Marcel Duchamp- Marcel Duchamp

Marcel Duchamp
Man Ray, 1920-21, Porträt von Marcel Duchamp, Silbergelatineabzug, Yale University Art Gallery.jpg
Porträt von Marcel Duchamp , 1920-21
von Man Ray , Yale University Art Gallery
Geboren
Henri-Robert-Marcel Duchamp

( 1887-07-28 )28. Juli 1887
Blainville-Crevon , Frankreich
Ist gestorben 2. Oktober 1968 (1968-10-02)(81 Jahre)
Neuilly-sur-Seine , Frankreich
Staatsangehörigkeit Französisch
Bekannt für Malerei, Skulptur, Film
Bemerkenswerte Arbeit
Nackt, eine Treppe herabsteigend, Nr. 2 (1912)
Brunnen (1917)
Die Braut, die von ihren Junggesellen nackt ausgezogen wurde , sogar (1915-1923)
LHOOQ (1919)
Étant donnés (1946-1966)
Bewegung Kubismus , Dada , Konzeptkunst
Ehepartner Lydie Sarazin-Lavassor (1927–1928, geschieden)
Alexina „Teeny“ Sattler (1954–1968, sein Tod)
Partner Mary Reynolds (1929–1946)
Maria Martins (1946–1951)

Henri-Robert-Marcel Duchamp ( UK : / dj Û ʃ ɒ / , US : / dj Û ʃ ɒ , dj Û ʃ ɑ m p / , Französisch:  [maʁsɛl dyʃɑ] ; 28. Juli 1887 - 2. Oktober 1968) war ein französischer Maler, Bildhauer, Schachspieler und Schriftsteller, dessen Werk mit Kubismus , Dada und Konzeptkunst in Verbindung gebracht wird . Duchamp gilt neben Pablo Picasso und Henri Matisse als einer der drei Künstler, die die revolutionären Entwicklungen in der bildenden Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20. Duchamp hatte einen immensen Einfluss auf die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts und er hatte einen wegweisenden Einfluss auf die Entwicklung der Konzeptkunst. Bis zum Ersten Weltkrieg hatte er die Arbeit vieler seiner Künstlerkollegen (wie Henri Matisse) als „ Netzhaut-Kunst abgelehnt , die nur dem Auge gefallen sollte. Stattdessen wollte Duchamp die Kunst nutzen, um dem Verstand zu dienen .

Frühes Leben und Ausbildung

Drei Duchamp-Brüder, von links nach rechts: Marcel Duchamp, Jacques Villon und Raymond Duchamp-Villon im Garten von Jacques Villons Atelier in Puteaux, Frankreich, 1914 ( Sammlungen der Smithsonian Institution )

Marcel Duchamp wurde in Blainville-Crevon in der Normandie, Frankreich, als Sohn von Eugène Duchamp und Lucie Duchamp (geb. Nicolle) geboren und wuchs in einer kulturell interessierten Familie auf. Die Kunst des Malers und Graveurs Émile Frédéric Nicolle, seines Großvaters mütterlicherseits, erfüllte das Haus, und die Familie spielte gerne Schach, las Bücher, malte und musizierte zusammen.

Von den sieben Kindern von Eugene und Lucie Duchamp starb eines als Kleinkind und vier wurden erfolgreiche Künstler. Marcel Duchamp war der Bruder von:

Als Kind, mit seinen beiden älteren Brüdern bereits außer Haus in der Schule in Rouen , war Duchamp seiner Schwester Suzanne näher, die eine willige Komplizin bei Spielen und Aktivitäten war, die von seiner fruchtbaren Fantasie beschworen wurden. Im Alter von acht Jahren trat Duchamp in die Fußstapfen seiner Brüder, als er sein Zuhause verließ und seine Ausbildung am Lycée Pierre-Corneille in Rouen begann. Zwei weitere Schüler seiner Klasse wurden ebenfalls zu bekannten Künstlern und bleibenden Freunden: Robert Antoine Pinchon und Pierre Dumont . Für die nächsten acht Jahre war er in einem Bildungssystem gefangen, das sich auf die intellektuelle Entwicklung konzentrierte. Obwohl er kein herausragender Schüler war, war sein bestes Fach Mathematik und er gewann zwei Mathematikpreise an der Schule. 1903 gewann er auch einen Preis für Zeichnen, und bei seinem Amtsantritt 1904 gewann er den begehrten ersten Preis, was seine jüngste Entscheidung, Künstler zu werden, bestätigte.

Er lernte das akademische Zeichnen von einem Lehrer, der erfolglos versuchte, seine Schüler vor Impressionismus , Post-Impressionismus und anderen avantgardistischen Einflüssen zu "schützen" . Der wahre künstlerische Mentor Duchamps war jedoch zu dieser Zeit sein Bruder Jacques Villon, dessen fließender und prägnanter Stil er nachzuahmen suchte. Mit 14 Jahren waren seine ersten ernsthaften künstlerischen Versuche Zeichnungen und Aquarelle, die seine Schwester Suzanne in verschiedenen Posen und Aktivitäten zeigten. In diesem Sommer malte er auch Landschaften im impressionistischen Stil mit Öl.

Frühe Arbeit

Duchamps frühe Kunstwerke stimmen mit postimpressionistischen Stilen überein. Er experimentierte mit klassischen Techniken und Themen. Als er später gefragt wurde, was ihn damals beeinflusst habe, zitierte Duchamp das Werk des symbolistischen Malers Odilon Redon , dessen Zugang zur Kunst nicht äußerlich antiakademisch, sondern stillschweigend individuell sei.

Marcel Duchamp, Nude (Study), Sad Young Man on a Train (Nu [esquisse], jeune homme triste dans un train) , 1911–12, Öl auf Karton auf Hartfaserplatte, 100 x 73 cm (39 3/8 × 28 3/4 Zoll), Peggy Guggenheim Collection , Venedig. Dieses Gemälde wurde vom Künstler als Selbstporträt identifiziert. Duchamps Hauptanliegen in diesem Gemälde ist die Darstellung von zwei Sätzen; die des Zuges, in dem ein junger Mann raucht, und die der schlingernden Gestalt selbst.

Er studierte von 1904 bis 1905 Kunst an der Académie Julian , spielte aber lieber Billard als den Unterricht zu besuchen. Während dieser Zeit zeichnete und verkaufte Duchamp Cartoons, die seinen rabiaten Humor widerspiegelten. Viele der Zeichnungen verwenden verbale Wortspiele (manchmal über mehrere Sprachen), visuelle Wortspiele oder beides. Ein solches Spiel mit Worten und Symbolen beschäftigte seine Fantasie für den Rest seines Lebens.

1905 trat er seine Wehrpflicht beim 39. Infanterieregiment an und arbeitete für eine Druckerei in Rouen. Dort lernte er Typografie und Druckverfahren – Fähigkeiten, die er in seinem späteren Werk anwenden sollte.

Aufgrund der Mitgliedschaft seines ältesten Bruders Jacques in der renommierten Académie royale de peinture et de sculpture wurden Duchamps Arbeiten 1908 im Salon d'Automne und im folgenden Jahr im Salon des Indépendants ausgestellt . Fauves und Paul Cézanne ‚s Proto-Kubismus beeinflusst seine Bilder, obwohl die Kritiker Guillaume Apollinaire -Wer schließlich ein Freund kritisiert zu werden , war das, was er‚Duchamps sehr hässlich Akte‘(‚les nus très vilains de Duchamp‘) genannt. Duchamp freundete sich auch lebenslang mit dem überschwänglichen Künstler Francis Picabia an, nachdem er ihn 1911 auf dem Salon d'Automne getroffen hatte, und Picabia führte ihn in einen Lebensstil mit schnellen Autos und "hohem" Leben ein.

