Jean-Baptiste-Camille Corot - Jean-Baptiste-Camille Corot

Jean-Baptiste-Camille Corot
Jean-Baptiste-Camille Corot c1850.png
Porträt von Corot um 1850
Geboren
Jean-Baptiste-Camille Corot

( 1796-07-16 )16. Juli 1796
Paris , Frankreich
Ist gestorben 22. Februar 1875 (1875-02-22)(im Alter von 78)
Paris, Frankreich
Staatsangehörigkeit Französisch
Bekannt für Malerei , Druckgrafik
Bewegung Realismus

Jean-Baptiste-Camille Corot ( UK : / k ɒr / KORR -oh , US : / k ə r , k ɔː r / kə- ROH , Kor- OH , Französisch:  [ʒɑ batist kamij kɔʁo] ; 16. Juli 1796 – 22. Februar 1875) war ein französischer Landschafts- und Porträtmaler sowie ein Grafiker in Radierung . Er ist eine zentrale Figur in der Landschaftsmalerei und sein umfangreiches Werk bezog sich gleichzeitig auf die neoklassizistische Tradition und nahm die Plein-Air- Innovationen des Impressionismus vorweg .

Biografie

Frau mit Perle , 1868-1870, Paris: Musée du Louvre

Frühes Leben und Ausbildung

Jean-Baptiste-Camille Corot (kurz Camille Corot ) wurde am 16. Juli 1796 in Paris in einem abgerissenen Haus in der Rue du Bac 125 geboren . Seine Familie war bürgerlich – sein Vater war Perückenmacher und seine Mutter Hutmacherin – und im Gegensatz zu einigen seiner Künstlerkollegen verspürte er zeitlebens nie Geldmangel, da seine Eltern gut investierten und ihre Geschäfte führten Gut. Nachdem seine Eltern geheiratet hatten, kauften sie die Hutmacherei, in der seine Mutter gearbeitet hatte, und sein Vater gab seine Karriere als Perückenmacher auf, um den Ladengeschäft zu führen. Der Laden war ein beliebtes Ziel für modische Pariser und brachte der Familie ein ausgezeichnetes Einkommen ein. Corot war das zweite von drei Kindern der Familie, die in diesen Jahren über ihrem Laden wohnten.

Corot erhielt ein Stipendium für ein Studium am Lycée Pierre-Corneille in Rouen, verließ es jedoch nach schulischen Schwierigkeiten und ging in ein Internat. Er "war kein brillanter Schüler, und während seiner gesamten Schullaufbahn erhielt er keine einzige Nominierung für einen Preis, nicht einmal für die Zeichenklassen." Im Gegensatz zu vielen Meistern, die ein frühes Talent und eine Neigung zur Kunst zeigten, zeigte Corot vor 1815 kein solches Interesse. Während dieser Jahre lebte er bei der Familie Sennegon, deren Patriarch ein Freund von Corots Vater war und die viel Zeit mit dem jungen Corot auf Spaziergängen in der Natur verbrachte. In dieser Region schuf Corot seine ersten Gemälde nach der Natur. Mit neunzehn war Corot ein "großes Kind, schüchtern und unbeholfen. Er wurde rot, wenn man ihn ansprach. Vor den schönen Damen, die den Salon seiner Mutter besuchten, war er verlegen und floh wie ein wildes Ding ... Emotional war er ein liebevoller und gesunder Mensch" benehmender Sohn, der seine Mutter verehrte und zitterte, wenn sein Vater sprach." Als Corots Eltern 1817 ein neues Wohnhaus bezogen, bezog der 21-jährige Corot das Dachgaubenzimmer im dritten Stock, das auch sein erstes Atelier wurde.

Mit der Hilfe seines Vaters machte Corot eine Lehre als Tuchmacher, aber er hasste das Handelsleben und verachtete das, was er "Geschäftstricks" nannte, und blieb dennoch treu im Handwerk, bis er 26 Jahre alt war, als sein Vater ihm zustimmte, den Beruf des Künstlers zu ergreifen. Später erklärte Corot: "Ich sagte meinem Vater, dass das Geschäft und ich einfach unvereinbar seien und dass ich mich scheiden lassen würde." Die Geschäftserfahrung erwies sich jedoch als nützlich, da sie ihm half, ein ästhetisches Gefühl durch die Auseinandersetzung mit den Farben und Texturen der Stoffe zu entwickeln. Vielleicht aus Langeweile wandte er sich um 1821 der Ölmalerei zu und begann sofort mit Landschaften. Ab 1822, nach dem Tod seiner Schwester, erhielt Corot eine jährliche Zulage von 1500 Francs, die seine neue Karriere, sein Atelier, seine Materialien und seine Reisen für den Rest seines Lebens angemessen finanzierte. Er mietete sofort ein Studio am Quai Voltaire.

