James Abbott McNeill Whistler - James Abbott McNeill Whistler

James Abbott McNeill Whistler
Whistler Selbstporträt.jpg
Arrangement in Grey: Portrait of the Painter
(Selbstporträt, um 1872), Detroit Institute of Arts
Geboren
James Abbott Whistler

11. Juli 1834
Ist gestorben 17. Juli 1903 (1903-07-17)(69 Jahre)
London, England, Großbritannien
Staatsangehörigkeit amerikanisch
Ausbildung Militärakademie der Vereinigten Staaten, West Point, New York
Bekannt für Gemälde
Bemerkenswerte Arbeit
Whistlers Mutter
Bewegung Begründer des Tonalismus
Auszeichnungen

James Abbott McNeill Whistler RBA ( / w ɪ s l ər / ; 11. Juli 1834 - 17. Juli 1903) war ein amerikanischer Künstler aktiv während des amerikanischen Gilded Age und basierte vor allem im Vereinigten Königreich. Er vermied Sentimentalität und moralische Anspielung in der Malerei und war ein führender Verfechter des Credos „ Kunst um der Kunst willen “. Seine Signatur für seine Gemälde nahm die Form eines stilisierten Schmetterlings an, der einen langen Stachel als Schwanz besitzt. Das Symbol vereinte beide Aspekte seiner Persönlichkeit: Seine Kunst zeichnet sich durch eine subtile Feinheit aus, während seine öffentliche Person kämpferisch war. Er fand eine Parallele zwischen Malerei und Musik und betitelte viele seiner Bilder mit "Arrangements", "Harmonien" und "Nocturnes" , wobei er das Primat der tonalen Harmonie betonte. Sein berühmtestes Gemälde, Arrangement in Grey and Black No. 1 (1871), allgemein bekannt als Whistler's Mother , ist ein verehrtes und oft parodiertes Porträt der Mutterschaft. Whistler beeinflusste die Kunstwelt und die breitere Kultur seiner Zeit mit seinen Theorien und seinen Freundschaften mit anderen führenden Künstlern und Schriftstellern.

Frühen Lebensjahren

Neu England

James Abbott Whistler wurde am 11. Juli 1834 in Lowell, Massachusetts , als erstes Kind von Anna McNeill Whistler und George Washington Whistler und Bruder des konföderierten Chirurgen Dr. William McNeill Whistler geboren . Sein Vater war Eisenbahningenieur und Anna war seine zweite Frau. James lebte die ersten drei Jahre seines Lebens in einem bescheidenen Haus in der Worthen Street 243 in Lowell. Das Haus ist heute das Whistler House Museum of Art , ein ihm gewidmetes Museum. Er behauptete während des Ruskin-Prozesses St. Petersburg, Russland, als seinen Geburtsort: "Ich werde geboren, wann und wo ich will, und ich entscheide mich nicht, in Lowell geboren zu werden."

Die Familie zog 1837 von Lowell nach Stonington, Connecticut , wo sein Vater für die Stonington Railroad arbeitete. Drei der Kinder des Paares starben in dieser Zeit im Säuglingsalter. Ihr Vermögen verbesserte sich erheblich, als sein Vater 1839 Chefingenieur der Boston & Albany Railroad wurde und die Familie ein Herrenhaus in Springfield, Massachusetts , baute , wo heute das Wood Museum of History steht. Sie lebten in Springfield , bis sie in den Vereinigten Staaten in der späten 1842. verließen Nikolaus I. von Russland erfuhren von George Whistler Einfallsreichtum der Boston & Albany Railroad in der Technik, und er bot ihm eine Stelle im Jahr 1842 eine Eisenbahn von St. Petersburg nach Moskau Engineering und im Winter 1842/43 zog die Familie nach St. Petersburg.

Whistler war ein launisches Kind, das zu Wutausbrüchen und Unverschämtheit neigte, und nach Krankheitsanfällen verfiel er oft in Faulheit. Seine Eltern entdeckten, dass das Zeichnen ihn oft beruhigte und ihm half, seine Aufmerksamkeit zu lenken. In späteren Jahren spielte er die Verbindung seiner Mutter zum amerikanischen Süden und seinen Wurzeln hoch und präsentierte sich als verarmter Südadliger, obwohl unklar bleibt, inwieweit er während des amerikanischen Bürgerkriegs wirklich mit der Sache des Südens sympathisierte . Er nahm den Mädchennamen seiner Mutter an, nachdem sie gestorben war, und benutzte ihn als zusätzlichen zweiten Vornamen.

Russland und England

Pfeifer um 1847–1849

Ab 1842 war sein Vater bei einer Eisenbahn in Russland angestellt. Nachdem er ein Jahr später zu seinem Vater nach St. Petersburg gezogen war, nahm der junge Whistler privaten Kunstunterricht und schrieb sich im Alter von elf Jahren an der Imperial Academy of Arts ein . Der junge Künstler folgte dem traditionellen Lehrplan des Zeichnens nach Gipsabgüssen und gelegentlichen Live-Modellen, genoss die Atmosphäre von Kunstgesprächen mit älteren Altersgenossen und erfreute seine Eltern mit einer erstklassigen Note in Anatomie. Im Jahr 1844 lernte er den bekannten Künstler Sir William Allan kennen , der mit dem Auftrag nach Russland kam, eine Geschichte des Lebens Peters des Großen zu malen . Whistlers Mutter notierte in ihrem Tagebuch: "Der große Künstler sagte zu mir: 'Ihr kleiner Junge hat ein ungewöhnliches Genie, aber drängen Sie ihn nicht über seine Neigung hinaus.'"

1847–1848 verbrachte seine Familie einige Zeit bei Verwandten in London, während sein Vater in Russland blieb. Whistlers Schwager Francis Haden , Arzt und Künstler, weckte sein Interesse an Kunst und Fotografie. Haden nahm Whistler mit zu Sammlerbesuchen und zu Vorträgen und gab ihm ein Aquarellset mit Anleitung. Whistler stellte sich bereits eine Kunstkarriere vor. Er begann, Kunstbücher zu sammeln und studierte die Techniken anderer Künstler. Als sein Porträt 1848 von Sir William Boxall gemalt wurde , rief der junge Whistler aus, das Porträt sei „mir sehr ähnlich und ein sehr schönes Bild. Mr. Boxall ist ein wunderschöner Kolorist... so reich." In seiner aufblühenden Kunstbegeisterung teilte er mit fünfzehn seinem Vater per Brief seine künftige Richtung mit: "Ich hoffe, lieber Vater, Sie werden meiner Wahl nicht widersprechen." Sein Vater starb jedoch im Alter von 49 Jahren an Cholera , und die Familie Whistler zog zurück in die Heimatstadt seiner Mutter, Pomfret, Connecticut . Seine Kunstpläne blieben vage und seine Zukunft ungewiss. Die Familie lebte sparsam und kam mit einem begrenzten Einkommen aus. Sein Cousin berichtete, dass Whistler zu dieser Zeit "schlank war, mit einem nachdenklichen, zarten Gesicht, das von weichen braunen Locken überschattet wurde... in diesem Alter."

westlicher Punkt

Whistler wurde auf die Christ Church Hall School geschickt, in der Hoffnung seiner Mutter, dass er Pfarrer werden würde. Whistler war selten ohne sein Skizzenbuch und bei seinen Mitschülern für seine Karikaturen beliebt. Es wurde jedoch klar, dass eine Karriere in der Religion nicht zu ihm passte, und so bewarb er sich an der United States Military Academy in West Point, wo sein Vater Zeichnen unterrichtet hatte und andere Verwandte besucht hatten. Im Juli 1851 wurde er trotz seiner extremen Kurzsichtigkeit und seiner schlechten Gesundheitsgeschichte aufgrund seines Familiennamens in die hochselektive Anstalt aufgenommen. Während seiner drei Jahre dort waren seine Noten jedoch kaum zufriedenstellend, und er war ein trauriger Anblick bei Drill und Kleidung, bekannt als "Curly" wegen seiner Haarlänge, die die Vorschriften übertraf. Whistler sträubte sich gegen Autorität, gab sarkastische Kommentare von sich und sammelte Fehler an. Colonel Robert E. Lee war der West Point Superintendent, und nach beträchtlicher Nachsicht gegenüber Whistler hatte er keine andere Wahl, als den jungen Kadetten zu entlassen. Whistlers größte Leistung in West Point war das Erlernen des Zeichnens und des Kartenmachens vom amerikanischen Künstler Robert W. Weir .