1911 veranstalteten die Brüder in Jacques' Haus in Puteaux eine regelmäßige Diskussionsrunde mit kubistischen Künstlern wie Picabia, Robert Delaunay , Fernand Léger , Roger de La Fresnaye , Albert Gleizes , Jean Metzinger , Juan Gris und Alexander Archipenko . Auch Dichter und Schriftsteller nahmen daran teil. Die Gruppe wurde als Puteaux-Gruppe oder Section d'Or bekannt . Desinteressiert an der Ernsthaftigkeit der Kubisten oder an ihrem Fokus auf visuelle Angelegenheiten, beteiligte sich Duchamp nicht an Diskussionen über die kubistische Theorie und machte sich den Ruf einer Schüchternheit zu verschaffen. Im selben Jahr malte er jedoch im kubistischen Stil und fügte durch die Verwendung sich wiederholender Bilder einen Eindruck von Bewegung hinzu.

In dieser Zeit manifestierte sich Duchamps Faszination für Übergang, Veränderung, Bewegung und Distanz, und wie viele Künstler dieser Zeit war er von dem Konzept der Darstellung der vierten Dimension in der Kunst fasziniert . Sein Gemälde Trauriger junger Mann im Zug verkörpert dieses Anliegen:

Da ist zuerst die Vorstellung von der Bewegung des Zuges und dann die des traurigen jungen Mannes, der in einem Korridor steht und sich bewegt; somit gibt es zwei parallele Bewegungen, die einander entsprechen. Dann ist da noch die Verzerrung des jungen Mannes – ich hatte das elementare Parallelität genannt . Es war eine formale Zersetzung; dh lineare Elemente, die wie Parallelen aufeinander folgen und das Objekt verzerren. Das Objekt ist vollständig gestreckt, wie elastisch. Die Linien folgen parallel aufeinander, während sie sich subtil ändern, um die Bewegung oder die Form des betreffenden jungen Mannes zu bilden. Ich habe dieses Verfahren auch in der Akte beim Absteigen einer Treppe verwendet .

In seinem 1911 entstandenen Portrait of Chess Players ( Portrait de joueurs d'échecs ) gibt es die kubistischen überlappenden Rahmen und mehrere Perspektiven seiner beiden Brüder beim Schachspielen, aber zu diesem fügte Duchamp Elemente hinzu, die die unsichtbare geistige Aktivität der Spieler vermitteln.

Zu den Arbeiten aus dieser Zeit gehörte auch sein erstes "Maschinen"-Gemälde, Kaffeemühle (Moulin à café) (1911), das er seinem Bruder Raymond Duchamp-Villon schenkte. Die spätere, eher figurative Maschinenmalerei von 1914, "Chocolate Grinder" ( Broyeuse de chocolat ), gibt den Mechanismus vorweg , der in das Große Glas eingebaut ist, an dem er im folgenden Jahr in New York zu arbeiten begann.

Marcel Duchamp. Nackt eine Treppe herabsteigend, Nr. 2 (1912). Öl auf Leinwand. 57 7/8" x 35 1/8". Philadelphia-Kunstmuseum .

Nackt eine Treppe herabsteigend, Nr. 2

Duchamps erste Arbeit, die bedeutende Kontroversen hervorrief, war Nude Descending a Staircase, No. 2 (Nu descendant un escalier n° 2) (1912). Das Gemälde zeigt die mechanistische Bewegung eines Aktes mit überlagerten Facetten, ähnlich wie in Filmen. Es zeigt Elemente sowohl der Fragmentierung und Synthese der Kubisten als auch der Bewegung und Dynamik der Futuristen .

Er reichte das Werk zunächst für den kubistischen Salon des Indépendants ein , aber Albert Gleizes (laut Duchamp in einem Interview mit Pierre Cabanne, S. 31) bat die Brüder von Duchamp, das Gemälde freiwillig zurückzuziehen oder den Titel zu übermalen er hatte das Werk aufgemalt und es in etwas anderes umbenannt. Duchamps Brüder traten mit Gleizes' Bitte an ihn heran, aber Duchamp lehnte leise ab. Im Salon des Indépendants gab es jedoch keine Jury und Gleizes war nicht in der Lage, das Gemälde abzulehnen. Die Kontroverse, so der Kunsthistoriker Peter Brooke, war nicht, ob das Werk aufgehängt werden sollte oder nicht, sondern ob es mit der kubistischen Gruppe aufgehängt werden sollte.

An den Vorfall erinnerte sich Duchamp später: „Ich habe meinen Brüdern nichts gesagt. Aber ich bin sofort zur Ausstellung gefahren und habe mein Gemälde in einem Taxi nach Hause gebracht. Es war wirklich ein Wendepunkt in meinem Leben, das kann ich Ihnen versichern würde mich danach nicht mehr für Gruppen interessieren." Duchamp tauchte jedoch in den Illustrationen zu Du "Cubisme" auf , er nahm am La Maison Cubiste (kubistisches Haus) teil , das vom Designer André Mare für den Salon d'Automne von 1912 (einige Monate nach den Indépendants) organisiert wurde; er unterschrieb die Einladung der Sektion d'Or und nahm im Herbst 1912 an der Ausstellung der Sektion d'Or teil. Der Eindruck ist, schreibt Brooke: "Gerade weil er Teil der Gruppe bleiben wollte, zog er das Gemälde zurück; und dass er, weit davon entfernt, von der Gruppe schlecht behandelt zu werden, eine eher privilegierte Position erhielt, wahrscheinlich durch die Schirmherrschaft von Picabia".

Das Gemälde wurde zum ersten Mal in den Galeries Dalmau , Exposició d'Art Cubista , Barcelona, ​​1912 ausgestellt; Die erste Ausstellung des Kubismus in Spanien Duchamp reichte das Gemälde später bei der „ Armory Show “ 1913 in New York City ein. Neben der Ausstellung von Werken amerikanischer Künstler war diese Ausstellung die erste große Ausstellung moderner Trends aus Paris, die experimentelle Stile der europäischen Avantgarde umfasste , darunter Fauvismus, Kubismus und Futurismus . Amerikanische Showbesucher, die an realistische Kunst gewöhnt waren, waren skandalös, und der Akt stand im Mittelpunkt vieler Kontroversen.

Die "Netzhautkunst" hinter sich lassen

Ungefähr zu dieser Zeit las Duchamp Max Stirners philosophisches Traktat Das Ich und sein Eigenes , die Studie, die er als einen weiteren Wendepunkt in seiner künstlerischen und intellektuellen Entwicklung betrachtete. Er nannte es "ein bemerkenswertes Buch ... das keine formalen Theorien vertritt, sondern nur immer wieder sagt, dass das Ego in allem immer da ist".

1912 malte er in München das letzte seiner kubistisch anmutenden Gemälde. Er startete The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even Image, und begann Pläne für The Large Glass zu schmieden – und kritzelte sich kurze Notizen, manchmal mit hastigen Skizzen. Es sollte mehr als zehn Jahre dauern, bis dieses Stück fertiggestellt war. Nicht viel ist bekannt über den zweimonatigen Aufenthalt in München , außer dass der Freund besuchte er war darauf bedacht , ihm die Sehenswürdigkeiten zu zeigen und das Nachtleben, und dass er durch die Arbeiten des sechzehnten Jahrhundert deutschen Malers beeinflusst Lucas Cranach der Ältere in München berühmte Alte Pinakothek , bekannt für ihre Gemälde alter Meister. Duchamp erinnerte sich, dass er täglich den kurzen Spaziergang machte, um dieses Museum zu besuchen. Duchamp-Gelehrte haben in Cranach seit langem die gedeckte ocker-braune Farbpalette erkannt, die Duchamp später einsetzte.

Im selben Jahr besuchte Duchamp auch eine Aufführung einer Bühnenadaption von Raymond Roussels Roman Impressions d'Afrique aus dem Jahr 1910, in der es um sich selbst drehende Handlungen, Wortspiele, surrealistische Kulissen und humanoide Maschinen ging. Er schrieb dem Drama zu, seine Herangehensweise an die Kunst radikal verändert zu haben und ihn dazu inspiriert zu haben, mit der Kreation von The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even , auch bekannt als The Large Glass, zu beginnen . Die Arbeit an The Large Glass wurde 1913 mit seiner Erfindung, ein Repertoire an Formen zu erfinden, fortgesetzt. Er machte sich Notizen, Skizzen, malte Studien und malte sogar einige seiner Ideen an die Wand seiner Wohnung.

