Mark Rothko- Mark Rothko

"Rothko" leitet hier weiter. Für andere Verwendungen siehe Rothko (Begriffsklärung) .
Mark Rothko
Foto von Mark Rothko von James Scott im Jahr 1959.jpg
Rothko 1959 (55 Jahre)
Geboren
Markus Yakovlevich Rothkowitz

( 1903-09-25 )25. September 1903
Daugavpils , Russisches Reich
(jetzt Lettland )
Ist gestorben 25. Februar 1970 (1970-02-25)(im Alter von 66 Jahren)
New York City , New York , USA
Todesursache Selbstmord
Staatsangehörigkeit amerikanisch
Ausbildung Lincoln High School , Portland, Oregon
Alma Mater Yale Universität
Bekannt für Gemälde
Bewegung Abstrakter Expressionismus , Farbfeld
Ehepartner Edith Sachar (1932–1943)
Mary Alice „Mell“ Beistle (1944–1970)
Gönner Peggy Guggenheim , John de Menil , Dominique de Menil

Mark Rothko ( / r ɒ & thgr; k oʊ / ), geb. Markus Yakovlevich Rothkowitz (russisch: Маркус Яковлевич Роткович , lettisch: Markuss Rotkovičs ; Name nicht anglisiert bis 1940, 25. September 1903 - 25. Februar 1970) war ein amerikanischer abstrakt Maler lettischer jüdischer Abstammung. Er ist vor allem für seine Farbfeldbilder bekannt, die unregelmäßige und malerisch rechteckige Farbflächen darstellen, die er von 1949 bis 1970 anfertigte .

Obwohl Rothko persönlich keiner Schule zugestimmt hat, wird er mit der amerikanischen Bewegung des abstrakten Expressionismus der modernen Kunst in Verbindung gebracht. Rothko emigrierte ursprünglich mit seiner Familie aus Russland nach Portland, Oregon , zog später nach New York City, wo sich seine künstlerische Schaffensperiode in seiner Jugend hauptsächlich mit urbanen Landschaften beschäftigte. Als Reaktion auf den Zweiten Weltkrieg trat Rothkos Kunst in den 1940er Jahren in eine Übergangsphase ein, in der er mit mythologischen Themen und dem Surrealismus experimentierte , um Tragödien auszudrücken. Gegen Ende des Jahrzehnts malte Rothko Leinwände mit reinen Farbbereichen, die er weiter in rechteckige Farbformen abstrahierte, die er für den Rest seines Lebens verwenden sollte.

In seiner späteren Karriere fertigte Rothko mehrere Leinwände für drei verschiedene Wandmalereiprojekte an. Die Seagram-Wandbilder sollten das Four Seasons Restaurant im Seagram-Gebäude schmücken , aber Rothko wurde schließlich von der Vorstellung angewidert, dass seine Gemälde dekorative Objekte für wohlhabende Gäste sein würden, und erstattete die lukrative Provision zurück, indem er die Gemälde an Museen wie die Tate Modern spendete . Die Serie Harvard Mural wurde einem Speisesaal im Holyoke Center in Harvard (jetzt Smith Campus Center ) geschenkt ; ihre Farben verblassten im Laufe der Zeit aufgrund von Rothkos Verwendung des Pigments Lithol Red zusammen mit regelmäßiger Sonneneinstrahlung. Inzwischen wurde die Harvard-Serie mit einer speziellen Lichttechnik restauriert . Rothko steuerte 14 Leinwände zu einer permanenten Installation in der Rothko Chapel bei , einer nicht konfessionellen Kapelle in Houston, Texas .

Obwohl Rothko einen Großteil seines Lebens bescheiden lebte, wuchs der Wiederverkaufswert seiner Gemälde in den Jahrzehnten nach seinem Selbstmord 1970 enorm.

Kindheit

Mark Rothko wurde in Daugavpils , Lettland (damals im Russischen Reich) geboren. Sein Vater, Jacob (Yakov) Rothkowitz, war Apotheker und Intellektueller, der seinen Kindern zunächst eine weltliche und politische, nicht religiöse Erziehung ermöglichte. Sein marxistischer Vater war laut Rothko "gewaltsam antireligiös". In einer Umgebung, in der Juden oft für viele Übel verantwortlich gemacht wurden, die Russland widerfuhr, wurde Rothkos frühe Kindheit von Angst geplagt.

Trotz des bescheidenen Einkommens von Jacob Rothkowitz war die Familie hoch gebildet („Wir waren eine lesende Familie“, erinnerte sich Rothkos Schwester), und Rothko sprach litauisch Jiddisch ( Litwisch ), Hebräisch und Russisch. Nach der Rückkehr seines Vaters zum orthodoxen Judentum seiner eigenen Jugend wurde Rothko, das jüngste von vier Geschwistern, im Alter von fünf Jahren in den Cheder geschickt , wo er den Talmud studierte , obwohl seine älteren Geschwister im öffentlichen Schulsystem erzogen worden waren.