Seine Abreise aus West Point scheint durch einen Misserfolg in einer Chemieprüfung herbeigeführt worden zu sein, bei der er gebeten wurde, Silizium zu beschreiben, und begann mit den Worten: "Silizium ist ein Gas ". Wie er später selbst formulierte: „Wenn Silizium ein Gas wäre, wäre ich eines Tages General geworden“. Eine separate Anekdote deutet jedoch auf Fehlverhalten im Zeichenunterricht als Grund für Whistlers Abgang hin.

Erster Job

Nach West Point arbeitete Whistler als Zeichner, der die gesamte US-Küste für militärische und maritime Zwecke kartierte. Er fand die Arbeit langweilig und er war häufig zu spät oder fehlte. Er verbrachte einen Großteil seiner Freizeit mit Billardspielen und Faulenzen, war immer pleite, und obwohl er ein Charmeur war, kannte er Frauen kaum. Nachdem entdeckt wurde, dass er Seeschlangen, Meerjungfrauen und Wale an die Ränder der Karten zeichnete, wurde er in die Ätzabteilung des US Coast Survey versetzt. Er blieb dort nur zwei Monate, erlernte aber die Radiertechnik, die sich später für seine Karriere als wertvoll erwies.

Porträt von Whistler with Hat (1858), ein Selbstporträt in der Freer Gallery of Art , Washington, DC

An diesem Punkt entschied Whistler fest, dass die Kunst seine Zukunft sein würde. Für einige Monate lebte er in Baltimore bei einem wohlhabenden Freund, Tom Winans, der Whistler sogar mit einem Atelier und etwas Taschengeld versorgte. Der junge Künstler knüpfte wertvolle Kontakte in die Kunstszene und verkaufte auch einige frühe Gemälde an Winans. Whistler lehnte die Vorschläge seiner Mutter für andere praktischere Berufe ab und teilte ihr mit, dass er mit Geld von Winans seine Kunstausbildung in Paris fortsetzen würde. Whistler kehrte nie in die Vereinigten Staaten zurück.

Kunststudium in Frankreich

Whistler kam 1855 nach Paris, mietete ein Atelier im Quartier Latin und übernahm schnell das Leben eines Künstlers der Bohème. Bald hatte er eine französische Freundin, eine Schneiderin namens Héloise. Er studierte für kurze Zeit traditionelle Kunstmethoden an der Ecole Impériale und im Atelier von Marc Charles Gabriel Gleyre . Letzterer war ein großer Verfechter der Arbeit von Ingres und beeindruckte Whistler mit zwei Prinzipien, die er für den Rest seiner Karriere verwendete: dass die Linie wichtiger ist als die Farbe und dass Schwarz die Grundfarbe der Tonharmonie ist. Zwanzig Jahre später würden die Impressionisten diese Philosophie weitgehend stürzen, Schwarz und Braun als "verbotene Farben" verbieten und Farbe über Form betonen. Whistler bevorzugte das Selbststudium und genoss das Caféleben. Während Briefe aus der Heimat über die Sparbemühungen seiner Mutter berichteten, gab Whistler frei aus, verkaufte in seinem ersten Jahr in Paris wenig oder nichts und war ständig verschuldet. Um die Situation zu entlasten, begann er, Kopien von Werken im Louvre zu malen und zu verkaufen und zog schließlich in billigere Quartiere. Wie es der Zufall wollte, half die Ankunft von George Lucas, einem weiteren reichen Freund, in Paris, Whistlers Finanzen für eine Weile zu stabilisieren. Trotz einer finanziellen Atempause war der Winter 1857 für Whistler ein schwieriger Winter. Sein schlechter Gesundheitszustand, der durch übermäßiges Rauchen und Trinken noch verschlimmert wurde, machte ihn niedergeschlagen.

Die Bedingungen verbesserten sich im Sommer 1858. Whistler erholte sich und reiste mit seinem Künstlerkollegen Ernest Delannoy durch Frankreich und das Rheinland. Später produzierte er mit Hilfe des französischen Meisterdruckers Auguste Delâtre eine Gruppe von Radierungen, die als "The French Set" bekannt sind. In diesem Jahr malte er sein erstes Selbstporträt, Portrait of Whistler with Hat , ein dunkles und dick gerendertes Werk, das an Rembrandt erinnert . Aber das größte Ereignis in diesem Jahr war seine Freundschaft mit Henri Fantin-Latour , den er im Louvre kennenlernte. Durch ihn wurde Whistler in den Kreis von Gustave Courbet eingeführt , zu dem Carolus-Duran (später der Lehrer von John Singer Sargent ), Alphonse Legros und Édouard Manet gehörten .

Zu dieser Gruppe gehörte auch Charles Baudelaire , dessen Ideen und Theorien der "modernen" Kunst Whistler beeinflussten. Baudelaire forderte die Künstler auf, die Brutalität des Lebens und der Natur zu hinterfragen und getreu darzustellen, wobei die alten Themen der Mythologie und Allegorie vermieden wurden. Théophile Gautier , einer der ersten, der die Übersetzungsqualitäten zwischen Kunst und Musik erforschte, könnte Whistler dazu inspiriert haben, Kunst in musikalischen Begriffen zu sehen.

London

Das Banner des Realismus seines Wahlkreises widerspiegelnd, malte Whistler 1858 sein erstes ausgestelltes Werk, La Mere Gerard. Er folgte ihm 1859 in London mit dem Gemälde Am Klavier , das er als sein Zuhause annahm, während er auch regelmäßig Freunde in Frankreich besuchte . At the Piano ist ein Porträt seiner Nichte und ihrer Mutter in ihrem Londoner Musikzimmer, eine Anstrengung, die sein Talent und sein Versprechen deutlich zum Ausdruck bringt. Ein Kritiker schrieb: „[trotz] einer rücksichtslosen Kühnheit und Skizzenhaftigkeit der wildesten und rauesten Art [hat] ein echtes Gefühl für Farbe und eine herrliche Kompositions- und Gestaltungskraft, die eine unter Künstlern sehr seltene gerechte Wertschätzung der Natur bezeugen ." Die Arbeit ist unsentimental und kontrastiert wirkungsvoll die Mutter in Schwarz und die Tochter in Weiß, während andere Farben zurückhaltend gehalten werden, wie es sein Lehrer Gleyre empfohlen hat. Es wurde im folgenden Jahr in der Royal Academy und in vielen zukünftigen Ausstellungen ausgestellt.

In einem zweiten Gemälde, das im selben Raum ausgeführt wurde, demonstrierte Whistler seine natürliche Neigung zu Innovation und Neuheit, indem er eine Genreszene mit ungewöhnlicher Komposition und Verkürzung gestaltete. Es wurde später Harmony in Green and Rose: The Music Room umbenannt . Dieses Gemälde demonstrierte auch Whistlers fortlaufendes Arbeitsmuster, insbesondere bei Porträts: ein schneller Anfang, größere Anpassungen, eine Zeit der Vernachlässigung, dann eine letzte Hektik bis zum Ende.

Nach einem Jahr in London produzierte er als Kontrapunkt zu seinem französischen Set von 1858 im Jahr 1860 eine weitere Reihe von Radierungen namens Thames Set sowie einige frühe impressionistische Werke, darunter The Thames in Ice . Zu diesem Zeitpunkt begann er, seine Technik der tonalen Harmonie auf der Grundlage einer begrenzten, vordefinierten Palette zu etablieren.

Frühe Karriere

Symphonie in Weiß, Nr. 1: The White Girl (1862), The National Gallery of Art, Washington, DC
James Abbott McNeill Whistler, Paris, um 1863, Albumindruck von Etienne Carjat, Abteilung für Bildsammlungen, National Gallery of Art Library, Washington, DC

1861, nachdem er für einige Zeit nach Paris zurückgekehrt war, malte Whistler sein erstes berühmtes Werk, Symphony in White, No. 1: The White Girl . Das Porträt seiner Geliebten und Geschäftsleiterin Joanna Hiffernan ist als schlichte Studie in Weiß entstanden; andere sahen das jedoch anders. Der Kritiker Jules-Antoine Castagnary hielt das Gemälde für eine Allegorie der verlorenen Unschuld einer neuen Braut. Andere verbanden es mit Wilkie Collins ' The Woman in White , einem populären Roman der Zeit, oder verschiedenen anderen literarischen Quellen. In England hielten es einige für ein Gemälde im präraffaelitischen Stil. Auf dem Gemälde hält Hiffernan eine Lilie in ihrer linken Hand und steht auf einem Bärenfellteppich (von einigen als Symbol für Männlichkeit und Lust interpretiert), wobei der Kopf des Bären den Betrachter drohend anstarrt. Das Porträt wurde für die Ausstellung an der konservativen Royal Academy abgelehnt, aber in einer privaten Galerie unter dem Titel The Woman in White gezeigt . Im Jahr 1863 wurde bei dem gezeigten Salon des Refusés in Paris, eine Veranstaltung gesponsert von Kaiser Napoleon III für die Ausstellung von Werken aus dem abgelehnten Salon .

