Italienische Oper - Italian opera

Die Operngruppe, die allgemein als "The Italian Opera" bezeichnet wurde, spielte bis 1847 im Her Majesty's Theatre in Haymarket und von da an im Royal Opera House in Covent Garden, London
Innenraum des Opernhauses La Fenice in Venedig im Jahr 1837. Venedig war neben Florenz und Rom eine der Wiegen der italienischen Oper.

Italienische Oper ist sowohl Opernkunst in Italien als auch Oper in italienischer Sprache . Die Oper wurde um 1600 in Italien geboren und die italienische Oper spielt bis heute eine dominierende Rolle in der Geschichte der Form. Viele berühmte Opern in italienischer Sprache wurden von ausländischen Komponisten geschrieben, darunter Händel , Gluck und Mozart . Werke gebürtiger italienischer Komponisten des 19. und frühen 20. Jahrhunderts, wie Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi und Puccini , gehören zu den berühmtesten Opern, die jemals geschrieben wurden und werden heute inOpernhäuser weltweit.

Ursprünge

Jacopo Peri als Arion in La pellegrina
Hauptartikel: Ursprünge der Oper

Dafne von Jacopo Peri war die früheste Komposition, die als Oper angesehen wurde, wie sie heute verstanden wird. Peris Arbeiten entstanden jedoch nicht aus einem kreativen Vakuum im Bereich des gesungenen Dramas. Eine grundlegende Voraussetzung für die Entstehung der eigentlichen Oper war die Praxis der Monodie . Monody ist der Sologesang/die Vertonung einer dramatisch konzipierten Melodie, die den emotionalen Inhalt des Textes zum Ausdruck bringen soll, der von einer relativ einfachen Akkordfolge anstelle anderer polyphoner Teile begleitet wird. Italienischen Komponisten begann in diesem StilEnde des 16. Jahrhunderts komponiert, und es wuchs teilweise aus der langjährigen Praxis der polyphonen Durchführung Madrigale mit einem Sänger durch eine instrumentale Wiedergabe der anderen Teile begleitet, sowie die steigende Popularität von populäreren , homophonere Vokalgenres wie die Frottola und die Villanella . In diesen beiden letztgenannten Genres ging die Tendenz zunehmend zu einer homophonen Struktur, wobei der obere Teil eine ausgeklügelte, aktive Melodie aufweist, und die unteren (normalerweise waren dies dreistimmige Kompositionen im Gegensatz zu den vier-oder-mehr- Teil Madrigal) eine weniger aktive Stützstruktur. Von hier aus war es nur noch ein kleiner Schritt zur vollwertigen Monodie. Alle diese Werke neigten dazu, humanistische Poesie zu vertonen, die versuchten, Petrarca und seine Trecento- Anhängernachzuahmen, ein weiteres Element der Tendenz der Zeit zu einem Wunsch nach Wiederherstellung von Prinzipien, die mit einer verworrenen Vorstellung von der Antike verbunden war.

Das Solo-Madrigal, Frottola, Villanella und ihre Verwandten spielten im Intermedio oder Intermezzo eine herausragende Rolle , Theaterspektakel mit Musik, die in den letzten siebzig Jahren des 16. Jahrhunderts von den opulenten und zunehmend säkularen Höfen der italienischen Stadtstaaten finanziert wurden. Solche Spektakel wurden normalerweise inszeniert, um an bedeutende staatliche Ereignisse zu erinnern: Hochzeiten, militärische Siege und dergleichen, und wechselten sich in der Aufführung mit Theaterstücken ab. Wie die spätere Oper enthielt ein Intermedio den erwähnten Sologesang, aber auch Madrigale, die in ihrer typischen mehrstimmigen Struktur aufgeführt wurden, und Tänze, die von den anwesenden Instrumentalisten begleitet wurden. Sie wurden aufwendig inszeniert und leiteten die Szenografie der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Intermediäre neigten dazu, keine Geschichte als solche zu erzählen, obwohl sie es gelegentlich taten, sondern konzentrierten sich fast immer auf ein bestimmtes Element menschlicher Emotionen oder Erfahrungen, ausgedrückt durch mythologische Allegorien.

