Les Demoiselles d'Avignon -Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon
Deutsch: Die Damen von Avignon
Künstler	Pablo Picasso
Jahr	1907
Mittel	Öl auf Leinwand
Bewegung	Protokubismus
Maße	243,9 cm × 233,7 cm (96 Zoll × 92 Zoll)
Standort	Museum für moderne Kunst . Erworben durch das Vermächtnis von Lillie P. Bliss , New York City

Les Demoiselles d'Avignon ( Die jungen Damen von Avignon , ursprünglich mit dem Titel Das Bordell von Avignon ) ist ein großes Ölgemälde, das 1907 vom spanischen Künstler Pablo Picasso geschaffen wurde . Die Arbeit, die Teil der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art ist , zeigt fünf nackte weibliche Prostituierte in einem Bordell in der Carrer d'Avinyó, einer Straße in Barcelona . Jede Figur wird in einer beunruhigenden Konfrontation dargestellt und keine ist konventionell weiblich . Die Frauen wirken leicht bedrohlich und werden mit kantigen und unzusammenhängenden Körperformen wiedergegeben. Die Figur links zeigt Gesichtszüge und Kleidung im ägyptischen oder südasiatischen Stil. Die beiden nebenstehenden Figuren sind im iberischen Stil von Picassos Heimat Spanien dargestellt, während die beiden rechten mit afrikanischen maskenhaften Zügen dargestellt sind. Der ethnische Primitivismus , den diese Masken hervorriefen, bewegte ihn laut Picasso dazu, "einen völlig originellen künstlerischen Stil von zwingender, sogar wilder Kraft zu befreien".

In dieser Adaption von Primitivismus und Aufgeben der Perspektive zugunsten einer flachen, zweidimensionalen Bildfläche bricht Picasso radikal von der traditionellen europäischen Malerei ab. Dieses protokubistische Werk gilt weithin als wegweisend für die frühe Entwicklung des Kubismus und der modernen Kunst .

Les Demoiselles war revolutionär und umstritten und führte zu weit verbreiteter Wut und Meinungsverschiedenheit, sogar unter den engsten Mitarbeitern und Freunden des Malers. Matisse hielt die Arbeit für einen schlechten Scherz, reagierte jedoch indirekt in seinen Badegästen mit einer Schildkröte von 1908 darauf . Auch Georges Braque mochte das Gemälde anfangs nicht, aber vielleicht mehr als jeder andere studierte er das Werk sehr genau. Seine anschließende Freundschaft und Zusammenarbeit mit Picasso führte zur kubistischen Revolution. Seine Ähnlichkeit mit Cézanne ‚s Der Badende , Paul Gauguin ‘ s Statue Oviri und El Greco ‚s Eröffnung des fünften Siegels wurde durch spätere Kritiker breit diskutiert.

Bei seiner ersten Ausstellung 1916 galt das Gemälde als unmoralisch. Das in Picassos Atelier im Bateau-Lavoir in Montmartre , Paris gemalte Werk wurde im Juli 1916 im Salon d'Antin im Rahmen einer vom Dichter André Salmon organisierten Ausstellung zum ersten Mal öffentlich gezeigt . Bei dieser Ausstellung benannte Salmon (der das Gemälde zuvor 1912 Le bordel philosophique betitelt hatte ) das Werk in seinen aktuellen, weniger skandalösen Titel, Les Demoiselles d'Avignon , anstelle des ursprünglich von Picasso gewählten Titels Le Bordel d'Avignon . Picasso, der es immer als mon bordel ("mein Bordell") oder Le Bordel d'Avignon bezeichnete , mochte Salmons Titel nie und hätte stattdessen die Bowdlerisierung Las chicas de Avignon ("Die Mädchen von Avignon") bevorzugt .

Hintergrund und Entwicklung

Paul Cézanne , Badende, 1885–1887, Museum of Modern Art , ehemals Sammlung Lillie P. Bliss

Picasso wurde im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts zu einem bedeutenden Künstler. Als junger, ambitionierter Maler kam er um die Jahrhundertwende aus Spanien nach Paris, um sich einen Namen zu machen. Mehrere Jahre lang lebte und arbeitete er in Barcelona, ​​Madrid und auf dem spanischen Land und reiste häufig nach Paris.

Bis 1904 war er vollständig in Paris sesshaft und hatte mehrere Ateliers aufgebaut, wichtige Beziehungen zu Freunden und Kollegen. Zwischen 1901 und 1904 erlangte Picasso Anerkennung für seine Gemälde der Blauen Periode . Im Wesentlichen handelte es sich um Studien über Armut und Verzweiflung nach Szenen, die er um die Jahrhundertwende in Spanien und Paris gesehen hatte. Zu den Themen gehörten hagere Familien, blinde Gestalten und persönliche Begegnungen; andere Gemälde zeigten seine Freunde, aber die meisten reflektierten und drückten ein Gefühl von Blau und Verzweiflung aus.

El Greco , Saint Martin und der Bettler , c. 1597–1600, Art Institute of Chicago

Pablo Picasso, Junge führt ein Pferd 1905-06, Museum of Modern Art

Picassos Meisterwerk aus der Rosenzeit, Junge führt ein Pferd , erinnert an die Gemälde von Paul Cézanne und El Greco , die beide Les Demoiselles d'Avignon stark beeinflussten

Er folgte seinem Erfolg, indem er sich von 1904 bis 1907 zu seiner Rosenzeit entwickelte , die ein starkes Element der Sinnlichkeit und Sexualität in seine Arbeit einführte. Die Darstellungen von Akrobaten, Zirkusartisten und Theaterfiguren aus der Rosenzeit werden in wärmeren, leuchtenderen Farben wiedergegeben und sind in ihren Darstellungen des böhmischen Lebens in der Pariser Avantgarde und ihrer Umgebung viel hoffnungsvoller und fröhlicher . Die Rosenzeit brachte zwei wichtige große Meisterwerke hervor: Family of Saltimbanques (1905), die an die Arbeit von Gustave Courbet (1819–1877) und Édouard Manet (1832–1883) erinnert; und Boy führen ein Pferd (1905-1906), der erinnert sich Cézanne 's Badende (1885-1887) und El Greco ' s Saint Martin und der Bettler (1597-1599). Während Picasso bereits Mitte 1906 eine beachtliche Fangemeinde hatte, feierte Picasso weiteren Erfolg mit seinen Gemälden von massiven überdimensionalen nackten Frauen, monumentalen skulpturalen Figuren, die an die Arbeit von Paul Gauguin erinnerten und sein Interesse an Primitiven (Afrikaner, Mikronesier , Indianer ) zeigten. Kunst. Er begann seine Werke in den Galerien von Berthe Weill (1865–1951) und Ambroise Vollard (1866–1939) auszustellen und erlangte schnell einen wachsenden Ruf und eine Anhängerschaft in den Künstlergemeinschaften von Montmartre und Montparnasse .

Picasso wurde um 1905 ein Liebling der amerikanischen Kunstsammler Gertrude Stein und ihres Bruders Leo . Auch der ältere Bruder Michael Steins und seine Frau Sarah wurden Sammler seiner Werke. Picasso malte Porträts von Gertrude Stein und ihrem Neffen Allan Stein .

Gertrude Stein begann, Picassos Zeichnungen und Gemälde zu erwerben und in ihrem informellen Salon in ihrem Haus in Paris auszustellen. Bei einer ihrer Zusammenkünfte im Jahr 1905 lernte er Henri Matisse (1869–1954) kennen, der zu dieser Zeit sein größter Rivale, aber in späteren Jahren ein enger Freund werden sollte. Die Steins stellten Picasso Claribel Cone (1864–1929) und ihrer Schwester Etta Cone (1870–1949) vor, ebenfalls amerikanischen Kunstsammlern, die begannen, Picassos und Matisses Gemälde zu erwerben. Schließlich zog Leo Stein nach Italien und Michael und Sarah Stein wurden wichtige Mäzene von Matisse, während Gertrude Stein weiterhin Picasso sammelte.