Gegen Ende des Jahres 1912 reiste er mit Picabia, Apollinaire und Gabrielle Buffet-Picabia durch das Juragebirge , ein Abenteuer, das Buffet-Picabia als einen ihrer "Streifzüge der Demoralisierung, die auch Streifzüge des Witzes und der Clownerie waren ... Auflösung des Kunstbegriffs". Duchamps Notizen von der Reise vermeiden Logik und Sinn und haben eine surrealistische, mythische Konnotation.

Duchamp malte nach 1912 nur noch wenige Leinwände, und bei diesen versuchte er, „ malerische “ Effekte zu entfernen und stattdessen einen zeichnerischen Ansatz zu verwenden.

Sein breites Interesse führte ihn in dieser Zeit zu einer Ausstellung über Luftfahrttechnik, woraufhin Duchamp zu seinem Freund Constantin Brâncuși sagte : "Die Malerei ist verwaschen. Wer wird jemals etwas Besseres tun als dieser Propeller? Sagen Sie mir, können Sie das tun?" . Brâncuși formte später Vogelformen . US-Zollbeamte verwechselten sie mit Luftfahrtteilen und versuchten, Einfuhrzölle darauf zu erheben.

1913 zog sich Duchamp aus Malerkreisen zurück und begann als Bibliothekar in der Bibliothèque Sainte-Geneviève zu arbeiten, um seinen Lebensunterhalt verdienen zu können, während er sich auf wissenschaftliche Bereiche konzentrierte und an seinem Großen Glas arbeitete . Er studierte Mathematik und Physik – Bereiche, in denen spannende neue Entdeckungen gemacht wurden. Die theoretischen Schriften von Henri Poincaré faszinierten und inspirierten Duchamp besonders. Poincaré postulierte, dass die Gesetze, von denen angenommen wird, dass sie die Materie regieren, ausschließlich von den Köpfen geschaffen wurden, die sie "verstanden" und dass keine Theorie als "wahr" angesehen werden könne. "Die Dinge selbst sind nicht das, was die Wissenschaft erreichen kann ..., sondern nur die Beziehungen zwischen den Dingen. Außerhalb dieser Beziehungen gibt es keine erkennbare Realität", schrieb Poincaré 1902. Den Einfluss von Poincarés Schriften widerspiegelnd, tolerierte Duchamp jede Interpretation seiner Kunst, indem sie sie als Schöpfung der Person betrachtet, die sie formuliert hat, nicht als Wahrheit.

Duchamps eigene kunstwissenschaftliche Experimente begannen während seiner Amtszeit an der Bibliothek. Um eines seiner Lieblingsstücke, 3 Standard Stoppages ( 3 stoppages étalon ), herzustellen , ließ er drei 1-Meter-Faden nacheinander aus einer Höhe von 1 Meter auf vorbereitete Leinwände fallen. Die Fäden landeten in drei zufälligen wellenförmigen Positionen. Er hat sie auf die blauschwarzen Segeltuchstreifen lackiert und auf Glas geklebt. Dann schnitt er drei Holzlatten in die Formen der gebogenen Saiten und legte alle Teile in eine Krocketschachtel. Auf die "Stopp"-Hintergründe wurden drei kleine Lederschilder mit goldgedrucktem Titel geklebt. Das Stück scheint buchstäblich Poincarés Schule des Fadens zu folgen , die Teil eines Buches über klassische Mechanik ist.

In seinem Atelier montierte er ein Fahrradrad verkehrt herum auf einen Hocker und drehte es gelegentlich, um es zu beobachten. Obwohl oft angenommen wird, dass das Fahrradrad das erste von Duchamps "Readymades" ist , wurde diese spezielle Installation nie für eine Kunstausstellung eingereicht und ging schließlich verloren. Allerdings wurde das Rad zunächst einfach ins Studio gestellt, um Atmosphäre zu schaffen: "Ich habe es genossen, es zu betrachten, genauso wie es mir Spaß macht, die Flammen in einem Kamin zu tanzen."

Fünf-Wege-Porträt von Marcel Duchamp , 21. Juni 1917, New York City

Nach Beginn des Ersten Weltkriegs im August 1914, mit seinen Brüdern und vielen Freunden im Militärdienst und sich selbst (wegen eines Herzgeräusches) freigestellt, fühlte sich Duchamp in Paris unwohl. Unterdessen hatte Nude Descending a Staircase No. 2 die Amerikaner bei der Armory Show skandalös gemacht und dazu beigetragen, den Verkauf aller vier seiner Gemälde in der Ausstellung zu sichern. Um die Reise finanzieren zu können, entschloss sich Duchamp 1915, in die USA auszuwandern. Zu seiner Überraschung fand er 1915 in New York eine Berühmtheit, wo er sich schnell mit der Kunstmäzenin Katherine Dreier und dem Künstler Man . anfreundete Ray . Duchamps Kreis umfasste die Kunstmäzene Louise und Walter Conrad Arensberg , die Schauspielerin und Künstlerin Beatrice Wood und Francis Picabia sowie andere Avantgarde- Figuren. Obwohl er wenig Englisch sprach, lernte er die Sprache schnell, während er sich durch Französischunterricht und einige Bibliotheksarbeiten seinen Lebensunterhalt verdiente. Duchamp wurde Teil einer Künstlerkolonie in Ridgefield, New Jersey , auf der anderen Seite des Hudson River von New York City.

Zwei Jahre lang waren die Arensbergs, die 42 Jahre lang seine Freunde und Gönner bleiben sollten, Vermieter seines Ateliers. Anstelle der Miete vereinbarten sie, dass seine Zahlung The Large Glass sein würde . Eine Kunstgalerie bot Duchamp 10.000 Dollar pro Jahr als Gegenleistung für seine gesamte jährliche Produktion an, aber er lehnte das Angebot ab und zog es vor, seine Arbeit an The Large Glass fortzusetzen .

Société Anonyme

Duchamp gründete 1920 zusammen mit Katherine Dreier und Man Ray die Société Anonyme . Dies war der Beginn seines lebenslangen Engagements im Kunsthandel und -sammeln. Die Gruppe sammelte moderne Kunstwerke und organisierte in den 1930er Jahren Ausstellungen und Vorträge für moderne Kunst.

Zu dieser Zeit suchte Walter Pach , einer der Koordinatoren der Armory Show 1913, Duchamps Rat zur modernen Kunst. Beginnend mit der Société Anonyme war Dreier ebenso wie Arensberg bei der Sammlung ihrer Sammlung auf den Rat Duchamps angewiesen. Später berieten Peggy Guggenheim , Alfred Barr und James Johnson Sweeney, die Direktoren des Museum of Modern Art, Duchamp zu ihren Sammlungen und Ausstellungen moderner Kunst.

Dada

Brunnen 1917, Fotografie von Alfred Stieglitz

Dada oder Dadaismus war eine Kunstrichtung der europäischen Avantgarde im frühen 20. Jahrhundert. Es begann 1916 in Zürich in der Schweiz und breitete sich kurz darauf nach Berlin aus . Um Dona Budds The Language of Art Knowledge zu zitieren ,

Dada wurde aus einer negativen Reaktion auf die Schrecken des Ersten Weltkriegs geboren . Diese internationale Bewegung wurde von einer Gruppe von Künstlern und Dichtern ins Leben gerufen, die mit dem Cabaret Voltaire in Zürich verbunden sind. Dada lehnte Vernunft und Logik ab und schätzte Unsinn, Irrationalität und Intuition. Der Ursprung des Namens Dada ist unklar; einige glauben, dass es ein unsinniges Wort ist. Andere behaupten , dass es von den rumänischen Künstlern Tristan Tzara und Marcel Janco stammt , die häufig die Wörter da , da verwenden , was ja in der rumänischen Sprache bedeutet . Eine andere Theorie besagt, dass der Name "Dada" während eines Treffens der Gruppe entstand, als ein Papiermesser, das in ein französisch-deutsches Wörterbuch gesteckt wurde, zufällig auf "dada" zeigte, ein französisches Wort für "Hobbypferd".