Migration von Russland in die USA

Aus Angst, seine älteren Söhne könnten in die kaiserlich-russische Armee eingezogen werden, wanderte Jacob Rothkowitz aus Russland in die Vereinigten Staaten aus. Markus blieb mit seiner Mutter und seiner älteren Schwester Sonia in Russland. Sie kamen Ende 1913 als Einwanderer auf Ellis Island an. Von dort durchquerten sie das Land, um sich Jacob und den älteren Brüdern in Portland, Oregon anzuschließen . Jacobs Tod wenige Monate später an Darmkrebs ließ die Familie ohne wirtschaftliche Unterstützung zurück. Sonia betrieb eine Kasse, während Markus in einem Lagerhaus seines Onkels Zeitungen an Angestellte verkaufte. Der Tod seines Vaters führte auch dazu, dass Rothko sich von der Religion trennte. Nachdem er fast ein Jahr lang den Tod seines Vaters in einer örtlichen Synagoge betrauert hatte, schwor er sich, nie wieder einen Fuß in eine Synagoge zu setzen.

Rothko begann 1913 in den Vereinigten Staaten die Schule und stieg schnell von der dritten in die fünfte Klasse auf. Im Juni 1921 schloss er im Alter von 17 Jahren die Sekundarstufe an der Lincoln High School in Portland, Oregon , mit Auszeichnung ab politische Diskussionen. Wie sein Vater beschäftigte sich Rothko leidenschaftlich mit Themen wie Arbeitnehmerrechten und Verhütung. Zu dieser Zeit war Portland ein Zentrum revolutionärer Aktivitäten in den USA und der Region, in der die revolutionäre syndikalistische Gewerkschaft Industrial Workers of the World (IWW) aktiv war.

Aufgewachsen mit radikalen Arbeiterversammlungen, besuchte Rothko Treffen der IWW, darunter Anarchisten wie Bill Haywood und Emma Goldman , wo er starke rednerische Fähigkeiten entwickelte, die er später zur Verteidigung des Surrealismus einsetzte . Er hörte Emma Goldman auf einer ihrer Vortragsreisen für Aktivisten an der Westküste sprechen. Mit Beginn der Russischen Revolution organisierte Rothko Debatten darüber. Trotz der repressiven politischen Atmosphäre wollte er Gewerkschaftsorganisator werden .

Rothko erhielt ein Stipendium für Yale . Am Ende seines ersten Studienjahres 1922 wurde das Stipendium nicht verlängert und er arbeitete als Kellner und Bote, um sein Studium zu unterstützen. Er fand Yale elitär und rassistisch. Rothko und ein Freund, Aaron Director , gründeten eine Satirezeitschrift, The Yale Saturday Evening Pest , die den spießigen, bürgerlichen Ton der Schule verspottete . Rothko war mehr Autodidakt als fleißiger Schüler:

"Einer seiner Kommilitonen erinnert sich, dass er kaum zu studieren schien, aber ein unersättlicher Leser war."

Am Ende seines zweiten Studienjahres brach Rothko das Studium ab und kehrte erst zurück, als ihm 46 Jahre später die Ehrendoktorwürde verliehen wurde .

Frühe Karriere

Im Herbst 1923 fand Rothko Arbeit im New Yorker Kleiderviertel . Als er einen Freund in der Art Students League of New York besuchte , sah er Studenten, die ein Modell skizzierten. Laut Rothko war dies der Beginn seines Künstlerlebens. Später schrieb er sich an der Parsons The New School for Design ein , wo einer seiner Lehrer Arshile Gorky war . Rothko bezeichnete Gorkis Führung der Klasse als "überfordert mit Aufsicht". Im selben Herbst belegte er Kurse an der Art Students League des kubistischen Künstlers Max Weber , der Teil der französischen Avantgarde war. Für seine Studenten, die sich für die Moderne interessierten, galt Weber als "lebender Speicher der modernen Kunstgeschichte". Unter Webers Anleitung begann Rothko, Kunst als Werkzeug des emotionalen und religiösen Ausdrucks zu betrachten. Rothkos Gemälde aus dieser Zeit zeigen den Einfluss seines Lehrers. Als Weber Jahre später eine Ausstellung der Arbeiten seines ehemaligen Studenten besuchte und seine Bewunderung ausdrückte, war Rothko sehr erfreut.

Rothkos Kreis

Rothkos Umzug nach New York brachte ihn in eine fruchtbare künstlerische Atmosphäre. Maler der Moderne stellten regelmäßig in New Yorker Galerien aus, und die Museen der Stadt waren eine unschätzbare Quelle für das Wissen und die Fähigkeiten eines angehenden Künstlers. Zu den wichtigen frühen Einflüssen auf ihn zählen die Werke der deutschen Expressionisten , die surrealistische Kunst von Paul Klee und die Malerei von Georges Rouault .

1928 stellte Rothko mit einer Gruppe anderer junger Künstler Werke in der Opportunity Gallery aus. Seine Gemälde, darunter dunkle, stimmungsvolle, expressionistische Interieurs und urbane Szenen, wurden von Kritikern und Fachkollegen allgemein gut angenommen. Um sein Einkommen aufzubessern, begann Rothko 1929, Schulkinder in Zeichnen , Malen und Tonskulptur an der Center Academy des Brooklyn Jewish Center zu unterrichten, wo er über zwanzig Jahre lang aktiv blieb.

