Ivan Albright- Ivan Albright

Ivan Albright
„Selbstporträt“ von Ivan Albright (1897–1983), 1934, Öl auf Leinwand, 291⁄4 x 191⁄4 Zoll.  Sammlung des neuen Gymnasiums Trier 203.png
Selbstbildnis , 1934, Öl auf Leinwand. Sammlung Neues Gymnasium Trier 203
Geboren
Ivan Le Lorraine Albright

( 1897-02-20 )20. Februar 1897
Ist gestorben 18. November 1983 (1983-11-18)(86 Jahre)
Ausbildung Art Institute of Chicago
Die National Academy of Design
Pennsylvania Academy of the Fine Arts
Bekannt für Malerei , Zeichnung , Poesie
Stil Magischer Realismus
Ehepartner Josephine Medill Patterson

Ivan Le Lorraine Albright (20. Februar 1897 - 18. November 1983) war ein amerikanischer Maler, Bildhauer und Druckgrafiker, der vor allem für seine Selbstporträts , Charakterstudien und Stillleben bekannt ist . Aufgrund seiner Technik und seiner dunklen Thematik wird er oft zu den Magischen Realisten kategorisiert und manchmal als "Meister des Makabren" bezeichnet.

Aus einer Familie von Künstlern und Kunsthandwerkern entstand Albright in den 1930er Jahren in der amerikanischen Kunstszene und etablierte sich als einer der rätselhaftesten amerikanischen Realisten . Er schockierte, ehrfürchtig und verärgerte das Publikum durch seine Betonung der Zerbrechlichkeit des Körpers, des Fleisches und des menschlichen Daseins mit Werken wie The Lineman (1928), That What I Should Have Done I Did Not Do (The Door) (1931 .). ) und Das Bild des Dorian Gray (1943). Seine Arbeit, das kleinste Detail und die Textur jeder Oberfläche hervorzuheben, erforderte oft, dass er Jahre oder Jahrzehnte an einem einzigen Gemälde verbrachte.

Während Albrights Werke in Museen in den ganzen Vereinigten Staaten zu finden sind, befindet sich das wichtigste Depot seiner Werke im Art Institute of Chicago .

Leben

Adam Emory Albright (American, 1862-1957), Barnacles , 1907, Öl auf Leinwand, 24 x 30 Zoll, Art Institute of Chicago. Seepocken ist ein Beispiel für Adams Malerei, die Ivan und Malvin als Modelle verwendet.

Bereits vor der Geburt von Ivan Le Lorraine und seinem eineiigen Zwillingsbruder Malvin Marr Albright war die Familie Albright, ehemals Familie „Albrecht“, für Kunst und Handwerk bekannt. Ivan väterlicherseits Ururgroßvater Andreas Albrecht war ein Meister Büchsenmacher in Thüringen , Deutschland , eine Familie Handel weitergegeben zu Ivans Großvater Zachariah. Ebenso war Ivans Vater Adam Emory Albright ein impressionistischer Maler und Schüler von Thomas Eakins , der seinen Ruf auf Landschaften und idealisierten Gemälden von Kindern aufbaute.

Jugend und Bildung (1897–1925)

Ivan und Malvin wurden 1897 in der Nähe von Chicago in North Harvey, Illinois, als Tochter von Adam Emory Albright und Clara Wilson Albright geboren. Während ihrer Jugend und bis die beiden elf Jahre alt waren, benutzte ihr Vater die Jungen als Modelle in seinen Gemälden. Adam begann ebenfalls im Alter von acht Jahren, den beiden das Zeichnen beizubringen: Dies beinhaltete formellen Eakins-ähnlichen Zeichenunterricht und regelmäßige Besuche am Art Institute of Chicago . Durch ihren Vater lernten die Jungen mehrere prominente amerikanische Impressionisten und Realisten kennen, darunter Childe Hassam , Robert Henri , William Glackens , Maurice Prendergast , Edmund Tarbell und John Twachtman . Wie Michael Croydon, Ivans Biograf, beschreibt, legten diese Erfahrungen den Grundstein für die spätere Karriere von Ivan und seinem Bruder als Maler.

