Italienische Renaissancemalerei -Italian Renaissance painting

Die italienische Renaissance-Malerei ist die Malerei der Zeit, die im späten 13. Jahrhundert begann und vom frühen 15. bis zum späten 16. Jahrhundert blühte und auf der italienischen Halbinsel stattfand, die zu dieser Zeit in viele politische Staaten aufgeteilt war, von denen einige unabhängig, andere aber von außen kontrolliert wurden Kräfte. Obwohl die Maler des Renaissance-Italiens oft bestimmten Höfen und bestimmten Städten verbunden waren, wanderten sie dennoch quer durch Italien, nahmen oft einen diplomatischen Status ein und verbreiteten künstlerische und philosophische Ideen.

Die Stadt Florenz in der Toskana ist als Geburtsort der Renaissance und insbesondere der Renaissance-Malerei bekannt, obwohl später in der Ära Rom und Venedig zunehmend an Bedeutung in der Malerei gewannen. Ein detaillierter Hintergrund wird in den begleitenden Artikeln Kunst der Renaissance und Architektur der Renaissance gegeben .

Die Malerei der italienischen Renaissance wird am häufigsten in vier Perioden unterteilt: die Proto-Renaissance (1300–1425), die Frührenaissance (1425–1495), die Hochrenaissance (1495–1520) und den Manierismus (1520–1600). Die Daten für diese Perioden stellen den allgemeinen Trend in der italienischen Malerei dar und decken nicht alle Maler ab, da sich das Leben einzelner Künstler und ihre persönlichen Stile mit diesen Perioden überschnitten.

Die Proto-Renaissance beginnt mit dem Berufsleben des Malers Giotto und umfasst Taddeo Gaddi , Orcagna und Altichiero . Der Stil der Frührenaissance wurde von Masaccio begonnen und dann von Fra Angelico , Paolo Uccello , Piero della Francesca , Sandro Botticelli , Verrocchio , Domenico Ghirlandaio und Giovanni Bellini weiterentwickelt . Die Zeit der Hochrenaissance war die von Leonardo da Vinci , Michelangelo , Raffael , Andrea del Sarto , Coreggio , Giorgione , letztere Werke von Giovanni Bellini und Tizian . Die manieristische Periode, die in einem separaten Artikel behandelt wird, umfasste die letzten Werke von Michelangelo sowie Pontormo , Parmigianino , Bronzino und Tintoretto .

Große rechteckige Platte.  In der Mitte steht die Göttin Venus mit ihrem dicken goldenen Haar, das sich um sie windet, in einer großen Muschel.  Links wird sie von zwei Windgöttern ans Ufer geweht, wo rechts Flora, der Geist des Frühlings, sie in ein mit Blumen geschmücktes rosafarbenes Gewand hüllen will.  Die Figuren sind länglich und ruhig.  Die Farben sind zart.  Gold wurde verwendet, um die Details hervorzuheben.
Botticelli: Die Geburt der Venus für die Medici

Einflüsse

Fresko.  Die heilige Anna ruht im Bett in einem reich verzierten Renaissancezimmer.  Zwei Frauen halten das neugeborene Baby Mary, während eine dritte eine Wanne vorbereitet, um sie zu baden.  Eine Gruppe reich gekleideter junger Frauen ist zu Besuch.  Auf der linken Seite befindet sich eine Treppe mit zwei Personen, die sich in der Nähe einer oberen Tür umarmen.
Domenico Ghirlandaio , Die Geburt der Jungfrau Maria , zeigt die Einführung der Patronatsfamilien in religiöse Zyklen.

Die Einflüsse auf die Entwicklung der Renaissance-Malerei in Italien waren diejenigen, die auch Philosophie, Literatur, Architektur, Theologie, Wissenschaft, Regierung und andere Aspekte der Gesellschaft beeinflussten. Das Folgende ist eine Zusammenfassung der Punkte, die in den oben zitierten Hauptartikeln ausführlicher behandelt werden.

Philosophie

Eine Reihe klassischer Texte, die westeuropäischen Gelehrten seit Jahrhunderten verloren gegangen waren, wurde verfügbar. Dazu gehörten Philosophie, Poesie, Drama, Wissenschaft, eine Dissertation über die Künste und frühchristliche Theologie. Das daraus resultierende Interesse an der humanistischen Philosophie bedeutete, dass die Beziehung des Menschen zur Menschheit, zum Universum und zu Gott nicht mehr ausschließlich der Kirche vorbehalten war. Ein wiederbelebtes Interesse an den Klassikern führte zur ersten archäologischen Untersuchung römischer Überreste durch den Architekten Brunelleschi und den Bildhauer Donatello . Die Wiederbelebung eines auf klassischen Vorbildern basierenden Architekturstils inspirierte einen entsprechenden Klassizismus in der Malerei, der sich bereits in den 1420er Jahren in den Gemälden von Masaccio und Paolo Uccello manifestierte .

Wissenschaft und Technik

Gleichzeitig mit dem Zugang zu den klassischen Texten erhielt Europa Zugang zu fortgeschrittener Mathematik, die ihren Ursprung in den Werken byzantinischer und islamischer Gelehrter hatte. Das Aufkommen des Drucks mit beweglichen Lettern im 15. Jahrhundert bedeutete, dass Ideen leicht verbreitet werden konnten und immer mehr Bücher für ein breites Publikum geschrieben wurden. Die Entwicklung der Ölfarbe und ihre Einführung in Italien hatte nachhaltige Auswirkungen auf die Malerei.

Gesellschaft

Die Gründung der Medici Bank und der daraus resultierende Handel brachten einer einzigen italienischen Stadt, Florenz , beispiellosen Reichtum . Cosimo de' Medici setzte einen neuen Standard für die Förderung der Künste, die nicht mit Kirche oder Monarchie verbunden waren. Die zufällige Präsenz bestimmter künstlerischer Genies in der Region Florenz, insbesondere Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci und Michelangelo , bildete ein Ethos, das viele weniger bedeutende Künstler unterstützte und ermutigte, Arbeiten von außergewöhnlicher Qualität zu vollbringen.

Ein ähnliches Erbe künstlerischer Errungenschaften erlebte Venedig durch die talentierte Familie Bellini , ihre einflussreichen Schwiegereltern Mantegna , Giorgione , Tizian und Tintoretto .

Themen

Sehr großes Tafelbild einer Kampfszene mit einem Mann mit einem großen verzierten Hut auf einem sich aufbäumenden Schimmel, der Truppen zum Feind führt.  Körper und Waffen liegen auf dem Boden.  Der Hintergrund hat ferne Hügel und kleine Figuren.
Paolo Uccello , Die Schlacht von San Romano , demonstriert die Beschäftigung mit der Entwicklung der linearen Perspektive in einem weltlichen Thema

Viele Gemälde der Renaissancezeit wurden von oder für die katholische Kirche in Auftrag gegeben . Diese Werke waren oft großformatig und waren häufig in Fresken gemalte Zyklen des Lebens Christi , des Lebens der Jungfrau oder des Lebens eines Heiligen, insbesondere des heiligen Franziskus von Assisi . Es gab auch viele allegorische Gemälde zum Thema Erlösung und die Rolle der Kirche bei deren Verwirklichung. Kirchen gaben auch Altarbilder in Auftrag , die in Tempera auf Holz und später in Öl auf Leinwand gemalt wurden . Neben großen Altarbildern entstanden in sehr großer Zahl kleine Andachtsbilder sowohl für Kirchen als auch für Privatpersonen, wobei das häufigste Thema die Madonna mit Kind war .

Während der gesamten Zeit waren auch Bürgerkommissionen wichtig. Lokale Regierungsgebäude wurden mit Fresken und anderen Werken geschmückt, sowohl weltliche, wie Ambrogio Lorenzettis Die Allegorie der guten und schlechten Regierung , als auch religiöse, wie Simone Martinis Fresko der Maestà , im Palazzo Pubblico , Siena .

Porträtmalerei war im 14. und frühen 15. Jahrhundert ungewöhnlich, meist beschränkt auf bürgerliche Gedenkbilder wie die Reiterporträts von Guidoriccio da Fogliano von Simone Martini , 1327, in Siena und aus dem frühen 15. Jahrhundert, John Hawkwood von Uccello in der Kathedrale von Florenz und sein Begleiter porträtiert Niccolò da Tolentino von Andrea del Castagno .

Malerei.  Eine Waldszene mit Figuren, die zentrale Venus darstellend.  Links tanzen die Drei Grazien und der Gott Merkur vertreibt mit seinem Stab die Wolken.  Richtig, ein Windgott mit dunklen Flügeln stürzt herab, um eine Waldnymphe zu fangen, die sich in eine andere Figur verwandelt, die stattliche Göttin Flora, die Blumen verstreut.
Sandro Botticelli , Primavera , zeigt eine klassische Allegorie für einen privaten Gönner

Während des 15. Jahrhunderts wurde die Porträtmalerei üblich, zunächst oft formalisierte Profilporträts, aber zunehmend Porträts mit drei Vierteln und Brustlänge. Gönner von Kunstwerken wie Altarbildern und Freskenzyklen wurden oft in die Szenen einbezogen, ein bemerkenswertes Beispiel ist die Einbeziehung der Familien Sassetti und Medici in Domenico Ghirlandaios Zyklus in der Sassetti-Kapelle . Die Porträtmalerei wurde zu einem Hauptthema für Maler der Hochrenaissance wie Raffael und Tizian und setzte sich in Werken von Künstlern wie Bronzino bis in die Zeit des Manierismus fort .

Mit dem Wachstum des Humanismus wandten sich Künstler klassischen Themen zu, insbesondere um Aufträge für die Dekoration der Häuser wohlhabender Gönner zu erfüllen , am bekanntesten war Botticellis Geburt der Venus für die Medici. Zunehmend wurden klassische Themen auch als geeigneter allegorischer Stoff für bürgerliche Aufträge angesehen. Der Humanismus beeinflusste auch die Art und Weise, wie religiöse Themen dargestellt wurden, insbesondere auf Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle .

Andere Motive stammen aus dem zeitgenössischen Leben, mal mit allegorischer Bedeutung, mal rein dekorativ. Vorfälle, die für eine bestimmte Familie wichtig sind, könnten wie die in der Camera degli Sposi aufgezeichnet werden , die Mantegna für die Familie Gonzaga in Mantua malte . Zunehmend wurden Stillleben und dekorative Szenen aus dem Leben gemalt, wie das Konzert von Lorenzo Costa von etwa 1490.