In den frühen 1930er Jahren lernte Rothko Adolph Gottlieb kennen , der neben Barnett Newman , Joseph Solman , Louis Schanker und John Graham zu einer Gruppe junger Künstler um den Maler Milton Avery gehörte . Laut Elaine de Kooning war es Avery, der "Rothko die Idee gab, dass [das Leben eines professionellen Künstlers] eine Möglichkeit war". Averys abstrakte Naturbilder, die ein reiches Wissen über Form und Farbe nutzen, hatten einen enormen Einfluss auf ihn. Bald nahmen Rothkos Gemälde Themen und Farben an, die denen von Avery ähnlich waren, wie in Bathers oder Beach Scene von 1933-1934 zu sehen ist.

Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham und ihr Mentor Avery verbrachten viel Zeit zusammen und machten Urlaub am Lake George, New York , und Gloucester, Massachusetts . Tagsüber malten sie, abends diskutierten sie über Kunst. Während eines Besuchs am Lake George 1932 lernte Rothko die Schmuckdesignerin Edith Sachar kennen, die er später in diesem Jahr heiratete. Im folgenden Sommer fand seine erste Einzelausstellung im Portland Art Museum statt , die hauptsächlich aus Zeichnungen und Aquarellen bestand . Für diese Ausstellung unternahm Rothko den sehr ungewöhnlichen Schritt, neben seinen eigenen Arbeiten seiner vorpubertären Schüler der Center Academy zu zeigen. Seine Familie konnte Rothkos Entscheidung, Künstler zu werden, nicht nachvollziehen, vor allem angesichts der katastrophalen Wirtschaftslage der Weltwirtschaftskrise . Nachdem sie schwere finanzielle Rückschläge erlitten hatten, waren die Rothkowitzes von Rothkos scheinbarer Gleichgültigkeit gegenüber finanziellen Notwendigkeiten verwirrt. Sie hatten das Gefühl, dass er seiner Mutter keinen Gefallen tat, indem er keine lukrativere und realistischere Karriere fand.

Erste Einzelausstellung in New York

Nach seiner Rückkehr nach New York hatte Rothko seine erste Einzelausstellung an der Ostküste in der Contemporary Arts Gallery. Er zeigte fünfzehn Ölgemälde, meist Porträts, sowie einige Aquarelle und Zeichnungen. Unter diesen Werken haben vor allem die Ölgemälde die Aufmerksamkeit der Kunstkritiker auf sich gezogen. Rothkos Verwendung von satten Farbfeldern ging über Averys Einfluss hinaus. Ende 1935 schloss sich Rothko mit Ilya Bolotowsky , Ben-Zion , Adolph Gottlieb, Louis Harris, Ralph Rosenborg , Louis Schanker und Joseph Solman zu „ The Ten “ zusammen. Laut einem Ausstellungskatalog der Galerie bestand die Mission der Gruppe darin, "gegen die angebliche Gleichwertigkeit von amerikanischer Malerei und buchstäblicher Malerei zu protestieren".

Rothko erlangte unter seinen Kollegen einen wachsenden Ruf, insbesondere bei der Gruppe, die die Künstlervereinigung bildete. Der Künstlerverband, darunter Gottlieb und Solman, hoffte, eine städtische Kunstgalerie zu gründen, um selbstorganisierte Gruppenausstellungen zu zeigen. 1936 stellte die Gruppe in der Galerie Bonaparte in Frankreich aus, was zu positiver Kritik führte. Ein Rezensent bemerkte, dass Rothkos Gemälde "authentische koloristische Werte aufweisen". Später, im Jahr 1938, fand in der Mercury Gallery in New York eine Ausstellung statt, die als Protest gegen das Whitney Museum of American Art gedacht war, das nach Ansicht der Gruppe eine provinzielle, regionalistische Agenda verfolgte. Auch in dieser Zeit fand Rothko, wie Avery, Gorky, Pollock, de Kooning und viele andere, eine Anstellung bei der Works Progress Administration .

Stilentwicklung

Rothkos Werk wurde in Epochen beschrieben. In seiner frühen Periode (1924-1939) war die vom Impressionismus geprägte gegenständliche Kunst in der Regel urbane Szenen dargestellt. Seine mittleren, "Übergangs"-Jahre (1940-1950) umfassten Phasen der figurativen mythologischen Abstraktion, der "biomorphen" Abstraktion und der "Multiforms", wobei letztere Leinwände mit großen Farbflächen sind. Rothkos Übergangsjahrzehnt wurde vom Zweiten Weltkrieg beeinflusst, der ihn dazu veranlasste, einen neuen Ausdruck der Tragödie in der Kunst zu suchen . Während dieser Zeit wurde Rothko von antiken griechischen Tragödien wie Aischylos und seiner Lektüre von Nietzsches Die Geburt der Tragödie beeinflusst . In Rothkos Reife- oder "Klassik"-Zeit (1951-1970) malte er konsequent rechteckige Farbflächen, die als "Dramen" beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervorrufen sollten.