Eine lesende Frau , 1869/1870, Metropolitan Museum of Art

In der Zeit, als Corot die Mittel erwarb, sich der Kunst zu widmen, befand sich die Landschaftsmalerei im Aufschwung und gliederte sich im Allgemeinen in zwei Lager: eine historische Landschaft von Neoklassizisten in Südeuropa, die idealisierte Ansichten realer und erfundener Stätten darstellte, die von antiken, mythologischen, und biblische Figuren; und zwei realistische Landschaften, die in Nordeuropa häufiger vorkommen und der tatsächlichen Topographie, Architektur und Flora weitgehend treu waren und oft Bauernfiguren zeigten. Bei beiden Ansätzen begannen Landschaftskünstler typischerweise mit Außenskizzen und Vormalen, wobei die Endarbeiten in Innenräumen ausgeführt wurden. Sehr einflussreich auf die französischen Landschaftskünstler im frühen 19. Jahrhundert war das Werk der Engländer John Constable und JMW Turner , die den Trend zum Realismus und weg vom Neoklassizismus verstärkten.

Zwischen 1821 und 1822 studierte Corot für kurze Zeit bei Achille Etna Michallon , einem Landschaftsmaler aus Corots Zeit, der ein Schützling des Malers Jacques-Louis David war und bereits ein angesehener Lehrer war. Michallon hatte großen Einfluss auf Corots Karriere. Corots Zeichenunterricht umfasste das Nachzeichnen von Lithografien , das Kopieren dreidimensionaler Formen und das Anfertigen von Landschaftsskizzen und -gemälden im Freien, insbesondere in den Wäldern von Fontainebleau , den Seehäfen entlang der Normandie und den Dörfern westlich von Paris wie Ville-d'Avray (wo seine Eltern hatte ein Landhaus). Michallon setzte ihn auch mit den Prinzipien der französischen neoklassizistischen Tradition auseinander, wie sie in der berühmten Abhandlung des Theoretikers Pierre-Henri de Valenciennes vertreten und in den Werken der französischen Neoklassizisten Claude Lorrain und Nicolas Poussin veranschaulicht wurde , deren Hauptziel die Darstellung der idealen Schönheit war in der Natur, verbunden mit Ereignissen in der Antike.

Obwohl diese Schule im Niedergang war, dominierte sie immer noch im Salon , der bedeutendsten Kunstausstellung in Frankreich, die bei jeder Veranstaltung von Tausenden besucht wurde. Corot erklärte später: "Ich habe meine erste Landschaft aus der Natur geschaffen ... unter den Augen dieses Malers, dessen einziger Rat darin bestand, alles, was ich vor mir sah, mit größter Sorgfalt wiederzugeben. Die Lektion funktionierte; seitdem schätze ich Präzision immer. " Nach Michallons frühem Tod im Jahr 1822 studierte Corot bei Michallons Lehrer Jean-Victor Bertin , einem der bekanntesten neoklassizistischen Landschaftsmaler in Frankreich, der Corot Kopien von Lithographien botanischer Themen zeichnen ließ, um präzise organische Formen zu lernen. Obwohl Corot die Neoklassizisten in höchstem Maße schätzte, beschränkte er seine Ausbildung nicht auf ihre Tradition der Allegorien in der eingebildeten Natur. Seine Notizbücher zeigen präzise Darstellungen von Baumstämmen, Felsen und Pflanzen, die den Einfluss des nördlichen Realismus zeigen. Während seiner gesamten Karriere zeigte Corot die Neigung, beide Traditionen in seiner Arbeit anzuwenden und manchmal beide zu kombinieren.

Erste Reise nach Italien

La Trinité-des-Monts , von der Villa Medici aus gesehen , 1825–1828, Öl auf Leinwand. Paris: Musée du Louvre .