Die Inszenierung von Peris Oper Euridice im Jahr 1600 im Rahmen der Feierlichkeiten zur Medici-Hochzeit, dem Anlass der spektakulärsten und international bekanntesten Intermedi des vorigen Jahrhunderts, war wahrscheinlich eine entscheidende Entwicklung für die neue Form und rückte sie in den Mainstream der verschwenderischen höfische Unterhaltung.

Eine weitere beliebte höfische Unterhaltung war zu dieser Zeit die „ Madrigalkomödie “, später von mit der späteren Gattung vertrauten Musikwissenschaftlern auch „Madrigaloper“ genannt. Diese bestand aus einer Reihe von Madrigalen, die aneinandergereiht waren, um eine dramatische Erzählung zu suggerieren, aber nicht inszeniert. Es gab auch zwei inszenierte musikalische "Pastorale", Il Satiro und La Disperazione di Fileno , die beide 1590 produziert und von Emilio de' Cavalieri geschrieben wurden . Obwohl diese verlorenen Werke anscheinend nur Arien ohne Rezitativ enthalten haben , bezog sich Peri anscheinend in seinem Vorwort auf die veröffentlichte Ausgabe seiner Euridice auf sie , als er schrieb: "Signor Emilio del Cavalieri, vor allen anderen Ich weiß, hat uns ermöglicht, unsere Art von Musik auf der Bühne zu hören." Andere pastorale Stücke hatten lange Zeit einige Musiknummern enthalten; eine der frühesten, Fabula di Orfeo (1480) von Poliziano, hatte mindestens drei Sololieder und einen Chor.

17. Jahrhundert

Florenz und Mantua

Claudio Monteverdi von Bernardo Strozzi , c.  1630

Die Musik von Dafne ist jetzt verloren, mit Ausnahme des 455-Zeilen-Librettos. Die erste Oper, deren Musik überliefert ist, wurde 1600 anlässlich der Hochzeit von Heinrich IV. von Frankreich und Marie de Medici im Palazzo Pitti in Florenz aufgeführt . Die Oper Euridice mit einem Libretto von Rinuccini, vertont von Peri und Giulio Caccini , erzählte die Geschichte von Orpheus und Eurydike. Der von Peri und Caccini bevorzugte Gesangsstil war eine gesteigerte Form natürlicher Sprache, dramatisches Rezitativ, unterstützt von instrumentaler Streichermusik. Das Rezitativ ging somit der Entwicklung der Arien voraus, obwohl es bald zur Gewohnheit wurde, in Zeiten, in denen die Stimmen stumm waren, separate Lieder und instrumentale Zwischenspiele einzufügen. Sowohl Dafne als auch Euridice enthielten auch Chöre, die die Handlung am Ende jedes Aktes in der Weise einer griechischen Tragödie kommentierten. Das Thema des Orpheus, der Halbgott der Musik, war verständlicherweise sehr beliebt und zog Claudio Monte (1567-1643), der schrieb seine erste Oper , L'Orfeo (die Fabel von Orpheus), im Jahre 1607 für den Hof von Mantua .

Monteverdi bestand auf einer starken Beziehung zwischen Wort und Musik. Als Orfeo in Mantua aufgeführt wurde , ein Orchester mit 38 Instrumenten, wurden zahlreiche Chöre und Rezitative zu einem lebendigen Drama verwendet. Es war eine weit ehrgeizigere Version als die zuvor aufgeführten – opulenter, abwechslungsreicher in den Rezitativen, exotischer in der Szenerie – mit stärkeren musikalischen Höhepunkten, die der Virtuosität der Sänger den vollen Spielraum ließen. Die Oper hatte ihre erste Reifephase in den Händen von Monteverdi offenbart. L'Orfeo hat auch den Ruf, die früheste erhaltene Oper zu sein, die heute noch regelmäßig aufgeführt wird.