Die Bewegung umfasste vor allem bildende Kunst, Literatur, Poesie, Kunstmanifeste , Kunsttheorie , Theater und Grafikdesign und konzentrierte ihre Antikriegspolitik durch eine Ablehnung der vorherrschenden Standards in der Kunst durch anti- kunstkulturelle Werke. Dada war nicht nur kriegsfeindlich, sondern auch antibürgerlich und hatte politische Affinitäten zur radikalen Linken.

Zu den Dada-Aktivitäten gehörten öffentliche Versammlungen, Demonstrationen und die Veröffentlichung von Kunst-/Literaturzeitschriften; leidenschaftliche Berichterstattung über Kunst, Politik und Kultur waren Themen, die in verschiedenen Medien oft diskutiert wurden. Zu den wichtigsten Figuren des Satzes gehörten neben Duchamp: Hugo Ball , Emmy Hennings , Hans Arp , Raoul Hausmann , Hannah Höch , Johannes Baader , Tristan Tzara , Francis Picabia, Richard Huelsenbeck , Georg Grosz , John Heartfield , Beatrice Wood , Kurt Schwitters und Hans Richter , unter anderem. Die Bewegung beeinflusste spätere Stile, wie die Avantgarde- und Downtown- Musikbewegungen und Gruppen wie Surrealismus , Nouveau Réalisme , Pop-Art und Fluxus .

Dada ist die Grundlage für abstrakte Kunst und Lautpoesie, ein Ausgangspunkt für Performance-Kunst, ein Auftakt zur Postmoderne , ein Einfluss auf die Pop-Art, eine Feier der Antikunst, die später für anarcho-politische Zwecke in den 1960er Jahren und der Bewegung, die lag die Grundlage des Surrealismus.

New York Dada hatte einen weniger ernsten Ton als der des europäischen Dadaismus und war kein besonders organisiertes Unternehmen. Duchamps Freund Francis Picabia schloss sich der Dada-Gruppe in Zürich an und brachte die dadaistischen Ideen von Absurdität und "Anti-Kunst" nach New York. Duchamp und Picabia trafen sich zum ersten Mal im September 1911 auf dem Salon d'Automne in Paris, wo sie beide ausstellten. Duchamp zeigte im Frühjahr 1911 eine größere Version seines Jungen Mannes und Mädchens , ein Werk, das ein edenisches Thema und eine dünn verschleierte Sexualität hatte, die auch in Picabias zeitgenössischem Adam und Eva 1911 zu finden sind. Laut Duchamp begann "unsere Freundschaft genau dort". Fast jede Nacht traf sich eine Gruppe im Hause Arensberg oder zeterte in Greenwich Village . Zusammen mit Man Ray brachte Duchamp seine Ideen und seinen Humor in die New Yorker Aktivitäten ein, von denen viele parallel zur Entwicklung seiner Readymades und The Large Glass liefen .

Das prominenteste Beispiel für Duchamps Verbindung mit Dada war seine Einreichung von Fountain , einem Urinal, bei der Ausstellung der Society of Independent Artists im Jahr 1917. Die Kunstwerke in den Ausstellungen der Independent Artists wurden nicht von der Jury ausgewählt und alle eingereichten Stücke wurden ausgestellt. Das Ausstellungskomitee bestand jedoch darauf, dass Fountain keine Kunst sei, und lehnte es von der Show ab. Dies sorgte für Aufruhr unter den Dadaisten und führte dazu, dass Duchamp aus dem Vorstand der Independent Artists zurücktrat.

Zusammen mit Henri-Pierre Roché und Beatrice Wood veröffentlichte Duchamp mehrere Dada-Magazine in New York – darunter The Blind Man und Rongwrong – die Kunst, Literatur, Humor und Kommentare enthielten.

Als er nach dem Ersten Weltkrieg nach Paris zurückkehrte, nahm Duchamp nicht an der Dada-Gruppe teil.

Fertigprodukte

"Readymades" waren Fundstücke, die Duchamp auswählte und als Kunst präsentierte. 1913 installierte Duchamp in seinem Atelier ein Fahrradrad . Die Idee der Readymades entwickelte sich jedoch erst 1915 vollständig. Die Idee war, den Kunstbegriff und die Kunstverehrung, die Duchamp als "unnötig" empfand, in Frage zu stellen.

Meine Idee war, ein Objekt zu wählen, das mich weder durch seine Schönheit noch durch seine Hässlichkeit anzieht. Um einen Punkt der Gleichgültigkeit in meiner Betrachtung zu finden, sehen Sie.

Bottle Rack (1914), ein von Duchamp signierter Flaschentrockner, gilt als das erste "reine" Readymade. In Advance of the Broken Arm (1915) folgte kurz darauf eine Schneeschaufel, auch Prelude to a Broken Arm genannt . Sein Fountain , ein mit dem Pseudonym "R. Mutt" signiertes Urinal, schockierte 1917 die Kunstwelt. Fountain wurde 2004 von 500 renommierten Künstlern und Historikern zum "einflussreichsten Kunstwerk des 20. Jahrhunderts" gewählt.

Marcel Duchamp, 1919, LHOOQ

1919 parodierte Duchamp die Mona Lisa, indem er eine billige Reproduktion des Gemäldes mit Schnurrbart und Spitzbart schmückte. Dazu fügte er die Inschrift LHOOQ hinzu , ein Lautspiel , das, wenn es auf Französisch laut vorgelesen wird, schnell wie "Elle a chaud au cul" klingt . Dies kann als "Sie hat einen heißen Arsch" übersetzt werden, was bedeutet, dass sich die Frau auf dem Gemälde in einem Zustand sexueller Erregung und Verfügbarkeit befindet. Es könnte auch als Freudscher Witz gedacht gewesen sein, der sich auf die angebliche Homosexualität Leonardo da Vincis bezieht . Duchamp gab in einem späten Interview mit Arturo Schwarz eine "lose" Übersetzung von LHOOQ als "da ist Feuer unten" . Laut Rhonda Roland Shearer ist die scheinbare Mona Lisa- Reproduktion tatsächlich eine Kopie, die teilweise Duchamps eigenem Gesicht nachempfunden ist. Von Shearer veröffentlichte Forschungen spekulieren auch, dass Duchamp selbst einige der Objekte geschaffen haben könnte, die er als "gefundene Objekte" bezeichnete.

Das große Glas

Duchamp arbeitete von 1915 bis 1923 an seinem komplexen, vom Futurismus inspirierten Stück The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even (The Large Glass) , mit Ausnahme von Perioden in Buenos Aires und Paris in den Jahren 1918-1920. Er führte die Arbeit auf zwei Glasscheiben mit Materialien wie Bleifolie, Schmelzdraht und Staub aus. Es verbindet Zufallsverfahren, geplottete Perspektivenstudien und mühsames Handwerk. Er veröffentlichte Notizen für das Stück The Green Box , die das visuelle Erlebnis ergänzen sollten. Sie spiegeln die Schaffung einzigartiger physikalischer Regeln und eine Mythologie wider, die das Werk beschreibt. Er erklärte, dass sein "urkomisches Bild" die erotische Begegnung zwischen einer Braut und ihren neun Junggesellen darstellen soll.

Eine Aufführung der Bühnenadaption von Raymond Roussels Roman Impressions d'Afrique , an der Duchamp 1912 teilnahm, inspirierte das Stück. Bereits 1913 wurden an seinen Atelierwänden Notizen, Skizzen und Pläne zum Werk gezeichnet. Um sich frei von materiellen Verpflichtungen auf die Arbeit zu konzentrieren, fand Duchamp in Frankreich eine Anstellung als Bibliothekar. Nachdem er 1915 in die USA ausgewandert war, begann er mit der Arbeit an dem Stück, finanziert durch die Unterstützung der Arensbergs.