Im Jahr 1936 begann Rothko, ein nie fertiggestelltes Buch über Ähnlichkeiten in der Kunst von Kindern und der Arbeit moderner Maler zu schreiben. Laut Rothko könnte die von der primitiven Kunst beeinflusste Arbeit der Modernisten mit der von Kindern verglichen werden, indem "Kinderkunst sich in Primitivismus verwandelt, der nur das Kind ist, das eine Mimikry seiner selbst hervorbringt". In diesem Manuskript bemerkte er: "Tradition des Beginnens mit dem Zeichnen im akademischen Sinne. Wir können mit Farbe beginnen." Rothko verwendete Farbfelder in seinen Aquarellen und Stadtszenen. Sein Stil entwickelte sich bereits in Richtung seiner renommierten Spätwerke. Trotz dieser neu entdeckten Erforschung der Farbe wandte Rothko seine Aufmerksamkeit anderen formalen und stilistischen Innovationen zu und leitete eine Periode surrealistischer Gemälde ein, die von mythologischen Fabeln und Symbolen beeinflusst waren.

Reife

Mark Rothko, Yorktown Heights , c.  1949 . Brooklyn-Museum , von Consuelo Kanaga .

Rothko trennte sich Mitte 1937 vorübergehend von seiner Frau Edith. Einige Monate später versöhnten sie sich, aber ihre Beziehung blieb angespannt und sie ließen sich 1944 scheiden. Am 21. Februar 1938 wurde Rothko schließlich Staatsbürger der Vereinigten Staaten, ausgelöst durch Befürchtungen, dass der wachsende Einfluss der Nazis in Europa eine plötzliche Deportation amerikanischer Juden. Besorgt über Antisemitismus in Amerika und Europa kürzte Rothko seinen Namen 1940 von "Markus Rothkowitz" auf "Mark Rothko". Der Name "Roth", eine gängige Abkürzung, war noch erkennbar jüdisch, also entschied er sich für "Rothko".

Inspiration aus der Mythologie

Aus Angst, dass die moderne amerikanische Malerei in eine konzeptionelle Sackgasse geraten war, wollte Rothko andere Themen als Stadt- und Naturszenen erforschen. Er suchte nach Themen, die sein wachsendes Interesse mit Form, Raum und Farbe ergänzen würden. Die Weltkriegskrise gab dieser Suche ein Gefühl der Unmittelbarkeit. Er bestand darauf, dass die neuen Themen eine gesellschaftliche Wirkung haben, aber in der Lage sind, die Grenzen aktueller politischer Symbole und Werte zu überschreiten. In seinem 1948 veröffentlichten Aufsatz "The Romantics Were Prompted" argumentierte Rothko, dass der "archaische Künstler ... Mann fand Vermittler im Faschismus und in der Kommunistischen Partei . Für Rothko "kann die Kunst ohne Monster und Götter kein Drama darstellen".

Rothkos Gebrauch der Mythologie als Kommentar zur aktuellen Geschichte war nicht neu. Rothko, Gottlieb und Newman lasen und diskutierten die Werke von Sigmund Freud und Carl Jung . Insbesondere interessierten sie sich für psychoanalytische Theorien über Träume und Archetypen eines kollektiven Unbewussten. Sie verstanden mythologische Symbole als Bilder, die in einem Raum des menschlichen Bewusstseins agieren, der die spezifische Geschichte und Kultur transzendiert. Rothko sagte später, dass sein künstlerischer Ansatz durch sein Studium der "dramatischen Themen des Mythos" "reformiert" wurde. Angeblich hörte er 1940 ganz auf zu malen, um sich in die Lektüre von Sir James Frazers Mythologiestudium The Golden Bough und Freuds The Interpretation of Dreams zu vertiefen .

Nietzsches Einfluss

Rothkos neue Vision versuchte, den spirituellen und kreativen mythologischen Anforderungen des modernen Menschen gerecht zu werden. Der wichtigste philosophische Einfluss auf Rothko in dieser Zeit war Friedrich Nietzsche ‚s Die Geburt der Tragödie . Nietzsche behauptete, dass die griechische Tragödie dazu diente, den Menschen von den Schrecken des sterblichen Lebens zu erlösen. Die Erforschung neuartiger Themen der modernen Kunst war nicht mehr Rothkos Ziel. Von diesem Zeitpunkt an hatte seine Kunst das Ziel, die geistige Leere des modernen Menschen zu lindern. Er glaubte, dass diese Leere zum Teil aus dem Fehlen einer Mythologie resultierte, die, so Nietzsche, „die Bilder des Mythos die unbemerkten allgegenwärtigen dämonischen Wächter sein müssen, unter deren Obhut die junge Seele zur Reife heranwächst und deren Zeichen dem Menschen helfen, interpretiere sein Leben und seine Kämpfe." Rothko glaubte, dass seine Kunst unbewusste Energien freisetzen könnte, die zuvor durch mythologische Bilder, Symbole und Rituale gebunden waren. Er betrachtete sich als "Mythenmacher" und verkündete, dass "das beschwingte tragische Erlebnis für mich die einzige Quelle der Kunst ist".

Viele seiner Gemälde aus dieser Zeit kontrastieren barbarische Gewaltszenen mit zivilisierter Passivität, wobei er Bilder verwendet, die hauptsächlich aus der Oresteia- Trilogie von Aischylos stammen . Eine Liste von Rothkos Gemälden aus dieser Zeit veranschaulicht seinen Gebrauch von Mythen: Antigone , Ödipus , Das Opfer der Iphigenie , Leda , Die Furien , Altar des Orpheus . Rothko beschwört jüdisch-christliche Bilder in Gethsemane , Das letzte Abendmahl und Rites of Lilith . Er beruft sich auch auf ägyptische ( Zimmer in Karnak ) und syrische ( The Syrian Bull ) Mythen. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg glaubte Rothko, dass seine Titel die größeren, transzendenten Ziele seiner Gemälde einschränkten. Um eine maximale Interpretation durch den Betrachter zu ermöglichen, hörte er auf, seine Bilder zu benennen und zu rahmen, sondern bezog sich nur auf Zahlen.