Oper in Rom

Innerhalb weniger Jahrzehnte hatte sich die Oper in ganz Italien verbreitet. In Rom fand es im Prälaten und Librettisten Giulio Rospigliosi (später Papst Clemens IX.) einen Fürsprecher . Die Gönner von Rospigliosi waren die Barberini.

Zu den Komponisten, die in dieser Zeit arbeiteten, gehörten Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico und Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Seit den 1630er Jahren hat sich das Thema der Werke stark verändert: diejenigen der pastoralen Tradition und Arkadiens, vorzugsweise die Gedichte des Rittertums, normalerweise Ludovico Ariosto und Torquato Tasso , oder diejenigen, die der Hagiographie und der christlichen Commedia dell'arte entnommen sind .

Mit der zunehmenden Anzahl von Charakteren wurden die römischen Opern sehr dramatisch und hatten mehrere Wendungen. Damit kam eine neue Methode der Rezitativierung, die besser auf die verschiedenen Situationen abgestimmt war, die sich aus der reichen Handlung ergaben und die näher an der Sprache war, voller Klammern auf Kosten des parataktischen Stils , der den ersten so charakterisiert hatte Florentiner Werke.

Venedig: kommerzielle Oper

Die Hauptmerkmale der venezianischen Oper waren (1) eine stärkere Betonung der formalen Arien; (2) der Beginn des Belcanto- Stils ("schöner Gesang") und mehr Aufmerksamkeit auf stimmliche Eleganz als auf dramatischen Ausdruck; (3) weniger Verwendung von Chor- und Orchestermusik; (4) komplexe und unwahrscheinliche Plots; (5) aufwendige Bühnentechnik; und (6) kurze fanfarenartige Instrumentaleinführungen, die Prototypen der späteren Ouvertüre.

Die Oper nahm eine wichtige neue Richtung ein, als sie die Republik Venedig erreichte . Hier wurde 1637 das erste öffentliche Opernhaus, das Teatro di San Cassiano , von Benedetto Ferrari und Francesco Manelli eröffnet. Ihr Erfolg bewegte die Oper weg vom aristokratischen Mäzenatentum und in die kommerzielle Welt. In Venedig richtete sich das Musikdrama nicht mehr an eine Elite von Aristokraten und Intellektuellen und erhielt den Charakter der Unterhaltung. Bald entstanden viele andere Opernhäuser in der Stadt, die während der Karnevalszeit Werke für ein zahlendes Publikum aufführten . Die Opernhäuser beschäftigten ein sehr kleines Orchester, um Geld zu sparen. Ein Großteil ihres Budgets wurde dafür ausgegeben, die Star-Sänger des Tages zu gewinnen; Dies war der Beginn der Herrschaft des Kastraten und der Primadonna (Hauptdarstellerin).

Der Hauptkomponist der frühen venezianischen Oper war Monteverdi, der 1613 von Mantua in die Republik gezogen war, mit späteren bedeutenden Komponisten wie Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Antonio Sartorio und Giovanni Legrenzi . Monteverdi schrieb drei Werke für die öffentlichen Theater: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, heute verschollen) und vor allem L'incoronazione di Poppea (1642). Die Themen der neuen Opern von Monteverdi und anderen wurden im Allgemeinen der römischen Geschichte oder Legenden über Troja entnommen, um die heroischen Ideale und die edle Genealogie des venezianischen Staates zu feiern. An Liebesinteresse oder Komik fehlte es ihnen jedoch nicht. Die meisten Opern bestanden aus drei Akten, im Gegensatz zu den früheren Opern, die normalerweise fünf hatten. Der Großteil der Verskunst war noch Rezitativ, aber in Momenten von großer dramatischer Spannung dort oft waren arioso als Passagen bekannt arie cavate . Unter Monteverdis Anhängern wurde die Unterscheidung zwischen Rezitativ und Arie deutlicher und konventionalisierter. Dies zeigt sich im Stil der vier erfolgreichsten Komponisten der nächsten Generation: Francesco Cavalli , Giovanni Legrenzi , Antonio Cesti und Alessandro Stradella .