Mit Unterstützung seiner Eltern folgte Corot dem bewährten Muster französischer Maler, die nach Italien gingen, um die Meister der italienischen Renaissance zu studieren und die bröckelnden Monumente der römischen Antike zu zeichnen. Eine Bedingung seiner Eltern vor seiner Abreise war, dass er für sie ein Selbstporträt malte, sein erstes. Corots Italienaufenthalt von 1825 bis 1828 war ein höchst prägender und produktiver Aufenthalt, bei dem er über 200 Zeichnungen und 150 Gemälde fertigte. Er arbeitete und reiste mit mehreren jungen französischen Malern, die auch im Ausland studierten, die zusammen malten und sich nachts in den Cafés austauschten, sich gegenseitig kritisierten und klatschten. Corot lernte wenig von den Meistern der Renaissance (obwohl er später Leonardo da Vinci als seinen Lieblingsmaler nannte) und verbrachte die meiste Zeit in Rom und auf dem italienischen Land. Die Farnese Gardens mit ihren herrlichen Ausblicken auf die antiken Ruinen waren ein häufiges Ziel, und er malte sie zu drei verschiedenen Tageszeiten. Das Training war besonders wertvoll, um ein Verständnis für die Herausforderungen sowohl der Mittel- als auch der Panoramaperspektive zu gewinnen und von Menschenhand geschaffene Strukturen effektiv in eine natürliche Umgebung zu setzen. Er lernte auch, Gebäuden und Felsen mit dem richtigen Licht und Schatten Volumen und Solidität zu verleihen, während er eine glatte und dünne Technik anwendete. Darüber hinaus war die Platzierung geeigneter Figuren in einer weltlichen Umgebung eine Notwendigkeit für eine gute Landschaftsmalerei, um den menschlichen Kontext und Maßstab hinzuzufügen, und war bei allegorischen Landschaften noch wichtiger. Zu diesem Zweck arbeitete Corot an Figurenstudien in einheimischer Tracht sowie Akt. Während des Winters verbrachte er einige Zeit in einem Atelier, kehrte aber so schnell wie es das Wetter zuließ, nach draußen zur Arbeit zurück. Das intensive Licht Italiens stellte eine große Herausforderung dar: "Diese Sonne strahlt ein Licht aus, das mich verzweifeln lässt. Es lässt mich die völlige Ohnmacht meiner Palette spüren." Er lernte das Licht zu beherrschen und die Steine ​​und den Himmel in subtilen und dramatischen Variationen zu malen.

Es waren nicht nur italienische Architektur und Licht, die Corots Aufmerksamkeit erregten. Auch der spätblühende Corot war von italienischen Weibchen verzaubert: „Sie haben immer noch die schönsten Frauen der Welt, die ich kenne... ihre Augen, ihre Schultern, ihre Hände sind spektakulär. Darin übertreffen sie unsere Frauen , aber andererseits sind sie nicht ihresgleichen in Anmut und Freundlichkeit ... Ich selbst, als Malerin bevorzuge ich die Italienerin, aber ich tendiere zur Französin, wenn es um Emotionen geht." Trotz seiner starken Anziehungskraft auf Frauen schrieb er über sein Engagement für die Malerei: „Ich habe nur ein Lebensziel, das ich treu verfolgen möchte: Landschaften zu machen. Dieser feste Vorsatz hält mich von einer ernsthaften Bindung ab , in der Ehe...aber meine unabhängige Natur und mein großes Bedürfnis nach ernsthaftem Studium lassen mich die Sache auf die leichte Schulter nehmen."

Die Brücke von Narni , 1826, Öl auf Papier. Paris: Musée du Louvre . Ein Produkt eines der jugendlichen Aufenthalte des Künstlers in Italien und in denWorten von Kenneth Clark "so frei wie der energischste Constable ".

Streben nach dem Salon

Während der sechs Jahre nach seinem ersten Italienbesuch und seinem zweiten konzentrierte sich Corot darauf, große Landschaften für die Präsentation im Salon vorzubereiten . Mehrere seiner Salonbilder waren Adaptionen seiner italienischen Ölskizzen, die im Atelier überarbeitet wurden, indem er imaginierte, formale Elemente hinzufügte, die mit neoklassischen Prinzipien übereinstimmten. Ein Beispiel dafür war sein erster Salon-Eintrag, View at Narni (1827), wo er seine schnelle, natürliche Studie einer Ruine eines römischen Aquädukts in staubiger heller Sonne aufnahm und sie in eine täuschend idyllische pastorale Umgebung mit riesigen schattenspendenden Bäumen und grüne Rasenflächen, ein Umbau, der die neoklassizistischen Juroren ansprechen sollte. Viele Kritiker haben seine italienischen Plein-Air-Gemälde wegen ihres "Keims des Impressionismus", ihrer Treue zum natürlichen Licht und ihrer Vermeidung akademischer Werte hoch geschätzt, obwohl sie als Studien gedacht waren. Einige Jahrzehnte später revolutionierte der Impressionismus die Kunst durch einen ähnlichen Ansatz – schnelles, spontanes Malen im Freien; Wo die Impressionisten jedoch schnell aufgetragene, unvermischte Farben verwendeten, um Licht und Stimmung einzufangen, mischte und mischte Corot normalerweise seine Farben, um seine verträumten Effekte zu erzielen.