Rivalität mit Matisse

Henri Matisse , Le bonheur de vivre (1905–06), Öl auf Leinwand, 175 × 241 cm. Barnes-Stiftung , Merion, PA . Ein Gemälde, das Fauvist genannt wurde und Matisse sowohl öffentlichen Spott als auch Bekanntheit einbrachte. Hilton Kramer schrieb: „Aufgrund seiner langen Aufbewahrung in der Sammlung der Barnes Foundation, die eine Reproduktion in Farbe nie erlaubte, ist es das am wenigsten bekannte moderne Meisterwerk. Doch dieses Gemälde war Matisses eigene Reaktion auf die Feindseligkeit, auf die sein Werk gestoßen war.“ im Salon d'Automne von 1905."

Henri Rousseau , Der hungrige Löwe wirft sich auf die Antilope , 1905, war der Grund für den Begriff Fauvismus und das ursprüngliche "Wild Beast"

Der Salon d'Automne von 1905 brachte den Werken von Henri Matisse und der Gruppe Les Fauves Bekanntheit und Aufmerksamkeit . Letztere erhielten ihren Namen, nachdem der Kritiker Louis Vauxcelles ihre Arbeit mit dem Satz " Donatello chez les fauves" ("Donatello unter den wilden Tieren") beschrieb und die Gemälde mit einer Renaissance- Skulptur kontrastierte , die den Raum mit ihnen teilte. Henri Rousseau (1844-1910), ein Künstler , den Picasso kannte und bewunderte und wer nicht ein Fauve, hatte seine große Dschungelszene Der hungrige Löwe wirft sich auf die Antilope auch in der Nähe der Werke von Matisse hängen und die einen Einfluss gehabt haben können , auf der besondere sarkastische Begriff, der in der Presse verwendet wird. Vauxcelles' Kommentar wurde am 17. Oktober 1905 in der Tageszeitung Gil Blas gedruckt und in den Volksmund überführt.

Obwohl die Bilder weithin verspottet wurden – „Der Öffentlichkeit wurde ein Farbtopf ins Gesicht geschleudert “, erklärte der Kritiker Camille Mauclair (1872–1945) – erregten sie auch positive Aufmerksamkeit. Das Gemälde, das für die meisten Angriffe ausgewählt wurde, war Matisses Frau mit Hut ; der Ankauf dieses Werkes durch Gertrude und Leo Stein wirkte sich sehr positiv auf Matisse aus, der durch die schlechte Rezeption seines Werkes demoralisiert wurde.

Henri Matisse , Blauer Akt (Souvenir de Biskra) , 1907, 92 × 140 cm, Baltimore Museum of Art . Eines der Gemälde, das bei der Armory Show von 1913 in New York City für internationales Aufsehen sorgte

Matisses Bekanntheit und Vorrang als Anführer der neuen Bewegung in der modernen Malerei baute sich 1906 und 1907 weiter auf, und Matisse zog eine Anhängerschaft von Künstlern an, darunter Georges Braque (1880-1963), André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck ( 1876–1958). Picassos Werk hatte seine Blaue und seine Rosenzeit durchlaufen, und obwohl er eine beträchtliche Gefolgschaft hatte, war sein Ruf im Vergleich zu seinem Rivalen Matisse zahm. Das übergeordnete Thema von Matisses einflussreichem Le bonheur de vivre , eine Erforschung des "Goldenen Zeitalters", erinnert an das historische Thema "Zeitalter des Menschen" und die Potenziale eines provokativen neuen Zeitalters, das die Ära des 20. Jahrhunderts bot. Ein ebenso kühnes, ähnlich thematisches Gemälde mit dem Titel The Golden Age , das 1905 von Derain fertiggestellt wurde, zeigt die Übertragung menschlicher Zeitalter auf noch direktere Weise.

Matisse und Derain schockierten die französische Öffentlichkeit erneut auf der Société des Artistes Indépendants im März 1907, als Matisse sein Gemälde Blue Nude ausstellte und Derain The Bathers beisteuerte . Beide Gemälde evozieren Vorstellungen über die menschliche Herkunft (Weltanfänge, Evolution), ein zu dieser Zeit in Paris immer wichtigeres Thema. The Blue Nude war eines der Gemälde, die später bei der Armory Show von 1913 in New York City international Furore machten .

Von Oktober 1906 an, als er mit den Vorbereitungsarbeiten für Les Demoiselles d'Avignon begann , bis zu seiner Fertigstellung im März 1907, wetteiferte Picasso mit Matisse um die Anführerschaft der modernen Malerei. Nach seiner Fertigstellung trieben der Schock und die Wirkung des Gemäldes Picasso in den Mittelpunkt der Kontroversen und verdrängten Matisse und den Fauvismus praktisch von der Landkarte, was die Bewegung im folgenden Jahr praktisch beendete. 1907 trat Picasso in die von Daniel-Henry Kahnweiler (1884–1979) kürzlich in Paris eröffnete Kunstgalerie ein . Kahnweiler war ein deutscher Kunsthistoriker und Sammler, der zu einem der führenden französischen Kunsthändler des 20. Jahrhunderts wurde. Er wurde ab 1907 in Paris bekannt, weil er zu den ersten Verfechtern von Picasso und insbesondere seinem Gemälde Les Demoiselles d'Avignon gehörte . Bereits vor 1910 wurde Picasso neben Henri Matisse, dem unangefochtenen Führer des Fauvismus, der mehr als zehn Jahre älter war als er, und seinen Zeitgenossen, dem Fauvisten André Derain und dem ehemaligen Fauvist ., bereits vor 1910 als einer der bedeutendsten Vertreter der Moderne anerkannt und Mitkubist , Georges Braque .

Der Kunstkritiker Hilton Kramer schrieb 1992 in seinem Essay Reflections on Matisse :

Nach dem Aufprall von Les Demoiselles d'Avignon wurde Matisse jedoch nie wieder für einen avantgardistischen Brandstifter gehalten. Mit der bizarren Malerei, die die Kenner entsetzte und elektrisierte , die verstanden, dass die Les Demoiselles gleichzeitig eine Antwort auf Matisses Le bonheur de vivre (1905-1906) und ein Angriff auf die Tradition waren, aus der sie hervorging, eignete sich Picasso effektiv die Rolle des Avant an -garde wildes Tier – eine Rolle, die er, soweit es die öffentliche Meinung betraf, niemals aufgeben sollte.

Kramer fährt fort:

Während Matisse auf eine lange Tradition europäischer Malerei zurückgegriffen hatte – von Giorgione , Poussin und Watteau bis Ingres , Cézanne und Gauguin – um in Le bonheur de vivre eine moderne Version eines pastoralen Paradieses zu schaffen , hatte sich Picasso einer fremden Tradition der primitive Kunst , um in Les Demoiselles eine Unterwelt aus seltsamen Göttern und heftigen Emotionen zu erschaffen . Zwischen den mythologischen Nymphen von Le bonheur de vivre und den grotesken Abbildern von Les Demoiselles gab es keine Frage, was schockierender oder schockierender war. Picasso hatte eine Vene Gefühl ausgelöst , die immense Folgen für die Kunst und Kultur der Neuzeit haben war , während Matisse Ehrgeiz scheinen kam, wie er in seiner sagte Notizen eines Malers, mehr begrenzt -limited das heißt, in den Bereich der Ästhetisches Vergnügen. Damit wurde bereits im ersten Jahrzehnt des Jahrhunderts und im Werk seiner beiden größten Künstler die Kluft geöffnet, die die Kunst der Moderne bis in unsere Zeit hinein spaltet.

