstrakt (oder nicht-gegenständlich) und metaphysisch ausgerichtet. Sowohl Duchamp 1912 als auch Picabia von 1912 bis 1914 entwickelten eine ausdrucksstarke und anspielungsreiche Abstraktion, die sich komplexen emotionalen und sexuellen Themen widmet. Ab 1912 malte Delaunay eine Reihe von Gemälden mit dem Titel Simultaneous Windows , gefolgt von einer Serie mit dem Titel Formes Circulaires , in der er flächige Strukturen mit hellen prismatischen Farbtönen kombinierte; auf Grund der optischen Eigenschaften nebeneinanderliegender Farben war seine Abkehr von der Realität in der Bilddarstellung quasi vollständig. In den Jahren 1913–14 produzierte Léger eine Serie mit dem Titel Contrasts of Forms , die Farbe, Linie und Form ähnlich betonte. Sein Kubismus wurde trotz seiner abstrakten Qualitäten mit Themen der Mechanisierung und des modernen Lebens in Verbindung gebracht. Apollinaire unterstützte diese frühen Entwicklungen des abstrakten Kubismus in Les Peintres cubistes (1913) und schrieb ein neues "reines" Gemälde, in dem das Thema geräumt wurde. Aber trotz seiner Verwendung des Begriffs Orphismus waren diese Werke so unterschiedlich, dass sie sich jeder Einordnung in eine einzige Kategorie widersetzen.

Auch von Apollinaire als Orphist bezeichnet, war Marcel Duchamp für eine weitere extreme, vom Kubismus inspirierte Entwicklung verantwortlich. Das Readymade entstand aus der gemeinsamen Überlegung, dass das Werk selbst als Objekt (ebenso wie ein Gemälde) betrachtet wird und den materiellen Schutt der Welt (als Collage und Papiercollé in der kubistischen Konstruktion und Assemblage) nutzt. Der nächste logische Schritt war für Duchamp, ein gewöhnliches Objekt als autarkes Kunstwerk zu präsentieren, das nur sich selbst repräsentiert. 1913 befestigte er ein Fahrradrad an einem Küchenhocker und wählte 1914 einen Flaschentrockner als eigenständige Skulptur aus.

Abschnitt d'Or

Der Salon d'Automne von 1912 findet vom 1. Oktober bis 8. November in Paris im Grand Palais statt. Die Skulptur Groupe de femmes von 1911–12 von Joseph Csaky ist links vor zwei Skulpturen von Amedeo Modigliani ausgestellt . Weitere Werke von Künstlern der Sektion d'Or werden gezeigt (von links nach rechts): František Kupka , Francis Picabia , Jean Metzinger und Henri Le Fauconnier .

Die Section d'Or , auch als Groupe de Puteaux bekannt , wurde von einigen der auffälligsten Kubisten gegründet und war ein Kollektiv von Malern, Bildhauern und Kritikern, die mit dem Kubismus und dem Orphismus verbunden waren und von 1911 bis etwa 1914 aktiv wurden und in der Folge bekannt wurden ihrer umstrittenen Ausstellung im Salon des Indépendants 1911 . Der Salon de la Section d'Or in der Galerie La Boétie in Paris im Oktober 1912 war wohl die wichtigste kubistische Ausstellung vor dem Ersten Weltkrieg; Kubismus einem breiten Publikum zugänglich machen. Über 200 Werke wurden gezeigt, und die Tatsache, dass viele der Künstler für ihre Entwicklung von 1909 bis 1912 repräsentative Werke zeigten, gab der Ausstellung den Reiz einer kubistischen Retrospektive.

Die Gruppe scheint den Namen Section d'Or angenommen zu haben, um sich von der engeren Definition des Kubismus zu unterscheiden, die parallel von Pablo Picasso und Georges Braque im Pariser Viertel Montmartre entwickelt wurde , und um zu zeigen, dass der Kubismus keine isolierte Kunst ist. Form, stellte die Fortsetzung einer großen Tradition dar (tatsächlich hatte der Goldene Schnitt seit mindestens 2.400 Jahren westliche Intellektuelle mit unterschiedlichen Interessen fasziniert).

Die Idee der Section d'Or entstand im Zuge von Gesprächen zwischen Metzinger, Gleizes und Jacques Villon. Der Titel der Gruppe wurde von Villon vorgeschlagen, nach einer 1910 Übersetzung des Lesens Leonardo da Vinci ‚s Trattato della Pittura von Joséphin Péladan .

Während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entdeckten Europäer afrikanische , polynesische, mikronesische und indianische Kunst. Künstler wie Paul Gauguin , Henri Matisse und Pablo Picasso waren fasziniert und inspiriert von der starken Kraft und Einfachheit der Stile dieser fremden Kulturen. Um 1906 lernte Picasso Matisse durch Gertrude Stein kennen , zu einer Zeit, als beide Künstler sich kürzlich für Primitivismus , iberische Skulptur, afrikanische Kunst und afrikanische Stammesmasken interessiert hatten . Sie wurden freundschaftliche Rivalen und konkurrierten während ihrer gesamten Karriere miteinander, was möglicherweise dazu führte, dass Picasso 1907 in eine neue Periode seines Schaffens eintrat, die vom Einfluss griechischer, iberischer und afrikanischer Kunst geprägt war. Picassos Gemälde von 1907 wurden als Protokubismus bezeichnet , wie insbesondere in Les Demoiselles d'Avignon , dem Vorläufer des Kubismus, zu sehen ist.

