Japanische Malerei - Japanese painting

Satz Schiebetüren aus Pflaumenbaum von Kanō Sanraku , Anfang des 17. Jahrhunderts

Die japanische Malerei (絵画, kaiga, auch gadō 画道) ist eine der ältesten und raffiniertesten der japanischen bildenden Künste und umfasst eine Vielzahl von Genres und Stilen. Wie bei der Geschichte der japanischen Kunst im Allgemeinen zeigt die lange Geschichte der japanischen Malerei eine Synthese und einen Wettbewerb zwischen der einheimischen japanischen Ästhetik und der Adaption importierter Ideen, hauptsächlich aus der chinesischen Malerei , die an einer Reihe von Punkten besonders einflussreich war; bedeutender westlicher nur Einfluss stammt aus dem späteren 16. Jahrhundert, zur gleichen Zeit beginnen , wie die japanische Kunst des der Westens zu beeinflussen war .

Zu den Themenbereichen, in denen der chinesische Einfluss immer wieder von Bedeutung war, gehören buddhistische religiöse Malerei, Landschaftsmalerei mit Tusche in der Tradition der chinesischen Literatenmalerei , Kalligraphie von Ideogrammen und die Malerei von Tieren und Pflanzen, insbesondere von Vögeln und Blumen . In all diesen Bereichen haben sich jedoch unverkennbar japanische Traditionen entwickelt. Das Thema, das weithin als das charakteristischste für die japanische Malerei und später für die Druckgrafik gilt , ist die Darstellung von Szenen aus dem Alltagsleben und Erzählszenen, die oft mit Figuren und Details überfüllt sind. Diese Tradition begann zweifellos im frühen Mittelalter unter chinesischem Einfluss, die heute bis auf die allgemeinsten Begriffe nicht mehr zu verfolgen ist, hatte sich jedoch aus der Zeit der frühesten erhaltenen Werke zu einer spezifisch japanischen Tradition entwickelt, die bis in die Neuzeit andauerte.

Die offizielle Liste der Nationalschätze Japans (Gemälde) umfasst 162 Werke oder Werkgruppen aus dem 8. bis 19. Jahrhundert, die Spitzenleistungen oder sehr seltene Überreste aus frühen Epochen darstellen.

Zeitleiste

Altes Japan und Asuka-Zeit (bis 710)

Die Ursprünge der Malerei in Japan reichen weit in die prähistorische Zeit Japans zurück . Einfache figurale Darstellungen sowie botanische, architektonische und geometrische Muster finden sich auf Keramik aus der Jōmon-Zeit und auf dōtaku- Bronzeglocken aus der Yayoi-Zeit (1000 v. Chr. – 300 n. Chr.) . Mural Gemälde mit beiden geometrischen und figürlichen Entwürfe wurden in zahlreichen gefunden tumuli Datierung der Kofun Zeit und Asuka Periode (300-700 AD).

Zusammen mit der Einführung des chinesischen Schriftsystems ( Kanji ), der chinesischen Regierungsformen und des Buddhismus in der Asuka-Zeit wurden viele Kunstwerke aus China nach Japan importiert und lokale Kopien in ähnlichen Stilen wurden hergestellt.

Nara-Zeit (710–794)

Wandmalerei aus dem Takamatsuzuka-Grab

Mit der weiteren Etablierung des Buddhismus im Japan des 6. und 7. Jahrhunderts blühte die religiöse Malerei auf und wurde verwendet, um zahlreiche von der Aristokratie errichtete Tempel zu schmücken. Das Japan der Nara-Zeit ist jedoch eher für wichtige Beiträge in der Bildhauerkunst als in der Malerei bekannt.