Einflüsse

Picasso schuf Hunderte von Skizzen und Studien in Vorbereitung auf das endgültige Werk. Er erkannte seit langem die Bedeutung der spanischen Kunst und der iberischen Skulptur als Einflüsse auf die Malerei an. Das Werk wird von Kritikern als von afrikanischen Stammesmasken und der Kunst Ozeaniens beeinflusst , obwohl Picasso die Verbindung bestritt; viele Kunsthistoriker bleiben skeptisch gegenüber seinen Leugnungen. Picasso verbrachte einen Abend im Oktober 1906 damit, eine Teke- Figur aus dem Kongo, die damals Matisse gehörte, eingehend zu studieren . Später in dieser Nacht entstanden Picassos erste Studien für das, was Les Demoiselles d'Avignon werden sollte . Mehrere Experten behaupten, dass Picasso zumindest im Frühjahr 1907 das Musée d'Ethnographie du Trocadéro (später als Musée de l'Homme bekannt ) besuchte, wo er kurz vor der Fertigstellung von Les . afrikanische und andere Künste sah und inspirierte Demoisellen. Er war ursprünglich in dieses Museum gekommen, um Gipsabgüsse mittelalterlicher Skulpturen zu studieren, die damals auch als Beispiele "primitiver" Kunst galten.

El Greco

El Greco , Die Öffnung des fünften Siegels , 1608–1614

Pablo Picasso, Nus ( Akte ), 1905, Graphit auf Papier

El Grecos Gemälde, wie diese apokalyptische Vision des Heiligen Johannes, wurden für Picasso als Inspirationsquelle vorgeschlagen, die zu Les Demoiselles d'Avignon führte .

Als Picasso 1907 mit der Arbeit an Les Demoiselles begann , war einer der alten Meister, die er sehr bewunderte, El Greco (1541-1614), der zu dieser Zeit weitgehend unbekannt und unterschätzt wurde. Picassos Freund Ignacio Zuloaga (1870–1945) erwarb 1897 El Grecos Meisterwerk, die Öffnung des fünften Siegels , für 1000 Peseten . Die Beziehung zwischen Les Demoiselles d'Avignon und der Öffnung des fünften Siegels wurde Anfang der 1980er Jahre auf den Punkt gebracht, als die stilistischen Ähnlichkeiten und die Beziehung zwischen den Motiven und visuellen Identifizierungsqualitäten beider Werke analysiert wurden.

El Grecos Malerei, die Picasso wiederholt in Zuloagas Haus studierte, inspirierte nicht nur Größe, Format und Komposition von Les Demoiselles d'Avignon , sondern auch seine apokalyptische Kraft. Später sagte Picasso zu Dor de la Souchère in Antibes über das Werk: "Auf jeden Fall zählt nur die Ausführung. Aus dieser Sicht ist es richtig zu sagen, dass der Kubismus einen spanischen Ursprung hat und ich den Kubismus erfunden habe. Wir müssen den spanischen Einfluss in Cézanne suchen. Die Dinge selbst erfordern ihn, den Einfluss von El Greco, einem venezianischen Maler, auf ihn. Aber seine Struktur ist kubistisch."

Die Beziehung des Gemäldes zu anderen Gruppenporträts in der westlichen Tradition, wie Diana und Callisto von Tizian (1488–1576) und das gleiche Thema von Rubens (1577–1640), im Prado , wurde ebenfalls diskutiert.

Cézanne und der Kubismus

Paul Cézanne ‚s Les Grandes Baigneuses (1906, Öl auf Leinwand, 210,5 x 250,8 cm., 82 7 / 8 × 98 3 / 4 Zoll, Philadelphia Museum of Art ) wird allgemein angenommen , eine wahrscheinliche Inspiration für sein Les Demoiselles .

Sowohl Paul Gauguin (1848-1903) und Paul Cézanne (1839-1906) wurden wichtige posthume Retrospektive Ausstellungen im zuerkannt Salon d'Automne von 1903 bis 1907 in Paris, und beide waren wichtige Einflüsse auf Picasso und instrumental zu seiner Schöpfung von Les Demoiselles . Laut dem englischen Kunsthistoriker, Sammler und Autor von The Cubist Epoch , Douglas Cooper , waren diese beiden Künstler besonders einflussreich für die Entstehung des Kubismus und besonders wichtig für die Gemälde von Picasso in den Jahren 1906 und 1907. Cooper sagt jedoch weiter, dass Les Demoiselles wird oft fälschlicherweise als das erste kubistische Gemälde bezeichnet. Er erklärt,

Die Demoiselles wird allgemein als das erste kubistische Bild bezeichnet. Das ist übertrieben, denn obwohl es ein erster wichtiger Schritt zum Kubismus war, ist er noch nicht kubistisch. Das disruptive, expressionistische Element darin widerspricht sogar dem Geist des Kubismus, der die Welt in einem distanzierten, realistischen Geist betrachtete. Dennoch ist die Demoiselles der logische Ausgangspunkt für den Kubismus, denn sie markiert die Geburt einer neuen Bildsprache, weil Picasso in ihr etablierte Konventionen gewaltsam umkippte und alles, was folgte, daraus erwuchs.

Obwohl Cézanne vor 1906 der breiten Öffentlichkeit nicht sehr bekannt war, wurde Cézannes Ruf in Avantgarde- Kreisen hoch geschätzt , wie Ambroise Vollards Interesse an der Ausstellung und Sammlung seiner Werke und Leo Steins Interesse bewiesen. Picasso war mit vielen Werken von Cézanne vertraut, die er in Vollards Galerie und bei Stein sah. Nach Cézanne im Jahr 1906 starb, seine Bilder wurden in Paris in großem Umfang ausgestellt museale Retrospektive im September 1907. Die 1907 Cézanne - Retrospektive im Salon d'Automne stark die Richtung beeinflusste , dass die Avantgarde in Paris, die Kreditvergabe nahm Glaubwürdigkeit seine Position als einer der einflussreichsten Künstler des 19. Jahrhunderts und bis zum Aufkommen des Kubismus. Die Cézanne-Ausstellung von 1907 hatte einen enormen Einfluss darauf, Cézanne als bedeutenden Maler zu etablieren, dessen Ideen insbesondere bei jungen Künstlern in Paris Anklang fanden.

Sowohl Picasso als auch Braque fanden die Inspiration für ihre protokubistischen Werke in Paul Cézanne, der sagte, man müsse die Natur beobachten und lernen, sie zu sehen und zu behandeln, als ob sie aus Grundformen wie Würfeln, Kugeln, Zylindern und Kegeln zusammengesetzt wäre. Cézannes Erforschungen geometrischer Vereinfachung und optischer Phänomene inspirierten Picasso , Braque , Metzinger , Gleizes , Robert Delaunay , Le Fauconnier , Gris und andere dazu, mit immer komplexeren Mehrfachansichten desselben Themas zu experimentieren und schließlich zum Aufbrechen der Form. Cézanne entfachte damit einen der revolutionärsten künstlerischen Forschungsbereiche des 20. Jahrhunderts, der die Entwicklung der modernen Kunst nachhaltig beeinflussen sollte .

Gauguin und Primitivismus

Paul Gauguin , Der Mond und die Erde (Hina tefatou) , (1893), Museum of Modern Art , New York City

Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), teilglasiertes Steinzeug, 75 × 19 × 27 cm, Musée d'Orsay , Paris

Pablo Picassos Gemälde monumentaler Figuren aus dem Jahr 1906 wurden direkt von Gauguin beeinflusst. Die durch Gauguins Werk hervorgerufene wilde Macht führte 1907 direkt zu Les Demoiselles .

Während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entdeckte die europäische Kulturelite afrikanische , ozeanische und indianische Kunst. Künstler wie Paul Gauguin , Henri Matisse und Picasso waren fasziniert und inspiriert von der starken Kraft und Einfachheit der Stile dieser Kulturen. Um 1906 hatten Picasso, Matisse, Derain und andere Künstler in Paris ihr Interesse an Primitivismus, iberischer Skulptur , afrikanischer Kunst und Stammesmasken geweckt , teilweise wegen der überzeugenden Werke von Paul Gauguin, die plötzlich in den Mittelpunkt der Avantgarde gerückt waren Pariser Kreise. Gauguins beeindruckende posthume Retrospektive im Salon d'Automne in Paris 1903 und eine noch größere 1906 hatten einen beeindruckenden und starken Einfluss auf Picassos Gemälde.