Paul Cézanne , Steinbruch Bibémus , 1898–1900, Museum Folkwang , Essen , Deutschland

Der Kunsthistoriker Douglas Cooper stellt fest, dass Paul Gauguin und Paul Cézanne „besonders einflussreich auf die Bildung des Kubismus und besonders wichtig für die Gemälde von Picasso in den Jahren 1906 und 1907 waren“. Cooper sagt weiter: „Die Demoiselles werden im Allgemeinen als das erste kubistische Bild Dies ist eine Übertreibung, denn obwohl es ein wichtiger erster Schritt in Richtung Kubismus war es noch nicht Cubist ist das störend.. Expressionistische Element darin ist sogar entgegen dem Geist des Kubismus, der die Welt in einem distanzierten, realistischen Geist betrachtete.Dennoch ist die Demoiselles der logische Ausgangspunkt für den Kubismus, denn sie markiert die Geburt einer neuen Bildsprache, denn darin Picasso etablierte Konventionen gewaltsam umgeworfen hat und weil alles, was folgte, daraus erwuchs."

Der schwerwiegendste Einwand gegen die Demoiselles als Ursprung des Kubismus mit seinem offensichtlichen Einfluss auf die primitive Kunst ist, dass "solche Schlussfolgerungen unhistorisch sind", schrieb der Kunsthistoriker Daniel Robbins . Diese bekannte Erklärung "berücksichtigt nicht die Komplexität einer blühenden Kunst, die kurz vor und während der Entwicklung von Picassos neuer Malerei existierte". Zwischen 1905 und 1908 führte die bewusste Suche nach einem neuen Stil zu schnellen Veränderungen in der Kunst in Frankreich, Deutschland, den Niederlanden, Italien und Russland. Die Impressionisten hatten eine doppelte Sichtweise verwendet, und sowohl Les Nabis als auch die Symbolisten (die auch Cézanne bewunderten) glätteten die Bildebene und reduzierten ihre Motive auf einfache geometrische Formen. Neoimpressionistische Struktur und Thema, die vor allem in den Werken von Georges Seurat (zB Parade de Cirque , Le Chahut und Le Cirque ) zu sehen sind, waren ein weiterer wichtiger Einfluss. Parallelen gab es auch in der Entwicklung der Literatur und des gesellschaftlichen Denkens.

Die Wurzeln des Kubismus liegen neben Seurat in den zwei unterschiedlichen Tendenzen von Cézannes Spätwerk: erstens seine Aufteilung der Malfläche in kleine, facettenreiche Farbflächen, wodurch die plurale Sichtweise des binokularen Sehens betont wird , und zweitens sein Interesse an der Vereinfachung natürlicher Formen in Zylinder, Kugeln und Kegel. Die Kubisten erforschten dieses Konzept jedoch weiter als Cézanne. Sie stellten alle Oberflächen der abgebildeten Objekte in einer einzigen Bildebene dar, als ob alle Gesichter der Objekte gleichzeitig sichtbar wären. Diese neue Art der Darstellung revolutionierte die Visualisierung von Objekten in Malerei und Kunst.

Jean Metzinger , 1911–12, La Femme au Cheval , Frau mit Pferd , Statens Museum for Kunst, National Gallery of Denmark. Ausgestellt auf dem Salon des Indépendants 1912 und veröffentlicht in Apollinaires 1913 The Cubist Painters, Aesthetic Meditations . Provenienz: Jacques Nayral, Niels Bohr

Die historische Erforschung des Kubismus begann in den späten 1920er Jahren und stützte sich zunächst auf begrenzte Datenquellen, nämlich die Meinungen von Guillaume Apollinaire . Es stützte sich stark auf Daniel-Henry Kahnweilers Buch Der Weg zum Kubismus (erschienen 1920), das sich auf die Entwicklungen von Picasso, Braque, Léger und Gris konzentrierte. Die später entstandenen Begriffe „analytisch“ und „synthetisch“ haben sich seit Mitte der 1930er Jahre weitgehend durchgesetzt. Beide Begriffe sind historische Zumutungen, die nach den von ihnen identifizierten Fakten aufgetreten sind. Keine der Phasen war zum Zeitpunkt der Erstellung der entsprechenden Werke als solche gekennzeichnet. "Wenn Kahnweiler den Kubismus als Picasso und Braque betrachtet", schrieb Daniel Robbins, "ist unser einziger Fehler darin, die Werke anderer Kubisten der Strenge dieser begrenzten Definition zu unterwerfen."

Die traditionelle Interpretation des "Kubismus", die post-facto als Mittel zum Verständnis der Werke von Braque und Picasso formuliert wurde , hat unsere Wertschätzung für andere Künstler des 20. Jahrhunderts beeinflusst. Es ist schwer auf Maler wie Jean Metzinger , Albert Gleizes, Robert Delaunay und Henri Le Fauconnier zuzutreffen , deren grundlegende Unterschiede zum traditionellen Kubismus Kahnweiler dazu veranlassten, sich zu fragen, ob man sie überhaupt Kubisten nennen sollte. Laut Daniel Robbins "ist es ein schwerwiegender Fehler, zu behaupten, dass sich diese Künstler nur, weil sie sich anders entwickelten oder von dem traditionellen Muster abwichen, verdienten, in eine sekundäre oder Nebenrolle im Kubismus verbannt zu werden."

Die Geschichte des Begriffs "Kubismus" hebt meist hervor, dass Matisse im Zusammenhang mit einem Gemälde von Braque 1908 von "Würfeln" sprach und der Begriff in ähnlichem Zusammenhang zweimal von dem Kritiker Louis Vauxcelles veröffentlicht wurde. Das Wort "Würfel" wurde jedoch 1906 von einem anderen Kritiker, Louis Chassevent, nicht in Bezug auf Picasso oder Braque, sondern auf Metzinger und Delaunay verwendet:

"M. Metzinger ist ein Mosaizist wie M. Signac, aber er bringt mehr Präzision in den Schnitt seiner Farbwürfel, die wie maschinell hergestellt wirken [...]".