Zu den frühesten erhaltenen Gemälden aus dieser Zeit gehören die Wandmalereien an den Innenwänden des Kondō (金堂) im Tempel Hōryū-ji in Ikaruga, Präfektur Nara . Diese Wandmalereien sowie gemalte Bilder auf dem wichtigen Tamamushi-Schrein umfassen Erzählungen wie Jataka , Episoden aus dem Leben des historischen Buddha Shakyamuni sowie ikonische Bilder von Buddhas, Bodhisattvas und verschiedenen kleineren Gottheiten. Der Stil erinnert an chinesische Malerei aus der Sui-Dynastie oder der späten Sechzehn-Königreiche- Zeit. Mitte der Nara-Zeit wurden jedoch Gemälde im Stil der Tang-Dynastie sehr beliebt. Dazu gehören auch die Wandmalereien im Takamatsuzuka-Grab aus der Zeit um 700 n. Chr.. Dieser Stil entwickelte sich zum ( Kara-e )-Genre, das bis in die frühe Heian-Zeit populär blieb .

Da die meisten Gemälde in der Nara-Zeit religiöser Natur sind, stammt die überwiegende Mehrheit von anonymen Künstlern. Eine große Sammlung von Nara - Zeit Kunst, Japanisch sowie aus der chinesischen Tang - Dynastie an dem erhaltenen Shoso-in , einer aus dem 8.en Jahrhundert Repository früher im Besitz von Todai-ji vom und zur Zeit verabreicht Reichshaushaltsagentur .

Heian-Zeit (794–1185)

Mit der Entwicklung der esoterisch- buddhistischen Sekten Shingon und Tendai ist die Malerei des 8. und 9. Jahrhunderts durch religiöse Bilder gekennzeichnet, vor allem gemaltes Mandala (曼荼羅, mandara ) . Zahlreiche Versionen von Mandalas, am bekanntesten das Diamond Realm Mandala und das Womb Realm Mandala in Tōji in Kyoto, wurden als hängende Schriftrollen und auch als Wandmalereien an den Wänden von Tempeln geschaffen. Ein bekanntes frühes Beispiel ist die fünfstöckige Pagode von Daigo-ji , einem Tempel südlich von Kyoto .

Die Kose School war eine Familie von Hofkünstlern, die in der zweiten Hälfte des 9. Jahrhunderts, während der frühen Heian-Zeit, von Kanaoka Kose gegründet wurde . Diese Schule repräsentiert nicht einen einzigen Malstil wie andere Schulen, sondern die verschiedenen Malstile, die von Kanaoka Kose und seinen Nachkommen und Schülern geschaffen wurden. Diese Schule veränderte Gemälde im chinesischen Stil mit chinesischen Themen in den japanischen Stil und spielte eine wichtige Rolle bei der Bildung des Yamato-e- Malstils.

Mit der steigenden Bedeutung der Reinen Land- Sekten des japanischen Buddhismus im 10. Jahrhundert wurden neue Bildtypen entwickelt, um die hingebungsvollen Bedürfnisse dieser Sekten zu befriedigen. Dazu gehören Raigōzu (来迎図) , die Amida Buddha zusammen mit den begleitenden Bodhisattvas Kannon und Seishi darstellen, die ankommen, um die Seelen der Gläubigen zu begrüßen, die in Amidas westlichem Paradies abgereist sind. Ein bekanntes frühes Beispiel aus dem Jahr 1053 ist im Inneren der Phönixhalle des Byōdō-in , eines Tempels in Uji, Kyoto, gemalt . Dies gilt auch als frühes Beispiel für sogenanntes Yamato-e (大和絵, "japanische Malerei") , insofern es Landschaftselemente wie sanfte Hügel enthält, die etwas von der tatsächlichen Erscheinung der Landschaft von . widerzuspiegeln scheinen Westjapan.