Das Stück ist teilweise als Retrospektive von Duchamps Werken konstruiert, einschließlich einer dreidimensionalen Reproduktion seiner früheren Gemälde Bride (1912), Chocolate Grinder (1914) und Glider mit einer Wassermühle in benachbarten Metallen (1913–1915), die dazu geführt hat zu zahlreichen Interpretationen. Das Werk wurde 1923 offiziell als "unvollendet" erklärt. Bei der Rückkehr von seiner ersten öffentlichen Ausstellung in einer Versandkiste erlitt das Glas einen großen Riss. Duchamp reparierte es, ließ aber die kleineren Risse im Glas intakt und akzeptierte das Zufallselement als Teil des Stücks.

Joseph Nechvatal hat The Large Glass ein beträchtliches Licht geworfen, indem er die autoerotischen Implikationen sowohl des Junggesellentums als auch der sich wiederholenden, hektischen Maschine bemerkt; er erkennt dann eine größere Konstellation von Themen, indem er andeutet, dass Autoerotik – und mit der Maschine als allgegenwärtiger Partner und Praktiker – sich in eine subversive Pansexualität öffnet, wie sie an anderer Stelle in Duchamps Werk und Karriere zum Ausdruck kommt, indem ein Trance-induzierendes Vergnügen zum Operativen wird Prinzip im Gegensatz zum Diktat der traditionellen männlich-weiblichen Paarung; und auch er dokumentiert die Existenz dieses Themenclusters in der gesamten Moderne, beginnend mit Rodins umstrittenem Monument to Balzac , bis hin zu einer duchampschen Vision eines Techno-Universums, in dem alle willkommen sind.

Bis 1969, als das Philadelphia Museum of Art Duchamps Étant donnés Tableau enthüllte , galt The Large Glass als sein letztes Hauptwerk.

Kinetische Werke

Marcel Duchamp, 1918, A Respecter d'un oeil, de près, Pendant presque une heure, Mit einem Auge (von der anderen Seite des Glases) betrachtet zu werden, nah, für fast eine Stunde . Foto von Man Ray, veröffentlicht in 391 , Juli 1920 (N13), Museum of Modern Art , New York

Duchamps Interesse an kinetischen Kunstwerken lässt sich bereits in den Notizen zu The Large Glass and the Bicycle Wheel readymade erkennen, und obwohl er das Interesse an der "Retina-Kunst" verlor, blieb sein Interesse an visuellen Phänomenen bestehen. 1920 baute Duchamp mit Hilfe von Man Ray eine motorisierte Skulptur, Rotative plates verre, optique de précision ("Rotary Glass Plates, Precision Optics"). Das Stück, das er nicht als Kunst betrachtete, beinhaltete einen Motor, der rechteckige Glasstücke drehte, auf die Kreissegmente gemalt waren. Wenn sich das Gerät dreht, tritt eine optische Täuschung auf, bei der die Segmente wie geschlossene konzentrische Kreise erscheinen . Man Ray baute eine Ausrüstung auf, um das erste Experiment zu fotografieren, aber als sie die Maschine zum zweiten Mal drehten, brach ein Riemen und erwischte ein Stück Glas, das nach einem Blick von Man Rays Kopf in Stücke zersprang.

Nach seiner Rückkehr nach Paris im Jahr 1923 baute Duchamp auf Drängen von André Breton mit Finanzierung von Jacques Doucet ein weiteres optisches Gerät auf der Grundlage des ersten, Rotative Demisphère, optique de précision (Rotary Demisphere, Precision Optics). Diesmal war das optische Element ein halbierter Globus, auf den schwarze konzentrische Kreise gemalt waren. Wenn es sich dreht, scheinen sich die Kreise im Raum vor und zurück zu bewegen. Duchamp bat Doucet, den Apparat nicht als Kunst auszustellen.

Rotoreliefs waren die nächste Phase von Duchamps Spinnereien. Um das optische "Spielzeug" herzustellen, malte er Motive auf flache Pappkreise und drehte sie auf einem Plattenspieler. Beim Drehen erschienen die flachen Scheiben dreidimensional. Er ließ eine Druckerei 500 Sets von sechs der Designs herstellen und baute 1935 einen Stand auf einer Pariser Erfindermesse auf, um sie zu verkaufen. Das Unterfangen war eine finanzielle Katastrophe, aber einige optische Wissenschaftler dachten, sie könnten von Nutzen sein, um Menschen, die das Sehvermögen auf einem Auge verloren haben, das dreidimensionale stereoskopische Sehen wiederherzustellen . In Zusammenarbeit mit Man Ray und Marc Allégret drehte Duchamp frühe Versionen der Rotoreliefs , und sie nannten den Film Anémic Cinéma (1926). Später, im Atelier von Alexander Calder im Jahr 1931, schlug Duchamp beim Betrachten der kinetischen Werke des Bildhauers vor, dass diese Mobiles genannt werden sollten . Calder stimmte zu, diesen neuartigen Begriff in seiner kommenden Show zu verwenden. Bis heute werden Skulpturen dieser Art "Mobiles" genannt.

Musikalische Ideen

Zwischen 1912 und 1915 arbeitete Duchamp mit verschiedenen musikalischen Ideen. Mindestens drei Stücke sind erhalten geblieben: zwei Kompositionen und eine Note für ein musikalisches Happening. Die beiden Kompositionen basieren auf Zufallsoperationen . Erratum Musical , geschrieben für drei Stimmen, wurde 1934 veröffentlicht. La Mariée mise à nu par ses célibataires même. Erratum Musical ist unvollendet und wurde zu Duchamps Lebzeiten weder veröffentlicht noch ausgestellt. Laut Manuskript war das Stück für ein mechanisches Instrument bestimmt, "in dem der virtuose Vermittler unterdrückt wird". Das Manuskript enthält auch eine Beschreibung für "Ein Apparat, der fragmentierte Musikperioden automatisch aufzeichnet", bestehend aus einem Trichter, mehreren offenen Wagen und einem Satz nummerierter Kugeln. Diese Stücke predate John Cage ‚s Music of Changes (1951), die oft das erste moderne Stück in Betracht gezogen wird weitgehend durch Zufallsverfahren konzipiert.

1968 traten Duchamp und John Cage zusammen bei einem Konzert mit dem Titel "Reunion" auf, spielten eine Partie Schach und komponierten aleatorische Musik, indem sie eine Reihe von Fotozellen unter dem Schachbrett auslösten.

Rrose Sélavy

Rrose Sélavy (Marcel Duchamp), 1921 Foto von Man Ray, Art Direction von Marcel Duchamp, Silberdruck, 5-7/8" × 3"-7/8", Philadelphia Museum of Art

"Rrose Sélavy", auch Rose Sélavy geschrieben, war eines von Duchamps Pseudonymen. Der Name, ein Wortspiel , klingt wie der französische Ausdruck Eros , c'est la vie , der mit "Eros, so ist das Leben" übersetzt werden kann. Es wurde auch als arroser la vie („auf das Leben anstoßen “) gelesen . Sélavy entstand 1921 in einer Fotoserie von Man Ray, die Duchamp als Frau verkleidet zeigt. In den 1920er Jahren arbeiteten Man Ray und Duchamp an weiteren Fotos von Sélavy. Später verwendete Duchamp den Namen als Byline auf schriftlichem Material und signierte mehrere Kreationen damit.

Duchamp verwendete den Namen im Titel von mindestens einer Skulptur, Why Not Sneeze Rose Selavy? (1921). Die Skulptur, eine Art von Ready - made einer genannt Assemblage , besteht aus einem mündlichen Thermometer , ein paar Dutzende kleiner Würfel aus Marmor ähnelt Zuckerwürfel und ein Kuttelfischknochen in einem Vogelkäfig . Sélavy erscheint auch auf dem Etikett von Belle Haleine, Eau de Voilette (1921), einem Readymade, das ein Parfümflakon in der Originalverpackung ist. Duchamp signierte auch seinen Film Anémic Cinéma (1926) mit dem Namen Sélavy.