Die kritische Verwendung des Wortes "Würfel" geht mindestens auf den Mai 1901 zurück, als Jean Béral ​​bei einer Rezension der Arbeit von Henri-Edmond Cross bei den Indépendants in Art et Littérature kommentierte, dass er "einen großen und quadratischen Pointillismus verwendet, der den Eindruck erweckt". Man fragt sich sogar, warum der Künstler nicht verschiedenfarbige Festkörperwürfel verwendet hat: sie würden hübsche Deckwerke ergeben." (Robert Herbert, 1968, S. 221)

Der Begriff Kubismus wurde erst 1911 allgemein verwendet, hauptsächlich in Bezug auf Metzinger, Gleizes, Delaunay und Léger. 1911 nahm der Dichter und Kritiker Guillaume Apollinaire den Begriff im Namen einer Gruppe von Künstlern an, die eingeladen wurden, bei den Brussels Indépendants auszustellen. Im folgenden Jahr, in Vorbereitung auf den Salon de la Section d'Or , schrieben und veröffentlichten Metzinger und Gleizes Du "Cubisme" , um die Verwirrung um das Wort zu zerstreuen und als eine wichtige Verteidigung des Kubismus (der zu einer öffentlicher Skandal nach dem Salon des Indépendants 1911 und dem Salon d'Automne 1912 in Paris). Diese Arbeit, die ihre Ziele als Künstler verdeutlichte, war die erste theoretische Abhandlung über den Kubismus und ist immer noch die klarste und verständlichste. Das Ergebnis, nicht nur eine Zusammenarbeit der beiden Autoren, spiegelte die Diskussionen des Künstlerkreises wider, der sich in Puteaux und Courbevoie traf . Es spiegelte die Haltung der "Künstler von Passy" wider, zu denen Picabia und die Duchamp-Brüder gehörten, denen vor der Veröffentlichung Teile davon vorgelesen wurden. Das in Du "Cubisme" entwickelte Konzept der gleichzeitigen Betrachtung eines Subjekts von verschiedenen Punkten in Raum und Zeit, dh das Bewegen um ein Objekt, um es aus mehreren aufeinanderfolgenden Blickwinkeln zu erfassen, verschmolzen zu einem einzigen Bild (mehrere Blickwinkel, bewegliche Perspektive, Gleichzeitigkeit oder Multiplizität) ist ein allgemein anerkanntes Gerät, das von den Kubisten verwendet wird.

Dem Manifest Du "Cubisme" von 1912 von Metzinger und Gleizes folgte 1913 Les Peintres Cubistes , eine Sammlung von Reflexionen und Kommentaren von Guillaume Apollinaire. Apollinaire war seit 1905 und Braque seit 1907 eng mit Picasso verbunden, schenkte aber Künstlern wie Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia und Duchamp ebenso viel Aufmerksamkeit.

Die Tatsache, dass die Ausstellung von 1912 kuratiert wurde, um die aufeinanderfolgenden Etappen des Kubismus zu zeigen, und zu diesem Anlass Du "Cubisme" veröffentlicht wurde, zeigt die Absicht der Künstler, ihre Arbeit einem breiten Publikum verständlich zu machen (Kunstkritiker , Kunstsammler, Kunsthändler und die breite Öffentlichkeit). Zweifellos wurde der Kubismus aufgrund des großen Erfolgs der Ausstellung zu einer Avantgarde-Bewegung, die als Genre oder Stil in der Kunst mit einer bestimmten gemeinsamen Philosophie oder einem bestimmten Ziel anerkannt wurde.

Kristallkubismus: 1914-1918

Jean Metzinger, 1914–15, Soldat jouant aux échecs (Soldat bei einer Schachpartie, Le Soldat à la partie d'échecs) , Öl auf Leinwand, 81,3 × 61 cm, Smart Museum of Art , University of Chicago

Eine signifikante Modifikation des Kubismus zwischen 1914 und 1916 wurde durch eine Verlagerung hin zu einer starken Betonung großer überlappender geometrischer Ebenen und flacher Oberflächenaktivität signalisiert. Diese zwischen 1917 und 1920 besonders bedeutsame Gruppierung von Malerei- und Bildhauerstilen wurde von mehreren Künstlern praktiziert; insbesondere solche, die beim Kunsthändler und Sammler Léonce Rosenberg unter Vertrag stehen . Die Straffung der Kompositionen, die Klarheit und Ordnung, die sich in diesen Werken widerspiegeln, führten dazu, dass der Kritiker Maurice Raynal es als "Kristallkubismus" bezeichnete. Überlegungen der Kubisten vor Beginn des Ersten Weltkriegs – wie die vierte Dimension , die Dynamik des modernen Lebens, das Okkulte und Henri Bergsons Begriff der Dauer – waren nun aufgegeben und durch einen rein formalen Bezugsrahmen ersetzt worden.

Der Kristallkubismus und sein assoziatives Abseilen à l'ordre wurden mit der Neigung verbunden, den Realitäten des Ersten Weltkriegs sowohl während als auch unmittelbar danach zu entfliehen – sowohl bei den Streitkräften als auch bei denen, die im zivilen Sektor geblieben sind Der Konflikt. Die Säuberung des Kubismus von 1914 bis Mitte der 1920er Jahre mit seiner zusammenhängenden Einheit und freiwilligen Zwänge war mit einer viel breiteren ideologischen Transformation hin zum Konservatismus sowohl in der französischen Gesellschaft als auch in der französischen Kultur verbunden .