Panel von The Tale of Genji Handscroll (Detail)

Die mittlere Heian-Zeit gilt als das goldene Zeitalter der Yamato-e, die zunächst vor allem für Schiebetüren ( fusuma ) und Faltvorhänge ( byōbu ) verwendet wurden. Vor allem gegen Ende der Heian-Zeit traten jedoch auch neue Malformate in den Vordergrund, darunter Emakimono oder lange illustrierte Handrollen. Sorten von Emakimono umfassen illustrierte Romane wie das Genji Monogatari , historische Werke wie das Ban Dainagon Ekotoba und religiöse Werke. In einigen Fällen verwendeten Emaki- Künstler bildhafte Erzählkonventionen, die in der buddhistischen Kunst seit der Antike verwendet wurden, während sie in anderen Fällen neue Erzählweisen entwickelten, von denen angenommen wird, dass sie den emotionalen Inhalt der zugrunde liegenden Erzählung visuell vermitteln. Genji Monogatari ist in einzelne Episoden unterteilt, während der lebhaftere Ban Dainagon Ekotoba einen kontinuierlichen Erzählmodus verwendet, um die Vorwärtsbewegung der Erzählung zu betonen. Diese beiden Emaki unterscheiden sich auch stilistisch, wobei die schnellen Pinselstriche und die helle Farbgebung von Ban Dainagon in starkem Kontrast zu den abstrahierten Formen und lebendigen Mineralpigmenten der Genji- Schriftrollen stehen. Die Belagerung des Sanjō-Palastes ist ein weiteres berühmtes Beispiel für diese Art von Malerei.

E-maki dienen auch als einige der frühesten und größten Beispiele für die onna-e ("Frauenbilder") und otoko-e ("Männerbilder") und Malstile. Es gibt viele feine Unterschiede in den beiden Stilen. Obwohl die Begriffe die ästhetischen Vorlieben jedes Geschlechts suggerieren, haben Historiker der japanischen Kunst lange über die tatsächliche Bedeutung dieser Begriffe diskutiert, und sie bleiben unklar. Am leichtesten auffallend sind vielleicht die inhaltlichen Unterschiede. Onna-e , verkörpert durch die Tale of Genji- Handschriftrolle, befasst sich typischerweise mit dem höfischen Leben und der höfischen Romantik, während sich otoko-e oft mit historischen oder halblegendären Ereignissen befasst, insbesondere Schlachten.

Kamakura-Zeit (1185–1333)

Diese Genres setzten sich durch die Kamakura-Zeit in Japan fort. Dieser Kunststil wurde in dem Gemälde mit dem Titel "Nachtangriff auf den Sanjo-Palast" stark veranschaulicht, da es voller vibrierender Farben, Details und einer großartigen Visualisierung aus einem Roman mit dem Titel "Heiji Monogatari" war. E-Maki verschiedener Art wurden weiterhin produziert; die Kamakura-Zeit war jedoch viel stärker von der Bildhauerkunst als von der Malerei geprägt. ''Die Kamakura-Periode erstreckte sich vom Ende des 12. bis zum 14. Jahrhundert. Es war eine Zeit der Kunstwerke, wie Gemälde, aber hauptsächlich Skulpturen, die ein realistischeres Bild des Lebens und seiner Aspekte zu dieser Zeit brachten. In jede dieser Statuen wurden viele lebensechte Merkmale in die Herstellung eingearbeitet. Viele Skulpturen enthielten Nasen, Augen, einzelne Finger und andere Details, die für den Bildhauerplatz in der Kunst neu waren.''

Da die meisten Gemälde in der Heian- und Kamakura-Zeit religiöser Natur sind, stammt die überwiegende Mehrheit von anonymen Künstlern. Aber es gibt einen Künstler, der für seine Perfektion in diesem neuen Kunststil der Kamakura-Zeit bekannt ist. Sein Name war Unkei, und er beherrschte schließlich diese bildhauerische Kunstform und eröffnete seine eigene Schule namens Kei School. Im Laufe dieser Ära gab es „die Wiederbelebung noch früherer klassischer Stile, den Import neuer Stile vom Kontinent und in der zweiten Hälfte der Periode die Entwicklung einzigartiger ostjapanischer Stile um die Kamakura-Ära herum“.