Im Herbst 1906 folgte Picasso seinen früheren Erfolgen mit Gemälden von überdimensionalen nackten Frauen und monumentalen skulpturalen Figuren, die an die Arbeit von Paul Gauguin erinnerten und sein Interesse an der primitiven Kunst zeigten. Pablo Picassos Gemälde mit massiven Figuren aus dem Jahr 1906 wurden direkt von Gauguins Bildhauerei, Malerei und auch seiner Schrift beeinflusst. Die wilde Kraft, die Gauguins Werk hervorruft, führt 1907 direkt zu Les Demoiselles .

Laut Gauguin-Biograph David Sweetman wurde Pablo Picasso bereits 1902 ein Liebhaber von Gauguins Werken, als er den im Ausland lebenden spanischen Bildhauer und Keramiker Paco Durrio in Paris traf und sich anfreundete . Durrio hatte mehrere von Gauguins Werken zur Hand, da er ein Freund von Gauguin und ein unbezahlter Agent seiner Arbeit war. Durrio versuchte, seinem verarmten Freund auf Tahiti zu helfen, indem er sein Werk in Paris förderte. Nachdem sie sich getroffen hatten, stellte Durrio Picasso Gauguins Steinzeug vor, half Picasso bei der Herstellung einiger Keramikstücke und schenkte Picasso eine erste La Plume- Ausgabe von Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin.

Über Gauguins Einfluss auf Picasso schrieb der Kunsthistoriker John Richardson :

Die Ausstellung von Gauguins Werken von 1906 ließ Picasso mehr denn je in den Bann dieses Künstlers. Gauguin zeigte, dass sich die unterschiedlichsten Kunstgattungen – ganz zu schweigen von Elementen aus der Metaphysik, Ethnologie, Symbolik, Bibel, klassischen Mythen und vielem mehr – zu einer zeitgenössischen und doch zeitlosen Synthese verbinden lassen. Ein Künstler konnte auch konventionelle Vorstellungen von Schönheit durcheinanderbringen, demonstrierte er, indem er seine Dämonen an die dunklen Götter (nicht unbedingt tahitianische) anspannte und eine neue Quelle göttlicher Energie anzapfte. Wenn Picasso in späteren Jahren Gauguins Schulden heruntergespielt hat, so besteht kein Zweifel, dass er sich zwischen 1905 und 1907 diesem anderen Paul sehr verbunden fühlte, der stolz auf die spanischen Gene seiner peruanischen Großmutter war. Hätte Picasso sich nicht zu Ehren Gauguins mit „Paul“ signiert.

Sowohl David Sweetman als auch John Richardson weisen auf Gauguins Oviri (wörtlich „wild“) hin, eine grausige phallische Darstellung der tahitianischen Göttin des Lebens und des Todes, die für Gauguins Grab bestimmt war. Erstmals in der Retrospektive von 1906 ausgestellt, war es wahrscheinlich ein direkter Einfluss auf Les Demoiselles. Süßmann schreibt,

Gauguins Statue Oviri , die 1906 prominent ausgestellt wurde, sollte Picassos Interesse sowohl an Skulptur als auch an Keramik wecken, während die Holzschnitte sein Interesse an der Druckgrafik verstärken sollten, obwohl es das Element des Primitiven in allen war, das die Richtung, die Picassos Kunst nehmen würde. Dieses Interesse sollte in der bahnbrechenden Les Demoiselles d'Avignon gipfeln .

Laut Richardson,

Picassos Interesse an Steinzeug wurde durch die Beispiele, die er 1906 bei der Gauguin-Retrospektive im Salon d'Automne sah, weiter angeregt. Die beunruhigendste dieser Keramiken (eine, die Picasso vielleicht schon bei Vollard gesehen hatte) war die grausige Oviri. Bis 1987, als das Musée d'Orsay dieses wenig bekannte Werk erwarb (seit 1906) nur einmal ausgestellt, wurde es nie als Meisterwerk anerkannt, geschweige denn für seine Relevanz für die Werke, die zu den Demoiselles führten. Obwohl er knapp 30 Zoll groß ist , hat Oviri eine beeindruckende Präsenz, wie es sich für ein Denkmal für Gauguins Grab gehört. Picasso war von Oviri sehr beeindruckt. 50 Jahre später war er entzückt, als [Douglas] Cooper und ich ihm erzählten, dass wir auf diese Skulptur in einer Sammlung gestoßen waren, die auch den Originalgips seines kubistischen Kopfes enthielt. War es eine Offenbarung, wie die iberische Skulptur? Picassos Achselzucken war widerwillig zustimmend. Er war immer ungern Gauguins Rolle zuzugeben, die ihn auf den Weg zum Primitivismus brachte.

Afrikanische und iberische Kunst

Musikerin aus dem "Relief von Osuna ", iberisch, ca. 200 v. Chr.

Iberische Frauenskulptur aus dem 3. oder 2. Jahrhundert v. Chr.

Dieser Stil beeinflusste Les Demoiselles d'Avignon .

Im 19. und 20. Jahrhundert führte die Kolonialisierung Afrikas durch Europa zu vielen wirtschaftlichen, sozialen, politischen und sogar künstlerischen Begegnungen. Ausgehend von diesen Begegnungen interessierten sich westliche bildende Künstler zunehmend für die einzigartigen Formen afrikanischer Kunst, insbesondere für Masken aus der Niger-Kongo-Region. In einem Essay von Dennis Duerden, Autor von African Art (1968), The Invisible Present (1972) und einem ehemaligen Direktor des BBC World Service , wird die Maske als "sehr oft als kompletter Kopfschmuck und nicht nur als dieser Teil" definiert das verbirgt das Gesicht". Diese Form der bildenden Kunst und des Bildes sprach westliche bildende Künstler an, was zu dem führte, was Duerden die "Entdeckung" der afrikanischen Kunst durch westliche Praktiker, einschließlich Picasso, nennt.

Afrikanische Fang- Maske, die im Stil denen ähnelt, die Picasso kurz vor dem Malen von Les Demoiselles d'Avignon in Paris sah

Die stilistischen Quellen für die Köpfe der Frauen und ihr Einfluss wurden viel diskutiert und diskutiert, insbesondere der Einfluss afrikanischer Stammesmasken , Kunst Ozeaniens und vorrömischer iberischer Skulpturen . Die abgerundeten Konturen der Gesichtszüge der drei Frauen links lassen sich der iberischen Skulptur zuordnen, nicht jedoch die fragmentierten Flächen der beiden rechts, die tatsächlich von afrikanischen Masken beeinflusst scheinen. Das sagt Lawrence Weschler :

in vielerlei Hinsicht lässt sich ein Großteil der vermodernden kulturellen und sogar wissenschaftlichen Gärung, die die ersten anderthalb Jahrzehnte des 20 mit ihrem bösgläubigen, oft energisch unterdrückten Wissen um ihre Taten in Afrika. Das Beispiel Picassos, der mit seinen Desmoiselles d'Avignon von 1907 den Kubismus praktisch einführte , als Reaktion auf die Arten von afrikanischen Masken und anderer kolonialer Beute, die er im Pariser Musee de l'Homme antraf, ist offensichtlich.

Kongomasken, veröffentlicht von Leo Frobenius in seinem 1898 erschienenen Buch Die Masken und Geheimbunde Afrika

Wichtig waren auch Privatsammlungen und Bildbände mit afrikanischer Kunst dieser Zeit. Während Picasso den Einfluss afrikanischer Masken auf das Gemälde nachdrücklich bestreitet: "Afrikanische Kunst? Noch nie davon gehört!" ( L'art nègre? Connais pas! ), was sein tiefes Interesse an den afrikanischen Skulpturen von Matisse und seinem engen Freund Guiliaume Apollinaire widerlegt . Da keine der afrikanischen Masken, von denen angenommen wurde, dass sie Picasso in diesem Gemälde beeinflusst haben, zu der Zeit, als das Werk gemalt wurde, in Paris erhältlich war, wird jetzt angenommen, dass er afrikanische Maskenformen in einem illustrierten Band des Anthropologen Leo Frobenius studiert hat . Der Primitivismus setzt sich in seiner Arbeit während, vor und nach der Malerei von Les Demoiselles d'Avignon vom Frühjahr 1906 bis zum Frühjahr 1907 fort. Auch Einflüsse der antiken iberischen Bildhauerei sind wichtig. Einige iberische Reliefs aus Osuna , die erst vor kurzem ausgegraben wurden, waren ab 1904 im Louvre ausgestellt. Auch archaische griechische Skulpturen wurden als Einfluss geltend gemacht.