Wichtige Ereignisse wurden oft in Gemälden wie Uccellos Schlacht von San Romano aufgezeichnet oder erinnert , ebenso wie wichtige lokale religiöse Feste. Geschichte und historische Charaktere wurden oft so dargestellt, dass sie aktuelle Ereignisse oder das Leben aktueller Menschen widerspiegelten. Porträts von Zeitgenossen wurden oft in Gestalt von Figuren aus der Geschichte oder Literatur gemalt. Die Schriften von Dante , Voragines Goldene Legende und Boccaccios The Decameron waren wichtige Themenquellen.

In all diesen Fächern und in den Werken fast aller Maler entwickelten sich zunehmend bestimmte zugrunde liegende malerische Praktiken: die Beobachtung der Natur, das Studium der Anatomie, des Lichts und der Perspektive.

Malerei der Proto-Renaissance

Kleines Altarbild mit klappbaren Flügeln.  Hintergrund aus glänzendem Gold.  Mitte, die Jungfrau Maria in Dunkelblau, hält das Christuskind.  In jeder Seitenwand befindet sich ein stehender Heiliger.  Die Farben sind satt und leuchtend, die Figuren langgestreckt und stilisiert.
Duccio di Buoninsegna : Madonna mit Kind ( um  1280 ) in der National Gallery, London , ist im Stil hauptsächlich italo-byzantinisch .

Traditionen der toskanischen Malerei des 13. Jahrhunderts

Die Kunst der Region Toskana im späten 13. Jahrhundert wurde von zwei Meistern des italo-byzantinischen Stils dominiert, Cimabue aus Florenz und Duccio aus Siena . Ihre Aufträge waren hauptsächlich religiöse Gemälde, darunter einige sehr große Altarbilder, die die Madonna mit Kind zeigen. Diese beiden Maler arbeiteten zusammen mit ihren Zeitgenossen Guido von Siena , Coppo di Marcovaldo und dem mysteriösen Maler, auf dessen Stil die Schule beruhen könnte, dem sogenannten Meister von St. Bernardino, alle in einer stark formalisierten und abhängigen Weise die alte Tradition der Ikonenmalerei. In diesen Tempera- Gemälden waren viele Details streng durch das Thema festgelegt, wobei die genaue Position der Hände der Madonna und des Christuskindes zum Beispiel durch die Art des Segens diktiert wurde, den das Gemälde auf den Betrachter beschwor. Der Winkel des Kopfes und der Schultern der Jungfrau, die Falten in ihrem Schleier und die Linien, mit denen ihre Gesichtszüge definiert wurden, waren alle in unzähligen solcher Gemälde wiederholt worden. Cimabue und Duccio machten Schritte in Richtung eines größeren Naturalismus, ebenso wie ihr Zeitgenosse Pietro Cavallini aus Rom.

Giotto

Quadratisches Fresko.  In einem flachen Raum wie bei einem Bühnenbild versammeln sich lebensechte Figuren um den Leichnam Jesu.  Alle trauern.  Maria Magdalena weint über seine Füße.  Ein männlicher Schüler breitet verzweifelt seine Arme aus.  Joseph von Arimethea hält das Leichentuch.  Im Himmel schreien kleine Engel und reißen sich die Haare.
Giotto : Die Klage , c. 1305, Scrovegni-Kapelle , Vorbote der Renaissance.

Giotto (1266–1337), traditionell ein Hirtenjunge aus den Hügeln nördlich von Florenz, wurde Cimabues Lehrling und ging als der herausragendste Maler seiner Zeit hervor. Giotto, möglicherweise beeinflusst von Pietro Cavallini und anderen römischen Malern, stützte die Figuren, die er malte, nicht auf eine malerische Tradition, sondern auf die Beobachtung des Lebens. Im Gegensatz zu denen seiner byzantinischen Zeitgenossen sind Giottos Figuren solide dreidimensional; Sie stehen direkt auf dem Boden, haben eine erkennbare Anatomie und sind in Gewänder mit Gewicht und Struktur gekleidet. Was Giottos Figuren jedoch vor allem von denen seiner Zeitgenossen unterscheidet, sind ihre Emotionen. In den Gesichtern von Giottos Figuren stehen Freude, Wut, Verzweiflung, Scham, Bosheit und Liebe. Der Freskenzyklus des Lebens Christi und des Marienlebens , den er in der Scrovegni-Kapelle in Padua malte, setzte einen neuen Maßstab für narrative Bilder. Seine Ognissanti-Madonna hängt in den Uffizien in Florenz im selben Raum wie Cimabues Santa Trinita-Madonna und Duccios Ruccellai-Madonna , wo die stilistischen Vergleiche zwischen den dreien leicht angestellt werden können. Eines der in Giottos Werk offensichtlichen Merkmale ist seine Beobachtung der naturalistischen Perspektive. Er gilt als Herold der Renaissance.

Fresko in Grau, Gelb und Schwarz gemalt.  Ein gelber Lichtschein kommt von oben rechts von einem Engel, der in diesem Detail nicht sichtbar ist.  Ein erschrockener Hirte, der am Boden liegt, dreht sich um, um den Engel zu sehen.  Das Licht des Engels berührt den Berghang, Figuren und Schafe.
Taddeo Gaddi: Verkündigung an die Hirten (Ausschnitt), Santa Croce

Giottos Zeitgenossen

Giotto hatte eine Reihe von Zeitgenossen, die entweder von ihm ausgebildet und beeinflusst wurden oder deren Naturbeobachtung sie in eine ähnliche Richtung geführt hatte. Obwohl mehrere von Giottos Schülern die Richtung übernahmen, die seine Arbeit eingeschlagen hatte, sollte keiner so erfolgreich werden wie er. Taddeo Gaddi schuf das erste große Gemälde einer Nachtszene in einer Verkündigung an die Hirten in der Baroncelli-Kapelle der Kirche Santa Croce in Florenz.

Die Gemälde in der Oberkirche der Basilika San Francesco in Assisi sind Beispiele naturalistischer Malerei jener Zeit, die oft Giotto selbst zugeschrieben werden, aber wahrscheinlicher das Werk von Künstlern um Pietro Cavallini sind . Ein spätes Gemälde von Cimabue in der Unterkirche von Assisi mit der Madonna und dem hl. Franziskus zeigt ebenfalls deutlich einen größeren Naturalismus als seine Tafelbilder und die Überreste seiner früheren Fresken in der Oberkirche.

Sterblichkeit und Erlösung

Ein kleiner Ausschnitt aus einem stark beschädigten Fresko, das Menschen zeigt, die zur Hölle verdammt sind.  Während schreckliche Dämonen sie umklammern, sind die Menschen fest entschlossen, ihren bösen Wegen des Mordens und der Verführung nachzugehen, ohne sich ihres prekären Zustands am Rande einer Grube bewusst zu sein.
Orcagna : Der Triumph des Todes (Detail), c. 1350, Museum von Santa Croce

Ein gemeinsames Thema in der Dekoration mittelalterlicher Kirchen war das Jüngste Gericht , das in nordeuropäischen Kirchen häufig einen skulpturalen Raum über der Westtür einnimmt, aber in italienischen Kirchen wie Giottos Scrovegni-Kapelle auf die innere Westwand gemalt ist. Der Schwarze Tod von 1348 veranlasste seine Überlebenden, sich auf die Notwendigkeit zu konzentrieren, sich dem Tod in einem Zustand der Buße und Absolution zu nähern. Die Unausweichlichkeit des Todes, die Belohnungen für die Bußfertigen und die Strafen für die Sünde wurden in einer Reihe von Fresken betont, die sich durch ihre düsteren Leidensdarstellungen und ihre surrealen Bilder der Qualen der Hölle auszeichnen .

Dazu gehören der Triumph des Todes von Giottos Schüler Orcagna , der sich heute in einem fragmentarischen Zustand im Museum von Santa Croce befindet, und der Triumph des Todes im Camposanto Monumentale in Pisa von einem unbekannten Maler, vielleicht Francesco Traini oder Buonamico Buffalmacco , der an dem anderen gearbeitet hat drei einer Reihe von Fresken zum Thema Erlösung. Es ist nicht genau bekannt, wann diese Fresken begonnen wurden, aber es wird allgemein angenommen, dass sie nach 1348 datieren.

Zwei bedeutende Freskenmaler waren im späten 14. Jahrhundert in Padua tätig, Altichiero und Giusto de' Menabuoi . Giustos Meisterwerk, die Dekoration des Baptisteriums von Padua , folgt dem Thema der Schöpfung, des Untergangs und der Erlösung der Menschheit und hat auch einen seltenen Apokalypse -Zyklus im kleinen Chor. Während das gesamte Werk aufgrund seines Umfangs, seiner Qualität und seines intakten Zustands außergewöhnlich ist, ist die Behandlung menschlicher Emotionen im Vergleich zu Altichieros Kreuzigung in der Basilika Sant'Antonio , ebenfalls in Padua, konservativ. Giustos Arbeit stützt sich auf formalisierte Gesten, in denen Altichiero die Vorfälle rund um den Tod Christi mit großer menschlicher Dramatik und Intensität erzählt.

Ein Altarbild mit goldenem Hintergrund und einem Rahmen, der von fünf reich geschnitzten gotischen Giebeln überragt wird.  Mitte, die Jungfrau Maria, die gelesen hat, dreht sich erschrocken um, als der Engel Gabriel nach links kniet.  Auf dem Goldgrund ist der Gruß des Engels „Ave Maria, Gratia Plena“ geprägt.  Die Figuren sind langgestreckt, stilisiert und von Eleganz geprägt.  In den Seitenwänden befinden sich Heilige.
Simone Martini : Die Verkündigung , 1333, Uffizien, ist im Stil der internationalen Gotik gehalten.

In Florenz, in der spanischen Kapelle Santa Maria Novella , wurde Andrea di Bonaiuto beauftragt, die Rolle der Kirche im Erlösungsprozess und insbesondere die des Dominikanerordens hervorzuheben . Sein Fresko Allegorie der aktiven und triumphierenden Kirche ist bemerkenswert für seine Darstellung der Kathedrale von Florenz , komplett mit der Kuppel, die erst im folgenden Jahrhundert gebaut wurde.

Internationale Gotik

Während des späten 14. Jahrhunderts war die internationale Gotik der Stil, der die toskanische Malerei dominierte. Es ist bis zu einem gewissen Grad im Werk von Pietro und Ambrogio Lorenzetti zu sehen, das von einer formalisierten Süße und Anmut in den Figuren und einer spätgotischen Anmut in den Vorhängen geprägt ist. Der Stil ist in den Werken von Simone Martini und Gentile da Fabriano voll entwickelt , die eine Eleganz und einen Detailreichtum sowie eine idealisierte Qualität aufweisen, die nicht mit den nüchternen Realitäten von Giottos Gemälden vereinbar ist.