Ivans formale Bildungs- und Berufsaussichten in seiner Jugend und im frühen Erwachsenenalter waren relativ unberechenbar. Seine Familie zog aufgrund der Karriere seines Vaters häufig um und es dauerte bis 1910, bis sie sich in Hubbard Woods niederließen, wo Ivan und Malvin die New Trier High School besuchen konnten . 1915 trat Ivan in das College of Liberal Arts der Northwestern University ein , das er jedoch nicht bestand. Im Jahr 1916 begann er ein Studium an der University of Illinois in Urbana , wobei er zu dieser Zeit eine Karriere in Architektur oder Chemieingenieurwesen in Erwägung zog. Erst 1918, nach einer Malreise mit der Familie nach Caracas , Venezuela , begann Ivan, die Möglichkeit, Künstler zu werden, ernst zu nehmen. Im selben Jahr stellte er sein erstes Werk öffentlich aus – eine Aquarellstudie über die Bäume seines Hauses in Hubbard Woods mit dem Titel The Oaks in Winter – bei der jährlichen Aquarellausstellung des Art Institute of Chicago. Der Eintritt der Vereinigten Staaten in den Ersten Weltkrieg störte ebenfalls sein frühes Erwachsenenleben, da sowohl er als auch sein Bruder als Teil des Medical Corps der American Expeditionary Forces in die United States Army eingezogen wurden . Während seiner Stationierung in Nantes, Frankreich, zwischen 1918 und 1919, produzierte Albright mindestens acht Skizzenbücher mit medizinischen Zeichnungen, die Operationen und Wunden in Graphit und Aquarell illustrierten. Obwohl Albright noch kein versierter Zeichner war, nennen Kunsthistoriker und Kritiker diese Illustrationen oft als Katalysator für Albrights Interesse an der Zerbrechlichkeit des Fleisches und der Menschheit für die Leidenden.

Der Philosoph , 1922, Öl auf Papier auf Karton, 24 x 18 Zoll. Gemalt, während Ivan das Art Institute of Chicago besuchte.

Nachdem er kurzzeitig in Architektur und Werbung gearbeitet hatte, traten er und sein Bruder 1920 beide in das Art Institute of Chicago ein. Während Malvin Bildhauerei studierte, studierte Ivan Malerei – beide erhielten eine akademische Standardausbildung im Einklang mit der traditionellen Philosophie des Instituts. Er blieb dort, bis er 1923 seinen Abschluss machte, nachdem er The Philosopher (1922) ausgestellt und eine lobende Erwähnung der Fakultät sowohl in der Lebens- als auch in der Porträtmalerei erhalten hatte. Nach seiner Zeit am Art Institute setzte er sein Studium an der Alma Mater seines Vaters, der Pennsylvania Academy of the Fine Arts, mit der Absicht fort, von George Bellows zu lernen . Bellows befand sich jedoch zu dieser Zeit im Sabbatical in Europa und so entschied sich Ivan stattdessen, an die National Academy of Design zu wechseln , um bei Charles Webster Hawthorne zu studieren . Nach Abschluss seiner Schulausbildung mietete er 1925 mit seinem Bruder Malvin ein Atelier in Philadelphia und seine berufliche Laufbahn als Künstler begann.

Frühe und mittlere Karriere (1925–1950)

Zwischen 1925 und 1926 begann sich Albrights ausgereifter "barocker" Formstil zu entwickeln, und in vielen Fällen war die breite Öffentlichkeit nicht auf seine "nackte und kompromisslose Offenlegung des menschlichen Zustands" vorbereitet. Ende 1926 verbrachten Albright und sein Bruder drei Monate in Südkalifornien in der Nähe von San Diego . Dort produzierte Albright mehrere Werke, die für die Reife seines Stils repräsentativ sind, darunter I Walk To and Fro Through Civilization und I Talk As I Walk (Follow Me, The Monk) und I Drew a Picture in the Sand and the Water Washed Es weg (Der Theosoph) . 1927 kehrten er und Malvin nach Illinois zurück, wo ihr Vater Adam eine alte methodistische Kirche zur Albright Gallery of Painting and Sculpture umfunktionierte. Aufgrund der Nähe der Brüder für die nächsten zwei Jahre nahm Malvin das Pseudonym Zsissly an, um eine Verwechslung mit Ivan zu vermeiden. Während der Jahre in diesem Atelier begann Ivans Stil für Kontroversen zu sorgen: Im Mai 1928 wurde sein Gemälde The Lineman als Cover für die Fachzeitschrift Electric Light and Power verwendet . Die Leser der Zeitschrift hielten die Figur des Linemans für ungenau und deprimierend; bei Kunstkritikern war das Gemälde jedoch weitaus erfolgreicher. Nicht lange danach begann Albright mit der Arbeit an Gemälden, die die mikroskopische Qualität der Oberfläche ebenso betonten wie die barocke Form, beginnend mit Woman (1928). Als Frau 1929 im Toledo Museum of Art in der 17.