Muromachi-Zeit (1333–1573)

Rechtes Feld des Pine Trees-Bildschirms ( Shōrin-zu byōbu ,松林図 屏風) von Hasegawa Tōhaku , c. 1595
Landschaft von Sesshū Tōyō

Im 14. Jahrhundert hatte die Entwicklung der großen Zen- Klöster in Kamakura und Kyoto einen großen Einfluss auf die bildende Kunst. Suibokuga , ein strenger monochromer Stil der Tuschemalerei , der aus der Ming-Dynastie China der Song- und Yuan- Tintenwaschstile , insbesondere Muqi (牧谿), eingeführt wurde, ersetzte weitgehend die polychromen Rollbilder der frühen Zen-Kunst in Japan, die an buddhistische Ikonographienormen aus Jahrhunderten gebunden waren früher wie Takuma Eiga (宅磨栄賀). Trotz der neuen chinesischen Kulturwelle, die durch die Higashiyama-Kultur ausgelöst wurde, blieben einige polychrome Porträts erhalten – hauptsächlich in Form von Chinso- Gemälden von Zen-Mönchen.

Das Fangen eines Welses mit einem Kürbis (in Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto) von dem Priester-Maler Josetsu markiert einen Wendepunkt in der Muromachi-Malerei. Im Vordergrund ist ein Mann am Ufer eines Baches dargestellt, der einen kleinen Kürbis hält und einen großen glitschigen Wels betrachtet. Nebel füllt den Mittelgrund und im Hintergrund erscheinen Berge in weiter Ferne. Es wird allgemein angenommen, dass der "neue Stil" des um 1413 entstandenen Gemäldes auf ein eher chinesisches Gefühl für den tiefen Raum innerhalb der Bildebene verweist.

Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts fanden monochrome Landschaftsmalereien (山水画sansuiga ) die Schirmherrschaft der herrschenden Ashikaga- Familie und waren das bevorzugte Genre unter den Zen-Malern, das sich allmählich von seinen chinesischen Wurzeln zu einem eher japanischen Stil entwickelte. Eine Weiterentwicklung der Landschaftsmalerei war die Gedichtbildrolle, bekannt als Shigajiku .

Die bedeutendsten Künstler der Muromachi-Zeit sind die Priester-Maler Shūbun und Sesshū . Shūbun, ein Mönch im Kyoto-Tempel Shōkoku-ji , schuf in dem Gemälde Reading in a Bamboo Grove (1446) eine realistische Landschaft mit tiefem Rückzug in den Weltraum. Im Gegensatz zu den meisten Künstlern dieser Zeit konnte Sesshū nach China reisen und die chinesische Malerei an ihrer Quelle studieren. Landschaft der vier Jahreszeiten ( Sansui Chokan ; c. 1486) ist eines der vollendetsten Werke von Sesshu und zeigt eine fortlaufende Landschaft durch die vier Jahreszeiten.

In der späten Muromachi-Zeit war die Tuschemalerei aus den Zen-Klöstern allgemein in die Kunstwelt abgewandert, als Künstler der Kanō-Schule und der Ami-Schule ( ja:阿弥派) den Stil und die Themen übernahmen, aber eine plastischere und dekorative Wirkung, die bis in die Neuzeit andauern würde.

Wichtige Künstler der Muromachi-Zeit in Japan sind:

Azuchi-Momoyama-Zeit (1573-1615)

