Kunstfotografie - Fine-art photography

Alfred Stieglitz' Fotografie The Steerage (1907) war ein Frühwerk der künstlerischen Moderne und gilt vielen Historikern als die bedeutendste Fotografie, die je gemacht wurde. Stieglitz zeichnete sich durch die Einführung der Kunstfotografie in die Museumssammlungen aus.

Fine-Art-Fotografie ist Fotografie, die nach der Vision des Fotografen als Künstler geschaffen wurde und die Fotografie als Medium des kreativen Ausdrucks nutzt. Das Ziel der Kunstfotografie ist es, eine Idee, eine Botschaft oder eine Emotion auszudrücken. Dies steht im Gegensatz zur gegenständlichen Fotografie wie dem Fotojournalismus , der eine dokumentarische visuelle Darstellung bestimmter Themen und Ereignisse bietet, die buchstäblich die objektive Realität und nicht die subjektive Absicht des Fotografen darstellt; und kommerzielle Fotografie, deren Hauptaugenmerk auf der Werbung für Produkte oder Dienstleistungen liegt.

Geschichte

Die Darstellung von Nacktheit ist eines der dominierenden Themen in der Kunstfotografie. Aktkomposition 19 von 1988 von Jaan Künnap .

Erfindung bis 1940

Ein Fotografie-Historiker behauptete, dass „der früheste Vertreter der ‚Kunst‘ oder Kompositionsfotografie John Edwin Mayall war “, der 1851 Daguerreotypien ausstellte, die das Vaterunser illustrierten . Erfolgreiche Versuche, Kunstfotografien zu machen, können auf Praktiker aus der viktorianischen Zeit wie Julia Margaret Cameron , Charles Lutwidge Dodgson und Oscar Gustave Rejlander und andere. Beim F. Holland Day in den USA waren Alfred Stieglitz und Edward Steichen maßgeblich daran beteiligt, die Fotografie zu einer schönen Kunst zu machen, und Stieglitz war besonders bemerkenswert, als sie sie in Museumssammlungen einführte.

Im Vereinigten Königreich wurde die Fotografie noch 1960 nicht wirklich als bildende Kunst anerkannt. Dr. SD Jouhar sagte, als er damals die Photographic Fine Art Association gründete: „Im Moment wird Fotografie nicht allgemein als mehr als ein Handwerk anerkannt. In den USA wird Fotografie in bestimmten offiziellen Kreisen offen als bildende Kunst akzeptiert wird in Galerien und Ausstellungen als Kunst gezeigt. Eine entsprechende Anerkennung gibt es hierzulande nicht. Der Londoner Salon zeigt bildhafte Fotografie, wird aber nicht allgemein als Kunst verstanden. Ob ein Werk ästhetische Qualitäten aufweist oder nicht, wird als "Bildfotografie" bezeichnet ", was ein sehr zweideutiger Begriff ist. Der Fotograf selbst muss Vertrauen in seine Arbeit und in ihre Würde und ihren ästhetischen Wert haben, um die Anerkennung als Kunst und nicht als Handwerk zu erzwingen".

Bis Ende der 1970er Jahre dominierten mehrere Genres, wie Akte, Porträts und Naturlandschaften (am Beispiel von Ansel Adams ). In den 1970er und 80er Jahren bahnbrechende „Star“-Künstler wie Sally Mann , Robert Mapplethorpe , Robert Farber und Cindy Sherman verließen sich immer noch stark auf solche Genres , obwohl sie sie mit neuen Augen sahen. Andere untersuchten einen ästhetischen Ansatz für Schnappschüsse .

Amerikanische Organisationen wie die Aperture Foundation und das Museum of Modern Art (MoMA) haben viel getan, um die Fotografie an der Spitze der bildenden Künste zu halten. Die Einrichtung einer Abteilung für Fotografie durch das MoMA im Jahr 1940 und die Ernennung von Beaumont Newhall zum ersten Kurator werden oft als institutionelle Bestätigung des Status der Fotografie als Kunst angeführt.

1950er bis heute

Andreas Gursky , Shanghai , 2000, C-Print auf Plexiglas aufgezogen, 119 x 81 Zoll

Es gibt mittlerweile einen Trend zu einer sorgfältigen Inszenierung und Ausleuchtung des Bildes, anstatt darauf zu hoffen, es vorgefertigt zu "entdecken". Fotografen wie Gregory Crewdson und Jeff Wall sind für die Qualität ihrer inszenierten Bilder bekannt. Darüber hinaus haben neue technologische Trends in der Digitalfotografie eine neue Richtung in der Vollspektrum-Fotografie eröffnet , bei der sorgfältige Filterauswahl über das Ultraviolett, das Sichtbare und das Infrarot zu neuen künstlerischen Visionen führt.