Die Küche des Bauern , 1933-34, Öl auf Leinwand, 36 x 30,13 Zoll.

Bis 1931 und der Weltwirtschaftskrise etablierte sich Albrights Karriere und im Juli desselben Jahres stellte er zusammen mit seinen Künstlerkollegen George und Martin Baer vierzehn Gemälde am Art Institute of Chicago aus. Nach der Fertigstellung des monumentalen Into the World There Came a Soul Called Ida (1929–30) begann er seine jahrzehntelange Besessenheit mit seinem Magnum-Opus That What I Should Have Done I Did Not Do (The Door) (1931) . Laut Albright hatte die Depression keinen wesentlichen Einfluss auf seine Karriere, weil die Leute seine Bilder nicht kauften, "ob die Zeiten gut oder schlecht waren, [also] machte es keinen Unterschied". Tatsächlich ermöglichte der Erfolg seines Vaters im Kunstverkauf und im Immobilienbereich Albright, die 1930er Jahre bequem zu leben. Nichtsdestotrotz nahm Albright wie viele andere Künstler dieser Zeit am Public Works of Art Project in Illinois teil. Er sollte im Programm als A-Künstler achtunddreißig Dollar pro Woche erhalten, behauptete aber, dass er nie eine Bezahlung für seine Werke erhalten habe. Während des Projekts fertigte Albright zwei Gemälde an: The Farmer's Kitchen (1933-34) und Self-Portrait (1934). Die Farmer's Kitchen , die heute im Smithsonian American Art Museum untergebracht ist , entsprach insbesondere den Erwartungen der PWAP an Bilder hart arbeitender Amerikaner und ist in der Tat thematisch von Albrights Gemälden denen der populären Regionalisten am nächsten . Das Thema erlaubte Albright jedoch, in der Frau Müdigkeit und Verfall zu zeigen und so die positivistische Einstellung regionalistischer Künstler wie Grant Wood und Doris Lee zu kritisieren .

Die 1940er Jahre brachten eine Reihe von Veränderungen in Albrights Leben. Seine Mutter, Carla Wilson Albright, starb am 8. Mai 1939 und mit gebrochenem Herzen verbrachten er, Malvin und Adam die nächsten Sommer mit Malen in Maine. Während dieser Zeit, im Jahr 1941, beendete Albright die Arbeit an The Door und begann mit der Arbeit an seinem De-facto-Begleiter Poor Room – There Is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever and Forever and Forever Without End (The Window) , an dem Albright in den nächsten einundzwanzig Jahren immer wieder arbeiten würde. Die Arbeit an The Window erlebte ihre erste Unterbrechung, als Ivan und Malvin gebeten wurden, für die Metro-Goldwyn-Mayer- Adaption von The Picture of Dorian Gray unter der Regie von Albert Lewin zu malen . Für sein Porträt bestand Albright darauf, unter den gleichen grellen Lichtern wie am Set zu arbeiten, und entwickelte zum Ausgleich eine neue aggressive Sensibilität für Farbe, die in seinen Arbeiten bis in die 1970er Jahre Bestand hatte. Im Jahr 1946 änderte sich Albrights Privatleben noch mehr, als er am 27. August Josephine Medill Patterson Reeve heiratete. Danach zog das Paar kurz nach Billings , Montana und dann nach Süden nach Ten Sleep , Wyoming, bevor es nach Chicago zurückkehrte. Nach der Heirat adoptierte Albright Josephines Kinder und 1947 hatten die Albrights einen Sohn Adam Medill und zwei Jahre später, 1949, eine Tochter Blandina Van Etten.