Whistlers Gemälde wurde weithin beachtet, obwohl es von Manets schockierendem Gemälde Le déjeuner sur l'herbe in den Schatten gestellt wurde . Gegen Kritik von Traditionalisten bestanden Whistlers Unterstützer darauf, dass das Gemälde "eine Erscheinung mit spirituellem Inhalt" sei und dass es seine Theorie verkörpere, dass sich die Kunst im Wesentlichen mit der Anordnung von Farben in Harmonie befassen sollte, nicht mit einer wörtlichen Darstellung der natürlichen Welt.

Zwei Jahre später malte Whistler ein weiteres Porträt von Hiffernan in Weiß, dieses Mal zeigte er sein neu entdecktes Interesse an asiatischen Motiven, das er The Little White Girl nannte . Seine Herrin des Landes Lijsen und The Golden Screen , beide 1864 fertiggestellt, porträtieren erneut seine Geliebte in noch betonterer asiatischer Kleidung und Umgebung. Während dieser Zeit kam Whistler Gustave Courbet nahe , dem frühen Führer der französischen Realistenschule, aber als Hiffernan nackt für Courbet modelte, wurde Whistler wütend und seine Beziehung zu Hiffernan begann zu zerbrechen. Im Januar 1864 traf Whistlers sehr religiöse und sehr anständige Mutter in London ein, was die Bohème-Existenz ihres Sohnes durcheinander brachte und die familiären Spannungen vorübergehend verschärfte. Wie er an Henri Fantin-Latour schrieb: "Allgemeiner Umbruch!! Ich musste mein Haus räumen und vom Keller bis zur Traufe reinigen." Er verlegte Hiffernan auch sofort an einen anderen Ort.

Reife Karriere

Nachtschwärmer

Im Jahr 1866 beschloss Whistler, Valparaíso, Chile , zu besuchen , eine Reise, die die Gelehrten verwirrte, obwohl Whistler erklärte, dass er dies aus politischen Gründen tat. Chile befand sich im Krieg mit Spanien und Whistler hielt es vielleicht für einen heroischen Kampf einer kleinen Nation gegen eine größere, aber keine Beweise stützen diese Theorie. Was die Reise hervorbrachte, waren Whistlers erste drei nächtliche Gemälde - die er "Mondlichter" nannte und später in "Nocturnes" umbenannte - Nachtszenen des Hafens, die mit einer blauen oder hellgrünen Palette gemalt wurden. Nachdem er nach London zurückgekehrt war, malte er in den nächsten zehn Jahren mehrere weitere Nocturnes, viele von der Themse und von Cremorne Gardens , einem Vergnügungspark, der für seine häufigen Feuerwerke bekannt ist und eine neue Herausforderung für das Malen darstellte. In seinen maritimen Nocturnes verwendete Whistler stark verdünnte Farbe als Grund mit leicht gestreifter Farbe, um Schiffe, Lichter und Küstenlinien anzudeuten. Einige der Themse-Gemälde weisen auch kompositorische und thematische Ähnlichkeiten mit den japanischen Drucken von Hiroshige auf .

Im Jahr 1872 schrieb Whistler seinem Gönner Frederick Leyland , einem Chopin gewidmeten Amateurmusiker , seine musikalisch inspirierten Titel zu.

Ich sage, ich kann Ihnen nicht viel danken für den Namen 'Nocturne' als Titel für meine Mondscheine! Sie ahnen nicht, was für eine Irritation es den Kritikern und daraus für mich Freude bereitet — außerdem ist es wirklich so charmant und sagt so poetisch alles, was ich sagen will und nicht mehr, als ich will!

Zu diesem Zeitpunkt malte Whistler ein weiteres Selbstporträt und betitelte es Arrangement in Grey: Portrait of the Painter (ca. 1872), und er begann auch, viele seiner früheren Werke mit Begriffen umzubenennen, die mit Musik verbunden sind, wie z. Nocturne", "Symphonie", "Harmonie", "Studium" oder "Arrangement", um die klanglichen Qualitäten und die Komposition zu betonen und den narrativen Inhalt zu entschärfen. Whistlers Nocturnes gehörten zu seinen innovativsten Werken. Darüber hinaus gab Whistler durch die Einreichung mehrerer Nocturnes beim Kunsthändler Paul Durand-Ruel nach dem Deutsch-Französischen Krieg die Gelegenheit, Künstlern, Käufern und Kritikern in Frankreich seine sich entwickelnde "Kunsttheorie" zu erläutern. Sein guter Freund Fantin-Latour, der in seinen Ansichten immer reaktionärer wurde, insbesondere in seiner Negativität gegenüber der aufstrebenden impressionistischen Schule, fand Whistlers neue Werke überraschend und verwirrend. Fantin-Latour gab zu: "Ich verstehe da nichts, es ist bizarr, wie man sich verändert. Ich erkenne ihn nicht mehr." Ihre Beziehung war zu diesem Zeitpunkt fast am Ende, aber sie tauschten sich in gelegentlichen Briefen weiterhin über ihre Meinungen aus. Als Edgar Degas Whistler 1874 einlud, mit der ersten Ausstellung der Impressionisten auszustellen, lehnte Whistler die Einladung ab, ebenso wie Manet , und einige Gelehrte führten dies teilweise auf Fantin-Latours Einfluss auf beide Männer zurück.

Porträts

Der Deutsch-Französische Krieg von 1870 zersplitterte die französische Kunstszene. Viele Künstler flüchteten nach England und schlossen sich Whistler an, darunter Camille Pissarro und Monet, während Manet und Degas in Frankreich blieben. Wie Whistler konzentrierten sich Monet und Pissarro beide auf Ansichten der Stadt, und es ist wahrscheinlich, dass Whistler der Entwicklung des von diesen Künstlern begründeten Impressionismus ausgesetzt war und dass sie seine Nocturnes gesehen hatten. Whistler entfernte sich von Courbets »verdammtem Realismus«, und ihre Freundschaft war verkümmert, ebenso wie seine Verbindung zu Joanna Hiffernan.

Whistlers Mutter

Arrangement in Grau und Schwarz Nr.1 (1871), im Volksmund bekannt als Whistler's Mother , Musée d'Orsay , Paris

Bis 1871 kehrte Whistler zu Porträts zurück und schuf bald sein berühmtestes Gemälde, die fast monochromatische Figur in voller Länge mit dem Titel Arrangement in Grey and Black No.1 , die jedoch normalerweise als Whistlers Mutter bezeichnet wird . Laut einem Brief seiner Mutter erschien eines Tages kein Model, also wandte sich Whistler an seine Mutter und schlug ihm vor, ihr Porträt zu machen. Zuerst ließ er sie auf seine typisch langsame und experimentelle Art stehen, aber das erwies sich als zu ermüdend, so dass die sitzende Pose eingenommen wurde. Es dauerte Dutzende von Sitzungen, bis es fertig war.

Whistlers Mutter Anna Whistler, c. 1850er Jahre

Das strenge Porträt in seiner normalerweise eingeschränkten Palette ist eine weitere Whistler-Übung in tonaler Harmonie und Komposition. Das täuschend einfache Design ist in der Tat ein Balanceakt unterschiedlicher Formen, insbesondere der Rechtecke von Vorhang, Bild an der Wand und Boden, die die Rundung von Gesicht, Kleid und Stuhl stabilisieren. Whistler bemerkte, dass die Erzählung des Gemäldes von geringer Bedeutung sei, aber das Gemälde sei auch eine Hommage an seine fromme Mutter. Nach dem ersten Schock, als sie mit ihrem Sohn zusammenzog, half sie ihm erheblich, indem sie sein Verhalten etwas stabilisierte, sich um seine häuslichen Bedürfnisse kümmerte und eine Aura konservativer Seriosität verlieh, die dazu beitrug, Kunden zu gewinnen.