Im frühen 15. Jahrhundert überbrücken die Gemälde von Fra Angelico die Lücke zwischen der internationalen Gotik und der Renaissance , von denen viele als Altarbilder in Tempera die gotische Liebe zur Ausarbeitung, Blattgold und brillanten Farben zeigen. In seinen Fresken in seinem Kloster Sant' Marco zeigt sich Fra Angelico als künstlerischer Schüler Giottos. Diese Andachtsbilder, die die von den Brüdern bewohnten Zellen und Korridore schmücken, stellen Episoden aus dem Leben Jesu dar , von denen viele Szenen der Kreuzigung sind . Sie sind schlicht, zurückhaltend in der Farbe und intensiv in der Stimmung, da der Künstler danach strebte, spirituelle Offenbarungen zu einer visuellen Realität zu machen.

Malerei der Frührenaissance

Kleine Bronzeskulptur in Hochrelief.  Der Raum ist voller Action.  Auf der Spitze eines Berges will Abraham seinen Sohn Isaak opfern, der auf einem Altar kniet.  Als Abraham ein Messer schwingt, hebt ein Engel seine Hand, um die Aktion zu stoppen, und weist ihn an, ein Schaf zu opfern, das in einem Busch gefangen ist.  Links sind zwei Diener und ein Esel.
Ghiberti: Wettbewerbsbeitrag für die Türen des Baptisteriums
Ein Paar große Bronzetüren mit verzierten Rahmen.  Die Türen sind in zehn rechteckige Abschnitte mit Dekorationen dazwischen unterteilt.  Jeder Abschnitt enthält eine Reliefskulptur, die eine Geschichte aus dem Alten Testament erzählt.  Die Paneele und Teile der Rahmen sind mit Gold überzogen.
Ghiberti: Die Tore des Paradieses

Florenz

Die frühesten echten Renaissance-Bilder in Florenz stammen aus dem Jahr 1401, obwohl es sich nicht um Gemälde handelt. In diesem Jahr wurde unter sieben jungen Künstlern ein Wettbewerb abgehalten, bei dem der Künstler ausgewählt wurde, um ein Paar Bronzetüren für das Baptisterium von Florenz , die älteste erhaltene Kirche der Stadt, zu schaffen. Die Teilnehmer sollten jeweils eine Bronzetafel ähnlicher Form und Größe entwerfen, die die Opferung Isaaks darstellt .

Zwei der Tafeln des Wettbewerbs sind erhalten, die von Lorenzo Ghiberti und Brunelleschi . Jede Tafel zeigt einige stark klassizistische Motive, die auf die Richtung hinweisen, in die sich Kunst und Philosophie damals bewegten. Ghiberti verwendete die nackte Figur von Isaac, um eine kleine Skulptur im klassischen Stil zu schaffen. Die Figur kniet auf einem Grabmal, das mit Akanthusranken geschmückt ist, die auch auf die Kunst des antiken Roms verweisen. In Brunelleschis Tafel erinnert eine der in der Szene enthaltenen zusätzlichen Figuren an eine bekannte römische Bronzefigur eines Jungen, der einen Dorn aus seinem Fuß zieht. Brunelleschis Schöpfung ist herausfordernd in ihrer dynamischen Intensität. Weniger elegant als Ghibertis, geht es mehr um menschliche Dramen und drohende Tragödien.

Ghiberti gewann den Wettbewerb. Die Fertigstellung seines ersten Baptisteriums dauerte 27 Jahre, danach wurde er mit der Anfertigung eines weiteren beauftragt. In den insgesamt 50 Jahren, in denen Ghiberti an ihnen arbeitete, boten die Türen vielen Künstlern aus Florenz eine Ausbildungsstätte. Als erzählerisches Thema und nicht nur Geschick beim Arrangieren figurativer Kompositionen, sondern auch die aufkeimende Fähigkeit der linearen Perspektive , sollten die Türen einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der florentinischen Bildkunst haben.

Brancacci-Kapelle

Fresko.  Jesu Jünger fragen ihn ängstlich.  Jesus bedeutet Petrus, zum See zu gehen.  Rechts gibt Peter einem Steuereintreiber eine Münze, die im Fisch gefunden wurde
Masaccio , Das Tributgeld für die Brancacci-Kapelle.

Die ersten Fresken oder Gemälde der Frührenaissance wurden 1425 begonnen, als zwei Künstler begannen, einen Freskenzyklus des Lebens des heiligen Petrus in der Kapelle der Familie Brancacci in der Karmeliterkirche in Florenz zu malen. Sie hießen beide Tommaso und bekamen die Spitznamen Masaccio und Masolino , Slovenly Tom und Little Tom.

Mehr als jeder andere Künstler erkannte Masaccio die Implikationen in der Arbeit von Giotto. Er führte die Praxis des Malens nach der Natur fort. Seine Fresken demonstrieren ein Verständnis der Anatomie, der Verkürzung, der linearen Perspektive, des Lichts und des Studiums der Vorhänge. In der Brancacci-Kapelle hat sein Fresko Tribute Money einen einzigen Fluchtpunkt und verwendet einen starken Kontrast zwischen Hell und Dunkel, um dem Werk eine dreidimensionale Qualität zu verleihen. Auch die Figuren von Adam und Eva , die aus Eden vertrieben werden, die auf der Seite des Bogens in die Kapelle gemalt sind, sind bekannt für ihre realistische Darstellung der menschlichen Form und der menschlichen Emotionen. Sie kontrastieren mit den sanften und hübschen Figuren, die Masolino auf der gegenüberliegenden Seite von Adam und Eva gemalt hat, die die verbotene Frucht erhalten . Das Gemälde der Brancacci-Kapelle blieb unvollständig, als Masaccio 1428 im Alter von 26 Jahren starb. Das Tribute Money wurde von Masolino fertiggestellt, während der Rest der Arbeiten in der Kapelle von Filippino Lippi in den 1480er Jahren abgeschlossen wurde. Masaccios Werk wurde zu einer Inspirationsquelle für viele spätere Maler, darunter Leonardo da Vinci und Michelangelo .

Entwicklung der linearen Perspektive

Fresko.  Eine Szene in gedämpften Farben, die die Vorhalle eines Tempels mit einer steilen Treppe zeigt.  Die Jungfrau Maria geht als kleines Kind und ermutigt von ihren Eltern die Stufen zum Hohepriester hinauf.
Paolo Uccello: The Presentation of the Virgin zeigt seine Experimente mit Perspektive und Licht.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts war die Erzielung der Wirkung eines realistischen Raums in einem Gemälde durch die Verwendung einer linearen Perspektive eine Hauptbeschäftigung vieler Maler sowie der Architekten Brunelleschi und Alberti , die beide Theorien zu diesem Thema aufstellten. Es ist bekannt, dass Brunelleschi eine Reihe sorgfältiger Studien der Piazza und des achteckigen Baptisteriums außerhalb der Kathedrale von Florenz durchgeführt hat, und es wird angenommen, dass er Masaccio bei der Schaffung seiner berühmten Trompe-l'œil- Nische um die Heilige Dreifaltigkeit half, die er in Santa Maria Novella malte .

Laut Vasari war Paolo Uccello so besessen von der Perspektive, dass er an kaum etwas anderes dachte und in vielen Gemälden damit experimentierte. Das bekannteste waren die drei Gemälde Die Schlacht von San Romano (fertiggestellt in den 1450er Jahren), die zerbrochene Waffen verwenden auf dem Boden, und Felder auf den fernen Hügeln, um einen Eindruck von Perspektive zu vermitteln.

In den 1450er Jahren demonstrierte Piero della Francesca in Gemälden wie Die Geißelung Christi seine Beherrschung der linearen Perspektive und auch der Wissenschaft des Lichts. Es gibt noch ein weiteres Gemälde, eine Stadtlandschaft, von einem unbekannten Künstler, vielleicht Piero della Francesca, das die Art von Experiment zeigt, das Brunelleschi gemacht hatte. Ab dieser Zeit wurde die lineare Perspektive verstanden und regelmäßig verwendet, wie beispielsweise von Perugino in seinem Christus, der St. Peter die Schlüssel gibt (1481–82) in der Sixtinischen Kapelle .

Rechteckige Tafelmalerei.  Die Komposition ist zweigeteilt, mit einer Innenszene und einer Außenszene.  Links steht die blasse, hell erleuchtete Jesusgestalt an einer Säule gefesselt, während ein Mann ihn auspeitscht.  Der Herrscher sitzt links auf einem Thron.  Das Gebäude ist im antiken römischen Stil gehalten.  Rechts stehen zwei reich gekleidete Männer und ein barfüßiger Jüngling in einem Hof, viel näher am Betrachter, also größer erscheinend.
Piero della Francesca: The Flagellation demonstriert die Kontrolle des Künstlers über Perspektive und Licht.

Licht verstehen

Giotto verwendete Tonalität, um Formen zu schaffen. Taddeo Gaddi demonstrierte in seiner nächtlichen Szene in der Baroncelli-Kapelle , wie man mit Licht Dramatik erzeugen kann. Paolo Uccello experimentierte hundert Jahre später in einigen seiner fast monochromen Fresken mit der dramatischen Wirkung des Lichts. Er hat einige davon in terra verde ("grüne Erde") gemacht und seine Kompositionen mit einem Hauch von Zinnober belebt. Am bekanntesten ist sein Reiterporträt von John Hawkwood an der Wand der Kathedrale von Florenz . Sowohl hier als auch auf den vier Köpfen von Propheten, die er um das innere Ziffernblatt der Kathedrale herum malte, verwendete er stark kontrastierende Töne, was darauf hindeutete, dass jede Figur von einer natürlichen Lichtquelle beleuchtet wurde, als ob die Quelle ein echtes Fenster in der Kathedrale wäre Kathedrale.

Piero della Francesca führte sein Studium des Lichts weiter. In der Flagellation demonstriert er ein Wissen darüber, wie Licht proportional von seinem Ursprungsort verbreitet wird. Es gibt zwei Lichtquellen in diesem Gemälde, eine innerhalb eines Gebäudes und die andere außerhalb. Obwohl das Licht selbst unsichtbar ist, kann seine Position mit mathematischer Sicherheit berechnet werden. Leonardo da Vinci sollte Pieros Lichtarbeit weiterführen.