Der Einfluss der afrikanischen Skulptur wurde 1939 zum Thema, als Alfred Barr behauptete, dass der Primitivismus der Demoiselles von der Kunst der Elfenbeinküste und des Französisch-Kongo abstamme . Picasso bestand darauf, dass der Herausgeber seines Catalogue Raissonne , Christian Zervos , einen Haftungsausschluss veröffentlichte: Die Demoiselles , sagte er, verdanken nichts der afrikanischen Kunst , alles den Reliefs von Osuna, die er etwa ein Jahr zuvor im Louvre gesehen hatte. Nichtsdestotrotz ist bekannt, dass er während der Arbeit an dem Gemälde afrikanische Stammesmasken bei einem Besuch im Ethnographischen Museum des Trocadero mit Andre Malraux im März 1907 gesehen hat, über den er später sagte: "Als ich zum Trocadero ging, war es widerlich". . Der Flohmarkt, der Geruch. Ich war ganz allein. Ich wollte weg, aber ich ging nicht. Ich blieb, ich blieb. Ich verstand, dass es sehr wichtig war. Etwas passierte mit mir, richtig. Die Masken waren nicht wie jede andere Skulptur, überhaupt nicht. Es waren magische Dinge." Maurice de Vlaminck wird oft zugeschrieben, Picasso 1904 in die afrikanische Skulptur der Fang- Extraktion eingeführt zu haben .

Der Picasso-Biograph John Richardson erzählt in A Life of Picasso, The Cubist Rebel 1907–1916 von der Erinnerung des Kunsthändlers Daniel-Henry Kahnweiler an seinen ersten Besuch in Picassos Atelier im Juli 1907. Kahnweiler erinnert sich, dass er in Picassos Atelier „staubige Leinwände“ gesehen habe und "Afrikanische Skulpturen von majestätischer Strenge". Richardson kommentiert: "So viel zu Picassos Geschichte, dass er sich der Stammeskunst noch nicht bewusst war .'" Ein Foto von Picasso in seinem Atelier, umgeben von afrikanischen Skulpturen um 1908, befindet sich auf Seite 27 desselben Bandes.

Suzanne Preston Blier sagt, dass Picasso, wie Gauguin und mehrere andere Künstler dieser Zeit, für viele seiner Vorstudien zu diesem Gemälde illustrierte Bücher verwendet hat. Neben dem Frobenius Buch umfasste seine Quellen eine 1906 Veröffentlichung eines zwölften Jahrhundert Mittelalterliche Kunst Manuskript auf architektonische Skulptur von Villiard de Honnecourt und ein Buch von Carl Heinrich Stratz von pseudo-Pornografie Fotos und Zeichnungen von Frauen aus der ganzen Welt zu zeigen , organisiert um Ideen über die menschliche Herkunft und Evolution zu wecken. Blier schlägt vor, dass dies dazu beiträgt, die Vielfalt der Stile zu erklären, die Picasso in seinen bilderreichen Skizzenbüchern für dieses Gemälde verwendet hat. Diese Bücher und andere Quellen wie Cartoons, schreibt Blier, geben auch Hinweise auf die größere Bedeutung dieses Gemäldes.

Mathematik

Eine Illustration aus Jouffrets Traité élémentaire de géométrie à quatre dimensions . Das Buch, das Picasso beeinflusste, wurde ihm von Princet geschenkt.

Maurice Princet , ein französischer Mathematiker und Aktuar , spielte als Mitarbeiter von Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Jean Metzinger , Robert Delaunay , Juan Gris und später Marcel Duchamp eine Rolle bei der Geburt des Kubismus . Princet wurde als "le mathématicien du cubisme" ("der Mathematiker des Kubismus") bekannt.

Princet wird zugeschrieben, den Künstlern des Bateau-Lavoir das Werk von Henri Poincaré und das Konzept der " vierten Dimension " vorgestellt zu haben . Princet machte Picasso, Metzinger und andere auf ein Buch von Esprit Jouffret aufmerksam , Traité élémentaire de géométrie à quatre dimensions ( Elementary Treatise on the Geometry of Four Dimensions , 1903), eine Popularisierung von Poincarés Wissenschaft und Hypothese, in der Jouffret Hyperwürfel und andere komplexe Polyeder in vier Dimensionen und projizierte sie auf die zweidimensionale Oberfläche. Picassos Skizzenbücher zu Les Demoiselles d'Avignon veranschaulichen Jouffrets Einfluss auf das Werk des Künstlers.

Auswirkung

Obwohl Les Demoiselles einen enormen und tiefgreifenden Einfluss auf die moderne Kunst hatte , war seine Wirkung nicht unmittelbar, und das Gemälde blieb viele Jahre in Picassos Atelier. Das Werk war zunächst nur dem engen Kreis von Künstlern, Händlern, Sammlern und Freunden Picassos bekannt. Bald nach dem Spätsommer 1907 trennten sich Picasso und seine langjährige Geliebte Fernande Olivier (1881–1966). Die Neubemalung der beiden Köpfe ganz rechts von Les Demoiselles nährte Spekulationen, dass dies ein Hinweis auf die Trennung zwischen Picasso und Olivier war. Obwohl sie sich später für eine gewisse Zeit wiedervereinigten, endete die Beziehung 1912.

Ein Foto der Les Demoiselles wurde erstmals in einem Artikel von Gelett Burgess mit dem Titel "The Wild Men of Paris, Matisse, Picasso and Les Fauves", The Architectural Record , Mai 1910 veröffentlicht.

Les Demoiselles wurde erst 1916 ausgestellt und erst Anfang der 1920er Jahre, als André Breton (1896-1966) das Werk veröffentlichte , als revolutionäre Errungenschaft allgemein anerkannt . Das Gemälde wurde in Cahiers d'art (1927) in einem Artikel über die afrikanische Kunst erneut reproduziert .

Richardson fährt fort, dass Matisse wütend war, als er die Demoiselles in Picassos Atelier sah. Er ließ verlauten, dass er das Gemälde als Versuch betrachtete, die moderne Bewegung lächerlich zu machen; er war empört, als er seinen sensationellen Blue Nude , ganz zu schweigen von Bonheur de vivre , von Picassos "abscheulichen" Huren überholte. Er schwor, sich zu rächen und Picasso um Gnade betteln zu lassen. So wie das Bonheur de vivre Picassos Wettbewerbsfähigkeit befeuert hatte, befeuerte Les Demoiselles nun die von Matisse.

In Picassos geschlossenem Freundes- und Kollegenkreis herrschte eine gemischte Meinung über Les Demoiselles . Georges Braque und André Derain waren zunächst beide davon beunruhigt, obwohl sie Picasso unterstützten. Laut William Rubin waren zwei von Picassos Freunden, der Kunstkritiker André Salmon und der Maler Ardengo Soffici (1879–1964), davon begeistert, während Guillaume Apollinaire (1880–1918) es nicht war. Sowohl der Kunsthändler-Sammler Wilhelm Uhde (1874–1947) als auch Kahnweiler waren jedoch mehr von dem Gemälde begeistert.

Laut Kahnweiler war Les Demoiselles der Beginn des Kubismus. Er schreibt:

Anfang 1907 begann Picasso ein seltsames großes Gemälde mit Frauen, Früchten und Vorhängen, das er unvollendet ließ. Es kann nicht anders als unvollendet genannt werden, obwohl es eine lange Zeit der Arbeit darstellt. Im Geiste der Werke von 1906 begonnen, enthält es in einem Abschnitt die Bestrebungen von 1907 und bildet somit nie ein einheitliches Ganzes.