Außerhalb des Ateliers reiste Corot durch Frankreich, spiegelte seine italienischen Methoden wider und konzentrierte sich auf rustikale Landschaften. Er kehrte an die Küste der Normandie und nach Rouen zurück, der Stadt, in der er als Jugendlicher lebte. Corot fertigte auch einige Porträts von Freunden und Verwandten an und erhielt seine ersten Aufträge. Sein einfühlsames Porträt seiner Nichte Laure Sennegon, gekleidet in Puderblau, war eines seiner erfolgreichsten und wurde später dem Louvre geschenkt . Er malte normalerweise zwei Kopien jedes Familienporträts, eine für das Motiv und eine für die Familie, und machte oft auch Kopien seiner Landschaften.

Blick auf den Wald von Fontainebleau (1830)

Im Frühjahr 1829 kam Corot nach Barbizon , um im Wald von Fontainebleau zu malen ; er hatte 1822 zum ersten Mal im Wald von Chailly gemalt. Im Herbst 1830 und im Sommer 1831 kehrte er nach Barbizon zurück, wo er Zeichnungen und Ölstudien anfertigte, aus denen er ein Gemälde für den Salon von 1830 machte; seine Ansicht des Waldes von Fontainebleau (jetzt in der National Gallery in Washington) und für den Salon von 1831 eine andere Ansicht des Waldes von Fontainebleau . Dort lernte er die Mitglieder der Schule von Barbizon kennen ; Théodore Rousseau , Paul Huet , Constant Troyon , Jean-François Millet und der junge Charles-François Daubigny . Corot stellte 1831 und 1833 im Salon ein Porträt und mehrere Landschaften aus. Sein Empfang durch die Kritiker im Salon war kühl und Corot beschloss, nach Italien zurückzukehren, da er sie mit seinen neoklassizistischen Themen nicht zufriedenstellen konnte.

Mittlere Karriere

Während seiner zwei Rückreisen nach Italien besuchte er Norditalien, Venedig und wieder die römische Landschaft. Im Jahr 1835 sorgte Corot im Salon mit seinem biblischen Gemälde Agar dans le desert (Hagar in der Wildnis) für Aufsehen , das Hagar, Sarahs Magd, und das Kind Ismael darstellte, das in der Wüste verdurstet, bis es von einem Engel gerettet wurde. Der Hintergrund stammt wahrscheinlich aus einer italienischen Studie. Diesmal gelang Corots unerwartet kühne, frische Aussage des neoklassischen Ideals bei den Kritikern, indem er "die Harmonie zwischen der Umgebung und der Leidenschaft oder dem Leiden, die der Maler darin darstellt, demonstrierte". Er folgte dem mit anderen biblischen und mythologischen Themen, aber auch diese Gemälde waren nicht erfolgreich, da die Salonkritiker ihn an Vergleichen mit Poussin mangelten. 1837 malte er seinen frühesten erhaltenen Akt, Die Nymphe der Seine . Später riet er seinen Schülern: „Das Studium des Aktes ist die beste Lektion, die ein Landschaftsmaler haben kann. sonst kann er es nie tun."