Späte Karriere (1950–1983)

Die letzte Unterbrechung von Albrights Arbeit an The Window war der Auftrag für das Portrait of Mary Block (1955-57), und tatsächlich dominieren Porträts und Selbstporträts einen Großteil der Produktion des letzten Teils von Albrights Karriere. Nach der Fertigstellung von The Window im Jahr 1962 begann er sofort mit der Arbeit an einem posthumen Porträt seines Schwiegervaters Captain Joseph Medill Patterson (1962-64), einem Offizier während des Ersten Weltkriegs und Gründer der New York Daily News . Während er und seine Familie 1963 in Aspen, Colorado, Urlaub machten, führte er das Aspen-Selbstporträt aus , das den Künstler im Alter von 66 Jahren objektiv festhielt.

In den Jahrzehnten der 1950er und 1960er Jahre gab es nur wenige großformatige Werke von Albright, aber er erweiterte seinen Horizont durch Reisen. Zwischen 1948 und 1964 produzierte Albright eine Reihe von Ölen und Gouachen mit westlichen Themen. Dies lag zum Teil daran, dass die Künstlerin durch Josephine und ihre Schwester Alicia Patterson Guggenheim den Teilbesitz einer Ranch in Dubois , Wyoming, erwarb. Die Ranch war ein passender Rahmen für eine Reihe von Kunstwerken mit westlichem Thema, darunter Roaring Fork, Wyoming (1948) , The Purist (1949), The Wild Bunch (Hole in the Wall Gang) (1951), Tin (1952–54) und Die Rustlers (1959, 1963-64). Nach Alicias Tod im Jahr 1963 erbten Ivan und Josephine ihre Plantage in Georgia , nördlich von Jacksonville , was Albright veranlasste, sich besonders für den Sumpf als Thema zu interessieren. Ivans Zeit in Georgia zwischen 1963 und 1965 war teilweise, jedoch aus der Not heraus, als die Stadt Chicago beschloss, sein Atelier in der Ogden Avenue abzureißen , um Platz für ein Einkaufszentrum zu schaffen. Darüber hinaus fühlte sich Albright, obwohl er 1964-65 mit einer Retrospektive am Art Institute of Chicago und dem Whitney Museum of American Art geehrt wurde, von der Künstlergemeinschaft Chicagos geächtet. Zeitgenössische Kunst wurde zu dieser Zeit von Pop-Art und Minimalismus dominiert , ganz im Gegensatz zu Albrights figurativem Stil. Teilweise um dieser "Szene" zu entkommen, zogen Ivan und Josephine 1963 nach Woodstock , Vermont , konnten jedoch erst 1965 beginnen, dort ganztägig zu leben, als das Anwesen vollständig renoviert wurde. Dort vollendete Albright sein wohl letztes großes Werk If Life Were Life – There Would Be No Death (The Vermonter) (1966-77) nach dem Modell von Kenneth Harper Atwood, einem pensionierten Ahornbauern und ehemaligen Mitglied der Vermonter Repräsentantenhaus .

In den späten 1950er und 1960er Jahren verwendete er Metallspitzen für Zeichnungen. "The Last of the Old WoodStock Inn" wurde 1968 mit Silber-, Platin-, Gold-, Kupfer- und Messingspitze auf VideoMedia-Papier gezeichnet.

Als Albright fünfundsiebzig Jahre alt war, verschlechterte sich Albrights Sehvermögen durch die Entwicklung von Katarakten zunehmend. Glücklicherweise konnte dies rückgängig gemacht werden und 1977 hatte er seine erste Hornhauttransplantation. In diesem Jahr schenkte er einen Großteil seiner Arbeit dem Art Institute of Chicago, und im folgenden Jahr wurde seine erste Biografie von Michael Croydon veröffentlicht. Trotz der Transplantation, die Albright ein neues Lebensgefühl verlieh, verschlechterte sich sein Gesundheitszustand bald. Seine letzte Gemäldeserie war eine Gruppe von Selbstporträts, die zwischen 1981 und 1983 entstanden. Die Serie wurde auf Anfrage der Galleria degli Uffizi in Florenz um ein Selbstporträt zur Ergänzung ihrer Sammlung von Selbstporträts großer Meister in Ehrung ihres 400-jährigen Bestehens. Während sich eines der Gemälde jetzt in den Uffizien befindet, hat Albright insgesamt mehr als 24 in verschiedenen Stilen und Medien geschaffen. Den letzten absolvierte er nach einem Schlaganfall und nur wenige Tage vor seinem Tod am 18. November 1983.