In scharfem Gegensatz zur vorherigen Muromachi-Periode zeichnete sich die Azuchi-Momoyama-Periode durch einen grandiosen polychromen Stil aus, mit umfangreicher Verwendung von Gold- und Silberfolie, die auf Gemälde, Kleidungsstücke, Architektur usw. aufgetragen wurde; und durch Werke in sehr großem Maßstab. Im Gegensatz zu dem verschwenderischen Stil, den viele kannten, unterstützte die militärische Elite die rustikale Einfachheit, insbesondere in Form der Teezeremonie, bei der verwitterte und unvollkommene Utensilien in einer ähnlichen Umgebung verwendet wurden. In dieser Zeit begann die Vereinigung der "kriegführenden" Führer unter einer Zentralregierung. Die erste Datierung für diese Zeit wird oft auf 1568, als Nobunaga Kyoto betrat, oder 1573, als der letzte Ashikaga-Shogun aus Kyoto entfernt wurde, angenommen. Die Kanō-Schule, die von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu und ihren Anhängern unterstützt wurde, gewann enorm an Größe und Ansehen. Kanō Eitoku entwickelte eine Formel für die Gestaltung monumentaler Landschaften an den raumumschließenden Schiebetüren. Diese riesigen Leinwände und Wandmalereien wurden in Auftrag gegeben, um die Burgen und Paläste des Militäradels zu schmücken. Vor allem ließ Nobunaga zwischen 1576 und 1579 eine massive Burg errichten, die sich als eine der größten künstlerischen Herausforderungen für Kanō Eitoku erwies. Sein Nachfolger, Toyotomi Hideyoshi, baute in dieser Zeit auch mehrere Burgen. Diese Schlösser gehörten zu den wichtigsten künstlerischen Werken, wenn es um das Experimentieren in dieser Zeit ging. Diese Burgen repräsentieren die Macht und das Vertrauen von Anführern und Kriegern im neuen Zeitalter. Dieser Status setzte sich in der folgenden Edo-Zeit fort, als das Tokugawa-Bakufu weiterhin die Werke der Kanō-Schule als offiziell anerkannte Kunst für den Shōgun, die Daimyōs und den kaiserlichen Hof förderte.

Allerdings existierten und entwickelten sich auch während der Azuchi-Momoyama-Periode Nicht-Kano-Schulkünstler und -strömungen, die chinesische Themen an japanische Materialien und Ästhetik anpassten. Eine wichtige Gruppe war die Tosa-Schule, die sich hauptsächlich aus der Yamato-e-Tradition entwickelte und vor allem für kleinformatige Werke und Illustrationen literarischer Klassiker im Buch- oder Emaki-Format bekannt war.

Wichtige Künstler der Azuchi-Momoyama-Zeit sind:

Edo-Zeit (1603–1868)

Rollenkalligraphie von Bodhidharma von Hakuin Ekaku (1685 bis 1768)
Fūjin (Windgott) von Ogata Kōrin
Teil der Serie Dōshoku sai-e von Itō Jakuchū

Viele Kunsthistoriker zeigen die Edo-Zeit als Fortsetzung der Azuchi-Momoyama-Zeit. Sicherlich waren während der frühen Edo-Zeit viele der früheren Tendenzen in der Malerei weiterhin beliebt; es traten jedoch auch eine Reihe neuer Trends auf.

Eine sehr bedeutende Schule, die in der frühen Edo-Zeit entstand, war die Rinpa-Schule , die klassische Themen verwendete, sie jedoch in einem kühnen und aufwendig dekorativen Format präsentierte. Insbesondere Sōtatsu entwickelte einen dekorativen Stil, indem er Themen aus der klassischen Literatur nachbildete, wobei er farbenfrohe Figuren und Motive aus der Natur vor einem Blattgoldhintergrund verwendete. Ein Jahrhundert später überarbeitete Korin Sōtatsus Stil und schuf visuell wunderschöne Werke, die einzigartig waren.

Ein weiteres wichtiges Genre, das während der Azuchi-Momoyama-Zeit begann, aber in der frühen Edo-Zeit seine volle Entwicklung erreichte, war die Namban- Kunst, sowohl in der Darstellung exotischer Ausländer als auch in der Verwendung des exotischen Ausländerstils in der Malerei. Dieses Genre konzentrierte sich auf den Hafen von Nagasaki , der nach dem Beginn der nationalen Abschottungspolitik des Tokugawa-Shogunats der einzige japanische Hafen war, der dem Außenhandel offen stand, und somit der Kanal war, durch den chinesische und europäische künstlerische Einflüsse nach Japan kamen. Zu den Gemälden dieses Genres gehören Gemälde der Nagasaki-Schule und auch die Maruyama-Shijo-Schule , die chinesische und westliche Einflüsse mit traditionellen japanischen Elementen kombinieren.