Kubismus nach 1918

Pablo Picasso , Drei Musiker (1921), Museum für Moderne Kunst . Three Musicians ist ein klassisches Beispiel für synthetischen Kubismus.

Die innovativste Periode des Kubismus war vor 1914. Nach dem Ersten Weltkrieg, unterstützt durch den Händler Léonce Rosenberg , kehrte der Kubismus als zentrales Thema für Künstler zurück und blieb als solcher bis Mitte der 1920er Jahre bestehen, als er seinen Avantgardestatus erhielt fragwürdig gemacht durch das Aufkommen der geometrischen Abstraktion und des Surrealismus in Paris . Viele Kubisten, darunter Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes und Metzinger, kehrten, während sie andere Stile entwickelten, auch weit nach 1925 regelmäßig zum Kubismus zurück. Der Kubismus tauchte in den 1920er und 1930er Jahren im Werk des Amerikaners Stuart Davis und der Engländer Ben Nicholson . In Frankreich erlebte der Kubismus jedoch ab etwa 1925 einen Niedergang. Léonce Rosenberg stellte nicht nur die im Exil Kahnweilers gestrandeten Künstler aus, sondern auch Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin und Severini. 1918 präsentierte Rosenberg in seiner Galerie de l'Effort Moderne in Paris eine Reihe kubistischer Ausstellungen. Louis Vauxcelles versuchte zu argumentieren, dass der Kubismus tot sei, aber diese Ausstellungen, zusammen mit einer gut organisierten kubistischen Ausstellung im Salon des Indépendants 1920 und einer Wiederbelebung des Salon de la Section d'Or im selben Jahr, zeigten es war noch am Leben.

Das Wiederaufleben des Kubismus fiel zusammen mit dem Erscheinen eines zusammenhängenden theoretischen Werks von Pierre Reverdy, Maurice Raynal und Daniel-Henry Kahnweiler sowie unter den Künstlern von Gris, Léger und Gleizes ab etwa 1917–24. Die gelegentliche Rückkehr zum Klassizismus – figurativen Werken entweder ausschließlich oder neben kubistischen Werken –, die von vielen Künstlern in dieser Zeit (genannt Neoklassizismus ) erlebt wurden, wurde mit der Tendenz verbunden, den Realitäten des Krieges zu entgehen, und auch mit der kulturellen Dominanz einer klassischen oder lateinischen Bild von Frankreich während und unmittelbar nach dem Krieg. Der Kubismus nach 1918 kann als Teil einer breiten ideologischen Verschiebung hin zum Konservatismus sowohl in der französischen Gesellschaft als auch in der Kultur gesehen werden. Der Kubismus selbst blieb jedoch sowohl innerhalb des Oeuvres einzelner Künstler wie Gris und Metzinger als auch im Werk so unterschiedlicher Künstler wie Braque, Léger und Gleizes evolutionär. Der Kubismus als öffentlich diskutierte Bewegung wurde relativ vereinheitlicht und offen für Definitionen. Seine theoretische Reinheit machte es zu einem Maßstab, mit dem so unterschiedliche Tendenzen wie Realismus oder Naturalismus , Dada , Surrealismus und Abstraktion verglichen werden konnten.

Diego Rivera , Portrait de Messieurs Kawashima et Foujita , 1914

Einfluss in Asien

Japan und China gehörten zu den ersten Ländern Asiens, die vom Kubismus beeinflusst wurden. Der Kontakt erfolgte erstmals über europäische Texte, die in den 1910er Jahren übersetzt und in japanischen Kunstzeitschriften veröffentlicht wurden. In den 1920er Jahren brachten japanische und chinesische Künstler, die in Paris studierten, beispielsweise die an der École nationale supérieure des Beaux-Arts eingeschriebenen , beide ein Verständnis für moderne Kunstströmungen, einschließlich des Kubismus, mit. Bemerkenswerte Werke ausstellen Cubist Qualitäten waren Tetsugoro Yorozu ‚s Selbstporträt mit roten Augen (1912) und Fang Ganmin ‘ s Melody im Herbst (1934).

Interpretation

Absichten und Kritik

Juan Gris , Porträt von Pablo Picasso , 1912, Öl auf Leinwand, Art Institute of Chicago

Der Kubismus von Picasso und Braque hatte mehr als eine technische oder formale Bedeutung, und die unterschiedlichen Einstellungen und Absichten der Salonkubisten brachten eher verschiedene Arten von Kubismus hervor als eine Ableitung ihrer Arbeit. "Es ist jedenfalls nicht klar", schrieb Christopher Green, "inwieweit diese anderen Kubisten bei der Entwicklung von Techniken wie Facettierung, 'Passage' und multipler Perspektive von Picasso und Braque abhängig waren; sie hätten durchaus ankommen können." bei solchen Praktiken mit geringen Kenntnissen des 'wahren' Kubismus in seinen Anfangsstadien, vor allem geleitet von ihrem eigenen Verständnis von Cézanne." Die von diesen Kubisten in den Salons von 1911 und 1912 ausgestellten Werke gingen über die herkömmlichen Cézanne-ähnlichen Themen – das gestellte Modell, das Stillleben und die Landschaft – hinaus, die von Picasso und Braque favorisiert wurden, und umfassten großformatige Themen des modernen Lebens. Diese Arbeiten richteten sich an ein breites Publikum und betonten die Verwendung multipler Perspektiven und komplexer flächiger Facetten für eine ausdrucksstarke Wirkung, während sie die Beredsamkeit der mit literarischen und philosophischen Konnotationen versehenen Themen bewahrten.