Verbreitung der Oper im Ausland

Władysławs Opernhaus (rechts) im Königsschloss in Warschau

Im polnisch-litauischen Commonwealth begann 1628 in Warschau eine Tradition der Opernproduktion mit einer Aufführung von Galatea (Komponist unsicher), der ersten italienischen Oper, die außerhalb Italiens produziert wurde. Kurz nach dieser Aufführung inszenierte der Hof Francesca Caccinis Oper La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina , die sie drei Jahre zuvor in Italien für Prinz Władysław Vasa geschrieben hatte . Eine weitere Premiere ist die früheste erhaltene Oper, die von einer Frau geschrieben wurde. Gli amori di Aci e Galatea von Santi Orlandi wurde ebenfalls 1628 aufgeführt. Als Władysław König war (als Władysław IV.), überwachte er in den späten 1630er und 1640er Jahren die Produktion von mindestens zehn Opern, was Warschau zu einem Zentrum der Kunst machte. Die Komponisten dieser Opern sind nicht bekannt: Vielleicht waren es Polen, die in der königlichen Kapelle unter Marco Scacchi arbeiteten, oder sie gehörten zu den von Władysław importierten Italienern. Ein Dramma per musica (wie damals ernste italienische Oper genannt wurde) mit dem Titel Giuditta , basierend auf der biblischen Geschichte von Judith , wurde 1635 aufgeführt. Der Komponist war wahrscheinlich Virgilio Puccitelli.

Cavallis Opern wurden in ganz Italien von Tourneefirmen mit großem Erfolg aufgeführt. Tatsächlich war seine Giasone die beliebteste Oper des 17. Jahrhunderts, obwohl einige Kritiker über ihre Mischung aus Tragödie und Farce entsetzt waren. Cavallis Ruhm verbreitete sich in ganz Europa. Eine seiner Spezialitäten war es, seinen Heldinnen „ Bassklagen “ zu geben. Dies waren traurige Arien, die über eine absteigende Basslinie gesungen wurden und einen großen Einfluss auf Henry Purcell hatten , dessen "Wenn ich in Erde gelegt werde" von Dido und Aeneas das wahrscheinlich berühmteste Beispiel dieser Form ist. Cavallis Ruf veranlasste Kardinal Mazarin , ihn 1660 nach Frankreich einzuladen, um eine Oper für die Hochzeit König Ludwigs XIV. mit Maria Teresa von Spanien zu komponieren . Italienische Oper war bereits in den 1640er Jahren in Frankreich mit gemischtem Empfang aufgeführt worden und Cavallis Auslandsexpedition endete in einer Katastrophe. Das französische Publikum reagierte nicht gut auf die Wiederaufnahme von Xerse (1660) und der eigens komponierten Ercole amante (1662) und bevorzugte die Ballette, die zwischen den Akten des florentinischen Komponisten Jean-Baptiste Lully eingefügt wurden , und Cavalli schwor, niemals zu komponieren eine andere Oper.

Cesti hatte mehr Glück, als er 1668 gebeten wurde, eine Oper für den habsburgischen Hof in Wien zu schreiben . Il pomo d'oro war so grandios, dass die Aufführung auf zwei Tage verteilt werden musste. Es war ein großer Erfolg und markierte den Beginn der italienischen Operndominanz nördlich der Alpen. Im späten 17. Jahrhundert versuchten deutsche und englische Komponisten, ihre eigenen einheimischen Traditionen zu etablieren, aber Anfang des 18. Jahrhunderts hatten sie der importierten italienischen Oper Platz gemacht, die in den Händen von Komponisten wie Händel zum internationalen Stil wurde . Nur Frankreich widersetzte sich (und seine Operntradition wurde von dem Italiener Lully begründet). Damit war das Muster bis weit ins 19. Jahrhundert vorgeprägt: Die italienische Tradition war die internationale und ihre führenden Vertreter (zB Händel, Hasse, Gluck und Mozart) waren oft keine Italiener. Komponisten, die ihre eigenen nationalen Opernformen entwickeln wollten, hatten in der Regel mit der italienischen Oper zu kämpfen. So sahen sich Anfang des 19. Jahrhunderts sowohl Carl Maria von Weber in Deutschland als auch Hector Berlioz in Frankreich gezwungen, den enormen Einfluss des Italieners Rossini in Frage zu stellen.