Als Inspiration für den Namen Rrose Sélavy gilt Belle da Costa Greene , JP Morgans Bibliothekarin bei The Morgan Library & Museum (ehemals The Pierpont Morgan Library), die nach seinem Tod Direktorin der Bibliothek wurde und dort für u. a. arbeitete insgesamt dreiundvierzig Jahre. Bevollmächtigt von JP Morgan und dann von seinem Sohn Jack baute Greene die Sammlung auf und kaufte und verkaufte seltene Manuskripte , Bücher und Kunst.

Rrose Sélavy und die anderen von Duchamp verwendeten Pseudonyme können als Kommentar zum Trugschluss gelesen werden, die bewusste Individualität oder Subjektivität des Künstlers zu romantisieren, ein Thema, das auch ein prominenter Subtext der Readymades ist . Duchamp sagte in einem Interview: "Du denkst, du machst etwas ganz Eigenes, und ein Jahr später schaust du es dir an und siehst tatsächlich die Wurzeln, woher deine Kunst kommt, ohne es überhaupt zu wissen."

Ab 1922 tauchte der Name Rrose Sélavy auch in einer Reihe von Aphorismen , Wortspielen und Spoonerismen des französischen surrealistischen Dichters Robert Desnos auf . Desnos versuchte, Rrose Sélavy als lange verschollene Aristokratin und rechtmäßige Königin von Frankreich darzustellen. Aphorismus 13 huldigte Marcel Duchamp: Rrose Sélavy connaît bien le marchand du sel ‒ auf Deutsch: "Rrose Sélavy kennt den Salzhändler gut"; auf Französisch klingen die letzten Worte wie Mar-champ Du-cel. Beachten Sie, dass der Aphorismus „Salzverkäufer“ – „mar-chand-du-sel“ – ein phonetisches Anagramm des Künstlernamens ist: „mar-cel-du-champ“. (Duchamps zusammengestellte Notizen tragen den Titel „Salt Seller“.) 1939 wurde eine Sammlung dieser Aphorismen unter dem Namen Rrose Sélavy mit dem Titel „ Poils et coups de pieds en tous genres“ veröffentlicht .

Übergang von der Kunst zum Schach

Man Ray, 1920, Drei Köpfe ( Joseph Stella und Marcel Duchamp, Büstenporträt von Man Ray über Duchamp), Silbergelatineabzug, 20,7 x 15,7 cm, Museum of Modern Art , New York

1918 verabschiedete sich Duchamp von der New Yorker Kunstszene, unterbrach seine Arbeit am Large Glass und ging nach Buenos Aires, wo er neun Monate blieb und oft Schach spielte . Er schnitzte sein eigenes Schachspiel aus Holz mit Hilfe eines lokalen Handwerkers, der die Ritter herstellte . 1919 zog er nach Paris und 1920 zurück in die Vereinigten Staaten. Nach seiner Rückkehr nach Paris 1923 war Duchamp im Wesentlichen kein praktizierender Künstler mehr. Stattdessen galt sein Hauptinteresse dem Schach, das er für den Rest seines Lebens unter Ausschluss der meisten anderen Aktivitäten studierte.

Duchamp spielt kurz mit Man Ray in dem Kurzfilm Entr'acte (1924) von René Clair Schach . Er entwarf das Plakat von 1925 für die dritte französische Schachmeisterschaft und erreichte als Konkurrent bei der Veranstaltung fünfzig Prozent (3-3, mit zwei Unentschieden) und gewann den Titel des Schachmeisters . Während dieser Zeit beunruhigte seine Faszination für das Schach seine erste Frau so sehr, dass sie seine Figuren auf das Schachbrett klebte . Duchamp spielte weiterhin bei den französischen Meisterschaften und auch bei den Schacholympiaden von 1928 bis 1933 und bevorzugte hypermoderne Eröffnungen wie das Nimzo-Indische .

Irgendwann in den frühen 1930er Jahren erreichte Duchamp den Höhepunkt seines Könnens, erkannte jedoch, dass er kaum eine Chance hatte, im Spitzenschach Anerkennung zu finden. In den folgenden Jahren nahm seine Teilnahme an Schachturnieren ab, aber er entdeckte das Fernschach und wurde Schachjournalist und schrieb wöchentliche Zeitungskolumnen. Während seine Zeitgenossen spektakuläre Erfolge in der Kunstwelt erzielten, indem sie ihre Werke an hochkarätige Sammler verkauften, bemerkte Duchamp: "Ich bin immer noch ein Opfer des Schachs. Es hat die ganze Schönheit der Kunst - und noch viel mehr. Es kann nicht kommerzialisiert werden . Schach ist in seiner gesellschaftlichen Stellung viel reiner als Kunst." Bei einer anderen Gelegenheit führte Duchamp aus: „Die Schachfiguren sind das Blockalphabet, das Gedanken formt; und diese Gedanken, obwohl sie eine visuelle Gestaltung auf dem Schachbrett machen, drücken ihre Schönheit abstrakt wie ein Gedicht aus. … die persönliche Schlussfolgerung, dass zwar nicht alle Künstler Schachspieler sind, aber alle Schachspieler Künstler sind."

ein B C D e F g h
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b8 schwarzer Turm
b7 weißer Bauer
c7 weißer Turm
f6 schwarzer Bauer
b5 weißer Bauer
h5 schwarzer Bauer
f4 weißer König
g2 schwarzer König
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Duchamps Problem mit Weiß zu spielen

Im Jahr 1932 arbeitete Duchamp mit dem Schachtheoretiker Vitaly Halberstadt zusammen , um L'opposition et case conjuguées sont réconciliées ( Opposition und Schwesterquadrate sind versöhnt), bekannt als entsprechende Quadrate, zu veröffentlichen . Diese Abhandlung beschreibt die Lasker-Reichhelm-Stellung , eine äußerst seltene Stellungsart, die im Endspiel auftreten kann . Mit Hilfe von Enneagramm- ähnlichen Diagrammen, die sich in sich selbst falten, zeigten die Autoren, dass Schwarz in dieser Position am meisten auf ein Remis hoffen kann .

Das Thema des "Endspiels" ist wichtig, um Duchamps komplexe Haltung gegenüber seiner künstlerischen Karriere zu verstehen. Der irische Dramatiker Samuel Beckett war ein Mitarbeiter von Duchamp und verwendete das Thema als Erzählmittel für das gleichnamige Theaterstück von 1957, Endgame . 1968 spielte Duchamp mit dem Avantgarde-Komponisten John Cage bei einem Konzert mit dem Titel "Reunion" ein künstlerisch bedeutendes Schachspiel. Musik wurde durch eine Reihe von Fotozellen unter dem Schachbrett erzeugt, die sporadisch durch den normalen Spielablauf ausgelöst wurden.

Über die Wahl einer Schachkarriere sagte Duchamp: „Wenn Bobby Fischer mich um Rat fragen würde, würde ich ihn sicherlich nicht entmutigen – als ob es irgendjemand könnte –, aber ich würde versuchen, klar zu machen, dass er niemals Geld vom Schach haben wird , leben ein mönchsähnliches Dasein und kennen mehr Ablehnung als jeder Künstler, der darum kämpft, bekannt und akzeptiert zu werden."

Duchamp hinterließ dem Schach ein Vermächtnis in Form eines rätselhaften Endspielproblems, das er 1943 verfasste. Das Problem wurde in die Ankündigung für Julian Levis Galerieausstellung Through the Big End of the Opera Glass aufgenommen , gedruckt auf durchscheinendem Papier mit der schwachen Inschrift: " Weiß zu spielen und zu gewinnen". Großmeister und Endspielspezialisten haben sich seitdem mit dem Problem auseinandergesetzt und kamen zu dem Schluss, dass es keine Lösung gibt.

Späteres künstlerisches Engagement

Obwohl Duchamp nicht mehr als aktiver Künstler galt, beriet er sich weiterhin mit Künstlern, Kunsthändlern und Sammlern. Ab 1925 reiste er oft zwischen Frankreich und den USA und machte 1942 New Yorks Greenwich Village zu seiner Heimat. Gelegentlich arbeitete er auch an künstlerischen Projekten wie dem Kurzfilm Anémic Cinéma (1926), Box in a Valise (1935–1941) , Self Portrait in Profile (1958) und das größere Werk Étant Donnés (1946–1966). Im Jahr 1943 nahm er mit Maya Deren in ihrem unvollendeten Film Der Hexen Cradle , gefilmt in Peggy Guggenheim ‚s Art of This Century Galerie .