Ein dritter wichtiger Trend in der Edo-Zeit war der Aufstieg des Genres Bunjinga (Literatenmalerei), auch bekannt als Nanga-Schule (Südliche Malschule). Dieses Genre begann als Nachahmung der Werke chinesischer Gelehrter-Amateur-Maler der Yuan-Dynastie , deren Werke und Techniken Mitte des 18. Jahrhunderts nach Japan kamen. Meister Kuwayama Gyokushū war der größte Unterstützer des Bunjin- Stils. Er stellte die Theorie auf, dass polychromatische Landschaften auf dem gleichen Niveau wie monochromatische Gemälde chinesischer Literaten zu betrachten seien. Darüber hinaus zählte er einige japanische Traditionalisten wie Tawaraya Sōtatsu und Ogata Kōrin von der Rinpa-Gruppe zu den wichtigsten Vertretern der Nanga. Spätere Bunjinga- Künstler modifizierten sowohl die Techniken als auch das Thema dieses Genres erheblich, um eine Mischung aus japanischen und chinesischen Stilen zu schaffen. Die Vorbilder dieses Stils sind Ike no Taiga , Uragami Gyokud , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō und Yamamoto Baiitsu .

Aufgrund der fiskalischen und sozialen Sparpolitik des Tokugawa-Shogunats waren die luxuriösen Moden dieser Genres und Stile weitgehend auf die oberen Schichten der Gesellschaft beschränkt und für die unteren Schichten nicht verfügbar, wenn nicht sogar verboten. Das gemeine Volk entwickelte eine separate Art von Kunst, die fūzokuga (風俗画, Genre Kunst ), in der Malerei , die Szenen aus alltäglichen Leben, vor allem , dass das gemeinen Volk, Kabuki - Theater, Prostituierte und Landschaften waren beliebt. Aus diesen Gemälden im 16. Jahrhundert entstanden die Gemälde und Holzschnitte von Ukiyo-e .

Wichtige Künstler der Edo-Zeit sind:

Vorkriegszeit (1868–1945)

Kuroda Seiki , Lakeside , 1897, Öl auf Leinwand, Kuroda Memorial Hall , Tokio
Yoritomo in einer Höhle von Maeda Seison

Die Vorkriegszeit war geprägt von der Aufteilung der Kunst in konkurrierende europäische Stile und traditionelle indigene Stile.

Während der Meiji-Zeit erlebte Japan im Zuge der von der Meiji-Regierung organisierten Europäisierungs- und Modernisierungsoffensive einen gewaltigen politischen und gesellschaftlichen Wandel . Malerei im westlichen Stil ( yōga ) wurde offiziell von der Regierung gefördert, die vielversprechende junge Künstler zum Studium ins Ausland schickte und ausländische Künstler anheuerte , um nach Japan zu kommen, um einen Kunstlehrplan an japanischen Schulen einzurichten.

Nach einer anfänglichen Begeisterung für westliche Kunststile schlug das Pendel jedoch in die entgegengesetzte Richtung, und unter der Leitung des Kunstkritikers Okakura Kakuzō und des Pädagogen Ernest Fenollosa gab es eine Wiederbelebung der Wertschätzung für traditionelle japanische Stile ( Nihonga ). In den 1880er Jahren wurde Kunst im westlichen Stil von offiziellen Ausstellungen verboten und von Kritikern heftig kritisiert. Unterstützt von Okakura und Fenollosa entwickelte sich der Nihonga- Stil mit Einflüssen aus der europäischen präraffaelitischen Bewegung und der europäischen Romantik .

Die Maler im Yōga-Stil gründeten die Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society), um ihre eigenen Ausstellungen zu veranstalten und ein erneuertes Interesse an westlicher Kunst zu fördern.

Im Jahr 1907, mit der Gründung der Bunten unter der Schirmherrschaft des Bildungsministeriums , fanden beide konkurrierenden Gruppen gegenseitige Anerkennung und Koexistenz und begannen sogar den Prozess der gegenseitigen Synthese.