Das Publikum reagierte negativ auf das Gemälde, vor allem wegen seiner anti-viktorianischen Schlichtheit während einer Zeit in England, als Sentimentalität und extravagante Dekoration in Mode waren. Kritiker hielten das Gemälde eher für ein gescheitertes "Experiment" als für eine Kunst. Die Royal Academy lehnte es ab, akzeptierte es dann aber widerwillig, nachdem Sir William Boxall Lobbyarbeit geleistet hatte – aber sie hängten es in ihrer Ausstellung an einem ungünstigen Ort auf.

Von Anfang an löste Whistler's Mother unterschiedliche Reaktionen aus, darunter Parodie, Spott und Ehrfurcht, die bis heute andauern. Manche sahen darin „das würdevolle Gefühl der alten Dame“, „ein ernstes Gefühl der Trauer“ oder ein „perfektes Symbol der Mutterschaft“; andere benutzten es als passendes Vehikel zum Spott. Es wurde in endlosen Variationen in Grußkarten und Zeitschriften und von Zeichentrickfiguren wie Donald Duck und Bullwinkle the Moose persifliert . Whistler trug seinen Teil zur Förderung des Bildes und zur Popularisierung des Bildes bei. Er stellte es häufig aus und autorisierte die frühen Reproduktionen, die in Tausende von Häusern Einzug hielten. Das Gemälde entging nur knapp einer Verbrennung in einem Zug an Bord eines Zuges während des Transports. Es wurde schließlich von der französischen Regierung gekauft, das erste Whistler-Werk in einer öffentlichen Sammlung und befindet sich heute im Musée d'Orsay in Paris.

Whistlers Mutter
Ausgabe von 1934

Während der Depression wurde das Bild als "Millionen-Dollar" -Gemälde in Rechnung gestellt und war ein großer Hit auf der Weltausstellung in Chicago. Es wurde als universelle Ikone der Mutterschaft von der weltweiten Öffentlichkeit akzeptiert, die sich der ästhetischen Theorien von Whistler nicht sonderlich bewusst war oder sich damit beschäftigte. In Anerkennung seines Status und seiner Popularität gaben die Vereinigten Staaten 1934 eine Briefmarke mit einer Adaption des Gemäldes heraus. Im Jahr 2015 schrieb der New Yorker Kritiker Peter Schjeldahl, dass es "das wichtigste amerikanische Werk mit Wohnsitz außerhalb der Vereinigten Staaten bleibt". Martha Tedeschi schreibt:

Die Mutter des Pfeifers , Holz ‚s American Gothic , Leonardo da Vinci ‘ s Mona Lisa und Edvard Munch ‚s Der Schrei haben alle etwas erreicht , dass die meisten Gemälde unabhängig von ihrer kunsthistorischen Bedeutung, Schönheit oder Geldwert-haben nicht: sie kommunizieren ein für fast jeden Betrachter sofort eine bestimmte Bedeutung. Diese wenigen Werke haben erfolgreich den Übergang vom elitären Reich des Museumsbesuchers zum riesigen Schauplatz der Populärkultur geschafft.

Andere Porträts

Whistler in seinem Studio 1865, Selbstporträt

Weitere wichtige Porträts von Whistler sind die von Thomas Carlyle (Historiker, 1873), Maud Franklin (seine Geliebte, 1876), Cicely Alexander (Tochter eines Londoner Bankiers, 1873), Lady Meux (Sozialist, 1882) und Théodore Duret (Kritikerin). , 1884). In den 1870er Jahren malte Whistler Ganzkörperporträts von FR Leyland und seiner Frau Frances. Leyland beauftragte daraufhin den Künstler, sein Esszimmer zu dekorieren (siehe Peacock Room unten).

Whistler war enttäuscht über die unregelmäßige Annahme seiner Werke für die Ausstellungen der Royal Academy und die schlechte Aufhängung und Platzierung seiner Gemälde. Als Reaktion darauf veranstaltete Whistler 1874 seine erste Einzelausstellung. Die Ausstellung war jedoch bemerkenswert und aufgefallen durch Whistlers Gestaltung und Dekoration der Halle, die gut mit den Gemälden harmonierte, im Einklang mit seinen Kunsttheorien. Ein Rezensent schrieb: "Der Besucher wird beim Betreten der Galerie von einem seltsamen Gefühl von Harmonie und Fitness durchdrungen, und er interessiert sich vielleicht mehr für die allgemeine Wirkung als für jedes einzelne Werk."

Alice Hintern , c. 1895, Nationalgalerie für Kunst

Whistler war als Porträtmaler nicht so erfolgreich wie der andere berühmte US-Amerikaner John Singer Sargent . Whistlers sparsame Technik und seine Abneigung, seinen Dargestellten zu schmeicheln, sowie seine Bekanntheit können dafür verantwortlich sein. Er arbeitete auch sehr langsam und verlangte außergewöhnlich lange Sitzungen. William Merritt Chase beklagte sich darüber, dass er für ein Porträt von Whistler gesessen hatte: „Er erwies sich als wahrer Tyrann, der jeden Tag bis ins Zwielicht malte, während meine Glieder vor Müdigkeit schmerzten und mein Kopf schwindelig schwamm. ‚Beweg dich nicht! Bewegung!' er schrie jedes Mal, wenn ich anfing, mich auszuruhen." Als er in den 1890er Jahren weit verbreitet war, hatte Whistler seine Blütezeit als Porträtmaler hinter sich.

Technik

Whistlers Herangehensweise an die Porträtmalerei in seiner späten Reife wurde von einem seiner Dargestellten, Arthur J. Eddy, der 1894 für den Künstler posierte, beschrieben:

Er arbeitete mit großer Schnelligkeit und langen Stunden, aber er verwendete seine Farben dünn und bedeckte die Leinwand mit unzähligen Farbschichten. Die Farben nahmen im Laufe der Arbeit an Tiefe und Intensität zu. Zuerst war die ganze Figur in graubraunen Tönen mit sehr wenig Fleischfarbe gemalt, das Ganze verschmolz perfekt mit dem graubraunen der vorbereiteten Leinwand; dann würde der ganze Hintergrund ein wenig intensiviert; dann wurde die Figur ein wenig stärker; dann der Hintergrund und so weiter von Tag zu Tag und von Woche zu Woche und oft von Monat zu Monat. ... Und so würde das Porträt wirklich wachsen, sich wirklich als Ganzes entwickeln, so wie ein Negativ unter der Einwirkung der Chemikalien allmählich herauskommt – Licht, Schatten und alles von den allerersten schwachen Anzeichen bis zu ihren vollen Werten. Es war, als ob das Porträt in der Leinwand verborgen wäre und der Meister, indem er seine Zauberstäbe Tag für Tag über die Oberfläche führte, das Bild heraufbeschwor.

Druckgrafik

Zaandam , Niederlande , c. 1889 – Radierung von James McNeill Whistler

Whistler produzierte zahlreiche Radierungen, Lithographien und Kaltnadeln. Seine Lithographien, einige auf Stein, andere direkt auf "Lithographie"-Papier gezeichnet, sind vielleicht halb so zahlreich wie seine Radierungen. Einige der Lithographien zeigen leicht drapierte Figuren; zwei oder drei der besten sind Themse- Themen - darunter ein "Nocturne" in Limehouse; während andere das Faubourg Saint-Germain in Paris und georgische Kirchen in Soho und Bloomsbury in London darstellen.

The Doorway , Radierung und Kaltnadelradierung, 1879–80, Metropolitan Museum of Art

Die Radierungen umfassen Porträts von Familien, Geliebten und intimen Straßenszenen in London und Venedig . Whistler erlangte als Radierer einen enormen Ruf. Martin Hardie schrieb: "Es gibt einige, die ihn neben Rembrandt, vielleicht über Rembrandt, als den größten Meister aller Zeiten setzen. Ich persönlich betrachte sie lieber als Jupiter und Venus, die größten und hellsten unter den Planeten im Radiererhimmel." Auf den Druck seiner Radierungen und die Wahl des Papiers legte er große Sorgfalt. Am Anfang und am Ende seiner Karriere legte er großen Wert auf Sauberkeit der Linie, in einer mittleren Phase experimentierte er jedoch mehr mit Tusche und der Verwendung von Flächentönen .