Die Madonna

Eine kreisförmige Terrakotta-Plakette, die als Relief geformt und in intensiven Blau- und Grüntönen mit weißen Figuren und Motiven glasiert ist.  In der Mitte kniet die Jungfrau Maria, beobachtet von Johannes dem Täufer, in Anbetung des Jesuskindes.  Engelchen schauen zu
Andrea und Giovanni della Robbia: Madonna mit Kind
Quadratisches Tafelbild, Andachtsbild.  Obwohl in farbenprächtiger Farbe und vor einem dunklen Wald, ist die Komposition von Jungfrau und Kind der auf der Terrakottatafel sehr ähnlich.
Filippo Lippi: Madonna mit Kind , 1459

Die Heilige Jungfrau Maria , die von der katholischen Kirche weltweit verehrt wird , wurde besonders in Florenz erwähnt, wo ein wundersames Bild von ihr auf einer Säule auf dem Kornmarkt stand und wo sowohl die Kathedrale „Unserer Lieben Frau der Blumen“ als auch der große Dominikaner standen Kirche Santa Maria Novella wurde ihr zu Ehren benannt.

Das wundertätige Bild auf dem Getreidemarkt wurde durch einen Brand zerstört, aber in den 1330er Jahren durch ein neues Bild von Bernardo Daddi ersetzt , das in einem kunstvoll gestalteten und aufwendig gearbeiteten Baldachin von Orcagna eingesetzt wurde . Das offene Untergeschoss des Gebäudes wurde eingefriedet und als Orsanmichele eingeweiht .

Darstellungen der Madonna mit Kind waren in Florenz eine sehr beliebte Kunstform. Sie nahmen jede Form an, von kleinen massenproduzierten Terrakottatafeln bis hin zu prächtigen Altarbildern wie denen von Cimabue , Giotto und Masaccio .

Im 15. und in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts dominierte eine Werkstatt mehr als jede andere die Herstellung von Madonnen. Sie waren die Familie della Robbia, und sie waren keine Maler, sondern Modelleure in Ton. Luca della Robbia , berühmt für seine Cantoria-Galerie in der Kathedrale, war der erste Bildhauer, der glasierte Terrakotta für große Skulpturen verwendete. Viele der langlebigen Werke dieser Familie sind erhalten geblieben. Die Fähigkeit der della Robbias, insbesondere von Andrea della Robbia , bestand darin, den Babys, die sie als Jesus modelliert hatten, großen Naturalismus zu verleihen und der Madonna Ausdruck großer Frömmigkeit und Süße zu verleihen. Sie sollten einen Standard setzen, der von anderen Künstlern in Florenz nachgeahmt werden sollte.

Unter denen, die während der Frührenaissance Andachtsmadonnen malten, sind Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio und Davide Ghirlandaio . Der Brauch wurde von Botticelli fortgesetzt, der über einen Zeitraum von zwanzig Jahren eine Reihe von Madonnen für die Medici schuf ; Perugino , dessen Madonnen und Heilige für ihre Süße bekannt sind, und Leonardo da Vinci , dem eine Reihe kleiner zugeschriebener Madonnen wie die Madonna von Benois erhalten geblieben sind. Sogar Michelangelo , der in erster Linie Bildhauer war, ließ sich dazu überreden, die Doni Tondo zu malen , während sie für Raffael zu seinen beliebtesten und zahlreichsten Werken gehören.

Malerei der Frührenaissance in anderen Teilen Italiens

Andrea Mantegna in Padua und Mantua

Einer der einflussreichsten Maler Norditaliens war Andrea Mantegna aus Padua , der das Glück hatte, in seinen Teenagerjahren zu der Zeit zu sein, in der der große florentinische Bildhauer Donatello dort arbeitete. Donatello schuf die riesige Reiterbronze des Condotiero Gattemelata , die erste seit dem Römischen Reich, die noch heute auf ihrem Sockel auf dem Platz vor der Basilika Sant'Antonio zu sehen ist . Er arbeitete auch am Hochaltar und schuf eine Reihe von Bronzetafeln, in denen er eine bemerkenswerte Illusion von Tiefe erzielte, mit Perspektive in den architektonischen Umgebungen und scheinbarer Rundung der menschlichen Form, alles in sehr flachem Relief.

Mit nur 17 Jahren nahm Mantegna seinen ersten Auftrag an, Freskenzyklen des Lebens der Heiligen Jakobus und Christophorus für die Ovetari-Kapelle im Querschiff der Kirche der Eremitani , in der Nähe der Scrovegni-Kapelle in Padua. Leider wurde das Gebäude im Zweiten Weltkrieg größtenteils zerstört, und sie sind nur aus Fotografien bekannt, die einen bereits hoch entwickelten Sinn für Perspektive und ein Wissen über die Antike offenbaren, für das die alte Universität von Padua zu Beginn des 15. Jahrhunderts bekannt geworden war Jahrhundert.

Fresko.  Eine Nahaufnahme eines reich gekleideten Ehepaares mittleren Alters, das mit seiner Familie, seinen Dienern und seinem Jagdhund auf einer Terrasse sitzt.  Der Mann bespricht einen Brief mit seinem Steward.  Ein kleines Mädchen sucht die Aufmerksamkeit ihrer Mutter.  Die älteren Söhne stehen hinter den Eltern.  Der Raum ist formal begrenzt und überfüllt, aber die Figuren interagieren auf natürliche Weise.
Mantegna: Die Familie Gonzaga (Detail)

Mantegnas letztes Werk in Padua war ein monumentales Altarbild von San Zeno, das von 1457 bis 1459 für den Abt der Basilika San Zeno in Verona geschaffen wurde Weiterentwicklung der Renaissancekunst in Norditalien.

Mantegnas berühmtestes Werk ist die Innenausstattung der Camera degli Sposi im herzoglichen Palast von Mantua aus dem Jahr 1470. Die Wände sind mit Szenen aus dem Leben der Familie Gonzaga geschmückt , die spricht und einen jüngeren Sohn und seinen Lehrer bei ihrer Rückkehr begrüßt aus Rom, Vorbereitung auf eine Jagd und andere solche Szenen, die keinen offensichtlichen Bezug zu historischen, literarischen, philosophischen oder religiösen Angelegenheiten haben. Sie sind bemerkenswert, weil es einfach um das Familienleben geht. Das einzige Zugeständnis ist das Verstreuen fröhlich geflügelter Putten , die Plaketten und Girlanden hochhalten und auf die illusionistische , durchbrochene Balustrade klettern, die einen Trompe-l'œil- Blick auf den Himmel umgibt, der die Decke der Kammer bedeckt. Mantegnas wichtigstes Vermächtnis ist die Einführung des räumlichen Illusionismus, der durch eine Beherrschung der Perspektive sowohl in Fresken als auch in Sacra Conversazione - Gemälden ausgeführt wird: Seine Tradition der Deckendekoration wurde fast drei Jahrhunderte lang fortgesetzt.

Antonello von Messina

1442 wurde Alfons V. von Aragon Herrscher von Neapel , brachte eine Sammlung flämischer Gemälde mit und gründete eine humanistische Akademie . Antonello da Messina scheint Zugang zur Sammlung des Königs gehabt zu haben, die möglicherweise die Werke von Jan van Eyck umfasste . Jüngste Beweise deuten darauf hin, dass Antonello wahrscheinlich Anfang 1456 in Mailand mit Van Eycks erfolgreichstem Anhänger, Petrus Christus , in Kontakt stand und wahrscheinlich die Techniken der Ölmalerei erlernte, einschließlich des Malens fast mikroskopischer Details und winziger Lichtabstufungen, direkt von Christus. Auch der ruhigere Ausdruck auf den Gesichtern seiner Werke und die Ruhe in der Gesamtkomposition der Werke scheinen ein niederländischer Einfluss zu sein. Antonello ging 1475 nach Venedig und blieb dort bis zum Herbst 1476, so dass es wahrscheinlich ist, dass Antonello die Techniken der Verwendung von Ölfarben, das Malen der Lichtabstufung und die Prinzipien der Ruhe an venezianische Maler weitergab , darunter Giovanni Bellini, einer von ihnen die bedeutendsten Maler der Hochrenaissance in Norditalien, während dieses Besuchs.

Antonello malte meist kleine akribische Porträts in leuchtenden Farben. Aber eines seiner berühmtesten Werke, St. Jerome in His Study , demonstriert seine überlegene Fähigkeit im Umgang mit linearer Perspektive und Licht. Die Komposition des kleinen Gemäldes wird von einem spätgotischen Bogen eingerahmt, durch den man in einen Innenraum blickt, der auf der einen Seite häuslich und auf der anderen kirchlich ist, in dessen Mitte der Heilige in einem hölzernen Pferch sitzt, umgeben von seinen Besitztümern und seinem Löwen schleicht im Schatten auf dem Boden umher. Die Art und Weise, wie das Licht durch jede Tür und jedes Fenster hereinströmt und sowohl natürliches als auch reflektiertes Licht über die Architektur und alle Objekte wirft, hätte Piero della Francesca begeistert .

Aufbruch in die Hochrenaissance

Patronat und Humanismus

In Florenz wurden im späten 15. Jahrhundert die meisten Kunstwerke, auch solche, die als Dekoration für Kirchen angefertigt wurden, im Allgemeinen von privaten Auftraggebern in Auftrag gegeben und bezahlt. Ein Großteil der Schirmherrschaft kam von der Medici- Familie oder von denen, die eng mit ihnen verbunden oder verwandt waren, wie die Sassetti, die Ruccellai und die Tornabuoni.

In den 1460er Jahren hatte Cosimo de' Medici Marsilio Ficino als seinen ansässigen humanistischen Philosophen etabliert und seine Übersetzung von Platon und seine Lehre der platonischen Philosophie erleichtert , die sich auf die Menschheit als Zentrum des natürlichen Universums konzentrierte, auf die persönliche Beziehung jedes Menschen zu Gott , und auf brüderlicher oder "platonischer" Liebe als dem, was eine Person am ehesten erreichen könnte, um die Liebe Gottes nachzuahmen oder zu verstehen.