In Du "Cubisme" bezogen Metzinger und Gleizes das Zeitempfinden explizit auf multiple Perspektiven und brachten damit symbolisch den Begriff der "Dauer" des Philosophen Henri Bergson zum Ausdruck, wonach das Leben subjektiv als Kontinuum erlebt wird, in das die Vergangenheit einfließt Gegenwart und Gegenwart verschmelzen mit der Zukunft. Die Salonkubisten nutzten die facettenreiche Behandlung von Körper und Raum und die Wirkung verschiedener Standpunkte, um ein physisches und psychisches Gefühl für die Fluidität des Bewusstseins zu vermitteln und die Grenzen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu verwischen. Eine der wichtigsten theoretischen Innovationen der Salonkubisten, unabhängig von Picasso und Braque, war die der Gleichzeitigkeit , die sich mehr oder weniger auf Theorien von Henri Poincaré , Ernst Mach , Charles Henry , Maurice Princet und Henri Bergson stützte. Gleichzeitig wurde das Konzept getrennter räumlicher und zeitlicher Dimensionen umfassend in Frage gestellt. Die in der Renaissance entwickelte lineare Perspektive wurde aufgegeben. Der Gegenstand wurde nicht mehr unter einem bestimmten Gesichtspunkt zu einem bestimmten Zeitpunkt betrachtet, sondern nach einer Auswahl aufeinanderfolgender Gesichtspunkte aufgebaut, dh so, als ob er gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln (und in mehreren Dimensionen) betrachtet würde, wobei das Auge frei schweifen könnte einer zum anderen.

Diese Technik der Darstellung von Gleichzeitigkeit, multiplen Blickwinkeln (oder relativer Bewegung ) wird in Metzingers Nu à la cheminée , ausgestellt im Salon d'Automne 1910, auf ein hohes Maß an Komplexität getrieben ; Gleizes' monumentales Le Dépiquage des Moissons (Dreschen der Ernte) , das 1912 im Salon de la Section d'Or ausgestellt wurde; Le Fauconniers Abundance bei den Indépendants von 1911; und Delaunays Stadt Paris , die 1912 in den Indépendants ausgestellt wurden. Diese ehrgeizigen Werke gehören zu den größten Gemälden in der Geschichte des Kubismus. Légers The Wedding , ebenfalls 1912 im Salon des Indépendants gezeigt, formte den Begriff der Gleichzeitigkeit, indem er verschiedene Motive als innerhalb eines einzigen zeitlichen Rahmens präsentierte, in dem sich Reaktionen auf Vergangenheit und Gegenwart mit kollektiver Kraft durchdringen. Die Verbindung solcher Themen mit Gleichzeitigkeit bringt den Salonkubismus mit frühen futuristischen Gemälden von Umberto Boccioni , Gino Severini und Carlo Carrà in Einklang ; selbst als Reaktion auf den frühen Kubismus gemacht.

Kubismus und moderne europäische Kunst wurden in den Vereinigten Staaten auf der mittlerweile legendären Armory Show 1913 in New York City eingeführt , die dann nach Chicago und Boston reiste . In der Armory-Schau stellte Pablo Picasso unter anderem La Femme au pot de moutarde (1910), die Skulptur Kopf einer Frau (Fernande) (1909–10), Les Arbres (1907) aus. Jacques Villon stellte sieben bedeutende und große Kaltnadelradierungen aus, während sein Bruder Marcel Duchamp mit seinem Gemälde Nude Descending a Staircase, No. 2 (1912) die amerikanische Öffentlichkeit schockierte . Francis Picabia stellte seine Abstraktionen La Danse à la source und La Procession, Sevilla (beide 1912) aus. Albert Gleizes stellte mit La Femme aux Phlox (1910) und L'Homme au balcon (1912) zwei stark stilisierte und facettenreiche kubistische Werke aus. Auch Georges Braque , Fernand Léger , Raymond Duchamp-Villon , Roger de La Fresnaye und Alexander Archipenko steuerten Beispiele ihrer kubistischen Werke bei.

Kubistische Skulptur

Pablo Picasso, 1909–10, Frauenkopf
Seitenansicht, Bronzeskulptur nach dem Vorbild von Fernande Olivier
Frontalansicht des gleichen Bronzegusses, 40,5 × 23 × 26 cm
Diese Fotos wurden veröffentlicht in Umělecký Mĕsíčník , 1913

Ebenso wie die Malerei wurzelt die kubistische Skulptur in Paul Cézannes Reduktion der gemalten Objekte auf Komponentenebenen und geometrische Körper (Würfel, Kugeln, Zylinder und Kegel). Und ebenso wie in der Malerei wurde es zu einem allgegenwärtigen Einfluss und trug wesentlich zum Konstruktivismus und Futurismus bei .

Die kubistische Skulptur entwickelte sich parallel zur kubistischen Malerei. Im Herbst 1909 formte Picasso den Kopf einer Frau (Fernande) mit positiven Zügen, die durch den negativen Raum dargestellt werden und umgekehrt. Laut Douglas Cooper: "Die erste echte kubistische Skulptur war Picassos beeindruckender Frauenkopf , der 1909-1910 modelliert wurde, ein dreidimensionales Gegenstück zu vielen ähnlichen analytischen und facettenreichen Köpfen in seinen Gemälden zu dieser Zeit." Diese positiven/negativen Umkehrungen wurden 1912–13 von Alexander Archipenko ehrgeizig ausgenutzt , zum Beispiel in Woman Walking . Joseph Csaky war nach Archipenko der erste Bildhauer in Paris, der sich den Kubisten anschloss, mit denen er ab 1911 ausstellte. Ihnen folgten Raymond Duchamp-Villon und 1914 Jacques Lipchitz , Henri Laurens und Ossip Zadkine .