Vasiliy Ryabchenko , Stillleben ( 1970er Jahre)

Da sich die Drucktechnologien seit etwa 1980 verbessert haben, sind die Kunstdrucke eines Fotografen, die in einem fein gedruckten Buch in limitierter Auflage reproduziert werden, nun zu einem Gebiet von starkem Interesse für Sammler geworden. Dies liegt daran, dass Bücher normalerweise einen hohen Produktionswert haben, eine kleine Auflage haben und aufgrund ihres begrenzten Marktes fast nie nachgedruckt werden. Der Sammlermarkt für Fotobücher einzelner Fotografen entwickelt sich rasant.

Laut Art Market Trends 2004 wurden 2004 7.000 Fotografien in Auktionssälen verkauft, und die Preise für Fotografien stiegen zwischen 1994 und 2004 durchschnittlich um 7,6 Prozent pro Jahr . Rund 80 Prozent wurden in den USA verkauft. Natürlich erfassen Auktionsverkäufe nur einen Bruchteil der gesamten Privatverkäufe. Inzwischen gibt es einen florierenden Sammlermarkt, für den die gefragtesten Kunstfotografen hochwertige Archivabzüge in streng limitierter Auflage herstellen. Versuche von Online-Kunsthändlern, der breiten Öffentlichkeit neben Abzügen von Gemälden auch gute Fotografie zu verkaufen, hatten gemischte Ergebnisse, wobei starke Verkäufe nur von den traditionellen "großen Namen" der Fotografie wie Ansel Adams erzielt wurden.

Parallel zu dieser Entwicklung wurde die Schnittstelle zwischen den damals noch weitgehend getrennten Medien im engen Kunstbegriff, zwischen Malerei und Fotografie Anfang der 1960er und Mitte der 1960er Jahre kunsthistorisch relevant. 1970er Jahre durch die Arbeit der Fotokünstler Pierre Cordier ( Chimigram ), Paolo Monti ( Chemigramm ) und Josef H. Neumann ( Chemogram in einer neuen Kunstform) geschlossen. 1974 schloss Josef H. Neumann Chemogram die Trennung von malerischem Grund und fotografischer Ebene, indem er sie in einer bis dahin beispiellosen Symbiose als unverwechselbares Unikat in einer gleichzeitigen malerischen und realfotografischen Perspektive inszeniert eine fotografische Schicht in Farben und Formen vereint.

Neben der "digitalen Bewegung" in Richtung Manipulation, Filterung oder Auflösungsänderung streben einige bildende Künstler bewusst eine "Naturalistik" an, einschließlich "natürlicher Beleuchtung" als Wert an sich. Manchmal besteht das Kunstwerk wie im Fall von Gerhard Richter aus einem fotografischen Bild, das nachträglich mit Ölfarben übermalt wurde und/oder über das Bild selbst hinaus eine politische oder historische Bedeutung enthält. Die Existenz der "fotografisch projizierten Malerei" verwischt nun die traditionell absolute Grenze zwischen Malerei und Fotografie.

Rahmung und Druckgröße

Bis Mitte der 1950er Jahre galt es weithin als vulgär und anmaßend, ein Foto für eine Galerieausstellung zu rahmen. Drucke wurden meist einfach auf Tischlerplatten oder Sperrholz geklebt oder in der Dunkelkammer mit einem weißen Rand versehen und dann an den Ecken auf Schautafeln gepinnt. Auf diese Weise wurden Drucke gezeigt, ohne dass Glasreflexionen sie verdeckten. Steichens berühmte Ausstellung The Family of Man war ungerahmt, die Bilder auf Tafeln geklebt. Noch 1966 war Bill Brandts MoMA-Show ungerahmt, mit einfachen Drucken, die auf dünnes Sperrholz geklebt waren. Von Mitte der 1950er Jahre bis etwa 2000 hatten die meisten Galerieausstellungen Drucke hinter Glas. Seit ca. 2000 ist eine deutliche Tendenz zu erkennen, wieder zeitgenössische Galeriedrucke auf Karton und ohne Glas zu zeigen. Darüber hinaus gab es im Laufe des 20. Jahrhunderts eine merkliche Zunahme der Größe der Drucke.