18. Jahrhundert

Opernserie

Gegen Ende des 17. Jahrhunderts hielten einige Kritiker eine neue, gehobenere Form der Oper für notwendig. Ihre Ideen würden ein Genre hervorbringen , Opera seria (wörtlich "ernste Oper"), das bis zum späten 18. Der Einfluss dieser neuen Haltung zeigt sich in den Werken der Komponisten Carlo Francesco Pollarolo und des enorm produktiven Alessandro Scarlatti .

Im 18. Jahrhundert wurde das künstlerische und kulturelle Leben in Italien stark von den ästhetischen und poetischen Idealen der Mitglieder der Accademia dell'Arcadia beeinflusst . Die arkadischen Dichter führten viele Änderungen in das ernsthafte Musikdrama in italienischer Sprache ein, darunter:

  • die Vereinfachung der Handlung;
  • die Entfernung von Comic-Elementen;
  • die Reduzierung der Arienzahl;
  • eine Vorliebe für Verschwörungen aus der antiken klassischen oder modernen französischen Tragödie, in denen die Werte von Loyalität, Freundschaft und Tugend gepriesen und die absolute Macht des Herrschers gefeiert wurde.
Pietro Metastasio in einem Pompeo Batoni . zugeschriebenen Porträt

Der mit Abstand erfolgreichste Librettist seiner Zeit war Pietro Metastasio , der sein Ansehen bis ins 19. Jahrhundert hinein behauptete. Er gehörte der Arkadischen Akademie an und stand fest auf einer Linie mit deren Theorien. Ein Libretto von Metastasio wurde oft von zwanzig oder dreißig verschiedenen Komponisten vertont und das Publikum lernte die Worte seiner Dramen auswendig.

Oper buffa

Im 17. Jahrhundert wurden komische Opern nur vereinzelt produziert und es konnte keine stabile Tradition etabliert werden. Erst in den frühen Jahren des 18. Jahrhunderts war das Comic - Genre der Oper buffa in geboren Neapel und es begann ganz Italien nach 1730 zu verbreiten.

Opera buffa unterschied sich von Opera seria durch zahlreiche Merkmale:

  • die Bedeutung der Bühnenhandlung und die daraus resultierende Notwendigkeit, dass die Musik den Veränderungen des Dramas folgt und die Ausdruckskraft der Worte betont;
  • die Auswahl von Sängern, die auch hervorragende Schauspieler waren, die das Drama überzeugend aufführen konnten;
  • eine Verringerung des Einsatzes von Kulissen und Bühnentechnik sowie der Anzahl der Orchesterspieler;
  • die Verwendung eines kleinen Reihe von Charakteren (zumindest in der Kurzform der komischen Oper bekannt als Intermezzo ) und einfacher Plots (ein gutes Beispiel dafür ist Pergolesi ‚s La serva padrona , 1733);
  • Libretti, inspiriert von der Commedia dell'arte , mit realistischen Themen, Umgangssprache und umgangssprachlichen Ausdrücken;
  • was den Gesang angeht: die völlige Absage an stimmliche Virtuosität; eine Tendenz zu einer falschen Aussprache der Wörter; das häufige Vorhandensein von rhythmischen und melodischen Tics; die Verwendung von Lautmalerei und Interjektionen;
  • Ausschluss von Kastraten .
Carlo Goldoni von Alessandro Longhi , c.  1757