Die Taishō-Zeit sah die Vorherrschaft von Yōga über Nihonga . Nach langen Aufenthalten in Europa kehrten viele Künstler (darunter Arishima Ikuma) unter der Herrschaft von Yoshihito nach Japan zurück und brachten die Techniken des Impressionismus und des frühen Post-Impressionismus mit . Die Werke von Camille Pissarro , Paul Cézanne und Pierre-Auguste Renoir beeinflussten die Malerei der frühen Taishō-Zeit. Allerdings tendierten auch die Yoga- Künstler der Taishō-Zeit zum Eklektizismus , und es gab eine Fülle von abweichenden künstlerischen Bewegungen. Dazu gehörte die Fusain-Gesellschaft ( Fyuzankai ), die Stile des Post-Impressionismus, insbesondere des Fauvismus, betonte . Im Jahr 1914 trat die Nikakai (Gesellschaft der zweiten Abteilung) auf, um sich der von der Regierung geförderten Bunten-Ausstellung zu widersetzen.

Die japanische Malerei während der Taishō-Zeit wurde nur geringfügig von anderen zeitgenössischen europäischen Bewegungen wie dem Neoklassizismus und dem späten Postimpressionismus beeinflusst.

Es war jedoch das wiederauflebende Nihonga , das gegen Mitte der 1920er Jahre bestimmte Trends aus dem Post-Impressionismus übernahm. Die zweite Generation von Nihonga- Künstlern gründete die Japan Fine Arts Academy ( Nihon Bijutsuin ), um gegen die staatlich geförderten Bunten zu konkurrieren , und obwohl die Yamato-e- Traditionen stark blieben, begann die zunehmende Verwendung westlicher Perspektiven und westlicher Konzepte von Raum und Licht den Unterschied zwischen Nihonga und Yoga verwischen .

Die japanische Malerei in der Shōwa-Zeit der Vorkriegszeit wurde weitgehend von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara dominiert , die die Konzepte der reinen Kunst und der abstrakten Malerei in die Nihonga- Tradition einführten und so eine interpretativere Version dieses Genres schufen. Dieser Trend wurde von Leonard Foujita und der Nika Society zum Surrealismus weiterentwickelt . Um diese Tendenzen zu fördern, wurde 1931 der Independent Art Association ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ) gegründet.

Während des Zweiten Weltkriegs bedeuteten staatliche Kontrollen und Zensur , dass nur patriotische Themen zum Ausdruck gebracht werden konnten. Viele Künstler wurden für die Propaganda der Regierung rekrutiert , und die kritische, nicht-emotionale Überprüfung ihrer Werke steht erst am Anfang.

Wichtige Künstler der Vorkriegszeit sind:

Nachkriegszeit (1945–heute)

In der Nachkriegszeit wurde 1947 die von der Regierung geförderte Japan Art Academy ( Nihon Geijutsuin ) gegründet, die sowohl Nihonga- als auch Yōga- Abteilungen umfasste. Die staatliche Förderung von Kunstausstellungen wurde beendet, aber durch private Ausstellungen wie die Nitten in noch größerem Umfang ersetzt. Obwohl die Nitten ursprünglich die Ausstellung der Japan Art Academy war, wird sie seit 1958 von einer eigenen privaten Gesellschaft betrieben. Die Teilnahme an der Nitten ist fast schon eine Voraussetzung für die Nominierung in die Japan Art Academy geworden, die an sich schon fast eine inoffizielle Voraussetzung für die Nominierung zum Kulturorden ist .