Ab Mitte der 1930er Jahre arbeitete er mit den Surrealisten zusammen ; er schloss sich der Bewegung jedoch trotz der Überredung von André Breton nicht an . Von da an bis 1944 gab Duchamp zusammen mit Max Ernst , Eugenio Granell und Breton die surrealistische Zeitschrift VVV heraus und diente als beratender Redakteur der Zeitschrift View , die ihn in der Märzausgabe 1945 vorstellte und ihn so einem breiteren amerikanischen Publikum vorstellte Publikum.

Duchamps Einfluss auf die Kunstwelt blieb bis Ende der 1950er Jahre hinter den Kulissen, als er von jungen Künstlern wie Robert Rauschenberg und Jasper Johns "entdeckt" wurde , die der Dominanz des Abstrakten Expressionismus entfliehen wollten . 1960 war er Mitbegründer der internationalen Literaturgruppe Oulipo . In den 1960er Jahren erwachte das Interesse an Duchamp wieder und er erlangte internationale öffentliche Anerkennung. 1963 veranstaltete das Pasadena Art Museum seine erste Retrospektive, und dort erschien er auf einem ikonischen Foto beim Schachspielen gegenüber dem Aktmodell Eve Babitz . Das Foto wurde später von den Smithsonian Archives of American Art als "unter den wichtigsten dokumentarischen Bildern der amerikanischen modernen Kunst" beschrieben.

Die Tate Gallery beherbergte 1966 eine große Ausstellung seiner Werke. Andere bedeutende Institutionen, darunter das Philadelphia Art Museum und das Metropolitan Museum of Art , folgten mit großen Ausstellungen von Duchamps Werken. Er wurde zu Vorträgen über Kunst und zu formellen Diskussionen sowie zu Interviews mit wichtigen Publikationen eingeladen. Als letztes überlebendes Mitglied der Duchamp-Künstlerfamilie half Duchamp 1967 bei der Organisation einer Ausstellung in Rouen, Frankreich, mit dem Titel Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp . Teile dieser Familienausstellung wurden später im Musée National d'Art Moderne in Paris erneut gezeigt.

Ausstellungsdesign und Installationskunst

Seine Schnur , von Duchamp, aus "First Papers of Surrealism". Foto von John Schiff, 1942.

Duchamp beteiligte sich an der Gestaltung der Exposition Internationale du Surréalisme 1938 , die in der Galerie des Beaux-Arts in Paris stattfand. Die Ausstellung wurde von André Breton und Paul Éluard organisiert und zeigte "Zweihundertneunundzwanzig Kunstwerke von sechzig Ausstellern aus vierzehn Ländern... in dieser Multimedia-Ausstellung". Die Surrealisten wollten eine Ausstellung schaffen, die an sich ein kreativer Akt sein sollte, und arbeiteten daher kollaborativ in ihrer Inszenierung. Marcel Duchamp wurde als "Generateur-Schiedsrichter" benannt, Salvador Dalí und Max Ernst als technische Direktoren, Man Ray war leitender Lichttechniker und Wolfgang Paalen für "Wasser und Laub" verantwortlich.

Außerdem füllten die Belles Rues de Paris (Die schönsten Straßen von Paris) eine Seite der Lobby mit Schaufensterpuppen verschiedener Surrealisten. Die Haupthalle oder der Salle de Superstition (Raum des Aberglaubens) war "ein höhlenartiges Gesamtkunstwerk ", insbesondere einschließlich Duchamps Installation , Zwölf Hundert Kohlesäcke von der Decke über einem Ofen aufgehängt, die buchstäblich 1.200 gefüllte Kohlesäcke waren , die von der Decke aufgehängt wurden Decke. Der Boden wurde von Paalen mit totem Laub und Schlamm vom Friedhof Montparnasse bedeckt . Mitten im großen Saal unter Duchamps Kohlesäcken installierte Paalen einen künstlichen Wasserteich mit echten Seerosen und Schilf, den er Avant La Mare nannte . Eine einzelne Glühbirne lieferte die einzige Beleuchtung, so dass die Kunden Taschenlampen erhielten, mit denen sie die Kunst betrachten konnten (eine Idee von Man Ray), während der Duft von geröstetem Kaffee die Luft erfüllte. Gegen Mitternacht erlebten die Besucher das tanzende Schimmern eines spärlich bekleideten Mädchens, das plötzlich aus dem Schilf aufstand, auf ein Bett sprang, hysterisch kreischte und ebenso schnell wieder verschwand. Zur Zufriedenheit der Surrealisten schockierte die Ausstellung viele Gäste.

1942 forderten Surrealisten Duchamp für die Ausstellung First Papers of Surrealism in New York auf, die Ausstellung zu gestalten. Er schuf eine Installation, His Twine , allgemein bekannt als die 'Meile der Schnur', ein dreidimensionales Netz aus Schnüren, das sich durch die Räume des Raumes zog und es in einigen Fällen fast unmöglich machte, die Werke zu sehen. Duchamp traf eine geheime Vereinbarung mit dem Sohn eines Mitarbeiters, um junge Freunde zur Eröffnung der Show mitzubringen. Als die formell gekleideten Gäste ankamen, fanden sie ein Dutzend Kinder in athletischer Kleidung, die Bälle traten, spielten und Seile sprangen. Auf Nachfrage wurde den Kindern gesagt: "Herr Duchamp hat uns gesagt, wir könnten hier spielen". Duchamps Entwurf des Katalogs für die Ausstellung umfasste "gefundene" und nicht gestellte Fotografien der Künstler.

Breton organisierte nach dem Krieg mit Duchamp die Ausstellung "Le surréalisme en 1947" in der Galerie Maeght in Paris und ernannte den Bühnenbildner Frederick Kiesler zum Architekten.

tant donnés

Étant donnés , 1946–1966, Mixed Media , posthum und dauerhaftim Philadelphia Museum of Art 1969 installiert

Duchamps letztes großes Kunstwerk überraschte die Kunstwelt, die glaubte, vor 25 Jahren die Kunst für das Schach aufgegeben zu haben. Mit dem Titel Étant donnés : 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage ("Gegeben: 1. Der Wasserfall, 2. Das erleuchtende Gas"), ist es ein Tableau, das nur durch ein Guckloch in einem hölzernen Tür. Eine nackte Frau kann auf dem Rücken liegend gesehen werden, ihr Gesicht versteckt, die Beine gespreizt und eine Hand hält eine Gaslampe in der Luft vor einer Landschaftskulisse. Duchamp hatte von 1946 bis 1966 in seinem Atelier in Greenwich Village heimlich an dem Stück gearbeitet, während selbst seine engsten Freunde dachten, er habe die Kunst aufgegeben. Der Torso der Aktfigur geht auf Duchamps Geliebte, die brasilianische Bildhauerin Maria Martins , zurück, mit der er von 1946 bis 1951 eine Affäre hatte.

Persönliches Leben

Während seines ganzen Erwachsenenlebens war Duchamp ein leidenschaftlicher Raucher von Habana-Zigarren.

Duchamp wurde 1955 US-Staatsbürger.

Im Juni 1927 heiratete Duchamp Lydie Sarazin-Lavassor ; jedoch ließen sie sich sechs Monate später scheiden. Es wurde gemunkelt, Duchamp habe sich für eine Scheinehe entschieden, denn Sarazin-Lavassor sei die Tochter eines wohlhabenden Automobilherstellers. Anfang Januar 1928 sagte Duchamp, dass er die Verantwortung und die Beschränkung der Ehe nicht mehr tragen könne, und sie wurden bald geschieden.

Zwischen 1946 und 1951 war Maria Martins seine Geliebte.

1954 heirateten er und Alexina „Teeny“ Sattler . Sie blieben bis zu seinem Tod zusammen.