Schmetterlingssignatur und Maleinstellungen

Whistlers berühmte Schmetterlingssignatur entstand in den 1860er Jahren aus seinem Interesse an asiatischer Kunst. Er studierte die Töpferspuren auf dem Porzellan, das er zu sammeln begonnen hatte, und beschloss, ein Monogramm seiner Initialen zu entwerfen. Im Laufe der Zeit entwickelte sich daraus die Form eines abstrakten Schmetterlings. Um 1880 fügte er dem Schmetterlingsbild einen Stachel hinzu, um ein Zeichen zu schaffen, das sowohl seine sanfte, sensible Natur als auch seinen provokativen, lebhaften Geist repräsentiert. Sowohl auf seinen Gemälden als auch auf seinen maßgefertigten Rahmen achtete er sehr auf die richtige Platzierung des Bildes. Sein Fokus auf die Bedeutung von Gleichgewicht und Harmonie erstreckte sich über den Rahmen hinaus auf die Platzierung seiner Gemälde in ihren Umgebungen und weiter auf die Gestaltung eines ganzen architektonischen Elements, wie im Pfauenzimmer.

Das Pfauenzimmer

Die Prinzessin aus dem Land des Porzellans , in situ im The Peacock Room , Freer Gallery of Art, Washington, DC

Harmonie in Blau und Gold: The Peacock Room ist Whistlers Meisterwerk der dekorativen Wandmalerei im Innenbereich. Er übermalte den ursprünglichen, getäfelten Raum, der von Thomas Jeckyll (1827–1881) entworfen wurde, in einer einheitlichen Palette von brillanten Blaugrüntönen mit Überglasung und metallischem Blattgold. Es wurde 1876-1877 gemalt und gilt heute als herausragendes Beispiel des anglo-japanischen Stils . Frederick Leyland verließ den Raum in Whistlers Obhut, um kleinere Änderungen vorzunehmen, um den Raum zu "harmonisieren", dessen Hauptzweck darin bestand, Leylands Porzellansammlung auszustellen. Whistler ließ seiner Fantasie jedoch freien Lauf: „Nun, weißt du, ich habe einfach weitergemalt. Ich habe weitergemacht – ohne Entwurf oder Skizze – mit solcher Freiheit jede Berührung einzubringen ... Und die Harmonie in Blau und Gold entwickelt sich, weißt du , ich habe in meiner Freude alles vergessen." Er übermalte vollständig Cordoba-Lederwandverkleidungen aus dem 16. Jahrhundert, die zuerst von Katharina von Aragon nach Großbritannien gebracht wurden und für die Leyland 1.000 Pfund bezahlt hatte.

Nachdem er das Herzstück des Raums, Whistlers Gemälde The Princess from the Land of Porcelain , erworben hatte, kaufte der amerikanische Industrielle und Ästhet Charles Lang Freer 1904 den gesamten Raum von Leylands Erben, darunter Leylands Tochter und ihr Ehemann, der britische Künstler Val Prinsep . Freer ließ dann den Inhalt des Peacock Room in seinem Herrenhaus in Detroit installieren . Nach Freers Tod im Jahr 1919 wurde The Peacock Room dauerhaft in der Freer Gallery of Art im Smithsonian in Washington, DC installiert. Die Galerie wurde 1923 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Eine große gemalte Karikatur von Whistler of Leyland, die ihn als anthropomorphen Pfau darstellt Piano, und mit dem Titel The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – ein Wortspiel mit Leylands Vorliebe für Rüschenhemdfronten – befindet sich jetzt in der Sammlung des Fine Arts Museums of San Francisco .

Ruskin-Studie

Im Jahr 1877 verklagte Whistler den Kritiker John Ruskin wegen Verleumdung, nachdem der Kritiker sein Gemälde Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket verurteilt hatte . Whistler stellte die Arbeit in der Grosvenor Gallery aus , eine Alternative zur Ausstellung der Royal Academy, neben Werken von Edward Burne-Jones und anderen Künstlern. Ruskin, der ein Vorkämpfer der Präraffaeliten und JMW Turner gewesen war , rezensierte Whistlers Arbeit am 2. Juli 1877 in seiner Veröffentlichung Fors Clavigera . Ruskin lobte Burne-Jones, während er Whistler angriff:

Mr. Whistlers selbst zuliebe, nicht weniger als zum Schutz des Käufers, hätte Sir Coutts Lindsay [Gründer der Grosvenor Gallery ] keine Werke in die Galerie zulassen dürfen, in denen der ungebildete Dünkel des Künstlers fast dem Aspekt der vorsätzlichen Betrügerei. Ich habe schon viel von Cockneys Unverschämtheit gesehen und gehört; aber ich hätte nie erwartet, dass ein Steuermann zweihundert Guineen darum bittet , der Öffentlichkeit einen Farbtopf ins Gesicht zu werfen.

Whistler, der den Angriff in der Zeitung sah, antwortete seinem Freund George Boughton : "Es ist die erniedrigtste Art der Kritik, die ich je an mich geworfen habe." Dann ging er zu seinem Anwalt und verfasste eine Klage wegen Verleumdung, die Ruskin zugestellt wurde. Whistler hoffte, 1.000 Pfund zuzüglich der Kosten der Aktion zurückzubekommen. Der Fall kam im folgenden Jahr nach Verzögerungen aufgrund von Ruskins Anfällen von psychischen Erkrankungen vor Gericht, während sich Whistlers finanzielle Lage weiter verschlechterte. Es wurde am 25. und 26. November 1878 in der Schatzkammer des High Court vor Baron Huddleston und einer Sonderjury verhandelt. Anwalt von John Ruskin, Generalstaatsanwalt Sir John Holker , Whistler im Kreuzverhör:

Holker: "Was ist das Thema von Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket ?"

Whistler: "Es ist ein Nachtstück und stellt das Feuerwerk in den Cremorne Gardens dar ."

Holker: "Kein Blick auf Cremorne?"

Whistler: "Wenn es A View of Cremorne wäre, würde es beim Betrachter sicherlich nur Enttäuschung hervorrufen. Es ist eine künstlerische Anordnung. Deshalb nenne ich es ein Nocturne. ..."

Holker: "Hast du viel Zeit gebraucht, um das Nocturne in Schwarz und Gold zu malen ? Wie schnell hast du es abgerissen?"

Whistler: "Oh, ich 'knock one off' möglicherweise in ein paar Tagen - einen Tag, um die Arbeit zu erledigen und einen anderen, um sie zu beenden ..." [das Gemälde misst 24 3/4 x 18 3/8 Zoll]

Holker: "Die Arbeit von zwei Tagen ist das, wofür Sie zweihundert Guineen verlangen?"

Whistler: "Nein, ich verlange das Wissen, das ich in der Arbeit meines Lebens erworben habe."

Whistler hatte auf viele Künstler gezählt, die sich als Zeugen auf seine Seite stellten, aber sie weigerten sich, weil sie einen Rufschaden befürchteten. Die anderen Zeugen für ihn waren nicht überzeugend und die eigene Reaktion der Jury auf die Arbeit war spöttisch. Da Ruskins Zeugen beeindruckender waren, darunter Edward Burne-Jones , und Ruskin aus medizinischen Gründen abwesend war, war Whistlers Gegenangriff wirkungslos. Nichtsdestotrotz urteilte die Jury zugunsten von Whistler, sprach aber nur einen Pfennig nominellen Schadenersatz zu, und die Gerichtskosten wurden aufgeteilt. Die Kosten des Falles, zusammen mit den enormen Schulden aus dem Bau seiner Residenz ("Das Weiße Haus" in der Tite Street , Chelsea , entworfen mit EW Godwin , 1877–8), machten ihn im Mai 1879 bankrott, was zu einer Versteigerung seiner Werke führte. Sammlungen und Haus. Stansky merkt die Ironie an, dass die Fine Art Society of London , die eine Sammlung organisiert hatte, um Ruskins Anwaltskosten zu bezahlen, ihn bei der Radierung von "The Stones of Venice" (und bei der Ausstellung der Serie im Jahr 1883) unterstützte, was dazu beitrug, Whistlers Kosten zu decken.

Whistler veröffentlichte seinen Bericht über den Prozess in der Broschüre Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics , die in seiner späteren The Gentle Art of Making Enemies (1890) im Dezember 1878, kurz nach dem Prozess, enthalten war. Whistlers große Hoffnung, dass die Publizität des Prozesses seine Karriere retten würde, wurde zunichte gemacht, da er dadurch unter den Gönnern eher an Popularität gewann als an Popularität gewann. Zu seinen Gläubigern gehörte Leyland, der den Verkauf von Whistlers Besitz beaufsichtigte. Whistler machte verschiedene Karikaturen seines ehemaligen Gönners, darunter ein beißendes satirisches Gemälde namens The Gold Scab , kurz nachdem Whistler den Bankrott erklärt hatte. Whistler machte Leyland immer für seinen finanziellen Untergang verantwortlich.