"Mythomorpher" Abstraktionismus

Die Wurzel von Rothko und Gottliebs Darstellung archaischer Formen und Symbole, die die moderne Existenz erhellten, war der Einfluss des Surrealismus , des Kubismus und der abstrakten Kunst . 1936 besuchte Rothko zwei Ausstellungen im Museum of Modern Art , "Kubismus und Abstrakte Kunst" und "Fantastic Art, Dada and Surrealism".

1942 eroberte der Surrealismus New York nach dem Erfolg von Ausstellungen von Ernst , Miró , Wolfgang Paalen , Tanguy und Salvador Dalí , die kriegsbedingt in die USA ausgewandert waren, im Sturm. Rothko und seine Kollegen Gottlieb und Newman trafen sich und diskutierten über die Kunst und Ideen dieser europäischen Pioniere sowie die von Mondrian .

Auf einer Ausstellung im Jahr 1942 im Kaufhaus Macy's in New York City wurden neue Gemälde enthüllt . Als Reaktion auf eine negative Kritik der New York Times gaben Rothko und Gottlieb ein Manifest heraus, das hauptsächlich von Rothko geschrieben wurde. In Anlehnung an die selbsternannte „Verwirrung“ des Times- Kritikers über das neue Werk sagten sie: „Wir bevorzugen den einfachen Ausdruck des komplexen Gedankens. Wir sind für die große Form, weil sie die Wirkung des Eindeutigen hat . Wir sind für flache Formen, weil sie die Illusion zerstören und die Wahrheit offenbaren.“ Schriller kritisierten sie diejenigen, die von weniger anspruchsvoller Kunst umgeben sein wollten, und stellten fest, dass ihre Arbeit notwendigerweise "jeden beleidigen muss, der sich spirituell auf die Inneneinrichtung eingestellt hat".

Rothkos Mythos betrachtete den Mythos als eine auffüllende Ressource für eine Ära der spirituellen Leere. Dieser Glaube hatte Jahrzehnte zuvor begonnen, durch seine Lektüre von Carl Jung , TS Eliot , James Joyce und Thomas Mann , neben anderen Autoren.

Bruch mit dem Surrealismus

Am 13. Juni 1943 trennten sich Rothko und Sachar wieder. Rothko litt nach ihrer Scheidung an einer Depression. In dem Gedanken, dass ein Tapetenwechsel helfen könnte, kehrte Rothko nach Portland zurück. Von dort reiste er nach Berkeley, wo er den Künstler Clyfford Still kennenlernte und die beiden eine enge Freundschaft schlossen. Stills zutiefst abstrakte Malerei sollte einen erheblichen Einfluss auf Rothkos Spätwerk haben. Im Herbst 1943 kehrte Rothko nach New York zurück. Er traf sich mit der bekannten Sammlerin und Kunsthändlerin Peggy Guggenheim , aber sie zögerte zunächst, seine Kunstwerke anzunehmen. Rothkos Einzelausstellung in Guggenheims The Art of This Century Gallery Ende 1945 führte zu wenigen Verkäufen mit Preisen zwischen 150 und 750 US-Dollar. Die Ausstellung zog auch weniger positive Kritiken von Kritikern an. In dieser Zeit wurde Rothko von Stills abstrakten Farblandschaften angeregt und sein Stil verlagerte sich vom Surrealismus. Rothkos Experimente zur Deutung der unbewussten Symbolik alltäglicher Formen waren abgeschlossen. Seine Zukunft lag in der Abstraktion:

„Ich beharre auf der gleichen Existenz der Welt, die im Geist erschaffen wurde, und der Welt, die von Gott außerhalb davon erschaffen wurde. Wenn ich beim Gebrauch vertrauter Objekte gescheitert bin, dann deshalb, weil ich mich weigere, ihre Erscheinung um einer Handlung willen zu verstümmeln denen sie zu alt sind, um zu dienen, oder für die sie vielleicht nie gedacht waren.Ich streite mit Surrealisten und abstrakter Kunst nur wie man mit seinem Vater und seiner Mutter streitet. Ich bin beides und ein von ihnen völlig unabhängiges Integral."

Rothkos Meisterwerk Slow Swirl at the Edge of the Sea (1945) veranschaulicht seine neu entdeckte Neigung zur Abstraktion. Es wurde als Meditation über Rothkos Werbung um seine zweite Frau Mary Alice "Mell" Beistle interpretiert, die er 1944 kennenlernte und Anfang 1945 heiratete. Andere Lesarten haben Echos von Botticellis Die Geburt der Venus festgestellt , die Rothko bei einer Leihausstellung "Italienische Meister" im Museum of Modern Art, 1940. Das Gemälde zeigt in dezenten Grau- und Brauntönen zwei menschenähnliche Formen, die von einer wirbelnden, schwebenden Atmosphäre aus Formen und Farben umgeben sind. Der starre rechteckige Hintergrund lässt Rothkos spätere Experimente in reiner Farbe erahnen. Das Gemälde wurde nicht zufällig im Jahr des Endes des Zweiten Weltkriegs fertiggestellt.