Die Aktfotos mit großen, ruhigen Augen stehen starr da wie Schaufensterpuppen. Ihre steifen, runden Körper sind fleischfarben, schwarz und weiß. Das ist der Stil von 1906.

Im Vordergrund jedoch, dem Stil des übrigen Gemäldes fremd, eine kauernde Figur und eine Obstschale. Diese Formen sind eckig gezeichnet, nicht rund in Hell-Dunkel modelliert. Die Farben sind sattes Blau, leuchtendes Gelb, daneben reines Schwarz und Weiß. Dies ist der Beginn des Kubismus, der erste Aufschwung, ein verzweifelter gigantischer Zusammenstoß mit allen Problemen auf einmal.

—  Kahnweiler, 1920

Öffentliche Ansicht und Titel

Vom 16. bis 31. Juli 1916 wurde Les Demoiselles zum ersten Mal im Salon d'Antin , einer von André Salmon organisierten Ausstellung mit dem Titel L'Art moderne en France , der Öffentlichkeit präsentiert . Die Ausstellungsfläche in der Rue d'Antin 26 wurde von dem berühmten Couturier und Kunstsammler Paul Poiret geliehen . Der größere Salon d'Automne und der Salon des Indépendants waren wegen des Ersten Weltkriegs geschlossen worden, so dass dies die einzige Kubistenausstellung in Frankreich seit 1914 war. Am 23. Juli 1916 erschien in Le Cri de Paris eine Rezension :

Die Kubisten warten nicht auf das Ende des Krieges, um die Feindseligkeiten gegen die Vernunft wieder aufzunehmen. Sie stellen in der Galerie Poiret nackte Frauen aus, deren verstreute Teile in allen vier Ecken der Leinwand dargestellt sind: hier ein Auge, dort ein Ohr, dort eine Hand, oben ein Fuß, unten ein Mund. M. Picasso, ihr Anführer, ist möglicherweise der am wenigsten zerzauste von allen. Er hat fünf Frauen gemalt, oder besser gesagt, beschmiert, die, um die Wahrheit zu sagen, alle zerhackt sind und doch ihre Glieder irgendwie zusammenhalten. Außerdem haben sie Schweinegesichter, deren Augen fahrlässig über die Ohren wandern. Ein begeisterter Kunstliebhaber bot dem Künstler 20 000 Franken für dieses Meisterwerk. Herr Picasso wollte mehr. Der Kunstliebhaber bestand nicht darauf.

Picasso bezeichnete seinen einzigen Eintrag im Salon d'Antin als sein Bordell-Gemälde und nannte es Le Bordel d'Avignon, aber André Salmon, der das Werk ursprünglich als Le Bordel Philosophique bezeichnet hatte, nannte es Les Demoiselles d'Avignon , um seinen Skandal zu mildern Auswirkungen auf die Öffentlichkeit. Picasso mochte den Titel jedoch nie und zog "las chicas de Avignon" vor, aber der Titel von Salmon blieb. Leo Steinberg beschriftet seine Essays auf dem Gemälde nach dem Originaltitel. Laut Suzanne Preston Blier bezieht sich das Wort bordel im Titel des Gemäldes eher auf ein Haus der Prostitution ( une maison close ) als vielmehr auf Französisch auf eine komplexe Situation oder ein Durcheinander. Dieses Gemälde, sagt Blier, erforscht nicht die Prostitution an sich, sondern allgemeiner Sex und Mutterschaft, zusammen mit der Komplexität der Evolution in der kolonialen multirassischen Welt. Der Name Avignon, argumentieren Gelehrte, bezieht sich nicht nur auf die Straße, in der Picasso einst seine Malutensilien kaufte (in der es einige Bordelle gab), sondern auch auf das Haus von Max Jacobs Großmutter, die Picasso scherzhaft als eines der verschiedenen modernen Themen des Gemäldes identifiziert.

Das einzige andere Mal, dass das Gemälde vor einer Ausstellung in New York 1937 der Öffentlichkeit präsentiert wurde, war 1918 in einer Picasso und Matisse gewidmeten Ausstellung in der Galerie Paul Guillaume in Paris, obwohl nur sehr wenige Informationen über diese Ausstellung oder die Anwesenheit (wenn überhaupt) von Les Demoiselles .

Danach wurde das Gemälde zusammengerollt und blieb bis 1924 bei Picasso, als er es auf Drängen und Hilfe von Breton und Louis Aragon (1897–1982) für 25 000 Francs an den Designer Jacques Doucet (1853–1929) verkaufte.

Interpretation

Pablo Picasso, Kopf einer schlafenden Frau (Study for Nude with Drapery) , 1907, Öl auf Leinwand, 61,4 × 47,6 cm, The Museum of Modern Art , New York

Picasso hat jede der Figuren in Les Demoiselles anders gezeichnet . Die den Vorhang ziehende Frau oben rechts ist mit kräftiger Farbe wiedergegeben. Ihr Kopf besteht aus scharfen geometrischen Formen und ist der strengste kubistische aller fünf. Der Vorhang scheint sich teilweise in ihren Körper einzufügen. Der kubistische Kopf der kauernden Figur (unten rechts) wurde mindestens zweimal von einer iberischen Figur in seinen heutigen Zustand überführt. Sie scheint auch aus zwei verschiedenen Perspektiven gleichzeitig gezeichnet worden zu sein, wodurch eine verwirrende, verdrehte Figur entsteht. Die Frau über ihr ist eher männlich, mit dunklem Gesicht und eckiger Brust. Das ganze Bild ist in einem zweidimensionalen Stil gehalten, mit einer verlassenen Perspektive.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon , Detail der Figur oben rechts

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon , Detail der Figur rechts unten

Pablo Picasso, Nu aux bras levés (Akt), 1907

Pablo Picasso, 1907, Nu à la serviette , Öl auf Leinwand, 116 x 89 cm

Pablo Picasso, 1907, Femme nue , Öl auf Leinwand, 92 x 43 cm, Museo delle Culture, Milano

Ein Großteil der im Laufe der Jahre geführten kritischen Debatte konzentriert sich auf den Versuch, dieser Vielfalt von Stilen innerhalb des Werks Rechnung zu tragen. Das vorherrschende Verständnis für über fünf Jahrzehnte, das vor allem von Alfred Barr , dem ersten Direktor des Museum of Modern Art in New York City und Organisator großer Karriere-Retrospektiven des Künstlers, vertreten wurde, war, dass es als Beweis für einen Übergang interpretiert werden kann Periode in Picassos Kunst, ein Versuch, seine früheren Arbeiten mit dem Kubismus zu verbinden, dem Stil, den er in den nächsten fünf oder sechs Jahren erfinden und weiterentwickeln sollte. Suzanne Preston Blier sagt, dass die unterschiedlichen Stile des Gemäldes absichtlich hinzugefügt wurden, um jeder Frau künstlerische „Stil“-Attribute aus den fünf geografischen Gebieten zu vermitteln, die jede Frau repräsentiert.

Der Kunstkritiker John Berger interpretiert Les Demoiselles d'Avignon in seiner umstrittenen Biografie The Success and Failure of Picasso von 1965 als die Provokation, die zum Kubismus führte:

Abgestumpft durch die Frechheit so vieler neuerer Kunst neigen wir wahrscheinlich dazu, die Brutalität der Les Demoiselles d'Avignon zu unterschätzen. Alle seine Freunde, die es in seinem Atelier sahen, waren zunächst schockiert. Und es sollte schockieren…

Ein Bordell an sich mag nicht schockierend sein. Aber Frauen malten ohne Charme und Traurigkeit, ohne Ironie oder gesellschaftlichen Kommentar, Frauen malten wie die Palisaden eines Palisaden mit Augen, die wie in den Tod blicken – das ist schockierend. Und ebenso die Malweise. Picasso selbst hat gesagt, dass er zu dieser Zeit von der archaischen spanischen (iberischen) Skulptur beeinflusst wurde. Er wurde auch – besonders in den beiden Köpfen rechts – von afrikanischen Masken beeinflusst … hier scheinen Picassos Zitate einfach, direkt und emotional zu sein. Formale Probleme interessieren ihn nicht im Geringsten. Die Versetzungen in diesem Bild sind das Ergebnis von Aggression, nicht von Ästhetik; es ist das nächste, was man in einem Gemälde einer Empörung erreichen kann…

Ich betone den gewalttätigen und ikonoklastischen Aspekt dieses Gemäldes, weil es normalerweise als die große formale Übung verehrt wird, die der Ausgangspunkt des Kubismus war. Es war der Ausgangspunkt des Kubismus, insofern er Braque dazu veranlasste, Ende des Jahres seine eigene, viel formalere Antwort auf Les Demoiselles d'Avignon zu malen… haben Picasso zum Kubismus geführt oder zu einer ihm auch nur entfernt ähnlichen Malweise ... Es hat nichts mit dieser Zukunftsvision des 20. Jahrhunderts zu tun, die die Essenz des Kubismus war.