Tod und Beerdigung

Grabstein von Marcel Duchamp Rouen , Frankreich mit dem Epitaph, D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent (Außerdem sterben immer die anderen)

Duchamp starb am frühen Morgen des 2. Oktober 1968 plötzlich und friedlich in seinem Haus in Neuilly-sur-Seine , Frankreich. Nach einem Abendessen zu Hause mit seinen Freunden Man Ray und Robert Lebel ging Duchamp um 1:05 Uhr in den Ruhestand, brach in seinem Studio zusammen und starb an Herzversagen.

Duchamp war Atheist. Er ist auf dem Friedhof von Rouen in Rouen, Frankreich, mit der Grabinschrift "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent" ("Außerdem sterben immer die anderen") begraben.

Erbe

Viele Kritiker halten Duchamp für einen der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts, und sein Schaffen beeinflusste die Entwicklung der westlichen Kunst nach dem Ersten Weltkrieg . Er beriet moderne Kunstsammler wie Peggy Guggenheim und andere prominente Persönlichkeiten und prägte so den Geschmack der westlichen Kunst in dieser Zeit. Er forderte das konventionelle Denken über künstlerische Prozesse heraus und lehnte den entstehenden Kunstmarkt durch subversive Anti-Kunst ab. Er nannte es bekanntlich eine Urinalkunst und nannte sie Brunnen . Duchamp produzierte relativ wenige Kunstwerke und blieb den Avantgarde-Kreisen seiner Zeit weitgehend fern. Er gab vor, die Kunst aufzugeben und den Rest seines Lebens dem Schach zu widmen, während er heimlich weiterhin Kunst machte. 1958 sagte Duchamp über Kreativität:

Der schöpferische Akt wird nicht allein vom Künstler vollzogen; der Betrachter bringt das Werk in Kontakt mit der Außenwelt, indem er seine inneren Qualifikationen entschlüsselt und interpretiert und so seinen Beitrag zum schöpferischen Akt hinzufügt.

Duchamp drückte in seinem späteren Leben ausdrücklich eine Negativität gegenüber der Kunst aus. In einem BBC-Interview mit Duchamp, das Joan Bakewell 1968 führte, verglich er Kunst mit Religion. Duchamp erklärt dem Interviewer weiter, dass "das Wort Kunst etymologisch "tun" bedeutet, dass Kunst jede Art von Aktivität bedeutet und dass es unsere Gesellschaft ist, die "rein künstliche" Unterscheidungen des Künstlers schafft.

Ein Duchamp fälschlicherweise zugeschriebenes Zitat deutet auf eine negative Haltung gegenüber späteren Trends in der Kunst des 20. Jahrhunderts hin:

Dieses Neo-Dada, das sie New Realism, Pop Art, Assemblage usw. nennen, ist ein einfacher Ausweg und lebt von dem, was Dada getan hat. Als ich die Readymades entdeckte, versuchte ich, die Ästhetik zu entmutigen. In Neo-Dada haben sie meine Readymades genommen und ästhetische Schönheit darin gefunden, ich habe ihnen das Flaschenregal und das Urinal als Herausforderung ins Gesicht geworfen und jetzt bewundern sie sie für ihre ästhetische Schönheit.

Dies wurde jedoch 1961 von seinem Dadaistenkollegen Hans Richter in der zweiten Person geschrieben, dh "Du hast den Flaschenständer geworfen...". Obwohl eine Randnotiz im Brief darauf hindeutet, dass Duchamp der Aussage grundsätzlich zustimmte, machte Richter die Unterscheidung erst viele Jahre später klar.

Duchamps Haltung war jedoch günstiger, wie eine andere Erklärung aus dem Jahr 1964 belegt:

Pop Art ist eine Rückkehr zur "konzeptuellen" Malerei, die praktisch aufgegeben wurde, außer von den Surrealisten, seit [Gustave] Courbet zugunsten der Netzhautmalerei ... Wenn Sie eine Campbell-Suppe nehmen und sie 50 Mal wiederholen, sind Sie nicht interessiert im Netzhautbild. Was Sie interessiert, ist das Konzept, das 50 Campbell-Suppendosen auf eine Leinwand bringen möchte.

Der im Jahr 2000 ins Leben gerufene Prix ​​Marcel Duchamp (Marcel-Duchamp-Preis) ist eine jährliche Auszeichnung des Centre Georges Pompidou an einen jungen Künstler . Als Zeugnis des Vermächtnisses von Duchamps Werk an die Kunstwelt 2004 wählte eine Jury prominenter Künstler und Kunsthistoriker Fountain zum „einflussreichsten Kunstwerk des 20. Jahrhunderts“.

Marcel Duchamp (Rrose Selavy) und Man Ray, Belle Haleine, Eau de Voilette , 1920–21

Kunstmarkt

Am 17. November 1999 wurde eine Version von Fountain (im Besitz von Arturo Schwarz ) bei Sotheby's , New York, für 1.762.500 US-Dollar an Dimitris Daskalopoulos verkauft, der erklärte, dass Fountain den Ursprung der zeitgenössischen Kunst darstelle . Der Preis stellte damals einen Weltrekord für ein Werk von Marcel Duchamp auf einer öffentlichen Auktion auf. Der Rekord wurde seitdem von einem bei Christie's Paris verkauften Werk mit dem Titel Belle Haleine, Eau de Voilette (1921) übertroffen . Das Readymade eines Parfümflakons in seiner Box wurde für einen Rekordwert von 11,5 Millionen US-Dollar (8,9 Millionen Euro) verkauft.

Ausgewählte Werke

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

Weiterlesen

  • Arturo Schwarz, The Complete Works of Marcel Duchamp , Delano Greenidge Editions, 1995
  • Anne D'Harnoncourt (Intro), Joseph Cornell/Marcel Duchamp... in Resonanz , Menil Foundation, Houston, 1998, ISBN  3-89322-431-9
  • Linda Dalrymple Henderson , Duchamp in Context: Science and Technology in the Large Glass and Related Works , Princeton University Press, Princeton, 1998
  • Paola Magi, Caccia al tesoro con Marcel Duchamp , Edizioni Archivio Dedalus, Mailand, 2010, ISBN  978-88-904748-0-4
  • Paola Magi: Schatzsuche mit Marcel Duchamp , Edizioni Archivio Dedalus, Mailand, 2011, ISBN  978-88-904748-7-3
  • Marc Décimo: Marcel Duchamp mis à nu. A propos du processus créatif ( Marcel Duchamp Stripped Bare. Apropos of the creative Act ), Les presses du réel, Dijon (Frankreich), 2004 ISBN  978-2-84066-119-1 .
  • Marc Décimo: The Marcel Duchamp Library , vielleicht ( La Bibliothèque de Marcel Duchamp, peut-être ), Les presses du réel, Dijon (Frankreich), 2002.
  • Marc Décimo, Le Duchamp facile , Les presses du réel, coll. "L'écart absolu / Poche", Dijon, 2005
  • Marc Décimo (dir.), Marcel Duchamp et l'érotisme , Les presses du réel, coll. « L'écart absolu / Chantier », Dijon, 2008
  • TJ Demos, The Exiles of Marcel Duchamp , Cambridge, MIT Press, 2007.
  • Lydie Fischer Sarazin-Levassor, Eine Ehe im Schach. Das Herz der Braut Von ihrem Bachelor entkleidet , Les presses du réel, Dijon (Frankreich), 2007.
  • JT. Richard, M. Duchamp mis à nu par la psychanalyse, même (M. Duchamp entblößt sogar durch die Psychoanalyse), ed. L'Harmattan, Paris (Frankreich), 2010.
  • Chris Allen (Trans), Dawn Ades (Intro), Three New York Dadas and The Blind Man: Marcel Duchamp, Henri-Pierre Roché, Beatrice Wood , Atlas Press, London, 2013, ISBN  978-1900565431

Externe Links

Duchamp arbeitet


Essays von Duchamp

  • Marcel Duchamp: The Creative Act (1957) Audio

Allgemeine Ressourcen

Audio und Video