Trotz der Aufgabe seines "mythomorphen Abstraktionismus" wurde Rothko für den Rest der 1940er Jahre vor allem für seine surrealistischen Werke von der Öffentlichkeit anerkannt. Das Whitney Museum nahm sie von 1943 bis 1950 in seine jährliche Ausstellung zeitgenössischer Kunst auf.

"Multiformen"

Im Jahr 1946 schuf Rothko das, was Kunstkritiker seither als seine „ multiform “ -Übergangsbilder bezeichnen . Obwohl Rothko den Begriff Multiform selbst nie verwendet hat, ist er dennoch eine genaue Beschreibung dieser Gemälde. Einige davon, darunter No. 18 und Untitled (beide 1948), sind weniger vorübergehend als vollständig realisiert. Rothko selbst beschrieb diese Gemälde als eher organische Struktur und als in sich geschlossene Einheiten des menschlichen Ausdrucks. Für ihn besaßen diese verschwommenen Blöcke in verschiedenen Farben, ohne Landschaft oder menschliche Figur, geschweige denn Mythos und Symbol, eine eigene Lebenskraft. Sie enthielten einen "Atem des Lebens", den er in den meisten figurativen Gemälden dieser Zeit vermisste. Sie waren voller Möglichkeiten, während sein Experimentieren mit mythologischen Symbolen zu einer müden Formel geworden war. Die "Multiforms" brachten Rothko zu einer Verwirklichung seines charakteristischen Stils rechteckiger Farbflächen, den er für den Rest seines Lebens produzierte.

Mitten in dieser entscheidenden Übergangsphase war Rothko von Clyfford Stills abstrakten Farbfeldern beeindruckt , die teilweise von den Landschaften von Stills Heimat North Dakota beeinflusst waren. 1947, während eines Sommersemesters an der California School of Fine Art, liebäugelten Rothko und Still mit der Idee, einen eigenen Lehrplan zu gründen. 1948 gründeten Rothko, Robert Motherwell , William Baziotes , Barnett Newman und David Hare die Fächer der Künstlerschule in der 35 East 8th Street . Dort waren gut besuchte Vorlesungen mit Referenten wie Jean Arp , John Cage und Ad Reinhardt , aber die Schule scheiterte finanziell und schloss im Frühjahr 1949. Obwohl sich die Gruppe später im selben Jahr trennte, war die Schule die Zentrum einer regen Tätigkeit in der zeitgenössischen Kunst. Zusätzlich zu seiner Lehrerfahrung begann Rothko, Artikel zu zwei neuen Kunstpublikationen beizutragen, Tiger's Eye und Possibilities . Rothko nutzte die Foren als Gelegenheit, die aktuelle Kunstszene zu beurteilen, und diskutierte auch ausführlich seine eigene Arbeit und Kunstphilosophie . Diese Artikel spiegeln die Beseitigung von Bildelementen aus seiner Malerei, und ein besonderes Interesse an der neuen Notfall Debatte ins Leben gerufen von Wolfgang Paalen ‚s Form und Sense Veröffentlichung von 1945 Rothko seine neue Methode als‚unbekannte Abenteuer in einem unbekannten Raum‘beschrieben, frei aus "der direkten Verbindung mit einem bestimmten, und der Leidenschaft des Organismus". Breslin beschrieb diesen Einstellungswandel als „sowohl das Selbst als auch die Malerei sind nun Möglichkeitenfelder – ein Effekt, der vermittelt wird … durch die Schaffung von vielgestaltigen, unbestimmten Formen, deren Vielfalt belassen wird.“

Im Jahr 1949 wurde Rothko fasziniert Henri Matisse ‚s Red Studio , in diesem Jahr durch das Museum of Modern Art erworben. Später bezeichnete er es als eine weitere wichtige Inspirationsquelle für seine späteren abstrakten Gemälde.

Späte Periode

Bald entwickelten sich die "multiforms" zum Signature-Style; Anfang 1949 stellte Rothko diese neuen Werke in der Betty Parsons Gallery aus. Für den Kritiker Harold Rosenberg waren die Bilder eine Offenbarung. Nachdem er seine erste "Multiform" gemalt hatte, hatte sich Rothko in sein Haus in East Hampton auf Long Island zurückgezogen. Er lud nur wenige Auserwählte, darunter Rosenberg, ein, die neuen Gemälde zu sehen. Die Entdeckung seiner endgültigen Form kam für den Künstler in einer Zeit großer Not; Seine Mutter Kate war im Oktober 1948 gestorben. Konzentrationen seiner Substanz. Der grüne Balken in Magenta, Schwarz, Grün auf Orange hingegen scheint gegen das Orange um ihn herum zu vibrieren und erzeugt ein optisches Flimmern." Darüber hinaus malte Rothko in den nächsten sieben Jahren nur in Öl auf großen Leinwänden mit vertikalen Formaten. Sehr großformatige Designs wurden verwendet, um den Betrachter zu überwältigen oder, in Rothkos Worten, dem Betrachter das Gefühl zu geben, in das Gemälde „eingehüllt“ zu sein. Für manche Kritiker war das große Format ein Versuch, einen Mangel an Substanz auszugleichen. Als Vergeltung erklärte Rothko:

„Mir ist klar, dass die Funktion des Malens großer Bilder historisch gesehen darin besteht, etwas sehr Grandioses und Pompöses zu malen. Der Grund, warum ich sie male, ist jedoch … gerade weil ich sehr intim und menschlich sein möchte. Ein kleines Bild zu malen bedeutet, sich selbst zu platzieren außerhalb deiner Erfahrung, eine Erfahrung als stereoptikonische Ansicht oder mit einem verkleinernden Glas zu betrachten. Wie auch immer du das größere Bild malst, du bist darin. Es ist nichts, was du befiehlst!"