Spätere Jahre

Perlmutt und Silber: The Andalusian (1888-1900), National Gallery of Art, Washington, DC (Modell: Ethel Whibley )

Nach dem Prozess erhielt Whistler den Auftrag, in Venedig zwölf Radierungen anzufertigen. Er nahm den Auftrag eifrig an und kam mit seiner Freundin Maud in die Stadt, wo er in einem heruntergekommenen Palazzo Zimmer nahm, das sie sich mit anderen Künstlern teilten, darunter John Singer Sargent . Obwohl er Heimweh nach London hatte, passte er sich an Venedig an und machte sich daran, seinen Charakter zu entdecken. Er tat sein Bestes, um sich von der Düsternis seiner finanziellen Angelegenheiten und dem bevorstehenden Verkauf all seiner Waren bei Sotheby's abzulenken . Er war regelmäßiger Gast auf Partys im amerikanischen Konsulat und verzauberte die Gäste mit seinem üblichen Witz mit verbalen Schnörkeln wie "Die einzige positive Tugend des Künstlers ist Müßiggang - und es gibt so wenige, die darin begabt sind".

Seine neuen Freunde berichteten im Gegenteil, Whistler sei früh aufgestanden und habe sich einen ganzen Tag Mühe gegeben. Er schrieb an einen Freund: "Ich habe in Venedig ein Venedig kennengelernt, das die anderen nie wahrgenommen zu haben scheinen und das, wenn ich es so mitbringe, wie ich es vorschlage, alle Ärgernisse, Verzögerungen und Ärgernisse weit mehr als ausgleichen wird Geist." Der dreimonatige Einsatz erstreckte sich auf vierzehn Monate. Während dieser außergewöhnlich produktiven Zeit fertigte Whistler über fünfzig Radierungen, mehrere Nocturnes, einige Aquarelle und über 100 Pastelle an, die sowohl die Stimmungen Venedigs als auch seine feinen architektonischen Details illustrierten. Darüber hinaus beeinflusste Whistler die amerikanische Kunstszene in Venedig, insbesondere Frank Duveneck (und Duvenecks „Boys“) und Robert Blum, der Whistlers Vision der Stadt nachahmte und später seine Methoden und seinen Einfluss zurück nach Amerika verbreitete.

Zurück in London verkauften sich die Pastelle besonders gut und er witzelte: "Sie sind nicht so gut, wie ich dachte. Sie verkaufen sich!" Er war aktiv daran beteiligt, seine anderen Arbeiten auszustellen, jedoch mit begrenztem Erfolg. Obwohl er immer noch finanziell zu kämpfen hatte, wurde er von der Aufmerksamkeit und Bewunderung ermutigt, die er von der jüngeren Generation englischer und amerikanischer Maler erhielt, die ihn zu ihrem Idol machten und den Titel "Schüler von Whistler" eifrig annahmen. Viele von ihnen kehrten nach Amerika zurück und verbreiteten Geschichten über Whistlers provokativen Egoismus, scharfen Witz und ästhetische Äußerungen – und begründeten damit zu seiner Zufriedenheit die Legende von Whistler.

Whistler veröffentlichte 1885 sein erstes Buch, Ten O'clock Lecture , ein wichtiger Ausdruck seines Glaubens an "Kunst um der Kunst willen". Zu dieser Zeit herrschte die entgegengesetzte viktorianische Vorstellung, dass die Kunst und tatsächlich viele menschliche Aktivitäten eine moralische oder soziale Funktion hatten. Für Whistler war die Kunst jedoch ihr eigenes Ziel und die Verantwortung des Künstlers lag nicht bei der Gesellschaft, sondern bei sich selbst, durch die Kunst zu interpretieren und das Gesehene weder zu reproduzieren noch zu moralisieren. Darüber hinaus sagte er: "Die Natur hat sehr selten Recht" und muss vom Künstler mit seiner eigenen Vision verbessert werden.

Obwohl er sich in mehreren Punkten von Whistler unterschied, einschließlich seiner Beharrlichkeit, dass Poesie eine höhere Kunstform als Malerei sei, war Oscar Wilde großzügig in seinem Lob und lobte den Vortrag als Meisterwerk:

nicht nur wegen seiner klugen Satire und amüsanten Scherze ... sondern wegen der reinen und vollkommenen Schönheit vieler seiner Passagen ... dafür ist er meiner Meinung nach tatsächlich einer der größten Meister der Malerei. Und ich darf hinzufügen, dass Mr. Whistler selbst dieser Meinung völlig zustimmt.

Whistler fühlte sich jedoch von Oscar Wilde verspottet, und von da an folgte ein öffentliches Sparring, das zu einem völligen Zusammenbruch ihrer Freundschaft führte, was durch einen Bericht von Herbert Vivian herbeigeführt wurde . Später schlug Wilde Whistler erneut zu und stützte den ermordeten Künstler in seinem Roman Das Bild des Dorian Gray nach Whistler.

Im Januar 1881 starb Anna Whistler. Zu Ehren seiner Mutter nahm er danach öffentlich ihren Mädchennamen McNeill als zweiten Vornamen an.

The Barrow, Brüssel , 1887, Radierung und Kaltnadelradierung

Whistler trat 1884 der Society of British Artists bei und wurde am 1. Juni 1886 zum Präsidenten gewählt. Im folgenden Jahr, während des Goldenen Jubiläums von Königin Victoria , überreichte Whistler der Königin im Namen der Gesellschaft ein aufwendiges Album mit einer langen schriftlichen Ansprache und von ihm angefertigten Illustrationen. Königin Victoria bewunderte „die schöne und kunstvolle Beleuchtung“ so sehr, dass sie fortan verordnete, „dass die Gesellschaft Königlich heißen sollte“. Diese Leistung wurde von den Mitgliedern weithin geschätzt, wurde jedoch bald von dem Streit überschattet, der unweigerlich mit der Royal Academy of Arts entstand. Whistler schlug vor, dass Mitglieder der Royal Society aus der Royal Academy austreten sollten. Dies entzündete eine Fehde innerhalb der Mitgliederreihen, die alle anderen Gesellschaftsgeschäfte überschattete. Im Mai 1888 schrieben neun Mitglieder an Whistler, um seinen Rücktritt zu fordern. Auf der Jahresversammlung am 4. Juni wurde er mit 18 zu 19 Stimmen bei neun Enthaltungen zur Wiederwahl abgelehnt. Whistler und 25 Unterstützer traten zurück, während die Anti-Whistler-Mehrheit (aus seiner Sicht) erfolgreich war, ihn wegen seiner "Exzentrizitäten" und seines "nicht-englischen" Hintergrunds zu säubern.

Als sich seine Beziehung zu Maud löste, schlug Whistler plötzlich Beatrice Godwin (auch "Beatrix" oder "Trixie" genannt), einer ehemaligen Schülerin und Witwe seines Architekten Edward William Godwin , vor und heiratete sie . Durch seine Freundschaft mit Godwin war Whistler Beatrice nahe gekommen, die Whistler in dem Ganzkörperporträt mit dem Titel Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315) malte. Im Sommer 1888 traten Whistler und Beatrice als Paar in der Öffentlichkeit auf. Bei einem Abendessen bestanden Louise Jopling und Henry Labouchère darauf, dass sie vor Ende der Woche heiraten sollten.

Die Hochzeitszeremonie wurde arrangiert; als Mitglied des Parlaments veranlasste Labouchère, dass der Kaplan des Unterhauses das Paar heiratet. Die Zeremonie wurde nicht öffentlich gemacht, um die Möglichkeit zu vermeiden, dass eine wütende Maud Franklin die Hochzeitszeremonie unterbricht. Die Hochzeit fand am 11. August 1888 statt, an der Zeremonie nahm ein Reporter der Pall Mall Gazette teil , so dass die Veranstaltung öffentlichkeitswirksam wurde. Das Paar reiste kurz darauf nach Paris, um jede Gefahr einer Szene mit Maud zu vermeiden.

Whistlers Ruf in London und Paris stieg und er erhielt positive Kritiken von Kritikern und neuen Aufträgen. Sein Buch The Gentle Art of Making Enemies wurde 1890 mit gemischtem Erfolg veröffentlicht, leistete jedoch hilfreiche Werbung.