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verdankte die komische Oper ihren Erfolg der Zusammenarbeit zwischen dem Dramatiker Carlo Goldoni und dem Komponisten Baldassare Galuppi . Dank Galuppi erlangte die komische Oper viel mehr Würde als zu Zeiten des Intermezzos. Opern wurden nun in zwei oder drei Akte unterteilt, wodurch Libretti für Werke von wesentlich größerer Länge entstanden, die sich in der Komplexität ihrer Handlung und der Psychologie ihrer Charaktere deutlich von denen des frühen 18. Jahrhunderts unterschieden. Diese enthielten nun statt übertriebener Karikaturen ernste Figuren, und die Opern hatten Handlungsstränge, die den Konflikt zwischen den sozialen Schichten in den Mittelpunkt stellten und selbstbezügliche Ideen einschlossen. Das bekannteste gemeinsame Werk von Goldoni und Galuppi ist Il filosofo di campagna (1754).

Die Zusammenarbeit zwischen Goldoni und einem anderen berühmten Komponisten Niccolò Piccinni brachte mit La Cecchina (1760) ein weiteres neues Genre hervor: Opera Semiseria . Diese hatte zwei Buffo- Charaktere, zwei Adlige und zwei „Dazwischen“-Charaktere.

Die Farsa in einem Akt hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der komischen Oper. Dies war eine Art von Musikdrama, die ursprünglich als komprimierte Version einer längeren komischen Oper angesehen wurde, aber im Laufe der Zeit wurde sie zu einem eigenen Genre. Es zeichnete sich aus durch: stimmliche Virtuosität; ein raffinierterer Einsatz des Orchesters; die große Bedeutung, die der Produktion beigemessen wird; das Vorhandensein von Missverständnissen und Überraschungen im Verlauf des Dramas.

Glucks Reformen und Mozart

Christoph Willibald Gluck spielt sein Clavicord (1775), Porträt von Joseph Duplessis

Opera seria hatte ihre Schwächen und Kritiker; eine Vorliebe für Verschönerung seitens der hervorragend ausgebildeten Sänger und die Verwendung von Spektakel als Ersatz für dramatische Reinheit und Einheit zogen Angriffe auf sich. Francesco Algarotti ‚s Essay über die Oper (1755) erwies sich als Inspiration für sein Gluck ‘ s Reformen. Er plädierte dafür, dass die Opera seria zu den Grundlagen zurückkehren müsse und dass all die verschiedenen Elemente – Musik (sowohl Instrumental- als auch Gesangsmusik), Ballett und Inszenierung – dem übergeordneten Drama untergeordnet werden müssten. Mehrere Komponisten dieser Zeit, darunter Niccolò Jommelli und Tommaso Traetta , versuchten, diese Ideale in die Tat umzusetzen. Im Jahr 1765 Melchior Grimm veröffentlicht „Poème lyrique“ , ein einflussreicher Artikel für die Encyclopédie auf lyrisches und Opernlibretti .

Der erste, der wirklich erfolgreich war und die Geschichte der Oper nachhaltig prägte, war jedoch Gluck. Gluck bemühte sich um eine "schöne Einfachheit". Dies wird in der ersten seiner "Reformopern", Orfeo ed Euridice , veranschaulicht, in der Gesangslinien, denen die Virtuosität von (sagen wir) Händels Werken fehlt, von einfachen Harmonien und einer bemerkenswert reichhaltigeren Orchesterpräsenz durchweg unterstützt werden.

Glucks Reformen haben in der gesamten Operngeschichte Resonanz gefunden. Vor allem Weber, Mozart und Wagner wurden von seinen Idealen beeinflusst. Mozart, in vielerlei Hinsicht Glucks Nachfolger, kombinierte ein hervorragendes Gespür für Dramatik, Harmonie, Melodie und Kontrapunkt, um eine Reihe von Komödien zu schreiben, insbesondere Die Hochzeit des Figaro , Don Giovanni und Così fan tutte (in Zusammenarbeit mit Lorenzo Da Ponte ). gehören bis heute zu den beliebtesten, beliebtesten und bekanntesten Opern. Aber Mozarts Beitrag zur Opera seria war gemischter; zu seiner Zeit war sie im Sterben, und trotz so schöner Werke wie Idomeneo und La clemenza di Tito würde es ihm nicht gelingen, die Kunstform wieder zum Leben zu erwecken.