Rothko ging sogar so weit, dem Betrachter zu empfehlen, sich nur 20 Zentimeter von der Leinwand entfernt zu positionieren, um ein Gefühl von Intimität sowie Ehrfurcht, eine Transzendenz des Individuums und ein Gefühl für das Unbekannte zu erfahren.

Als Rothko Erfolg hatte, schützte er seine Werke zunehmend und lehnte mehrere potenziell wichtige Verkaufs- und Ausstellungsmöglichkeiten ab:

„Ein Bild lebt von Kameradschaft, erweitert und belebt sich in den Augen des sensiblen Betrachters. Es stirbt damit. Es ist daher ein riskanter und gefühlloser Akt, es in die Welt zu senden. Wie oft muss es durch die Augen des Vulgären und die Grausamkeit der Ohnmächtigen, die das Leiden überall ausdehnen würden!"

Rothkos Ziele überstiegen nach Einschätzung einiger Kritiker und Zuschauer seine Methoden. Viele der abstrakten Expressionisten diskutierten ihre Kunst als Ziel einer spirituellen Erfahrung oder zumindest einer Erfahrung, die die Grenzen des rein Ästhetischen überschreitet. In späteren Jahren betonte Rothko stärker den spirituellen Aspekt seines Kunstwerks, ein Gefühl, das im Bau der Rothko-Kapelle gipfelte .

Viele der "Multiforms" und frühen Signature-Gemälde bestehen aus leuchtenden, lebendigen Farben, insbesondere Rot- und Gelbtönen, die Energie und Ekstase ausdrücken. Mitte der 1950er Jahre, fast ein Jahrzehnt nach der Fertigstellung der ersten "Multiforms", begann Rothko jedoch, dunkle Blau- und Grüntöne zu verwenden; für viele Kritiker seiner Arbeit war dieser Farbwechsel repräsentativ für eine wachsende Dunkelheit in Rothkos Privatleben.

Rothkos Methode bestand darin, eine dünne Schicht Bindemittel mit Pigment vermischt direkt auf unbeschichtete und unbehandelte Leinwand aufzutragen und direkt auf diese Schicht stark verdünnte Öle zu malen, wodurch eine dichte Mischung aus sich überlagernden Farben und Formen entsteht. Seine Pinselstriche waren schnell und leicht, eine Methode, die er bis zu seinem Tod anwenden würde. Seine zunehmende Begabung in dieser Methode zeigt sich in den Gemälden, die für die Kapelle fertiggestellt wurden. In Abwesenheit figurativer Darstellung liegt die Dramatik eines späten Rothko im Kontrast der gegeneinander ausstrahlenden Farben. Seine Bilder können dann mit einer Art fugenartiger Anordnung verglichen werden: Jede Variation gegeneinander, doch alle existieren innerhalb einer architektonischen Struktur.

Rothko verwendete mehrere originelle Techniken, die er sogar vor seinen Assistenten geheim zu halten versuchte. Die vom MOLAB durchgeführte Elektronenmikroskopie und Ultraviolettanalyse zeigten, dass er natürliche Substanzen wie Ei und Leim sowie künstliche Materialien wie Acrylharze , Phenolformaldehyd , modifiziertes Alkyd und andere verwendete. Eines seiner Ziele war es, die verschiedenen Schichten des Gemäldes schnell trocknen zu lassen, ohne die Farben zu vermischen, damit er bald neue Schichten über den früheren erstellen konnte.

Reisen in Europa: zunehmender Ruhm

Rothko und seine Frau besuchten Anfang 1950 Europa für fünf Monate. Das letzte Mal in Europa war er während seiner Kindheit in Lettland, damals Teil Russlands. In seine Heimat kehrte er jedoch nicht zurück, sondern besuchte lieber die bedeutenden Gemäldesammlungen der großen Museen Englands, Frankreichs und Italiens. Am meisten beeindruckten ihn die Fresken von Fra Angelico im Kloster San Marco in Florenz . Fra Angelicos Spiritualität und Konzentration auf das Licht sprach Rothkos Sensibilität ebenso an wie die wirtschaftlichen Widrigkeiten des Künstlers, die Rothko als seinen eigenen ansah.