Arrangement in Pink, Red und Purple , 1883–1884, Cincinnati Art Museum , Cincinnati, Ohio

1890 lernte er Charles Lang Freer kennen , der in Amerika zu einem wertvollen Mäzen und schließlich zu seinem wichtigsten Sammler wurde. Zu dieser Zeit experimentierte Whistler neben der Porträtmalerei mit frühen Farbfotografien und Lithografien und schuf eine Serie mit Londoner Architektur und der menschlichen Figur, hauptsächlich weibliche Akte. Er steuerte die ersten drei seiner Songs of Stone- Lithographien zu The Whirlwind bei, einem neojakobitischen Magazin, das von seinem Freund Herbert Vivian herausgegeben wurde. Whistler hatte Vivian in den späten 1880er Jahren kennengelernt, als beide Mitglieder des Ordens der Weißen Rose waren , der ersten der neojakobitischen Gesellschaften. 1891 wurde Whistler's Mother mit Hilfe seines engen Freundes Stéphane Mallarmé von der französischen Regierung für 4000 Francs gekauft. Dies war viel weniger, als ein amerikanischer Sammler hätte zahlen können, aber das wäre nach Whistlers Berechnung nicht so prestigeträchtig gewesen.

Nach einer gleichgültigen Aufnahme seiner Solo-Show in London, die hauptsächlich seine Nocturnes zeigte, entschied Whistler abrupt, dass er genug von London hatte. Er und Trixie zogen 1892 nach Paris und wohnten in der Rue du Bac Nr. 110 , Paris , mit seinem Atelier an der Spitze der Rue Notre Dame des Champs 86 in Montparnasse . Er fühlte sich von Monet , Auguste Rodin , Henri de Toulouse-Lautrec und Stéphane Mallarmé willkommen geheißen und richtete sich ein großes Atelier ein. Er war auf dem Höhepunkt seiner Karriere, als entdeckt wurde, dass Trixie Krebs hatte. Sie kehrten im Februar 1896 nach London zurück und nahmen Zimmer im Savoy Hotel, während sie sich medizinisch behandeln ließen. Er zeichnete auf lithografischem Transferpapier den Blick auf die Themse aus dem Hotelfenster oder dem Balkon, während er bei ihr saß. Sie starb einige Monate später.

Im Jahr 1899 stellte Charles Freer Whistler seinem Freund und Geschäftskollegen Richard Albert Canfield vor , der ein persönlicher Freund und Förderer von Whistler wurde. Canfield besaß eine Reihe von modischen Glücksspielhäusern in New York, Rhode Island, Saratoga Springs und Newport und war auch ein Mann von Kultur mit raffiniertem Kunstgeschmack. Er besaß frühe amerikanische und Chippendale-Möbel, Wandteppiche, chinesisches Porzellan und Barye-Bronzen und besaß vor seinem Tod im Jahr 1914 die zweitgrößte und bedeutendste Whistler-Sammlung der Welt. Im Mai 1901 gab Canfield bei Whistler ein Porträt in Auftrag; er begann im März 1902 für Portrait of Richard A. Canfield (YMSM 547) zu posieren . Laut Alexander Gardiner kehrte Canfield 1903 nach Europa zurück, um für Whistler zu Neujahr zu sitzen, und saß bis zum 16. Mai 1903 jeden Tag. Whistler war zu dieser Zeit krank und gebrechlich und das Werk war sein letztes fertiges Porträt. Die trügerische Seriosität, die das Porträt Canfield verlieh, veranlasste Whistler, es „seine Ehrfurcht“ zu nennen. Die beiden Männer standen von 1901 bis zu Whistlers Tod in Korrespondenz. Einige Monate vor seinem eigenen Tod verkaufte Canfield seine Sammlung von Radierungen, Lithographien, Zeichnungen und Gemälden von Whistler für 300.000 Dollar an den amerikanischen Kunsthändler Roland F. Knoedler. Drei von Canfields Whistler-Gemälden hängen im Frick Museum in New York City.

In den letzten sieben Jahren seines Lebens fertigte Whistler einige minimalistische Meereslandschaften in Aquarell und ein letztes Selbstporträt in Öl an. Er korrespondierte mit seinen vielen Freunden und Kollegen. Whistler gründete 1898 eine Kunstschule, die jedoch aufgrund seines schlechten Gesundheitszustands und seiner seltenen Auftritte 1901 geschlossen wurde. Er starb am 17. Juli 1903, sechs Tage nach seinem 69. Geburtstag, in London. Er ist auf dem Chiswick Old Cemetery in West-London begraben, der an die St.-Nikolaus-Kirche in Chiswick angrenzt .

Whistler war 1908 Gegenstand einer Biografie seiner Freunde, des Ehepaars Joseph Pennell und Elizabeth Robins Pennell , Druckgrafikerin bzw. Kunstkritikerin. Die umfangreiche Sammlung von Whistler-Material der Pennells wurde der Library of Congress vermacht . Der gesamte Nachlass des Künstlers wurde seiner Schwägerin Rosalind Birnie Philip vermacht . Sie verbrachte den Rest ihres Lebens damit, seinen Ruf zu verteidigen und seine Kunst und seine Effekte zu verwalten, von denen ein Großteil schließlich der Universität Glasgow gespendet wurde .

Radierung von Whistlers Modell, Joanna Hiffernan (um 1860)

Persönliche Beziehungen

Symphonie in Weiß Nr. 2 (Das kleine weiße Mädchen) , Vollversion
Maud Franklin Arrangement in Weiß und Schwarz , 1876. Freer Gallery of Art , Washington, DC

Whistler hatte ein unverwechselbares Aussehen, klein und schlank, mit durchdringenden Augen und einem gelockten Schnurrbart, oft trug er ein Monokel und die auffällige Kleidung eines Dandys. Er beeinflusste eine Haltung des Selbstbewusstseins und der Exzentrik. Er war oft arrogant und egoistisch gegenüber Freunden und Gönnern. Als ständiger Selbstdarsteller und Egoist genoss er schockierende Freunde und Feinde. Obwohl er in sozialen und politischen Angelegenheiten drollig und leichtsinnig sein konnte, nahm er Kunst immer ernst und lud oft zu öffentlichen Kontroversen und Debatten ein, um für seine stark vertretenen Theorien zu argumentieren.

Whistler hatte eine hohe, gedehnte Stimme und eine einzigartige Sprechweise voller kalkulierter Pausen. Ein Freund sagte: "In einer Sekunde entdecken Sie, dass er sich nicht unterhält - er zeichnet in Worten, gibt Eindrücke in Klang und Sinn, die vom Hörer interpretiert werden können."

Whistler war bekannt für seinen bissigen Witz, vor allem im Austausch mit seinem Freund und Rivalen Oscar Wilde . Beide waren Persönlichkeiten des Pariser Café-Vereins , und sie waren oft das "Gespräch der Stadt". Sie traten häufig als Karikaturen in Punch auf , zu ihrer gegenseitigen Belustigung. Bei einer Gelegenheit besuchte der junge Oscar Wilde eines von Whistlers Abendessen, und als er seinen Gastgeber eine brillante Bemerkung machte, sagte er anscheinend: "Ich wünschte, ich hätte das gesagt", worauf Whistler rügte: "Sie werden, Oscar, Sie werden!" Tatsächlich wiederholte Wilde in der Öffentlichkeit viele von Whistler geschaffene Witze. Ihre Beziehung verschlechterte sich Mitte der 1880er Jahre, als sich Whistler gegen Wilde und die ästhetische Bewegung wandte. Als Wilde 1895 öffentlich als homosexuell anerkannt wurde, verspottete Whistler ihn offen. Whistler genoss es, seine gesellschaftlichen Zusammenkünfte vorzubereiten und zu organisieren. Als Gast bemerkte:

Man traf dort die besten der Gesellschaft – die Leute mit Köpfchen und diejenigen, die genug hatten, um sie zu schätzen. Whistler war ein unnachahmlicher Gastgeber. Er liebte es, die Sonne zu sein, um die wir kleinere Lichter kreisten ... Alles geriet unter seinen Einfluss, und infolgedessen langweilte sich niemand, niemand wurde langweilig.

In Paris war Whistler mit Mitgliedern des symbolistischen Künstler-, Schriftsteller- und Dichterkreises befreundet , zu dem auch Stéphane Mallarmé und Marcel Schwob gehörten . Schwob hatte Whistler Mitte der 1890er Jahre durch Stéphane Mallarmé kennengelernt, sie hatten andere gemeinsame Freunde, darunter Oscar Wilde (bis sie sich stritten) und Whistlers Schwager Charles Whibley .