Stil und Arbeit

Künstlerische Entwicklung

Ich bin der, von dem er sprach (Samson) , 1925, Öl auf Leinwand, 26 1/8 x 20 1/8 Zoll. Samson ist für Albright ein Übergangswerk, da es seine Bewegung in Richtung eines "barocken" Stils zeigt, aber noch nicht seine akribische Aufmerksamkeit für die Oberfläche zeigt.

Erst in den 1930er Jahren entwickelte Albright eine einheitliche Technik für seine Werke. Die Technik umfasste das Erstellen zahlreicher Detailzeichnungen, das Erstellen seiner eigenen Farbpalette und das Malen mit Hunderten von kleinen Pinseln. Albrights zeitaufwändige Technik ermöglichte nicht nur eine detaillierte Darstellung des physischen Verfalls von Objekten und Menschen, sondern ermöglichte es ihm, eine Vielzahl von leichten Blickwinkelverschiebungen einzubeziehen und die Beziehungen zwischen den Objekten hervorzuheben. Albrights Kombination von extremem Realismus mit einer gewalttätigen und grellen Farbpalette veranlasste Kunstkritiker, seine Arbeit mit den Werken der amerikanischen Magic Realists zu kategorisieren .

Themen in Albrights Werken sind Tod, Leben, Spirituelles vs. Physisches und die Auswirkungen der Zeit. Ähnlich komplex waren die Titel seiner Werke. Er würde einem Gemälde erst dann einen Namen geben, wenn es fertig war, woraufhin er sich mehrere Möglichkeiten ausdachte, bevor er sich für eines entschied. Zum Beispiel trägt ein Gemälde eines Fensters den Titel Poor Room – Es gibt keine Zeit, kein Ende, kein Heute, kein Gestern, kein Morgen, nur das Für immer und für immer und ewig ohne Ende (Das Fenster) . Das Gemälde wird im Allgemeinen nur mit diesen letzten beiden Wörtern bezeichnet. Ein anderes Gemälde, And Man Created God in his Own Image ( Und der Mensch schuf Gott in seinem eigenen Bild) , hatte die Worte im Titel umgekehrt in Gott schuf den Menschen in seinem eigenen Bild, als es durch die Südstaaten der USA tourte , um Kontroversen zu vermeiden.

Hauptarbeiten

In die Welt kam eine Seele namens Ida (1929-30)

Dieses Gemälde ist eine groteske Darstellung einer Frau, die (nach dem Titel) Ida heißt. In diesem Gemälde gibt es mehrere Hinweise auf die Idee, dass der menschliche Körper schwach ist und dass wir alle in unseren physischen Formen gefangen sind. Es scheint ein Konflikt zwischen der Seele und dem Körper zu passieren. Die Figur sitzt in einem überfüllten und baufälligen Raum. Sie schaut in einen Handspiegel mit einem traurigen Gesichtsausdruck. Eine Lesart davon ist, dass sie wegen ihres Alters und ihres Mangels an Schönheit traurig ist. Manche Leute glauben, sie sei eine alte Schauspielerin oder möglicherweise eine Prostituierte. Ida ähnelt vielen anderen Werken Albrights aufgrund des toten und verfallenden Aussehens der Figur sowie der tieferen (und oft dunklen) Bedeutungen, die darin verborgen sind.

Was ich hätte tun sollen, habe ich nicht getan (Die Tür) (1931–1941)

Für eines seiner berühmtesten Gemälde mit dem Titel That What I Should Have Done I Did Not Do (The Door) brauchte er zehn Jahre, um 1941 den Hauptpreis bei drei großen Ausstellungen in New York City , Chicago und Philadelphia zu gewinnen Preis des Metropolitan Museum of Art in New York brachte ihm einen Kaufpreis von 3.500 US-Dollar für das Gemälde und seinen Platz in der ständigen Sammlung ein, aber Albright legte den Kaufpreis auf 125.000 US-Dollar fest. Stattdessen nahm er die erste Medaille, was ihm erlaubte, die Arbeit zu behalten. Dieses Gemälde ist derzeit im Art Institute of Chicago zu sehen .

Das Bild des Dorian Gray (1943)

Das Bild des Dorian Gray, 1943, Öl auf Leinwand, 85 x 42 Zoll.