Venedig, La Piazzetta , 1835

In den 1840er Jahren hatte Corot weiterhin Probleme mit den Kritikern (viele seiner Werke wurden für die Salonausstellung rundweg abgelehnt), noch wurden viele Werke von der Öffentlichkeit gekauft. Während Anerkennung und Akzeptanz durch das Establishment langsam kamen, führte Baudelaire 1845 eine Anklage an, die Corot zum Führer der "modernen Schule der Landschaftsmalerei" erklärte . Während einige Kritiker Corots Farben als "blass" und seine Arbeit als "naive Unbeholfenheit" empfanden, antwortete Baudelaire scharfsinnig: "M. Corot ist eher ein Harmonist als ein Kolorist, und seine Kompositionen, die immer völlig frei von Pedanterie sind, sind einfach deshalb verführerisch, weil ihrer Einfachheit der Farbe." 1846 zeichnete ihn die französische Regierung mit dem Kreuz der Ehrenlegion aus und 1848 erhielt er auf dem Salon eine Medaille zweiter Klasse, jedoch erhielt er dadurch wenig staatliche Förderung. Sein einziges Auftragswerk war ein 1847 gemaltes religiöses Gemälde für eine Taufkapelle im Stil der Renaissance-Meister. Obwohl sich das Establishment immer wieder zurückhielt, erkannten andere Maler Corots wachsende Bedeutung an. Im Jahr 1847 notierte Delacroix in seinem Tagebuch: "Corot ist ein wahrer Künstler. Man muss einen Maler an seinem eigenen Platz sehen, um sich ein Bild von seinem Wert zu machen ... Corot vertieft sich in ein Thema: Ideen kommen zu ihm und er fügt hinzu" während der Arbeit; es ist der richtige Ansatz." Auf Empfehlung von Delacroix kaufte der Maler Constant Dutilleux ein Corot-Gemälde und begann eine lange und lohnende Beziehung mit dem Künstler, die ihm Freundschaft und Gönner einbrachte. Corots öffentliche Behandlung verbesserte sich dramatisch nach der Revolution von 1848, als er als Mitglied der Salonjury zugelassen wurde. 1867 wurde er zum Offizier des Salons befördert.

Da Corot alle langfristigen Beziehungen zu Frauen aufgegeben hatte, blieb er seinen Eltern auch in seinen Fünfzigern sehr nahe. Ein Zeitgenosse sagte über ihn: "Corot ist ein Mann mit Prinzipien, unbewusst christlich; er überlässt seine ganze Freiheit seiner Mutter... Abgesehen von seinen häufigen Reisen blieb Corot bis zum Tod seiner Eltern eng mit seiner Familie verbunden, dann gewann er endlich die Freiheit, nach Belieben zu gehen. Diese Freiheit ermöglichte es ihm, Studenten für informelle Sitzungen aufzunehmen, darunter die jüdischen Künstler Édouard Brandon und den zukünftigen Impressionisten Camille Pissarro , der kurzzeitig unter ihnen war. Corots Tatkraft und einfühlsame Ratschläge beeindruckten seine Schüler. Charles Daubigny sagte: "Er ist ein perfekter Old Man Joy, dieser Pater Corot. Er ist insgesamt ein wunderbarer Mann, der Witze mit seinen sehr guten Ratschlägen vermischt." Ein anderer Student sagte über Corot: "Die Zeitungen hatten Corot so verzerrt, dass sie Theokrit und Vergil in seine Hände legten, dass ich ziemlich überrascht war, dass er weder Griechisch noch Latein kannte ... Sein Empfang ist sehr offen, sehr frei, sehr amüsant: er spricht oder hört dir zu, während er auf einem oder zwei Beinen hüpft, er singt mit sehr wahrer Stimme Opernfetzen", aber er habe eine "kluge, beißende Seite, die sorgfältig hinter seiner Gutmütigkeit verborgen ist".

Mitte der 1850er Jahre erlangte Corots zunehmend impressionistischer Stil die Anerkennung, die seinen Platz in der französischen Kunst festigte. "M. Corot zeichnet sich aus...in der Reproduktion der Vegetation in ihren Neuanfängen; er gibt die Erstlinge der neuen Welt wunderbar wieder." Von den 1850er Jahren auf, gemalt Corot viele Landschaft Souvenirs und paysages , verträumt vorgestellt Gemälde von erinnerten Stellen von früheren Besuch mit leicht und locker abgetupft Strichen gemalt.

Spätere Jahre

Gedenktafel am Wohnhaus von Camille Corot, wo er am 22. Februar 1875 starb: 56, rue du Faubourg-Poissionnière, Paris, 10. Arr.

In den 1860er Jahren mischte Corot immer noch Bauernfiguren mit mythologischen, Neoklassizismus mit Realismus, was einen Kritiker zum Klagen veranlasste: "Wenn M. Corot ein für alle Mal die Nymphen seines Waldes töten und durch Bauern ersetzen würde, würde ich sollte ihn über alle Maßen mögen." In Wirklichkeit nahmen seine menschlichen Figuren im späteren Leben zwar zu und die Nymphen ab, aber auch die menschlichen Figuren wurden oft in idyllische Träumereien versetzt.