The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre (The Creditor) , 1879, Öl auf Leinwand - De Young Museum

Neben Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros und Courbet war Whistler mit vielen anderen französischen Künstlern befreundet. Er illustrierte das Buch Les Chauves-Souris mit Antonio de La Gandara . Er kannte auch die Impressionisten , insbesondere Édouard Manet , Monet und Edgar Degas . Als junger Künstler pflegte er eine enge Freundschaft mit Dante Gabriel Rossetti , einem Mitglied der Präraffaelitenbruderschaft . Seine engen Freundschaften mit Monet und dem Dichter Stéphane Mallarmé, der die Ten O'Clock Lecture ins Französische übersetzte, trugen dazu bei, den Respekt vor Whistler in der französischen Öffentlichkeit zu stärken. Whistler war mit seinen Kommilitonen in Gleyres Studio befreundet, darunter Ignace Schott , dessen Sohn Leon Dabo Whistler später Mentor werden sollte.

Whistlers Liebhaberin und Model für The White Girl , Joanna Hiffernan , posierte auch für Gustave Courbet . Historiker spekulieren, dass Courbet sie als Modell für sein erotisches Gemälde L'Origine du monde verwendet hat , was möglicherweise zum Bruch der Freundschaft zwischen Whistler und Courbet führte. Während der 1870er und eines Großteils der 1880er lebte er bei seiner Model-Geliebten Maud Franklin. Ihre Fähigkeit, seine langen, sich wiederholenden Sitzungen zu ertragen, half Whistler, seine Porträtfähigkeiten zu entwickeln. Er machte nicht nur mehrere ausgezeichnete Porträts von ihr, sondern sie war auch eine hilfreiche Vertretung für andere Dargestellte. Whistler hatte mehrere uneheliche Kinder, von denen Charles Hanson am besten dokumentiert ist. Nachdem sie sich von seiner Geliebten Joanna Hiffernan getrennt hatte, half sie, Whistlers Sohn Charles James Whistler Hanson (1870-1935) großzuziehen, das Ergebnis einer Affäre mit einem Zimmermädchen, Louisa Fanny Hanson. Von seinem Common Law hatte Geliebte Maud Franklin Whistler zwei Töchter: Ione (geboren um 1877) und Maud McNeill Whistler Franklin (geboren 1879). Sie bezeichnete sich manchmal selbst als „Mrs. Whistler“ und gab bei der Volkszählung von 1881 ihren Namen als „Mary M. Whistler“ an.

Im Jahr 1888 heiratete Whistler Beatrice Godwin (die von Whistler 'Beatrix' oder 'Trixie' genannt wurde). Sie war die Witwe des Architekten EW Godwin , der das Weiße Haus von Whistler entworfen hatte . Beatrix war die Tochter des Bildhauers John Birnie Philip und seiner Frau Frances Black. Beatrix und ihre Schwestern Rosalind Birnie Philip und Ethel Whibley posierten für viele von Whistlers Gemälden und Zeichnungen; mit Ethel Whibley modelliert für Perlmutt und Silber: The Andalusian (1888-1900). Die ersten fünf Jahre ihrer Ehe waren sehr glücklich, aber ihr späteres Leben war eine Zeit des Elends für das Paar aufgrund ihrer Krankheit und schließlich des Todes an Krebs. Gegen Ende lag sie die meiste Zeit im Koma, völlig gedämpft durch Morphium, das zur Schmerzlinderung verabreicht wurde. Ihr Tod war ein schwerer Schlag, den Whistler nie ganz überwand.

Erbe

Pfeifer von William Merritt Chase , 1885.

Whistler ließ sich von vielen Quellen inspirieren und integrierte sie in seine Kunst, darunter das Werk von Rembrandt , Velázquez und die antike griechische Skulptur, um seinen eigenen, höchst einflussreichen und individuellen Stil zu entwickeln. Er war in vielen Medien versiert, mit über 500 Gemälden sowie Radierungen, Pastellen, Aquarellen, Zeichnungen und Lithographien. Whistler war führend in der Ästhetischen Bewegung , förderte, schrieb und hielt Vorträge über die Philosophie "Kunst um der Kunst willen". Bei seinen Schülern setzte er sich für einfache Gestaltung, Sparsamkeit der Mittel, die Vermeidung von aufwendiger Technik und die klangliche Harmonie des Endergebnisses ein. Whistler war Gegenstand vieler bedeutender Museumsausstellungen, Studien und Veröffentlichungen. Wie die Impressionisten nutzte er die Natur als künstlerische Ressource. Whistler bestand darauf, dass es die Pflicht des Künstlers sei, das Gesehene zu interpretieren, nicht Sklave der Realität zu sein und "aus dem Chaos herrliche Harmonie hervorzubringen".

Während seines Lebens beeinflusste er zwei Generationen von Künstlern, in Europa und in den Vereinigten Staaten. Whistler hatte bedeutende Kontakte und tauschte Ideen und Ideale mit realistischen, impressionistischen und symbolistischen Malern aus. Zu den berühmten Schützlingen zählten zeitweise Walter Sickert und der Schriftsteller Oscar Wilde . Sein Tonalismus hatte eine tiefgreifende Wirkung auf viele amerikanische Künstler, darunter John Singer Sargent , William Merritt Chase , Henry Salem Hubbell und Willis Seaver Adams (mit denen er sich in Venedig anfreundete ). Ein weiterer bedeutender Einfluss war Arthur Frank Mathews , den Whistler Ende der 1890er Jahre in Paris traf. Mathews brachte Whistlers Tonalism nach San Francisco und brachte eine breite Anwendung dieser Technik unter den kalifornischen Künstlern der Jahrhundertwende hervor. Der amerikanische Kritiker Charles Caffin schrieb 1907:

Er tat es besser, als ein paar Anhänger und Nachahmer anzuziehen; er beeinflusste die ganze Welt der Kunst. Bewusst oder unbewusst ist seine Präsenz in unzähligen Ateliers zu spüren; sein Genie durchdringt das moderne künstlerische Denken.

Während einer Reise nach Venedig im Jahr 1880 schuf Whistler eine Reihe von Radierungen und Pastellen, die nicht nur seine Finanzen neu belebten, sondern auch die Art und Weise, wie Künstler und Fotografen die Stadt interpretierten, neu belebten – mit Schwerpunkt auf den Hintergassen, Seitenkanälen und Eingängen und architektonische Muster – und die einzigartige Atmosphäre der Stadt einfangen.

James Abbott McNeill Whistler
in Ausgabe von 1940 geehrt

Im Jahr 1940 wurde Whistler auf einer Briefmarke der Vereinigten Staaten gedacht, als die US-Post einen Satz von 35 Briefmarken herausgab, die Amerikas berühmte Autoren, Dichter, Pädagogen, Wissenschaftler, Komponisten, Künstler und Erfinder gedenken: die "Famous Americans Series" .

Die Operette Patience von Gilbert und Sullivan macht sich über die ästhetische Bewegung lustig , und die Hauptfigur von Reginald Bunthorne wird oft als Absender von Oscar Wilde identifiziert, obwohl Bunthorne eher eine Mischung aus mehreren prominenten Künstlern, Schriftstellern und ästhetischen Figuren ist. Bunthorne trägt ein Monokel und hat markante weiße Strähnen in seinem dunklen Haar, ebenso wie Whistler.

Whistler war der Lieblingskünstler der Sängerin und Schauspielerin Doris Day. Sie besaß und zeigte eine Originalradierung von Whistlers Rotherhithe und zwei seiner Originallithographien, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris und The Pantheon, von der Terrasse der Luxembourg Gardens .

Das Haus, in dem Whistler geboren wurde, ist heute als Whistler House Museum of Art erhalten . Er ist in der St.-Nikolaus-Kirche in Chiswick begraben .

Drei Figuren, Pink und Grau

Ehrungen

Whistler erlangte zu Lebzeiten weltweite Anerkennung:

Eine Statue von James McNeill Whistler von Nicholas Dimbleby wurde 2005 am nördlichen Ende der Battersea Bridge über die Themse im Vereinigten Königreich errichtet.

Galerie

Auktionsdatensätze

Am 27. Oktober 2010 erzielten Swann Galleries einen Rekordpreis für einen Whistler-Druck bei einer Auktion, als Nocturne , eine Radierung und Kaltnadelradierung in Schwarz auf warmem, cremefarbenem Japanpapier, 1879-80 für 282.000 US-Dollar verkauft wurde.

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

Primäre Quellen

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Weiterlesen

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Externe Links