Die Künste der Edo- und Vorkriegszeit (1603–1945) wurden von Kaufleuten und Stadtbewohnern unterstützt. Gegen die Edo- und Vorkriegszeit wurde die Kunst der Nachkriegszeit populär. Nach dem Zweiten Weltkrieg blühten Maler, Kalligraphen und Grafiker in den großen Städten, insbesondere in Tokio , auf und beschäftigten sich mit den Mechanismen des urbanen Lebens, die sich in den flackernden Lichtern, Neonfarben und dem rasanten Tempo ihrer Abstraktionen widerspiegelten . Alle "Ismen" der New York-Pariser Kunstwelt wurden inbrünstig umarmt. Nach den Abstraktionen der 1960er Jahre erlebten die 1970er Jahre eine Rückkehr zum Realismus, der stark von den "Op"- und "Pop"-Art-Bewegungen geprägt war, die in den 1980er Jahren in den explosiven Werken von Ushio Shinohara verkörpert wurden . Viele dieser herausragenden Avantgarde-Künstler arbeiteten sowohl in Japan als auch im Ausland und gewannen internationale Preise. Diese Künstler hatten das Gefühl, dass ihre Werke "nichts Japanisch" seien, und sie gehörten tatsächlich zur internationalen Schule. In den späten 1970er Jahren veranlasste die Suche nach japanischen Qualitäten und einem nationalen Stil viele Künstler dazu, ihre künstlerische Ideologie neu zu bewerten und sich von den leeren Formeln des Westens abzuwenden. Zeitgenössische Gemälde innerhalb der modernen Sprache begannen, sich bewusst traditioneller japanischer Kunstformen, Geräte und Ideologien zu bedienen. Eine Reihe von Monoha- Künstlern wandte sich der Malerei zu, um traditionelle Nuancen in räumlichen Anordnungen, Farbharmonien und Lyrik wieder einzufangen.

Die Malerei im japanischen Stil oder im Nihonga -Stil setzt sich in der Vorkriegsmode fort und aktualisiert traditionelle Ausdrücke, während sie ihren intrinsischen Charakter behält. Einige Künstler dieses Stils malen noch immer mit traditionellen Farben und Tinte auf Seide oder Papier, während andere neue Materialien wie Acryl verwenden .

Viele der älteren Kunstschulen, vor allem die der Edo- und Vorkriegszeit, wurden noch praktiziert. So spiegelte sich beispielsweise der dekorative Naturalismus der Rimpa- Schule, gekennzeichnet durch brillante, reine Farben und blutende Waschungen, im Werk vieler Künstler der Nachkriegszeit in der Kunst von Hikosaka Naoyoshi der 1980er Jahre wider . Der Realismus von Maruyama Ōkyo ‚s Schule und der kalligraphische und spontan im japanischen Stil der Herren-Gelehrter waren beide weit in den 1980er Jahren praktiziert. Manchmal wurden alle diese Schulen sowie ältere, wie die Tintentraditionen der Kanō-Schule , von zeitgenössischen Künstlern im japanischen Stil und im modernen Idiom aufgegriffen. Viele Maler im japanischen Stil wurden mit Auszeichnungen und Preisen geehrt, als Ergebnis der erneuten Nachfrage nach japanischer Kunst ab den 1970er Jahren. Auch die internationalen Maler der Moderne griffen immer mehr auf die japanischen Schulen zurück, als sie sich in den 1980er Jahren von westlichen Stilen abwandten. Die Tendenz bestand darin, Ost und West zu synthetisieren. Einige Künstler hatten die Lücke zwischen den beiden bereits übersprungen, ebenso der herausragende Maler Shinoda Toko . Ihre kühnen Sumi-Tinten-Abstraktionen wurden von traditioneller Kalligraphie inspiriert, aber als lyrische Ausdrucksformen moderner Abstraktion umgesetzt.

Es gibt auch eine Reihe zeitgenössischer Maler in Japan, deren Werke weitgehend von Anime- Subkulturen und anderen Aspekten der Populär- und Jugendkultur inspiriert sind . Takashi Murakami ist vielleicht einer der bekanntesten und beliebtesten von ihnen, zusammen mit den anderen Künstlern in seinem Kaikai Kiki Studiokollektiv. Seine Arbeit konzentriert sich darauf, Probleme und Anliegen der japanischen Nachkriegsgesellschaft in normalerweise scheinbar harmlosen Formen auszudrücken. Er schöpft stark aus Anime und verwandten Stilen, produziert jedoch Gemälde und Skulpturen in Medien, die traditioneller mit bildender Kunst verbunden sind, und verwischt absichtlich die Grenzen zwischen kommerzieller und populärer Kunst und bildender Kunst.

Wichtige Künstler der Nachkriegszeit sind:

Siehe auch

Verweise

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