Romantische Zeit

Die romantische Oper, die die Vorstellungskraft und die Emotionen in den Vordergrund stellte, begann im frühen 19. Darüber hinaus wird gesagt, dass feine Musik oft eklatante Fehler in der Charakterzeichnung und den Handlungssträngen entschuldigt. Gioachino Rossini (1792–1868) leitete die Romantik ein. Sein erster Erfolg war eine "opera buffa" (komische Oper), La Cambiale di Matrimonio (1810). Sein Ruf überlebt noch heute durch seinen Barbier von Sevilla (1816) und La Cenerentola (1817). Aber er schrieb auch ernste Opern, Tancredi (1813) und Semiramide (1823).

Porträt von Giuseppe Verdi von Giovanni Boldini (1886)

Rossinis Nachfolger im italienischen Belcanto waren Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) und Giuseppe Verdi (1813–1901). Es war Verdi, der im Laufe seiner langen Karriere das ganze Wesen des Opernschreibens veränderte. Seine erste große erfolgreiche Oper, Nabucco (1842), erregte wegen der treibenden Kraft ihrer Musik und ihrer großartigen Chöre die Aufmerksamkeit des Publikums. „ Va, pensiero “, eine der Chor-Interpretationen, wurde interpretiert und gab dem Kampf um die italienische Unabhängigkeit und die Einigung Italiens eine vorteilhafte Bedeutung.

Nach Nabucco basierte Verdi seine Opern auf patriotischen Themen und vielen der romantischen Standardquellen: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I Due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); und Victor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi experimentierte mit musikalischen und dramatischen Formen und versuchte, Dinge zu entdecken, die nur die Oper leisten konnte.

1887 schuf er Otello, das Rossinis gleichnamige Oper vollständig ersetzte und von Kritikern als die beste der italienischen romantischen Opern mit den traditionellen Komponenten beschrieben wird: die Soloarien, die Duette und die Chöre, die vollständig in das Melodische und Dramatische integriert sind fließen.

Verdis letzte Oper, Falstaff (1893), hat sich völlig von der konventionellen Form gelöst und findet Musik, die schnell fließenden einfachen Worten folgt und aufgrund ihres Respekts vor den Mustern der gewöhnlichen Sprache eine Schwelle für eine neue Opernära geschaffen hat, in der Sprachmuster überragend.

Die Oper war zu einer Hochzeit der Künste geworden, zu einem Musikdrama, voll prachtvoller Lieder, Kostüme, Orchestermusik und Prunk; manchmal ohne die Hilfe einer plausiblen Geschichte. Von seiner Entstehung im Barock bis zur Reife der Romantik war es das Medium, durch das Märchen und Mythen neu aufgegriffen, Geschichte nacherzählt und die Phantasie angeregt wurde. Seine Stärke fiel in eine gewalttätigere Epoche für die Oper: Verismo , mit Cavalleria rusticana von Pietro Mascagni und Pagliacci von Ruggero Leoncavallo .

Zeitgenössische Periode

Die letzte Szene der Oper Risorgimento!

Einige der größten italienischen Opern des 20. Jahrhunderts wurden von Giacomo Puccini (1858–1924) geschrieben. Dazu gehören Manon Lescaut , La Bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La Rondine und Turandot , wobei die letzten beiden unvollendet bleiben. 1926 und 2002 versuchten Franco Alfano und Luciano Berio jeweils eine Vervollständigung von Turandot , und 1994 vollendete Lorenzo Ferrero die Orchestrierung der dritten Fassung von La rondine . Berio selbst schrieb zwei Opern, Un re in ascolto und Opera . Ferrero hat ebenfalls mehrere Opern komponiert, darunter Salvatore Giuliano , La Conquista und sein Risorgimento 2011 !

Andere italienische Opernkomponisten des 20. Jahrhunderts sind:

Siehe auch

Verweise

Anmerkungen

Quellen

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