Tatsächlich war die kubistische Konstruktion so einflussreich wie jede bildhafte kubistische Innovation. Es war der Impuls für das protokonstruktivistische Werk sowohl von Naum Gabo als auch von Vladimir Tatlin und damit der Ausgangspunkt für die gesamte konstruktive Tendenz in der modernistischen Skulptur des 20. Jahrhunderts.

Die Architektur

Le Corbusier, Montagehalle, Chandigarh , Indien

Der Kubismus bildete eine wichtige Verbindung zwischen Kunst und Architektur des frühen 20. Jahrhunderts. Die historischen, theoretischen und gesellschaftspolitischen Beziehungen zwischen avantgardistischen Praktiken in Malerei, Skulptur und Architektur hatten frühe Auswirkungen in Frankreich , Deutschland , den Niederlanden und der Tschechoslowakei . Obwohl es viele Schnittpunkte zwischen Kubismus und Architektur gibt, lassen sich nur wenige direkte Verbindungen zwischen ihnen ziehen. Meistens werden die Verbindungen durch den Verweis auf gemeinsame formale Merkmale hergestellt: Facettierung der Form, räumliche Mehrdeutigkeit, Transparenz und Vielfalt.

Das architektonische Interesse am Kubismus konzentrierte sich auf die Auflösung und Wiederherstellung dreidimensionaler Formen unter Verwendung einfacher geometrischer Formen, die ohne die Illusionen der klassischen Perspektive nebeneinandergestellt wurden. Unterschiedliche Elemente können sich überlagern, transparent machen oder sich gegenseitig durchdringen und dabei ihre räumlichen Beziehungen beibehalten. Der Kubismus war ab 1912 ( La Maison Cubiste , von Raymond Duchamp-Villon und André Mare ) zu einem prägenden Faktor in der Entwicklung der modernen Architektur geworden und entwickelte sich parallel zu Architekten wie Peter Behrens und Walter Gropius mit der Vereinfachung des Bauentwurfs, die Verwendung industrietauglicher Materialien und der verstärkte Einsatz von Glas.

Le Corbusier, Centre Le Corbusier (Heidi Weber Museum) in Zürich - Seefeld ( Zürichhorn )

Der Kubismus war relevant für eine Architektur, die einen Stil suchte, der sich nicht auf die Vergangenheit beziehen musste. Was sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur zu einer Revolution geworden war, wurde so im Rahmen einer "tiefgreifenden Neuorientierung auf eine veränderte Welt" angewendet. Die kubo-futuristischen Ideen von Filippo Tommaso Marinetti beeinflussten die Haltungen in der avantgardistischen Architektur. Die einflussreiche De Stijl- Bewegung übernahm die ästhetischen Prinzipien des Neoplastizismus, die von Piet Mondrian unter dem Einfluss des Kubismus in Paris entwickelt wurden. De Stijl wurde auch von Gino Severini durch die Schriften von Albert Gleizes mit der kubistischen Theorie verbunden. Die Verbindung von geometrischen Grundformen mit inhärenter Schönheit und einfacher industrieller Anwendbarkeit – die von Marcel Duchamp ab 1914 vorweggenommen wurde – wurde jedoch den Gründern des Purismus , Amédée Ozenfant und Charles-Édouard Jeanneret (besser bekannt als Le Corbusier ), überlassen. der zusammen in Paris Gemälde ausstellte und 1918 Après le cubisme veröffentlichte. Le Corbusiers Ehrgeiz war es gewesen, die Eigenschaften seines eigenen Stils des Kubismus auf die Architektur zu übertragen. Zwischen 1918 und 1922 konzentrierte sich Le Corbusier auf die puristische Theorie und Malerei. 1922 eröffneten Le Corbusier und seine Cousine Jeanneret ein Atelier in Paris in der Rue de Sèvres 35. Seine theoretischen Studien führten bald zu vielen verschiedenen Architekturprojekten.

La Maison Cubiste (kubistisches Haus)

Raymond Duchamp-Villon , 1912, Studie für La Maison Cubiste, Projet d'Hotel (kubistisches Haus) . Bild veröffentlicht in Les Peintres Cubistes , von Guillaume Apollinaire, 17. März 1913
Le Salon Bourgeois , entworfen von André Mare für La Maison Cubiste , in der Abteilung für dekorative Kunst des Salon d'Automne, 1912, Paris. Metzingers Femme à l'Éventail an der linken Wand

Auf dem Salon d'Automne von 1912 wurde eine architektonische Installation ausgestellt, die schnell als Maison Cubiste ( Kubistisches Haus) bekannt wurde, mit Architektur von Raymond Duchamp-Villon und Innendekoration von André Mare zusammen mit einer Gruppe von Mitarbeitern. Metzinger und Gleizes schrieben in Du "Cubisme" , geschrieben während der Assemblage des "Maison Cubiste", über die Autonomie der Kunst und betonten, dass dekorative Erwägungen den Geist der Kunst nicht bestimmen sollten. Dekorative Arbeiten waren für sie das "Gegenstück zum Bild". „Das wahre Bild“, schrieben Metzinger und Gleizes, „trägt seine Daseinsberechtigung in sich. Es kann von einer Kirche in einen Salon , von einem Museum in ein Arbeitszimmer verlegt werden den Geist befriedigen: im Gegenteil, es sollte ihn nach und nach in die fiktiven Tiefen führen, in denen das koordinative Licht wohnt. Es harmoniert nicht mit diesem oder jenem Ensemble, es harmoniert mit den Dingen im Allgemeinen, mit dem Universum: es ist ein Organismus...".