Politik

Ansel Adams ' Die Tetons und der Schlangenfluss (1942)

Kunstfotografie wird in erster Linie als Ausdruck der Vision des Künstlers geschaffen, aber als Nebenprodukt war sie auch wichtig, um bestimmte Anliegen voranzutreiben. Die Arbeit von Ansel Adams in Yosemite und Yellowstone bietet ein Beispiel. Adams ist einer der bekanntesten Kunstfotografen des 20. Jahrhunderts und war ein begeisterter Förderer des Naturschutzes. Während sein Hauptaugenmerk auf der Fotografie als Kunst lag, weckten einige seiner Arbeiten das öffentliche Bewusstsein für die Schönheit der Sierra Nevada und trugen dazu bei, politische Unterstützung für ihren Schutz zu gewinnen.

Auch im Bereich des Zensurrechts und der freien Meinungsäußerung hat diese Fotografie aufgrund ihrer Beschäftigung mit dem nackten Körper Auswirkungen.

Überschneidung mit anderen Genres

Obwohl sich die Kunstfotografie mit vielen anderen Genres der Fotografie überschneiden kann, verdienen die Überschneidungen mit der Modefotografie und dem Fotojournalismus besondere Aufmerksamkeit.

1996 wurde festgestellt, dass es vor allem im Modebereich eine "jüngere Verwischung zwischen kommerzieller Illustrationsfotografie und Kunstfotografie" gegeben habe. Belege für die Überschneidung von Kunstfotografie und Modefotografie sind Vorträge, Ausstellungen, Messen wie die Art Basel Miami Beach und Bücher.

Fotojournalismus und Kunstfotografie überlappten sich, beginnend in den "späten 1960er und 1970er Jahren, als ... Nachrichtenfotografen Verbindungen zur künstlerischen Fotografie und Malerei eingingen". 1974 eröffnete das Internationale Zentrum für Fotografie mit den Schwerpunkten "humanitärer Fotojournalismus" und "Kunstfotografie". Bis 1987 "erscheinen Bilder, die im Auftrag für Zeitschriften und Zeitungen aufgenommen wurden, nun regelmäßig - in Rahmen - an den Wänden von Museen und Galerien".

Für die Kunstfotografie werden manchmal neue Smartphone-Apps wie Snapchat verwendet.

Einstellungen von Künstlern in anderen Bereichen

Die Reaktionen von Künstlern und Schriftstellern haben wesentlich zur Wahrnehmung der Fotografie als bildende Kunst beigetragen. Prominente Maler wie Francis Bacon und Pablo Picasso haben ihr Interesse am Medium bekundet:

Ich habe die Fotografie entdeckt. Jetzt kann ich mich umbringen. Ich habe nichts anderes zu lernen.

—  Pablo Picasso

Ich habe mich schon immer sehr für Fotografie interessiert. Ich habe mir weit mehr Fotos angeschaut als Gemälde. Denn ihre Realität ist stärker als die Realität selbst.

—  Francis Bacon

Auch namhafte Autoren haben auf das künstlerische Potenzial der Fotografie reagiert:

...es scheint mir, dass Capa zweifelsfrei bewiesen hat, dass die Kamera kein kaltes mechanisches Gerät sein muss. Wie der Stift ist er so gut wie der Mann, der ihn benutzt. Es kann die Erweiterung von Verstand und Herz sein...

Liste der Definitionen

Hier ist eine Liste von Definitionen der verwandten Begriffe "Kunstfotografie", "Kunstfotografie" und "Kunstfotografie".

In Nachschlagewerken

Zu den Definitionen, die in Nachschlagewerken zu finden sind, gehören:

  • „Kunstfotografie“: „Fotografie, die als schöne Kunst gemacht wird – das heißt, um die Wahrnehmungen und Emotionen des Künstlers auszudrücken und mit anderen zu teilen“.
  • "Kunstfotografie": "Ein Bild, das zum Verkauf oder zur Ausstellung produziert wird und nicht als Reaktion auf einen kommerziellen Auftrag".
  • "Kunstfotografie": "Die Produktion von Bildern zur Erfüllung der kreativen Vision eines Fotografen. ... Synonym für Kunstfotografie".
  • „Kunstfotografie“: Eine Definition „ist schwer fassbar“, aber „wenn Fotografen darauf Bezug nehmen, meinen sie die Fotografien, die in Zeitschriften wie American Photo , Popular Photography und Print sowie in Salons und Ausstellungen zu sehen sind ) Fotografie ist verkäuflich.".
  • „Künstlerische Fotografie“: „Ein häufig verwendeter, aber etwas vager Begriff. Dahinter steht die Idee, dass der Produzent eines gegebenen Bildes mehr als nur eine realistische Wiedergabe des Motivs angestrebt und versucht hat, einen persönlichen Eindruck zu vermitteln.“
  • "Kunstfotografie": Auch "Dekorfotografie" oder "Fotodekor" genannt, "beinhaltet den Verkauf großer Fotos ... die als Wandkunst verwendet werden können".