Der heilige Sebastian, von den Heiligen Frauen ermutigt , zwischen 1851 und 1873, Öl auf Leinwand, The Walters Art Museum

Im späteren Leben war Corots Atelier voll mit Studenten, Modellen, Freunden, Sammlern und Händlern, die unter den toleranten Augen des Meisters kamen und gingen, was ihn dazu brachte, zu scherzen: "Warum sind Sie zu zehn um mich herum und keiner von euch denkt daran, meine Pfeife wieder anzuzünden." Händler kauften seine Werke und seine Preise lagen oft über 4000 Franken pro Bild. Nachdem sein Erfolg gesichert war, gab Corot großzügig sein Geld und seine Zeit. Er wurde ein Ältester der Künstlergemeinschaft und nutzte seinen Einfluss, um Aufträge für andere Künstler zu gewinnen. 1871 spendete er 2000 Pfund für die Armen von Paris, die von den Preußen belagert wurden. (siehe: Deutsch-Französischer Krieg ) Während der eigentlichen Pariser Kommune war er mit Alfred Robaut in Arras . 1872 kaufte er ein Haus in Auvers als Geschenk für Honoré Daumier , der inzwischen blind, mittellos und obdachlos war. 1875 spendete er der Witwe von Millet 10 000 Franken zur Unterstützung ihrer Kinder. Seine Nächstenliebe war fast sprichwörtlich. Außerdem unterstützte er finanziell den Erhalt eines Tageszentrums für Kinder in der Rue Vandrezanne in Paris. Im späteren Leben blieb er ein bescheidener und bescheidener Mann, unpolitisch und glücklich mit seinem Lebensglück, und hielt fest an der Überzeugung, dass "Menschen sich nicht vor Stolz aufblähen sollten, ob sie nun Kaiser sind, die ihre Reiche um diese oder jene Provinz erweitern oder" Maler, der sich einen Namen gemacht hat."

Trotz großem Erfolg und Anerkennung bei Künstlern, Sammlern und den großzügigeren Kritikern hielten seine vielen Freunde ihn dennoch für offiziell vernachlässigt und überreichten ihm 1874, kurz vor seinem Tod, eine Goldmedaille. Er starb im Alter von 78 Jahren in Paris an einem Magenleiden und wurde auf dem Friedhof Père Lachaise beigesetzt .

Einige Anhänger nannten sich Corots Schüler. Die bekanntesten sind Camille Pissarro , Eugène Boudin , Berthe Morisot , Stanislas Lépine , Antoine Chintreuil , François-Louis Français , Charles Le Roux und Alexandre Defaux .

Kunst und Technik

Ville d'Avray , ca. 1867, Öl auf Leinwand. Washington, DC: Nationalgalerie .

Corot ist eine zentrale Figur der Landschaftsmalerei. Seine Arbeit nimmt gleichzeitig Bezug auf die klassizistische Tradition und nimmt die Plein-Air- Innovationen des Impressionismus vorweg . Von ihm rief Claude Monet 1897 aus: "Es gibt hier nur einen Meister - Corot. Wir sind nichts im Vergleich zu ihm, nichts." Seine Beiträge zur Figurenmalerei sind kaum weniger wichtig; Degas zog seine Figuren seinen Landschaften vor , und die klassischen Figuren von Picasso huldigen dem Einfluss von Corot.

Historiker haben sein Werk in Perioden unterteilt, aber die Trennpunkte sind oft vage, da er ein Bild oft erst Jahre nach seinem Beginn fertigstellte. In seiner Frühzeit malte er traditionell und „enge“ – mit minutiöser Exaktheit, klaren Konturen, dünnem Pinselstrich und mit absoluter Objektdefinition , mit monochromatischer Untermalung oder Ausschweifung . Nachdem er sein 50. Lebensjahr erreicht hatte, änderten sich seine Methoden, um sich auf die Breite des Tons und eine Annäherung an die poetische Kraft zu konzentrieren, die durch einen dickeren Farbauftrag vermittelt wird; und etwa 20 Jahre später, ab etwa 1865, wurde seine Malweise lyrischer, impressionistischer angehaucht. Teilweise kann diese Ausdrucksentwicklung als Übergang von den von warmem Tageslicht durchleuchteten Pleinair-Bildern seiner Jugend zu den im Atelier geschaffenen Landschaften seiner späten Reife gesehen werden, die von einheitlichen Silbertönen umhüllt sind. In seinen letzten 10 Jahren wurde er zum "Père (Vater) Corot" der Pariser Künstlerkreise, wo er mit persönlicher Zuneigung angesehen und als einer der fünf oder sechs größten Landschaftsmaler der Welt neben Meindert Hobbema anerkannt wurde. Claude Lorrain , JMW Turner und John Constable . In seinem langen und produktiven Leben malte er über 3.000 Gemälde.