Dennoch provozierte sie den Beginn der großen Ausnahmeperiode in Picassos Leben. Niemand kann genau wissen, wie der Wandel in Picasso begann. Wir können nur die Ergebnisse notieren. Les Demoiselles d'Avignon bietet im Gegensatz zu allen früheren Gemälden von Picasso keine Beweise für Können. Im Gegenteil, es ist ungeschickt, überarbeitet, unfertig. Es ist, als ob seine Wut beim Malen so groß war, dass es seine Gaben zerstörte…

Durch das Malen von Les Demoiselles d'Avignon provozierte Picasso den Kubismus. Es war der spontane und wie immer primitive Aufstand, aus dem sich aus guten historischen Gründen die Revolution des Kubismus entwickelte.

Der Kunstkritiker Leo Steinberg postulierte 1972 in seinem Essay The Philosophical Bordell eine ganz andere Erklärung für die Vielfalt stilistischer Attribute. Unter Verwendung der früheren Skizzen – die von den meisten Kritikern ignoriert wurden – argumentierte er, dass die Vielfalt der Stile keineswegs als Beweis für eine schnelle stilistische Metamorphose eines Künstlers gelesen werden kann, sondern als ein bewusster Versuch, ein sorgfältiger Plan, den Blick der Zuschauer. Er stellt fest, dass die fünf Frauen alle auf unheimliche Weise unverbunden wirken, sich tatsächlich überhaupt nicht bewusst sind. Vielmehr konzentrieren sie sich allein auf den Betrachter, ihre divergenten Stile fördern nur die Intensität ihrer Blendung.

Die frühesten Skizzen zeigen zwei Männer im Bordell; ein Seemann und ein Medizinstudent (der oft mit einem Buch oder einem Schädel dargestellt wurde, was Barr und andere veranlasste, das Gemälde als Memento Mori , eine Erinnerung an den Tod, zu lesen ). Eine Spur ihrer Anwesenheit an einem Tisch in der Mitte bleibt: die überstehende Tischkante am unteren Rand der Leinwand. Der Betrachter, sagt Steinberg, ist gekommen, um die sitzenden Männer zu ersetzen, die gezwungen sind, sich den Blicken der Prostituierten frontal zu stellen, und beruft sich auf weitaus komplexere Lesarten als eine einfache Allegorie oder die autobiografische Lesart, die versucht, das Werk in Bezug auf Picassos eigene Geschichte zu verstehen Frauen. Dann wird eine Welt der Bedeutungen möglich, die das Werk als Meditation über die Gefahr von Sex, das "Trauma des Blicks" (um einen Ausdruck der Erfindung von Rosalind Krauss zu verwenden ) und die der Szene innewohnende Gewaltandrohung andeuten sexuelle Beziehungen im Allgemeinen.

Der umgekehrte Blick, also der direkte Blick der Figuren auf den Betrachter, lässt sich nach Steinberg ebenso zurückverfolgen wie die Idee der selbstbesessenen Frau, die nicht mehr nur zum Vergnügen des männlichen Blicks da ist zu Manet ‚s Olympia von 1863. William Rubin den ehemaligen Direktor der Abteilung für Malerei und Bildhauerei an (1927-2006), MoMA schrieb , dass‚Steinberg der erste Schriftsteller , um sich mit dem sexuellen Gegenstand der Demoiselles zu kommen war.‘

Einige Jahre nach dem Schreiben von The Philosophical Bordell schrieb Steinberg weiter über den revolutionären Charakter von Les Demoiselles :

Picasso war entschlossen, die Kontinuität von Form und Feld aufzuheben, die die westliche Kunst so lange selbstverständlich hielt. Der berühmte stilistische Bruch rechts entpuppte sich nur als Vollendung. Über Nacht wurden die erfundenen Zusammenhänge der gegenständlichen Kunst - die vorgetäuschten Einheiten von Zeit und Ort, die stilistischen Konsistenzen - für fiktiv erklärt. Die Demoiselles bekannte sich zu einem Bild, das in Dauer konzipiert und in Krämpfen geliefert wurde. In dieser einen Arbeit entdeckte Picasso, dass die Anforderungen der Diskontinuität auf mehreren Ebenen erfüllt werden können: durch das Aufspalten von abgebildetem Fleisch; durch Elision von Gliedmaßen und Abkürzung; durch Zerschneiden des Netzes des Verbindungsraums; durch abrupte Änderungen des Blickwinkels; und durch einen plötzlichen stilistischen Wechsel zum Höhepunkt. Schließlich verstärkte das eindringliche Stakkato der Präsentation die Ansprache und die symbolische Aufladung des Bildes: Der Betrachter wird von allen Seiten anvisiert, statt einen Raum voller fauler Huren zu beobachten. Weit davon entfernt, das Subjekt zu verdrängen, steigert die Organisationsform ihre eklatante Erotik.

Am Ende des ersten Bandes seiner (bisher) dreibändigen Picasso-Biographie: A Life Of Picasso. The Prodigy, 1881-1906, John Richardson kommentiert Les Demoiselles. Richardson sagt:

An dieser Stelle, Anfang 1907, schlage ich vor, diesen ersten Band zu beenden. Der 25-jährige Picasso ist dabei, ein Quintett dionysischer Demoiselles auf seine riesige neue Leinwand zu zaubern . Die Ausführung dieses Gemäldes würde einen dramatischen Höhepunkt dieser Seiten darstellen. Es würde jedoch implizieren, dass Picassos großes revolutionäres Werk einen Abschluss des Vorangegangenen darstellt. Es tut nicht. Obwohl die Demoiselles in Picassos Vergangenheit verwurzelt ist, ganz zu schweigen von Vorläufern wie den Iberern der Eisenzeit , El Greco , Gauguin und Cézanne , ist es im Wesentlichen ein Anfang: das innovativste Gemälde seit Giotto . Wie wir im nächsten Band sehen werden, etablierte es eine neue Bildsyntax; es ermöglichte den Menschen, Dinge mit neuen Augen, neuem Verstand und neuem Bewusstsein wahrzunehmen. Les Demoiselles d'Avignon ist das erste eindeutige Meisterwerk des 20. Jahrhunderts, ein Hauptzünder der modernen Bewegung, der Eckpfeiler der Kunst des 20. Jahrhunderts . Für Picasso wäre es auch ein Übergangsritus: was er einen Exorzismus nannte.' Es machte den Weg frei für den Kubismus. Es verbannte auch die Dämonen des Künstlers. Später würden diese Dämonen zurückkehren und weiteren Exorzismus erfordern. Für das nächste Jahrzehnt würde sich Picasso jedoch so frei und kreativ fühlen und „so überarbeitet“ wie Gott.