Im Jahr 1943 wurde Albright beauftragt , die Titular-Malerei zu schaffen Albert Lewin ‚Verfilmung von Oscar Wilde ‘ s Das Bildnis des Dorian Gray . Seine naturalistischen, übertriebenen Darstellungen des Verfalls machten ihn geeignet, das Bild des korrumpierten Dorian zu schaffen. Sein Bruder wurde ursprünglich ausgewählt, um das anfängliche, unverfälschte Gemälde von Gray zu malen. Das im letzten Film verwendete Gemälde stammte jedoch von Henrique Medina . Als Änderungen an Medinas Gemälde erforderlich waren, um Grays Sturz zu zeigen, malte Albright sie. Sein Gemälde des korrumpierten Dorian Gray befindet sich derzeit im Art Institute of Chicago.

Ruf und Vermächtnis

Albrights Gemälde befinden sich in einigen der bedeutendsten institutionellen Sammlungen der Vereinigten Staaten, darunter das Museum of Modern Art , das Metropolitan Museum of Art , das Detroit Institute of Arts , die National Gallery of Art , das Whitney Museum of American Art . und das Solomon R. Guggenheim Museum . Die größte und bedeutendste Sammlung von Albrights Kunstwerken und Archiven wird im Art Institute of Chicago aufbewahrt und zeigt seine einzigartige Beziehung zu dieser Institution. Mit Schenkungen des Künstlers, seiner Familie und seiner Mäzene besitzt das Institut heute 137 Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken und Skulpturen. Im Gegenzug bemüht sich das Institut, sein Vermächtnis durch die Veröffentlichung von wissenschaftlichen Katalogen und Werkausstellungen zu fördern. Große Retrospektiven seines Schaffens fanden 1964 und 1997 statt. Daneben fanden 1978, 1984 und 2018 kleinere Ausstellungen statt.

Schweres Ruder für ihn, der müde ist, Schwerer Mantel, Schweres Meer , 1929, Öl auf Leinwand, 53 1/4 x 34 Zoll.

Die Sammlung des Art Institute of Chicago war das Ergebnis von Albrights eigenem Geschick, seinen Ruf unter hochrangigen Museen und Sammlern zu festigen. In den 1940er und 1950er Jahren erlaubte Albright immer wieder prominenten Institutionen, Werke gegen überlegene Beispiele einzutauschen: 1947 tauschte das Institut Woman (1928) gegen Into the World There Came a Soul Named Ida (1929–30); und 1956 tauschten sie zusammen mit Geldgebern Ida zusammen mit Heavy the Oar to Him Who Is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea (1929) und Oh God, Herings, Buoys, the Glittering Sea (1940) gegen Albrights Meisterwerk ein Die Tür (1931-1941). 1977 schenkte Albright dem Museum 75 seiner persönlichen Sammlung und gab mehrere zuvor gehandelte Werke zurück. Nach Albrights Tod stiftete seine Witwe Josephine Patterson Albright weitere zwanzig Selbstporträts sowie eine Sammlung von Archivmaterialien, die sich heute in den Ryerson & Burnham Libraries des Art Institute of Chicago befinden . Das Archiv umfasst Fotografien, Sammelalben, Skizzen, Notizbücher, einen Film und andere Materialien, die sein Leben und seine Karriere dokumentieren.

Verweise

Literaturverzeichnis

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Endnotizen

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  5. ^ John P. Murphy, „ Fleisch: Ivan Albright and the Aesthetics of Ugliness “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Abs. 19.
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  28. ^ Vielleicht um zusätzliches Geld zu verdienen, produzierten und vermarkteten Albright und sein Bruder Malvin in den 1930er Jahren Zeichenkohle unter dem Namen American Artists Charcoal Company aus einer Reihe von Brennöfen hinter dem Warrensville-Studio. Siehe: Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 176–177.
  29. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 95.
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  66. ^ Sarah Kelly Oehler, „ Introduction “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Abs. 10.
  67. ^ Sarah Kelly Oehler, „ Introduction “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Abs. 12.
  68. ^ Sarah Kelly Oehler, „ Introduction “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Absatz 3.
  69. ^ Sarah Kelly Oehler, „ Introduction “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Abs. 3–5.
  70. ^ a b Sarah Kelly Oehler, „ Introduction “, in Ivan Albright Paintings at the Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), Abs. 2.

Siehe auch

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