La Maison Cubiste war ein komplett eingerichtetes Musterhaus mit Fassade, Treppe, schmiedeeisernem Geländer und zwei Räumen: einem Wohnzimmer – dem Salon Bourgeois , wo Gemälde von Marcel Duchamp, Metzinger ( Frau mit Fächer ), Gleizes, Laurencin und Léger wurden aufgehängt, und ein Schlafzimmer. Es war ein Beispiel für L'art decoratif , ein Haus, in dem kubistische Kunst im Komfort und Stil des modernen, bürgerlichen Lebens präsentiert werden konnte. Durch die von Duchamp-Villon entworfene Putzfassade gelangten die Zuschauer des Salon d'Automne in die beiden möblierten Räume. Diese architektonische Installation wurde anschließend auf der Armory Show 1913 in New York, Chicago und Boston ausgestellt und im Katalog der New Yorker Ausstellung als Raymond Duchamp-Villon, Nummer 609, mit dem Titel "Facade architecture, Putz" ( Façade architecturee ) aufgeführt.

Jacques Doucets hôtel particulier, 33 rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine

Die Möbel, Tapeten, Polster und Teppiche des Interieurs wurden von André Mare entworfen und waren frühe Beispiele für den Einfluss des Kubismus auf das spätere Art Deco . Sie bestanden aus sehr bunten Rosen und anderen floralen Mustern in stilisierten geometrischen Formen.

Mare nannte das Wohnzimmer, in dem kubistische Gemälde hingen, Salon Bourgeois . Léger beschrieb diesen Namen als „perfekt“. In einem Brief an Mare vor der Ausstellung schrieb Léger: „Ihre Idee ist für uns absolut großartig, wirklich großartig. Die Leute werden den Kubismus in seiner häuslichen Umgebung sehen, was sehr wichtig ist.

"Mares Ensembles wurden als Rahmen für kubistische Werke akzeptiert, weil sie Gemälden und Skulpturen ihre Eigenständigkeit ermöglichten", schrieb Christopher Green, "ein Spiel der Kontraste schaffend, daher nicht nur die Beteiligung von Gleizes und Metzinger selbst, sondern auch von Marie Laurencin, den Gebrüdern Duchamp (Raymond Duchamp-Villon entwarf die Fassade) und Mares alte Freunde Léger und Roger La Fresnaye".

1927 arbeiteten die Kubisten Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , der Bildhauer Gustave Miklos und andere an der Dekoration eines Atelierhauses in der Rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , das vom Architekten Paul Ruaud und im Besitz des französischen Modedesigners Jacques Doucet , ebenfalls ein Sammler postimpressionistischer und kubistischer Gemälde (einschließlich Les Demoiselles d'Avignon , die er direkt aus Picassos Atelier kaufte). Laurens entwarf den Brunnen, Csaky entwarf Doucets Treppe, Lipchitz entwarf den Kaminsims und Marcoussis machte einen kubistischen Teppich.

Tschechische kubistische Architektur

Haus der Schwarzen Madonna in Prag, erbaut 1912 von Josef Gočár

Die ursprüngliche kubistische Architektur ist sehr selten. Der Kubismus wurde nur in Böhmen (heute Tschechien ) und insbesondere in seiner Hauptstadt Prag auf die Architektur angewendet . Tschechische Architekten waren die ersten und einzigen, die jemals original kubistische Gebäude entworfen haben. Die kubistische Architektur blühte hauptsächlich zwischen 1910 und 1914 auf, aber die kubistischen oder vom Kubismus beeinflussten Gebäude wurden auch nach dem Ersten Weltkrieg gebaut . Nach dem Krieg wurde in Prag der Baustil namens Rondo-Kubismus entwickelt, der die kubistische Architektur mit runden Formen verschmolz.

Villa Kovařovic in Prag von Josef Chochol

In ihren theoretischen Regeln drückten die kubistischen Architekten die Forderung nach Dynamik aus, die die darin enthaltene Materie und Ruhe durch eine gestalterische Idee überwindet, so dass das Ergebnis beim Betrachter ein Gefühl von Dynamik und expressiver Plastizität hervorruft. Dies soll erreicht werden durch von Pyramiden, Kuben und Prismen abgeleitete Formen, durch Anordnungen und Kompositionen von schrägen Flächen, meist dreieckigen, plastisch geformten Fassaden in vorspringenden kristallartigen Einheiten, die an den sogenannten Diamantschliff erinnern, oder sogar kavernös, die an erinnern die spätgotische Architektur . Auf diese Weise werden die gesamten Fassadenflächen bis hin zu Giebeln und Gauben modelliert. Die Gitter sowie andere architektonische Ornamente erhalten eine dreidimensionale Form. So entstanden auch neue Formen von Fenstern und Türen, zB Sechskantfenster . Tschechische kubistische Architekten entwarfen auch kubistische Möbel.