Im Mittelalter wurde alles, was mit der Klassik zu tun hatte, als mit dem Heidentum verbunden wahrgenommen. In der Renaissance wurde es zunehmend mit Aufklärung in Verbindung gebracht . Die Figuren der klassischen Mythologie begannen, eine neue symbolische Rolle in der christlichen Kunst zu übernehmen, und insbesondere die Göttin Venus gewann eine neue Diskretion. Durch eine Art Wunder voll ausgebildet geboren, war sie die neue Eva , Symbol der unschuldigen Liebe, oder sogar, im weiteren Sinne, ein Symbol der Jungfrau Maria selbst. Wir sehen Venus in diesen beiden Rollen in den beiden berühmten Tempera-Gemälden, die Botticelli in den 1480er Jahren für Cosimos Neffen Pierfrancesco de' Medici , die Primavera und die Geburt der Venus , malte .

In der Zwischenzeit fertigte Domenico Ghirlandaio , ein akribischer und präziser Zeichner und einer der besten Porträtmaler seiner Zeit, zwei Freskenzyklen für Medici-Mitarbeiter in zwei der größeren Kirchen von Florenz an, der Sassetti-Kapelle in Santa Trinita und der Tornabuoni-Kapelle in Santa Maria Novella . In diesen Zyklen des Lebens des heiligen Franziskus und des Lebens der Jungfrau Maria und des Lebens Johannes des Täufers war Platz für Porträts von Patronen und Patronen der Patrone. Dank Sassettis Schirmherrschaft gibt es ein Porträt des Mannes selbst mit seinem Arbeitgeber Lorenzo il Magnifico und der drei Söhne von Lorenzo mit ihrem Erzieher, dem humanistischen Dichter und Philosophen Agnolo Poliziano . In der Tornabuoni-Kapelle befindet sich ein weiteres Porträt von Poliziano, begleitet von den anderen einflussreichen Mitgliedern der Platonischen Akademie, darunter Marsilio Ficino.

Quadratische Platte.  Die Geburt Jesu.  Ein zerstörtes Gebäude wird als Stall wiederverwendet.  In der Mitte kniet die Jungfrau Maria mit langen roten Haaren und einem schlichten dunkelblauen Gewand, um das kleine neugeborene Christkind anzubeten, das auf etwas Heu auf dem Boden liegt.  Joseph steht vorne links.  Im Schatten sind ein Ochse und ein Esel.  Rechts knien drei sehr naturalistische Hirten, während sich viele Engel, einige in reichen Brokatmänteln, darum versammeln.  In der Ferne zeigt eine zweite Szene einen Engel, der den Hirten die Nachricht überbringt.
Hugo van der Goes: Der Portinari-Altar
Quadratische Platte.  Die Geburt Jesu.  Einige antike römische Säulen werden verwendet, um ein stabiles Dach zu stützen.  Ein Steinsarg wurde als Futtertrog wiederverwendet.  Links kniet die Jungfrau Maria in rotem Kleid, blauem Umhang und hauchdünnem Schleier, um das Christuskind anzubeten, das ein rundliches Baby ist, das im Vordergrund liegt.  Drei Hirten, der Ochse und der Esel beten das Kind an.  Neben Maria blickt Joseph auf und sieht eine lange Prozession kommen, während sich die Heiligen Drei Könige mit ihrem Gefolge nähern.
Ghirlandaio: Der Sassetti-Altar

Flämischer Einfluss

Ab etwa 1450, mit der Ankunft des flämischen Malers Rogier van der Weyden in Italien und möglicherweise früher, wurden Künstler mit dem Medium der Ölfarbe vertraut gemacht . Während sich sowohl Tempera als auch Fresko für die Darstellung von Mustern eigneten, boten beide keine erfolgreiche Möglichkeit, natürliche Texturen realistisch darzustellen. Das hochflexible Medium Öl, das opak oder transparent gemacht werden konnte und tagelang nach dem Auftragen Änderungen und Ergänzungen erlaubte, eröffnete italienischen Künstlern eine neue Welt der Möglichkeiten.

1483 kam das riesige Altarbild der Anbetung der Hirten , gemalt von Hugo van der Goes , in Florenz an. Bereits 1475 auf Geheiß der Familie Portinari gemalt, wurde es aus Brügge verschifft und in der Kapelle Sant' Egidio im Krankenhaus Santa Maria Nuova aufgestellt. Das Altarbild leuchtet in intensiven Rot- und Grüntönen und steht im Kontrast zu den glänzenden schwarzen Samtgewändern der Portinari-Spender. Im Vordergrund steht ein Blumenstillleben in kontrastierenden Gefäßen, eines aus glasierter Keramik und das andere aus Glas. Allein die Glasvase reichte aus, um Aufmerksamkeit zu erregen. Der einflussreichste Aspekt des Triptychons war jedoch die äußerst natürliche und lebensechte Qualität der drei Hirten mit Stoppelbärten, abgearbeiteten Händen und Ausdrücken, die von Anbetung über Staunen bis hin zu Unverständnis reichten. Domenico Ghirlandaio malte prompt seine eigene Version mit einer wunderschönen italienischen Madonna anstelle der flämischen mit dem langen Gesicht und sich selbst, theatralisch gestikulierend, als einer der Hirten.

Päpstliche Kommission

1477 ersetzte Papst Sixtus IV. die verfallene alte Kapelle im Vatikan , in der viele der päpstlichen Gottesdienste abgehalten wurden. Das Innere der neuen Kapelle, die ihm zu Ehren Sixtinische Kapelle genannt wurde, scheint von Anfang an mit einer Reihe von 16 großen Fresken zwischen den Pfeilern auf der mittleren Ebene geplant worden zu sein, mit einer Reihe gemalter Porträts von Päpsten darüber. 1480 wurde eine Gruppe von Künstlern aus Florenz mit dem Werk beauftragt: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio und Cosimo Rosselli . Dieser Freskenzyklus sollte auf der einen Seite der Kapelle Geschichten aus dem Leben Moses und auf der anderen Seite Geschichten aus dem Leben Christi darstellen , wobei sich die Fresken thematisch ergänzen. Die Geburt Jesu und die Auffindung Moses waren an der Wand hinter dem Altar benachbart, mit einem Altarbild der Himmelfahrt der Jungfrau Maria dazwischen. Diese Gemälde, alle von Perugino, wurden später zerstört, um Michelangelos Jüngstes Gericht zu malen .

Rechteckiges Fresko
Domenico Ghirlandaio und Workshop: Berufung der Apostel , Sixtinische Kapelle

Die verbleibenden 12 Bilder zeigen die Virtuosität, die diese Künstler erreicht hatten, und die offensichtliche Zusammenarbeit zwischen Personen, die normalerweise sehr unterschiedliche Stile und Fähigkeiten einsetzten. Die Gemälde gaben ihren Fähigkeiten die volle Bandbreite, da sie eine große Anzahl von Figuren von Männern, Frauen und Kindern und Charakteren enthielten, die von führenden Engeln bis hin zu wütenden Pharaonen und dem Teufel selbst reichten. Jedes Gemälde erforderte eine Landschaft . Aufgrund des von den Künstlern vereinbarten Maßstabs der Figuren nehmen die Landschaft und der Himmel in jedem Bild die gesamte obere Hälfte der Szene ein. Manchmal, wie in Botticellis Szene „ Die Reinigung des Aussätzigen “ , finden zusätzliche kleine Erzählungen in der Landschaft statt, in diesem Fall „ Die Versuchungen Christi “ .

Peruginos Szene, in der Christus dem heiligen Petrus die Schlüssel übergibt, ist bemerkenswert wegen der Klarheit und Einfachheit seiner Komposition, der Schönheit der figurativen Malerei, die ein Selbstporträt unter den Zuschauern beinhaltet, und insbesondere der perspektivischen Stadtlandschaft, die einen Bezug darauf enthält Peters Dienst in Rom durch das Vorhandensein von zwei Triumphbögen und einem zentral platzierten achteckigen Gebäude, das ein christliches Baptisterium oder ein römisches Mausoleum sein könnte .

Malerei der Hochrenaissance

Die Hochrenaissance der Malerei war der Höhepunkt der vielfältigen Ausdrucksmittel und verschiedener Fortschritte in der Maltechnik, wie der linearen Perspektive, der realistischen Darstellung sowohl physischer als auch psychischer Merkmale und der Manipulation von Licht und Dunkelheit, einschließlich Tonkontrast, Sfumato ( weiche Übergänge zwischen den Farben) und Chiaroscuro (Kontrast zwischen hell und dunkel) in einem einzigen einheitlichen Stil, der die vollständige kompositorische Ordnung, Ausgewogenheit und Harmonie ausdrückt. Laut Marcia Hall können Cangiante und das, was sie Unione nennt , zu Chiaroscuro und Sfumato hinzugefügt werden, um vier spezifische Malstile in der Hochrenaissance zu bilden; Diese werden heute manchmal als die "kanonischen Malmodi" dieser Zeit gruppiert.

Vor allem die einzelnen Teile des Gemäldes standen in einem komplexen, aber ausgewogenen und gut verwobenen Verhältnis zu einem dynamischen Ganzen. Die Malerei der Hochrenaissance gilt als absoluter Höhepunkt der abendländischen Malerei und schaffte den harmonischen Ausgleich und Ausgleich widersprüchlicher und sich scheinbar ausschließender künstlerischer Positionen wie Real versus Ideal, Bewegung versus Ruhe, Freiheit versus Gesetz, Raum versus Ebene und Linie versus Farbe.

Die meisten Kunsthistoriker geben an, dass die Hochrenaissance um 1495 oder 1500 begann und 1520 mit dem Tod Raffaels endete, obwohl einige sagen, dass die Hochrenaissance um 1525 oder 1527 mit der Plünderung Roms durch die Armee von Karl V., dem Heiligen Römischen Kaiser, endete , oder um 1530. Viele zitieren Leonardo da Vincis Das letzte Abendmahl , das 1495 begonnen und 1498 vollendet wurde, als das erste Werk der Hochrenaissance. In seinem Buch A History of Art: Painting, Sculpture and Architecture , 1985, stellt Frederick Hartt fest, dass 1520 bis 1530 eine Übergangszeit zwischen der Hochrenaissance und dem Manierismus war. Die Hochrenaissance wurde von drei Malern dominiert: Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raphael; während Giovanni Bellini, Giorgione und Tizian die Führer der venezianischen Hochrenaissance-Malerei waren, während Correggio und Andrea del Sarto andere bedeutende Maler des Hochrenaissance-Stils waren.

Leonardo da Vinci

Leonardo (1452–1519) verbrachte seine prägenden Jahre in der Florentiner Werkstatt von Verrocchio , bevor er nach Mailand zog, wo er von 1482 bis 1499 arbeitete, bevor er von 1500 bis 1506 nach Florenz zurückkehrte Talent, das er auf so vielen unterschiedlichen Gebieten bewies, gilt er als der archetypische „ Renaissance-Mensch “. Aber vor allem als Maler wurde er zu seiner Zeit bewundert, und als Maler schöpfte er aus den Erkenntnissen, die er aus seinen anderen Interessen gewann.