Obwohl er oft als Vorläufer der impressionistischen Praxis angesehen wird, näherte sich Corot seinen Landschaften traditioneller, als gewöhnlich angenommen wird. Im Vergleich zu den späteren Impressionisten ist Corots Palette zurückhaltend, dominiert von Braun- und Schwarztönen ("verbotene Farben" bei den Impressionisten) sowie dunklem und silbrigem Grün. Obwohl er manchmal schnell und spontan wirkte, waren seine Striche normalerweise kontrolliert und vorsichtig, und seine Kompositionen waren gut durchdacht und im Allgemeinen so einfach und prägnant wie möglich gehalten, was die poetische Wirkung der Bilder verstärkte. „Mir ist aufgefallen, dass alles, was beim ersten Versuch richtig gemacht wurde, wahrer war und die Formen schöner“, sagte er.

Corots Zugang zu seinen Themen war ähnlich traditionell. Obwohl er ein wichtiger Befürworter der Freilichtstudien war, war er im Wesentlichen ein Ateliermaler und wenige seiner fertigen Landschaften wurden vor dem Motiv fertiggestellt. Die meiste Zeit seines Lebens verbrachte Corot seine Sommer damit, zu reisen und Studien und Skizzen zu sammeln, und seine Winter verbrachte er mit ausgefeilteren, marktreifen Werken. Zum Beispiel bezieht sich der Titel seiner Bathers of the Borroean Isles (1865–70) auf den Lago Maggiore in Italien, obwohl Corot seit 20 Jahren nicht mehr in Italien war. Seine Betonung auf das Zeichnen von Bildern aus der Vorstellungskraft und dem Gedächtnis statt der direkten Beobachtung entsprach dem Geschmack der Salon-Juroren, denen er angehörte.

In den 1860er Jahren interessierte sich Corot für die Fotografie, fotografierte selbst und lernte viele frühe Fotografen kennen, was dazu führte, dass seine Malpalette noch mehr in Sympathie für die monochromen Töne der Fotografien unterdrückt wurde. Dies hatte zur Folge, dass seine Bilder noch weniger dramatisch, aber etwas poetischer wurden, was einige Kritiker dazu veranlasste, eine Monotonie in seinem späteren Werk zu zitieren. Théophile Thoré schrieb, dass Corot "nur eine einzige Oktave hat, extrem begrenzt und in Moll; ein Musiker würde sagen. Er kennt kaum mehr als eine einzige Tageszeit, den Morgen und eine einzige Farbe, blassgrau." Corot antwortete:

Was es in der Malerei zu sehen gibt, bzw. wonach ich suche, ist die Form, das Ganze, die Wertigkeit der Töne...Deshalb kommt für mich die Farbe danach, denn ich liebe über alles das Gesamtbild Effekt, die Harmonie der Töne, während die Farbe einen Schock gibt, den ich nicht mag. Vielleicht ist es das Übermaß dieses Prinzips, das die Leute dazu bringt, zu sagen, ich hätte bleierne Töne.

In seiner Abneigung gegen schockierende Farben wich Corot stark von den aufstrebenden Impressionisten ab, die das Experimentieren mit lebendigen Farbtönen annahmen.

Bornova, zmir , 1873

Neben seinen Landschaften (der Spätstil war so beliebt, dass es zahlreiche Fälschungen gab) schuf Corot eine Reihe wertvoller Figurenbilder. Während die Themen manchmal in pastoralen Umgebungen platziert wurden, handelte es sich meistens um Studioarbeiten, die sowohl spezifisch als auch subtil nach dem Live-Modell gezeichnet wurden. Wie seine Landschaften zeichnen sie sich durch eine kontemplative Lyrik aus, wobei seine späten Gemälde L'Algérienne (Algerin) und La Jeune Grecque (Das griechische Mädchen) schöne Beispiele sind. Corot malte etwa fünfzig Porträts, hauptsächlich von Familie und Freunden. Er malte auch dreizehn liegende Akte, wobei seine Les Repos (1860) in der Pose der berühmten Le Grande Odalisque (1814) von Ingres auffallend ähnlich ist , aber Corots Frau ist stattdessen eine rustikale Bacchantin. In seiner vielleicht letzten Figurenmalerei Lady in Blue (1874) erreicht Corot eine an Degas erinnernde Wirkung , weich und doch ausdrucksstark. In allen Fällen seiner Figurenmalerei ist die Farbe zurückhaltend und zeichnet sich durch Kraft und Reinheit aus. Corot führte auch viele Radierungen und Bleistiftskizzen aus. Einige der Skizzen verwendeten ein System visueller Symbole – Kreise, die Lichtflächen darstellen, und Quadrate, die Schatten darstellen. Er experimentierte auch mit dem Klischee-Verre- Verfahren – einer Mischung aus Fotografie und Gravur. Ab den 1830er Jahren bemalte Corot mit Hilfe seiner Schüler auch dekorative Tafeln und Wände in den Häusern von Freunden.