Die führenden kubistischen Architekten waren Pavel Janák , Josef Gočár , Vlastislav Hofman , Emil Králíček und Josef Chochol . Sie arbeiteten hauptsächlich in Prag, aber auch in anderen böhmischen Städten. Das bekannteste kubistische Gebäude ist das 1912 von Josef Gočár erbaute Haus der Schwarzen Madonna in der Prager Altstadt mit dem einzigen kubistischen Café der Welt, dem Grand Café Orient. Vlastislav Hofman baute 1912–1914 die Eingangspavillons des Friedhofs Ďáblice , Josef Chochol entwarf unter Vyšehrad mehrere Wohnhäuser . In der Nähe des Wenzelsplatzes ist auch eine kubistische Straßenlaterne erhalten , die 1912 von Emil Králíček entworfen wurde, der um 1913 auch das Diamantenhaus in der Neustadt von Prag baute .

Kubismus in anderen Bereichen

Der Einfluss des Kubismus erstreckte sich auf andere künstlerische Bereiche, außerhalb der Malerei und Skulptur. In der Literatur verwenden die schriftlichen Werke von Gertrude Stein Wiederholungen und sich wiederholende Phrasen als Bausteine ​​sowohl in Passagen als auch in ganzen Kapiteln. Die meisten wichtigen Werke von Stein verwenden diese Technik, einschließlich des Romans The Making of Americans (1906-08). Sie waren nicht nur die ersten wichtigen Förderer des Kubismus, auch Gertrude Stein und ihr Bruder Leo waren wichtige Einflüsse auf den Kubismus. Picasso wiederum war ein wichtiger Einfluss auf Steins Schreiben. Im Bereich der amerikanischen Fiktion kann William Faulkners 1930er Roman As I Lay Dying als Interaktion mit dem kubistischen Modus gelesen werden. Der Roman enthält Erzählungen der unterschiedlichen Erfahrungen von 15 Charakteren, die zusammengenommen einen einzigen zusammenhängenden Körper ergeben.

Die Dichter, die allgemein mit dem Kubismus in Verbindung gebracht werden, sind Guillaume Apollinaire , Blaise Cendrars , Jean Cocteau , Max Jacob , André Salmon und Pierre Reverdy . Wie der amerikanische Dichter Kenneth Rexroth erklärt, ist der Kubismus in der Poesie „die bewusste, bewusste Dissoziation und Rekombination von Elementen zu einer neuen künstlerischen Einheit, die durch ihre strenge Architektur autark gemacht wird. Dies ist etwas ganz anderes als die freie Assoziation der Surrealisten und die Kombination unbewusste Äußerung und politischer Nihilismus von Dada." Dennoch war der Einfluss der kubistischen Dichter sowohl auf den Kubismus als auch auf die späteren Bewegungen des Dada und des Surrealismus tiefgreifend; Louis Aragon , Gründungsmitglied des Surrealismus, sagte, dass Reverdy für Breton, Soupault, Éluard und sich selbst "unser unmittelbarer Ältester, der beispielhafte Dichter" war. Obwohl sie nicht so bekannt sind wie die kubistischen Maler, beeinflussen und inspirieren diese Dichter weiterhin; Die amerikanischen Dichter John Ashbery und Ron Padgett haben kürzlich neue Übersetzungen von Reverdys Werken angefertigt. Wallace Stevens ' " Thirteen Ways of Looking at a Blackbird " soll auch demonstrieren, wie die vielfältigen Perspektiven des Kubismus in Poesie übersetzt werden können.

John Berger sagte: "Es ist fast unmöglich, die Bedeutung des Kubismus zu überschätzen. Es war eine Revolution in der bildenden Kunst, die so groß war wie die der Frührenaissance . Seine Auswirkungen auf die spätere Kunst, auf den Film und auf die Architektur sind bereits" so zahlreich, dass wir sie kaum bemerken."

Galerie

Presseartikel und Rezensionen

Siehe auch

Verweise

Weiterlesen

  • Alfred H. Barr, Jr., Kubismus und Abstrakte Kunst, New York: Museum of Modern Art, 1936.
  • Cauman, John (2001). Kubismus erben: Der Einfluss des Kubismus auf die amerikanische Kunst, 1909-1936 . New York: Hollis Taggart Galerien. ISBN 0-9705723-4-4.
  • Cooper, Douglas (1970). Die kubistische Epoche . London: Phaidon in Zusammenarbeit mit dem Los Angeles County Museum of Art und dem Metropolitan Museum of Art. ISBN 0-87587-041-4.
  • Paolo Vincenzo Genovese, Cubismo in architettura , Mancosu Editore, Roma, 2010. Auf Italienisch.
  • John Golding, Kubismus: Eine Geschichte und eine Analyse, 1907-1914, New York: Wittenborn, 1959.
  • Richardson, John . Ein Leben von Picasso, Der kubistische Rebell 1907-1916. New York: Alfred A. Knopf , 1991. ISBN  978-0-307-26665-1
  • Mark Antliff und Patricia Leighten, A Cubism Reader, Documents and Criticism, 1906-1914 , The University of Chicago Press, 2008
  • Christopher Green, Cubism and its Enemies, Modern Movements and Reaction in French Art, 1916–28 , Yale University Press, New Haven and London, 1987
  • Mikhail Lifshitz, Die Krise der Hässlichkeit: Vom Kubismus zur Pop-Art . Übersetzt und mit einer Einführung von David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (ursprünglich in russischer Sprache von Iskusstvo, 1968)
  • Daniel Robbins, Quellen des Kubismus und Futurismus , Art Journal, Bd. 41, Nr. 4, (Winter 1981)
  • Cécile Debray, Françoise Lucbert, La Section d'or, 1912-1920-1925 , Musées de Châteauroux, Musée Fabre, Ausstellungskatalog, Éditions Cercle d'art, Paris, 2000
  • Ian Johnston, Vorbemerkungen zur kubistischen Architektur in Prag , 2004

Externe Links