Rechteckiges Fresko des Letzten Abendmahls in sehr beschädigtem Zustand.  Die Szene zeigt einen Tisch quer durch einen Raum, der auf der Rückseite drei Fenster hat.  In der Mitte sitzt Jesus und streckt seine Hände aus, die linke Handfläche nach oben und die rechte nach unten.  Um den Tisch herum stehen die Jünger, zwölf Männer unterschiedlichen Alters.  Sie alle reagieren überrascht oder bestürzt auf das, was Jesus gerade gesagt hat.  Die unterschiedlichen emotionalen Reaktionen und Gesten werden mit großer Natürlichkeit dargestellt.
Leonardo da Vinci: Das letzte Abendmahl

Leonardo war ein wissenschaftlicher Beobachter. Er lernte, indem er Dinge betrachtete. Er studierte und zeichnete die Blumen der Felder, die Wirbel des Flusses, die Form der Felsen und Berge, die Art und Weise, wie Licht von Blättern reflektiert und in einem Juwel funkelt. Insbesondere studierte er die menschliche Gestalt und sezierte dreißig oder mehr nicht beanspruchte Leichen aus einem Krankenhaus, um Muskeln und Sehnen zu verstehen.

Leonardo erreichte einen Grad an Realismus im Ausdruck menschlicher Emotionen, der von Giotto vorgezeichnet, aber seit Masaccios Adam und Eva unbekannt war . Leonardos letztes Abendmahl , gemalt von 1495 bis 1498 im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie (Mailand) , wurde zum Maßstab für die religiöse Erzählmalerei des nächsten halben Jahrtausends. Viele andere Renaissance-Künstler malten Versionen des Abendmahls , aber nur Leonardos wurde dazu bestimmt, unzählige Male in Holz, Alabaster, Gips, Lithografie, Wandteppichen, Häkelarbeit und Tischteppichen reproduziert zu werden.

Mehr als jeder andere Künstler hat er das Studium und die Malerei der „Atmosphäre“ vorangetrieben. In seinen Gemälden wie der Mona Lisa (ca. 1503-1517) und der Jungfrau der Felsen (1483-1486) (das früheste vollständige Werk, das vollständig von seiner Hand stammt) verwendete er Licht und Schatten mit einer solchen Subtilität, dass er mangels a besser gesagt, es wurde als Leonardos "sfumato" oder "Rauch" bekannt. Er zeigte eine revolutionäre Verwendung von Farbe, indem er den Übergang zwischen Figuren durch Farbmodulation anstelle von tatsächlichen Linien definierte. Seine Arbeit lud den Betrachter in eine mysteriöse Welt wechselnder Schatten, chaotischer Berge und wirbelnder Ströme ein. Ein weiteres bedeutendes Werk von Leonardo war The Virgin and Child with Saint Anne (ca. 1503-1519); Die monumentale Dreidimensionalität der Gruppe und die kalkulierte Wirkung von Dynamik und Spannung in der Komposition machten sie zu einem Vorbild, das Klassizisten und Manieristen gleichermaßen inspirierte. Abgesehen von der direkten Wirkung der Werke selbst wurden Leonardos Studien über Licht, Anatomie, Landschaft und menschlichen Ausdruck teilweise durch seine Großzügigkeit an ein Gefolge von Studenten weitergegeben.

Michelangelo

Rechteckiges Fresko.  Gott ist dabei, den ersten Menschen zu erschaffen, der träge auf dem Boden liegt, auf einen Ellbogen gestützt, und sich nach Gott ausstreckt.  Gott, dargestellt als dynamischer älterer Mann, streckt seine Hand vom Himmel aus, um Adam zu berühren und ihn mit Leben zu erfüllen.
Michelangelo: Die Erschaffung Adams

1508 gelang es Papst Julius II ., den florentinischen Bildhauer Michelangelo (1475-1564) dazu zu bewegen, das dekorative Schema der Sixtinischen Kapelle fortzusetzen. Die Decke der Sixtinischen Kapelle wurde so konstruiert, dass es zwölf schräge Pendentifs gab, die das Gewölbe stützten, das ideale Oberflächen bildete, um die Zwölf Apostel zu malen . Michelangelo entwickelte bald ein völlig anderes Schema, das sowohl im Design als auch in der Ikonographie weitaus komplexer war. Der Umfang der Arbeit, die er mit Ausnahme der manuellen Unterstützung im Alleingang ausführte, war titanisch und dauerte fast fünf Jahre.

Der Apostelplan des Papstes hätte thematisch eine bildliche Verbindung zwischen den alttestamentlichen und neutestamentlichen Erzählungen an den Wänden und den Päpsten in der Porträtgalerie hergestellt. Es sind die zwölf Apostel und ihr Anführer Petrus als erster Bischof von Rom, die diese Brücke bauen. Aber Michelangelos Plan ging in die entgegengesetzte Richtung. Das Thema von Michelangelos Decke ist nicht Gottes großer Plan für die Errettung der Menschheit. Das Thema dreht sich um die Schande der Menschheit. Es geht darum, warum die Menschheit und der Glaube Jesus brauchten.

Oberflächlich betrachtet ist die Decke eine humanistische Konstruktion. Die Figuren sind von übermenschlicher Dimension und im Fall von Adam von solcher Schönheit, dass es laut dem Biographen Vasari wirklich so aussieht, als hätte Gott selbst die Figur entworfen und nicht Michelangelo. Aber trotz der Schönheit der einzelnen Figuren hat Michelangelo den menschlichen Zustand nicht verherrlicht, und er hat sicherlich nicht das humanistische Ideal der platonischen Liebe dargestellt . Tatsächlich demonstrieren die Vorfahren Christi, die er um den oberen Abschnitt der Wand herum malte, alle schlimmsten Aspekte familiärer Beziehungen und zeigen Funktionsstörungen in so vielen verschiedenen Formen, wie es Familien gibt.

Vasari lobte Michelangelos scheinbar unendliche Erfindungskraft bei der Schaffung von Körperhaltungen für die Figuren. Raffael , der von Bramante eine Vorschau erhalten hatte, nachdem Michelangelo seinen Pinsel niedergeschlagen hatte und wütend nach Bologna gestürmt war, malte mindestens zwei Figuren in Anlehnung an Michelangelos Propheten, eine in der Kirche Sant' Agostino und die andere im Vatikan . sein Porträt von Michelangelo selbst in der Schule von Athen .

Michelangelos späteres Werk, Das Jüngste Gericht , das zwischen 1534 und 1541 auf die Altarwand der Sixtinischen Kapelle gemalt wurde, zeigt einen manieristischen Stil mit allgemein langgestreckten Körpern, der zwischen 1520 und 1530 den Stil der Hochrenaissance ablöste.

Raffael

Raffaels (1483–1520) Name ist mit Leonardo da Vinci und Michelangelo gleichbedeutend mit der Hochrenaissance, obwohl er 18 Jahre und Leonardo fast 30 Jahre jünger war als Michelangelo und nur ein Jahr nach Leonardo im Alter von 37 Jahren starb . Man kann nicht sagen, dass er den Stand der Malerei so weit vorangetrieben hat wie seine beiden berühmten Zeitgenossen. Vielmehr war sein Werk der Höhepunkt aller Entwicklungen der Hochrenaissance.

Fresko eines gewölbten Raumes, in dem viele Menschen in klassischen Kostümen in Gruppen versammelt sind.  Die Szene wird von zwei Philosophen dominiert, von denen einer, Plato, älter ist und einen langen weißen Bart trägt.  Er zeigt dramatisch auf den Himmel.  Eine düstere Gestalt im Vordergrund sitzt an einen Marmorblock gelehnt.
Raffael: Die Schule von Athen , von Papst Julius II . beauftragt, eine Suite im Vatikan zu schmücken, die heute als Stanzen des Raffael bekannt ist

Raffael wurde als Sohn eines Malers geboren, so dass sein Karriereweg im Gegensatz zu dem von Michelangelo, der Sohn des niederen Adels war, ohne Streit entschieden wurde. Einige Jahre nach dem Tod seines Vaters arbeitete er in der umbrischen Werkstatt von Perugino , einem hervorragenden Maler und hervorragenden Techniker. Sein erstes signiertes und datiertes Gemälde, das im Alter von 21 Jahren ausgeführt wurde, ist die Verlobung der Jungfrau Maria , die sofort ihren Ursprung in Peruginos Christus übergibt, der dem heiligen Petrus die Schlüssel übergibt .

Raphael, der 1504 nach Florenz und 1508 nach Rom zog, stützte sich schamlos auf die Fähigkeiten der berühmten Maler, deren Lebensspanne seine umfasste. In seinen Werken fließen die individuellen Qualitäten zahlreicher unterschiedlicher Maler zusammen. Die runden Formen und leuchtenden Farben von Perugino, die lebensechten Porträts von Ghirlandaio, der Realismus und die Beleuchtung von Leonardo und die kraftvolle Zeichenkunst von Michelangelo wurden in den Gemälden von Raffael vereint. In seinem kurzen Leben fertigte er eine Reihe großer Altarbilder an, ein beeindruckendes klassisches Fresko der Meeresnymphe Galatea, herausragende Porträts mit zwei Päpsten und einem berühmten Schriftsteller darunter, und während Michelangelo die Decke der Sixtinischen Kapelle malte , eine Reihe von Wänden Fresken in den Raffael-Räumen des nahe gelegenen Apostolischen Palastes , von denen die Schule von Athen (1509–11) in der Stanza della Segnatura von einzigartiger Bedeutung ist. Dieses Fresko zeigt ein Treffen aller gelehrtesten antiken Athener, die sich in einer großartigen klassischen Umgebung um die zentrale Figur von Platon herum versammelt haben, den Raphael bekanntermaßen nach Leonardo da Vinci modelliert hat . Die grübelnde Figur des Heraklit , der neben einem großen Steinblock sitzt, ist ein Porträt von Michelangelo und eine Anspielung auf dessen Gemälde des Propheten Jeremias in der Sixtinischen Kapelle. Sein eigenes Porträt befindet sich rechts neben seinem Lehrer Perugino.