Suzanne Preston Blier thematisiert die Geschichte und Bedeutung von Les Demoiselles d'Avignon in einem Buch aus dem Jahr 2019 auf andere Weise, das sich auf ihre afrikanische Kunstkompetenz und eine Reihe neu entdeckter Quellen stützt, die sie ausgegraben hat. Blier thematisiert das Gemälde nicht als einfache Bordellszene, sondern als Picassos Interpretation der Vielfalt von Frauen aus der ganzen Welt, die Picasso zum Teil durch Fotografien und Skulpturen in Bildbänden begegnet ist. Diese Darstellungen, argumentiert Blier, sind von zentraler Bedeutung für das Verständnis der Entstehung des Gemäldes und helfen, die Demoisellen als globale Figuren zu identifizieren – Mütter, Großmütter, Liebende und Schwestern, die die koloniale Welt leben, die Picasso bewohnte. Sie sagt, dass Picasso diese unterschiedlichen Frauen in dieser seltsamen höhlenartigen (und Gebärmutter-ähnlichen) Umgebung als eine Art globale "Zeitmaschine" wieder vereint hat – jede Frau bezieht sich auf eine andere Epoche, einen anderen Ursprungsort und einen begleitenden künstlerischen Stil, als Teil der breiteren Zeitalter der Menschheit, die für das neue Jahrhundert von Bedeutung waren, in dem Kernthemen der Evolution eine immer wichtigere Rolle spielten. Die beiden Männer (ein Seemann und ein Arzt), die in einigen der früheren vorbereitenden Zeichnungen des Gemäldes dargestellt sind, vermuten Blier, stellen wahrscheinlich die männlichen Autoren von zwei der illustrierten Bücher dar, die Picasso beschäftigte – den Anthropologen Leo Frobenius als Seemann, zu dem einer die Welt bereist . Erkunden Sie verschiedene Anlaufstellen und den Wiener Arzt Karl Heinrich Stratz, der einen menschlichen Schädel oder ein Buch hält, das mit seinen detaillierten anatomischen Studien übereinstimmt.

Blier kann das Gemälde auf Ende März 1907 datieren, direkt nach der Eröffnung des Salon des Independents, wo Matisse und Derain ihre eigenen kühnen, emotional aufgeladenen "Ursprungs"-Themen-Tableaus ausgestellt hatten. Der große Maßstab der Leinwand, sagt Blier, ergänzt das wichtige wissenschaftliche und historische Thema. Die Wiedervereinigung der Mütter jeder „Rasse“ innerhalb dieses menschlichen evolutionären Rahmens, behauptet Blier, stellt auch die größere „Philosophie“ hinter dem ursprünglichen Titel des Gemäldes le bordel philosophique dar – er beschwört das starke „Durcheinander“ und die „komplexe Situation“ ( le bordel ) die Picasso in dieser Arbeit erforschte. Im Gegensatz zu Leo Steinberg und William Rubin, die argumentierten, Picasso habe die beiden rechten Demoisellen ausgelöscht, um ihre Gesichter mit afrikanischen Masken neu zu bemalen, als Reaktion auf eine Krise, die aus größeren Ängsten vor dem Tod oder Frauen resultierte, eine frühe Fotografie des Gemäldes in Picassos Atelier, Blier zeigt, weist darauf hin, dass die Künstlerin diesen Frauen von Anfang an afrikanische Masken porträtiert hatte, die ihrer Identität als Vorfahren dieser Rassen entsprachen. Blier argumentiert, dass das Gemälde nach einer Debatte über Philosophie mit Freunden in einer lokalen Pariser Brasserie in einer einzigen Nacht weitgehend fertiggestellt wurde.

Kaufen

Jacques Doucets Hôtel Particulier, 33 rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, 1929 Foto Pierre Legrain

Jacques Doucet hatte das Gemälde im Salon d'Antin gesehen, scheint aber bemerkenswerterweise Les Demoiselles gekauft zu haben, ohne Picasso zu bitten, es in seinem Atelier auszurollen, damit er es wieder sehen kann. André Breton beschrieb später die Transaktion:

Ich erinnere mich an den Tag, an dem er das Gemälde von Picasso kaufte, der seltsamerweise von Doucet eingeschüchtert wirkte und selbst bei einem Preis von 25 000 Franken keinen Widerstand leistete: "Nun, es ist vereinbart, M. Picasso." Doucet sagte dann: "Sie erhalten ab nächsten Monat 2000 Franken pro Monat, bis die Summe von 25000 Franken erreicht ist.

John Richardson zitiert Breton in einem Brief an Doucet über Les Demoiselles :

durch sie dringt man direkt in den Kern von Picassos Laboratorium ein und weil es der Kern des Dramas ist, das Zentrum aller Konflikte, die Picasso verursacht hat und die für immer andauern werden....Es ist ein Werk, das meiner Meinung nach übertrifft Malerei; Es ist das Theater von allem, was in den letzten 50 Jahren passiert ist.

Letztendlich scheint Doucet statt des vereinbarten Preises 30'000 Franken bezahlt zu haben. Wenige Monate nach dem Kauf ließ Doucet das Gemälde auf 250 000 bis 300 000 Francs schätzen. Richardson spekuliert, dass Picasso, der 1924 an der Spitze der Kunstwelt stand und das Gemälde nicht an Doucet verkaufen musste, dies tat und zu diesem niedrigen Preis, weil Doucet versprach, dass Les Demoiselles in seinem Testament in den Louvre gehen würde . Nachdem Doucet 1929 jedoch gestorben war, hinterließ er das Gemälde nicht in seinem Testament dem Louvre, und es wurde wie die meisten von Doucets Sammlung über private Händler verkauft.

Im November 1937 veranstaltete die Kunstgalerie Jacques Seligman & Co. in New York City eine Ausstellung mit dem Titel "20 Years in the Evolution of Picasso, 1903-1923", die Les Demoiselles umfasste . Das Museum of Modern Art erwarb das Gemälde für 24.000 US-Dollar. Das Museum sammelte 18.000 US-Dollar für den Kaufpreis durch den Verkauf eines Degas- Gemäldes und der Rest stammte aus Spenden der Miteigentümer der Galerie Germain Seligman und Cesar de Hauke.

Das Museum of Modern Art in New York City veranstaltete am 15. November 1939 eine bedeutende Picasso-Ausstellung, die bis zum 7. Januar 1940 zu sehen war. Die Ausstellung mit dem Titel Picasso: 40 Years of His Art wurde von Alfred H. Barr (1902–1981 .) organisiert ), in Zusammenarbeit mit dem Art Institute of Chicago . Die Ausstellung umfasste 344 Werke, darunter die große und dann neu gemalte Guernica und ihre Studien sowie Les Demoiselles.

Erbe

Im Juli 2007 veröffentlichte Newsweek einen zweiseitigen Artikel über Les Demoiselles d'Avignon, in dem es als "einflussreichstes Kunstwerk der letzten 100 Jahre" bezeichnet wird. Der Kunstkritiker Holland Cotter argumentierte, dass Picasso "mit diesem Werk die Geschichte verändert hat. Er hatte das gütige Ideal des klassischen Aktes durch eine neue Rasse sexuell bewaffneter und gefährlicher Wesen ersetzt."

Das Gemälde ist prominent in der Saison 2018 der Fernsehserie Genius zu sehen, die sich auf Picassos Leben und Werk konzentriert.

Malmaterialien

Im Jahr 2003 bestätigte eine Untersuchung des Gemäldes durch Röntgenfluoreszenzspektroskopie durch Restauratoren des Museum of Modern Art das Vorhandensein der folgenden Pigmente: Bleiweiß , Knochenschwarz , Zinnoberrot , Cadmiumgelb , Kobaltblau , Smaragdgrün und Native Erdpigmente (wie brauner Ocker ), die Eisen enthalten.

Anmerkungen

Verweise

Externe Links

• Les Demoiselles d'Avignon in der MoMA Online Collection
• Les Demoiselles d'Avignon konservieren ein modernes Meisterwerk
• Julia Frey, Anatomy of a Masterpiece, New York Times Rezension zu Les Demoiselles d'Avignon von William Rubin, Helene Seckel und Judith Cousins
• Gelett Burgess, The Wild Men of Paris, Matisse, Picasso und Les Fauves, 1910 (PDF)
• Pablo Picasso, 1907, Five Nudes (Study for "Les Demoiselles d'Avignon") , Aquarell auf Velin, 17,5 x 22,5 cm, Philadelphia Museum of Art