In wissenschaftlichen Artikeln

Zu den Definitionen, die in wissenschaftlichen Artikeln zu finden sind, gehören:

  • 1961 gründete Dr. SDJouhar die Photographic Fine Art Association, deren Vorsitzender er war. Ihre Definition von bildender Kunst war „Bilder schaffen, die Emotionen durch einen fotografischen Prozess hervorrufen, bei dem der Geist und die Vorstellungskraft frei, aber kompetent ausgeübt werden“.
  • Zwei Studien von Christopherson aus dem Jahr 1974 definierten "Kunstfotografen" als "die Personen, die Fotografien speziell als 'Kunst ' erstellen und verbreiten. "
  • A 1986 ethnographische und historische Studie von Schwartz nicht direkt „fine art photography“ definieren , aber habe es mit „Kamera Club Fotografie“ zu vergleichen. Es stellte sich heraus, dass die Kunstfotografie "mit anderen Medien verbunden ist", wie beispielsweise der Malerei; "antwortet auf seine eigene Geschichte und Traditionen" (im Gegensatz zu "das Streben nach den gleichen Errungenschaften ihrer Vorgänger"); "hat seinen eigenen Wortschatz"; „vermittelt Ideen“ (z. B. „Die Sorge um die Form ersetzt die Beschäftigung mit dem Thema“); "ist innovativ"; "ist persönlich"; "ist ein Lebensstil"; und "beteiligt sich an der Welt des Handels."

Im World Wide Web

Zu den Definitionen, die im World Wide Web zu finden sind, gehören:

  • Die Themenüberschriften der Library of Congress verwenden "Kunstfotografie" als "Kunstfotografie" und "Künstlerische Fotografie" (dh "Fotografie, künstlerisch") als "Fotografie als bildende Kunst, einschließlich ästhetischer Theorie".
  • Der Art & Architecture Thesaurus besagt, dass "Kunstfotografie" (bevorzugter Begriff) oder "Kunstfotografie" oder "künstlerische Fotografie" "die Bewegung in England und den Vereinigten Staaten von etwa 1890 bis ins frühe 20 Historisch gesehen wurde es manchmal auf jede Fotografie angewendet, deren Absicht ästhetisch ist, im Unterschied zu wissenschaftlichen, kommerziellen oder journalistischen; für diese Bedeutung "Fotografie " verwenden ".
  • Die Definitionen von "Kunstfotografie" auf den statischen Webseiten von Fotografen variieren von "der Teilmenge der Bildenden Kunst, die mit einer Kamera erstellt wird" bis zu "Fotografie mit begrenzter Reproduktion, die Materialien und Techniken verwendet, die den Künstler überleben werden".
  • In Bezug auf das Konzept der begrenzten Reproduktion gibt es im französischen Rechtssystem eine sehr genaue rechtliche Definition dafür, dass Kunstfotografie als Kunstwerk betrachtet wird. Laut Abgabenordnung gelten als Kunstwerke die vom Künstler angefertigten, von ihm selbst gedruckten oder von ihm kontrollierten, signierten und nummerierten Fotografien in maximal dreißig Exemplaren, einschließlich aller Größen und Montierungen.

Siehe auch

Verweise

Anmerkungen

Weiterlesen

  • Thompson, Jerry L. Wahrheit und Fotografie: Hinweise zum Schauen und Fotografieren . Chicago: Ivan R. Dee, 2003. ISBN  1-56663-539-X
  • Hell, Susanne. Kunstfotografie jetzt . New York: Aperture, 2005. ISBN  1-931788-91-X
  • Peres, Michael R. ed. Die Focal-Enzyklopädie der Fotografie: digitale Bildgebung, Theorie und Anwendungen, Geschichte und Wissenschaft . 4. Auflage. Amsterdam & Boston: Elsevier/Focal Press, 2007. ISBN  978-0-240-80740-9
  • Rosenblum, Naomi . Eine Weltgeschichte der Fotografie . 4. Auflage. New York: Abbeville Press, 2007. ISBN  978-0-7892-0937-5
  • Fodde, Marco . Fotografia Bildende Kunst . 1. Auflage. Mailand: Apogeo La Feltrinelli, 2012. ISBN  978-88-503-1397-6

Externe Links