Aber die Hauptquelle von Raffaels Popularität waren nicht seine Hauptwerke, sondern seine kleinen Florentiner Madonnen- und Jesuskindbilder. Immer wieder malte er in leicht unterschiedlichen Posen eine ähnlich rundliche blonde Frau mit ruhigem Gesicht und ihre pummeligen Babys, das berühmteste war wahrscheinlich La Belle Jardinière ("Die Madonna des schönen Gartens"), jetzt im Louvre . Sein größeres Werk, die Sixtinische Madonna , die als Entwurf für unzählige Buntglasfenster verwendet wurde, lieferte im 21. Jahrhundert das ikonische Bild von zwei kleinen Putten, das auf allem reproduziert wurde, von Papierservietten bis hin zu Regenschirmen.

Giovanni Bellini

Giovanni Bellini: Die Brera-Madonna

Giovanni Bellini (1430–1516), ein Anführer der venezianischen Malerei , wurde innerhalb eines Jahres von seinem Bruder Gentile , seinem Schwager Mantegna und Antonello da Messina geboren , lebte aber ein Jahrzehnt länger als die ersten beiden und fast drei Jahrzehnte länger als letzteres. Er malte bis zu seinem Tod und seine Werke veranschaulichen mehrere Einflüsse. Seine frühen Werke zeigen den Einfluss von Mantegna mit prägnanten Linien und klar abgegrenzten Farben, während seine Werke nach Messinas Aufenthalt in Venedig 1475 bis 1476 einen flämisch anmutenden Realismus und leuchtende Farben annehmen, was zeigt, dass er sehr erfolgreich darin war, die Techniken der Ölmalerei zu übernehmen von Messina gebracht. Er war zunächst der Lehrer von Giorgione und Tizian , wurde aber später von Giorgione beeinflusst, vor allem durch die Übernahme von Tonalismus, bei dem Farbe in übereinanderliegenden Schichten aufgetragen wird, wodurch ein weicher, diffuser Effekt entsteht, sodass Figuren und Landschaften in der Atmosphäre einheitlicher werden.

Bellini war der einzige große Maler des 15. Jahrhunderts, der die Schwelle von der Frührenaissance zum Stil der Hochrenaissance mit Werken wie dem Porträt des Dogen Leonardo Loredan (1501), in dem der Doge eine Ruhe zeigt, die Bellini wahrscheinlich von Messina gelernt hatte, und der Taufe von überschritt Christus (1500–1502). Bellini schuf ebenso wie Raffael zahlreiche kleine Madonnen in satten leuchtenden Farben, meist von intensiverer Tonalität als sein florentinisches Gegenstück.

Traditionell wird in der Malerei von Altarbildern der Madonna mit Kind die thronende Figur der Jungfrau von Heiligen begleitet, die in definierten Räumen stehen, physisch in Form eines Polytychons getrennt oder durch gemalte architektonische Grenzen definiert. Piero della Francesca nutzte die klassische Nische als Kulisse für seine thronenden Madonnen (mit um den Thron gruppierten Heiligen), wie Masaccio sie als Kulisse für seine Heilige Dreifaltigkeit in Santa Maria Novella verwendet hatte .

Bellini verwendete dieselbe Form, die als Heilige Gespräche bekannt ist, in mehreren seiner späteren Altarbilder , wie dem für die venezianische Kirche San Zaccaria (1505). Es ist eine meisterhafte Komposition, die den Tonalismus verwendet und die reale Architektur des Gebäudes in die illusionistische Architektur des Gemäldes erweitert und die Nische zu einer Art Loggia macht , die sich zur Landschaft und zum Tageslicht öffnet, das über die Figuren der Jungfrau und des Kindes strömt, die beiden weiblichen Heiligen und der kleine Engel, der Bratsche spielt , machen sie heller als der heilige Petrus und der heilige Hieronymus im Vordergrund.

Giorgione

Ölgemälde.  Eine mysteriöse Landschaft mit klassischen Ruinen.  Links steht ein Mann, rechts stillt eine nackte Frau ein Baby
Giorgione: Der Sturm

Trotz der Kürze seiner Karriere (er starb 1510 mit etwa 35 Jahren) und der geringen Anzahl von Werken, von denen allgemein angenommen wurde, dass sie vollständig von seiner Hand stammen (nur vier oder fünf), wird Giorgione oft als Gründer des venezianischen Hochs anerkannt Renaissancestil, obwohl verschiedene Gelehrte unterschiedliche Gründe dafür anführen.

Einer davon ist seine zunehmende Verwendung von Farb- und Lichtabstufungen (Farbmodulation), einschließlich Sfumato , die oft durch Tonalismus erreicht werden, um die Formen von Figuren und Landschaften zu definieren und eine Atmosphäre zu schaffen, in der alle Komponenten des Gemäldes vereint sind. Einige glauben, dass ihm dies von Leonardo da Vinci beigebracht wurde, der Venedig 1501 besucht haben soll. In seiner Madonna von Castelfranco , 1505, sind Linien- und Farbmodulation gleichermaßen ausgewogen, aber in The Tempest , um 1510, Farbe Die Modulation ersetzt fast vollständig die Linie und schafft eine künstlerische Vision, in der Mensch und Natur vereint sind. Einige betrachten den Sturm als eines der wichtigsten in Italien hergestellten Gemälde, da die Komponenten durch Farbe zusammengehalten werden und eine verträumte Atmosphäre perfekter Harmonie herrscht. Giorgione war der erste Maler, der der Natur eine Hauptrolle zuschrieb, und wann immer seine Gemälde eine Landschaft zeigen, wird sie zu einem integralen Bestandteil des Gemäldes.

Die Madonna von Castelfranco veranschaulicht im Vergleich zu Giovanni Bellinis ähnlichem San-Zaccaria-Altarbild eine weitere Innovation von Giorgione – die Anpassung der Richtungen und Positionen der Figuren, wie z parallel dazu, die Themen stärker zu vereinheitlichen. Schließlich sind die Bilder von Giorgione immer mehrdeutig in ihrer Bedeutung und offen für unterschiedliche Interpretationen. In The Tempest repräsentieren die nackte Frau, die ein Baby füttert, der bekleidete Mann und ein Blitz vielleicht Adam und Eva in ihren Tagen nach Eden, oder vielleicht auch nicht. Ein anderes ihm zugeschriebenes Gemälde, Die drei Philosophen , kann die Heiligen Drei Könige darstellen, die ihre Reise auf der Suche nach dem Christuskind planen, oder auch nicht. Keines der Gemälde von Giorgione hat jemals eine bestimmte Interpretation erfahren.

Bis in die letzten Jahre schien es sicher, dass Giorgione den allerersten weiblichen Akt malte, der steht, oder besser gesagt, lügt, als Gegenstand, der allein wegen seiner Schönheit dargestellt und bewundert werden sollte, mit der schlafenden Venus , 1510. Während es seit langem akzeptiert war, dass Tizian Nachdem Giorgione die Landschaft des Gemäldes nach Giorgiones Tod fertiggestellt hatte, fragen sich viele Kunstwissenschaftler zunehmend, ob Giorgione den gesamten weiblichen Körper gemalt hat.

Tizian

Tizian (ca. 1490–1576) wurde neben Giorgione in der Werkstatt von Giovanni Bellini ausgebildet und assistierte dann Giorgione. Nach Giorgiones Tod war er über 60 Jahre lang der Monarch der venezianischen Schule. Sein frühes Werk zeigt starke Einflüsse von Bellini und Giorgione, aber bald übernahm er die von diesen beiden verkündeten Form- und Farbprinzipien und etablierte die Farbe, nicht die Linie, als Hauptdeterminante in der Malerei und vollendete damit den venezianischen Hochrenaissance-Stil. Er tat dies, indem er mit lockeren und schwungvollen Pinselstrichen pastöse Farbtöne fleckenweise nebeneinander auftrug. Dies brachte Licht und Farbe gleichermaßen zur Geltung; Er war zu seiner Zeit als Meister des Lichts und der Farbe berühmt.

Eine weitere Stärke von Tizian war die Komposition seiner Gemälde. In der Madonna von Pesaro , 1519–1526, verschiebt er die Madonna aus der Mitte, anstatt sie an den oberen Scheitelpunkt einer kräftigen diagonalen Linie (im Gegensatz zur üblichen Vertikalen oder Horizontalen) zu stellen, die die Aufmerksamkeit immer noch auf die Madonna lenkt. Dies war eines der ersten Werke, das Figuren in einer kreisförmigen, aufsteigenden Struktur gruppierte.

Mariä Himmelfahrt , 1516–1518, weist ebenfalls diagonale Linien auf (die von den Putten um die Jungfrau geformt werden), die die triumphale Botschaft des Gemäldes nach oben in die oberen Stockwerke der Kirche von Frari in Venedig tragen, auf deren Altar es steht. Diese Arbeit war die erste, die eine visuelle Andeutung von Bewegung enthielt; Alle Werke Tizians haben eine neue Dynamik in den Bewegungen der Menschen im Vergleich zu den statischen Elementen anderer Maler der Hochrenaissance. Auch die Himmelfahrt der Jungfrau Maria weist, wie alle seine Gemälde, leuchtende, tiefe, satte Farben auf, da Tizian Schicht für Schicht Farbe aufträgt, manchmal in verschiedenen Farben.

Tizian war auch der gefragteste Porträtmaler seiner Zeit und brachte die Porträtmalerei auf den gleichen Stellenwert wie die narrative Malerei. Besonders bemerkenswert sind das Reiterporträt von Karl V. , 1548, ein Reiterbild in einer Purpursymphonie, und das Porträt des Dogen Andrea Gritti , Herrscher von Venedig, vielleicht Tizians mächtigstes Porträt.

Als Tizian älter wurde, behielt er bis in seine letzten Jahre einen allgemeinen Stil der Hochrenaissance bei, als sich die Figur fast vollständig in der Bewegung der Farbe auflöste, so dass er sich zunehmend vom Mainstream der italienischen Malerei isolierte, die sich bis 1530 fast vollständig in Richtung Manierismus bewegt hatte. Tizian kann in vielerlei Hinsicht als Begründer der modernen Malerei angesehen werden.