Corot fasste seinen Zugang zur Kunst um 1860 so zusammen: "Ich interpretiere mit meiner Kunst genauso wie mit meinem Auge."

Die Werke von Corot sind in Museen in Frankreich und den Niederlanden, Großbritannien, Nordamerika und Russland ausgestellt.

Fälschungen

Die kleinen Vogelnester (1873–1874) detail

Der starke Markt für Corot Werke und sein relativ einfach zu imitieren führten spät Malstil in einer großen Produktion von Corot Fälschungen zwischen 1870 und 1939. René Huyghe berühmtem Bonmot , dass „Corot dreitausend Leinwände gemalt, zehntausend davon verkauft wurden Amerika". Obwohl dies eine humorvolle Übertreibung ist, wurden Tausende von Fälschungen angehäuft, wobei allein die Sammlung Jousseaume 2.414 solcher Werke umfasst. Zu dem Problem trug Corots laxe Haltung bei, die das Kopieren und Fälschen förderte. Er erlaubte seinen Studenten, seine Werke zu kopieren und sogar für die spätere Rückgabe auszuleihen, er retuschierte und signierte Studenten- und Sammlerexemplare, und er verlieh Werke an professionelle Kopierer und Verleihfirmen. Laut Corot-Katalogist Etienne Moreau-Nélaton hat in einem Kopierstudio "der selbstgefällige Pinsel des Meisters diese Repliken mit einigen persönlichen und entscheidenden Retuschen authentifiziert. Als er nicht mehr da war, um seine "Doubles" fertigzustellen, wurden sie ohne ihn weiter hergestellt. " Die Katalogisierung von Corots Werken in dem Versuch, die Kopien von den Originalen zu trennen, schlug fehl, als Fälscher die Veröffentlichungen als Leitfaden verwendeten, um ihre gefälschten Gemälde zu erweitern und zu verfeinern.

In der Populärkultur

Zwei von Corots Werken sind zu sehen und spielen eine wichtige Rolle in der Handlung des französischen Films L'Heure d'été von 2008 (englischer Titel Summer Hour ). Der Film wurde vom Musée d'Orsay produziert und die beiden Werke wurden vom Museum für die Herstellung des Films ausgeliehen.

Es gibt eine Straße namens Rue Corot auf der Île des Sœurs , Quebec , die nach dem Künstler benannt ist.

In Arthur Conan Doyles Roman Das Zeichen der Vier aus dem Jahr 1890 hat Thaddeus Sholto ein unbekanntes Werk von Corot ausgestellt.

Ausgewählte Werke

Mönchslesebuch, 1850–1855

Galerie

Siehe auch

Hinweise und Referenzen

Anmerkungen

Verweise

  • Clark, Kenneth (1991). Landschaft in Kunst . New York: HarperCollins. ISBN 0-06-010781-2.
  • Leymarie, J. (1979). Corot . Das neunzehnte Jahrhundert entdecken . Genf: Skira. ISBN 0-8478-0238-8.
  • Tinterow, Gary; Pantazzi, Michael; Pomarède, Vincent (1996). Corot . New York: Metropolitan Museum of Art. ISBN 0-87099-769-6.
  • Dumas, Bertrand (2005). Trésors des églises parisiennes (auf Französisch). Paris: Editionen Parigramme. S. 104–105. ISBN 2-84096-359-0.
  •  Dieser Artikel enthält Text aus einer Veröffentlichung, die jetzt gemeinfrei istChisholm, Hugh, ed. (1911). „ Corot, Jean-Baptiste Camille “. Encyclopædia Britannica (11. Aufl.). Cambridge University Press.

Externe Links