Correggio

Correggio: Mariä Himmelfahrt

Correggio (1489–1534), der Rom nie besuchte, aber die Werke von Raffael, Michelangelo und Tizian gesehen haben muss, arbeitete in Parma in Norditalien im persönlichen Stil der Hochrenaissance. Er erfand die mit schwebenden Figuren gefüllte Kirchenkuppel mit offenem Himmel, die mit seiner Vision des heiligen Johannes des Evangelisten , 1520–1524, in Parmas San Giovanni Evangelista, und der Himmelfahrt der Jungfrau , 1526 , zu einem Markenzeichen der Barockzeit des 17. Jahrhunderts wurde –1530, in der Kathedrale von Parma. Ein Kunstwissenschaftler sagt, dass Correggio in letzterem eine „schillernde Illusion“ erschafft: Die Architektur der Kuppel scheint sich aufzulösen und die Form scheint durch das Gebäude zu explodieren, was den Betrachter in den wirbelnden Strudel von Heiligen und Engeln zieht, die nach oben eilen, um ihn zu begleiten die Jungfrau in den Himmel.“

In diesen Kuppeln und anderen Werken wird sein mutiger Einsatz von Perspektive, normalerweise durch das Setzen einer dunklen Farbe gegen helle Farben, um die Illusion von Tiefe zu verstärken, als erstaunlich beschrieben. Sein Hauptinteresse gilt der Lichtmalerei, und er rechnet mit den Wirkungen, die Caravaggio zu Beginn des nächsten Jahrhunderts erzielen wird. Seine Beherrschung der Verkürzung (wodurch Objekte kürzer aussehen, weil sie zum Betrachter geneigt sind), um eine Perspektive zu schaffen, wird als vielleicht die geschickteste aller Zeiten beschrieben.

In Jupiter und Io , 1531–1532, malte Correggio einen starken Kontrast zwischen der leuchtenden Figur von Io und den weichen, aber dunklen Wolken, die den Himmel füllen und Ios glänzenden Körper zu umhüllen scheinen. Correggio konnte die diffuse Wirkung von Wolken, Dunst oder Dunst perfekt umsetzen und verleiht seinen Charakteren zusammen mit der Farbmodulation eine ausgeprägte Schwerelosigkeit. Er malte Fleisch auf eine zarte, üppige Weise, die nie übertroffen wurde, und präsentiert ein neues Konzept weiblicher Schönheit, das erst während der Rokokozeit wiederentdeckt wurde. Correggio hatte viele Schüler, aber keiner setzte seinen Stil fort, aber er präfigurierte viele Komponenten der Barockmalerei .

Andere bedeutende Maler der Hochrenaissance

Andrea del Sarto (1486–1530), ein Florentiner, stützte sich in seinem Werk sowohl auf Michelangelo als auch auf Raffael, ging jedoch in der Darstellung von Mimik und Gestik weit darüber hinaus, wie in Madonna of the Harpies , 1517, belegt. Seine Figuren zeigen a größere Individualität als frühere Werke der Hochrenaissance, ohne an Vornehmheit einzubüßen. In den 1520er Jahren blieb er den Idealen der Hochrenaissance treu, etwa in der Komposition von Gemälden und mit den meist ruhigen und oft schönen Gesichtern seiner Figuren, die nichts von der Qual seiner manieristischen Zeitgenossen zeigten, von denen einige seine waren Schüler.

Lorenzo Lotto (1480–1556), einer der bedeutendsten Maler der Hochrenaissance in Venedig, verbrachte auch Zeit in anderen Gebieten Norditaliens, vielleicht aufgrund seines größeren Fokus auf realistische Details und auf Linien als auf Farbe im Vergleich zum Venezianer Schule, wurde er in Venedig nicht sehr geschätzt. Während er eine Vielzahl von Motiven malte, war er ein ausgezeichneter Porträtmaler, der eine überlegene Fähigkeit hatte, in die Seele seiner Motive zu sehen und eine tiefe Gefühlstiefe in der Malerei darzustellen. Normalerweise fügte er andere Objekte in den Hintergrund oder Vordergrund des Porträts ein, um den Charakter des Motivs darzustellen.

Einfluss der italienischen Renaissancemalerei

Das Leben von Michelangelo und Tizian reichte weit in die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts hinein. Beide sahen, wie ihre Stile und die von Leonardo , Mantegna , Giovanni Bellini , Antonello da Messina und Raffael von späteren Malern angepasst wurden, um einen disparaten Stil zu bilden, der als Manierismus bekannt ist, und bewegten sich stetig in Richtung der großen Vorstellungskraft und malerischen Virtuosität des Barock .

Die Künstler, die die Trends in Tizians großen figurativen Kompositionen am meisten erweiterten, waren Tintoretto und Veronese , obwohl Tintoretto von vielen als Manierist angesehen wird. Rembrandts Kenntnis der Werke von Tizian und Raffael zeigt sich in seinen Porträts. Der direkte Einfluss von Leonardo und Raffael auf ihre eigenen Schüler sollte Generationen von Künstlern beeinflussen, darunter Poussin und Schulen klassischer Maler des 18. und 19. Jahrhunderts. Antonello da Messinas Werk hatte direkten Einfluss auf Albrecht Dürer und Martin Schongauer und durch dessen Stiche auf unzählige Künstler. Einfluss durch Schongauer war in den deutschen, holländischen und englischen Glasmalereischulen zu finden, die sich bis ins frühe 20. Jahrhundert erstreckten.

Die Decke der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo und später Das Jüngste Gericht hatten direkten Einfluss auf die figurativen Kompositionen, zunächst von Raffael und seinen Schülern und dann von fast allen nachfolgenden Malern des 16. Jahrhunderts, die nach neuen und interessanten Wegen suchten, die menschliche Form darzustellen. Es ist möglich, seinen Stil der figurativen Komposition über Andrea del Sarto , Pontormo , Bronzino , Parmigianino , Veronese , el Greco , Carracci , Caravaggio , Rubens , Poussin und Tiepolo bis hin zu den klassischen und romantischen Malern des 19 Jacques-Louis David und Delacroix .

Unter dem Einfluss der italienischen Renaissance-Malerei wurden viele moderne Kunstakademien wie die Royal Academy gegründet, und einige der weltweit bekanntesten Kunstsammlungen wie die National Gallery, London , gegründet.

Der anhaltende Einfluss der italienischen Renaissancemalerei
Das erste von vier Bildern.  Ölporträt eines älteren Mannes mit strengem Gesicht und kurzem weißem Bart, reich gekleidet in einem Gewand mit riesigen Goldknöpfen und markanter Amtsmütze.  Jedes Bild zeigt eine Dreiviertelfigur vor einem dunklen Hintergrund.  Jedes Porträt scheint einen Moment in der Zeit festzuhalten.
Tizian : Porträt des Dogen Andrea Gritti , Venezianer, 16. Jahrhundert
Porträt des Königs von Spanien, der ein langes, blasses Gesicht und einen gewellten Schnurrbart hat.  Er trägt einen scharlachroten Mantel, der reich mit Gold bestickt ist, und hat einen großen Kragen, der mit Spitze besetzt ist.  Er trägt einen schwarzen breitkrempigen Hut.  Er steht, als ob er gerade für einen Moment stehen geblieben wäre.
Diego Velázquez , Philipp IV. von Spanien , 17. Jahrhundert
Ein stattlicher englischer Offizier mit rötlichem Teint und schwarzen Augenbrauen steht in Militärkleidung vor dem Hintergrund des Rauchs einer Kanone.  Er hält einen sehr großen Schlüssel in der einen Hand und gestikuliert mit der anderen.
Joshua Reynolds , Baron Heathfield, Lord Warden of Gibraltar , 18. Jahrhundert
Ein Koch mit buschigem Braunbart und gewachstem Oberlippenbart im weißen Küchendress und mit hoher Kochmütze steht da, die Hände in die Hüften gestemmt, als wäre er in seiner Arbeit unterbrochen worden.
William Orpen , Chef de l'Hôtel Chatham , 20. Jahrhundert

Siehe auch

Anmerkungen und Referenzen

Literaturverzeichnis

Allgemein

  • Giorgio Vasari, Leben der Künstler (1568), Ausgabe 1965, übers. George Bull, Pinguin, ISBN  0-14-044164-6
  • Frederick Hartt, Eine Geschichte der italienischen Renaissancekunst (1970) Thames and Hudson, ISBN  0-500-23136-2
  • Graham-Dixon, Andrew, Renaissance (1999) University of California Press, ISBN  978-0520223752
  • Ekserdjian, David, Das Altarbild der italienischen Renaissance: Zwischen Ikone und Erzählung (2021) Yale University Press, ISBN  978-0300253641
  • RE Wolf und R. Millen, Renaissance and Manierist Art (1968) Abrams Press, ISBN unbekannt
  • Keith Christiansen, Italienische Malerei (1992) Hugh Lauter Levin/Macmillan, ISBN  0883639718
  • Helen Gardner, Kunst im Wandel der Zeit (1970) Harcourt, Brace and World, ISBN  0-15-503752-8
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  • Margaret Aston, Das fünfzehnte Jahrhundert: Die Aussicht auf Europa (1979) Thames and Hudson, ISBN  0-500-33009-3
  • Ilan Rachum, Die Renaissance: Eine illustrierte Enzyklopädie (1979) Octopus, ISBN  0-7064-0857-8
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  • Rona Goffen, Rivalen der Renaissance: Michelangelo, Leonardo, Raphael, Tizian (2004) Yale University Press, ISBN  0300105894
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  • Luciano Berti, Die Uffizien (1971) Scala Publications, Florenz, ISBN  978-1870248815
  • Michael Wilson, National Gallery, London (1977) Scala, ISBN  0-85097-257-4
  • Hugh Ross Williamson, Lorenzo der Prächtige (1974) Michael Joseph, ISBN  0-7181-1204-0
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Maler

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  • Ornella Casazza, Masaccio und die Brancacci-Kapelle , (1990) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-11-7
  • Annarita Paolieri, Paolo Uccello, Domenico Veneziano, Andrea del Castagno , (1991) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-20-6
  • Alessandro Angelini, Piero della Francesca , (1985) Scala/Riverside, ISBN  1-878351-04-4
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  • Angela Ottino della Chiesa, Leonardo da Vinci , (1967) Pinguin, ISBN  0-14-008649-8
  • Jack Wasserman, Leonardo da Vinci , (1975) Abrams, ISBN  0-8109-0262-1
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  • Ludwig Goldschieder, Michelangelo , (1962) Phaidon, ISBN unbekannt
  • Gabriel Bartz und Eberhard König, Michelangelo , (1998) Könemann, ISBN  3-8290-0253-X
  • David Thompson, Raphael, das Leben und Vermächtnis , (1983) BBC, ISBN  0-563-20149-5
  • Jean-Pierre Cuzin, Raphael, sein Leben und Werk , (1985) Chartwell, ISBN  0-89009-841-7
  • Mariolina Olivari, Giovanni Bellini , (1990) Scala. ISBN unbekannt
  • Cecil Gould, Tizian , (1969) Hamlyn, ISBN unbekannt