Rothko hatte 1950 und 1951 Einzelausstellungen in der Betty Parsons Gallery und in anderen Galerien auf der ganzen Welt, darunter in Japan, São Paulo und Amsterdam. Die 1952 von Dorothy Canning Miller kuratierte Ausstellung "Fifteen Americans" im Museum of Modern Art kündigte die abstrakten Künstler offiziell an und umfasste Werke von Jackson Pollock und William Baziotes . Es führte auch zu einem Streit zwischen Rothko und Barnett Newman, nachdem Newman Rothko vorgeworfen hatte, versucht zu haben, ihn von der Show auszuschließen. Der wachsende Erfolg als Gruppe führte zu internen Machtkämpfen und zu Vorherrschafts- und Führungsansprüchen. Als das Fortune- Magazin 1955 ein Rothko-Gemälde als gute Investition bezeichnete, brandmarkten Newman und Clyfford Still ihn als Ausverkauf mit bürgerlichen Ambitionen. Still schrieb Rothko und bat um Rückgabe der Gemälde, die er ihm im Laufe der Jahre geschenkt hatte. Rothko war von der Eifersucht seiner ehemaligen Freunde zutiefst deprimiert.

Während der Europareise 1950 wurde Rothkos Frau Mell schwanger. Am 30. Dezember, als sie wieder in New York waren, brachte sie zu Ehren von Rothkos Mutter Kate Goldin eine Tochter namens Kathy Lynn zur Welt.

Reaktionen auf seinen eigenen Erfolg

Kurz darauf begann sich die finanzielle Situation von Rothko aufgrund des Fortune- Magazin-Plugs und weiterer Käufe durch Kunden zu verbessern. Neben dem Verkauf von Gemälden hatte er auch Geld aus seiner Lehrtätigkeit am Brooklyn College . 1954 stellte er in einer Einzelausstellung im Art Institute of Chicago aus , wo er den Kunsthändler Sidney Janis traf , der Pollock und Franz Kline vertrat . Ihre Beziehung erwies sich für beide Seiten als vorteilhaft.

Trotz seines Ruhms verspürte Rothko eine wachsende persönliche Abgeschiedenheit und das Gefühl, als Künstler missverstanden zu werden. Er befürchtete, dass die Leute seine Bilder einfach aus der Mode kauften und dass der wahre Zweck seiner Arbeit von Sammlern, Kritikern oder Publikum nicht erfasst wurde. Er wollte, dass seine Bilder sowohl über die Abstraktion als auch über die klassische Kunst hinausgehen. Für Rothko waren die Bilder Objekte, die eine eigene Form und ein eigenes Potenzial besaßen und daher als solche begegnet werden müssen. Da Rothko die Sinnlosigkeit der Worte bei der Beschreibung dieses dezidiert nonverbalen Aspekts seiner Arbeit spürte, gab er alle Versuche auf, denen zu antworten, die nach dessen Sinn und Zweck fragten, und erklärte schließlich, dass Schweigen "so genau" sei:

"Die Oberflächen meiner Bilder sind ausladend und drängen nach außen in alle Richtungen oder ihre Oberflächen ziehen sich zusammen und eilen in alle Richtungen nach innen. Zwischen diesen beiden Polen findet man alles, was ich sagen möchte."

Rothko beharrte darauf, dass er kein Abstraktionist sei und dass eine solche Beschreibung ebenso ungenau sei, wie ihn als großen Koloristen zu bezeichnen. Sein Interesse war:

„... nur indem ich grundlegende menschliche Emotionen ausdrücke – Tragödie, Ekstase, Untergang und so weiter. Und die Tatsache, dass viele Menschen zusammenbrechen und weinen, wenn sie mit meinen Bildern konfrontiert werden, zeigt, dass ich diese grundlegenden menschlichen Emotionen kommunizieren kann ... Die Menschen, die vor meinen Bildern weinen, machen die gleiche religiöse Erfahrung, die ich hatte, als ich sie gemalt habe. Und wenn man, wie man sagt, sich nur durch das Farbverhältnis bewegt, dann verfehlt man das Wesentliche."

Farbe ist für Rothko „nur ein Instrument“. Die Multiforms und die Signature Paintings sind im Wesentlichen der gleiche Ausdruck grundlegender menschlicher Emotionen wie seine surrealistischen mythologischen Gemälde, wenn auch in einer reineren Form. Gemeinsam ist diesen stilistischen Neuerungen die Sorge um „Tragödie, Ekstase und Untergang“. Es war Rothkos Kommentar zu den Zuschauern, die vor seinen Gemälden in Tränen ausbrachen , die die de Menils möglicherweise davon überzeugt haben, die Rothko-Kapelle zu bauen. Was auch immer Rothko über Interpretationen seines Werks dachte, es ist offensichtlich, dass der spirituelle Ausdruck, den er auf der Leinwand darstellen wollte, 1958 immer dunkler wurde. Seine leuchtenden Rot-, Gelb- und Orangetöne wurden subtil in dunkle Blau-, Grün-, Grau- und Schwarztöne umgewandelt.

Rothkos Freundin, die Kunstkritikerin Dore Ashton , weist auf die Bekanntschaft des Künstlers mit dem Dichter Stanley Kunitz als eine bedeutende Verbindung in dieser Zeit hin ("Gespräche zwischen Maler und Dichter flossen in Rothkos Unternehmen ein"). Kunitz sah Rothko als "einen Primitiven, einen Schamanen, der die Zauberformel findet und die Menschen dazu führt". Große Poesie und Malerei, glaubte Kunitz, hatten beide "Wurzeln in Magie, Beschwörung und Zauberei" und waren im Kern ethisch und spirituell. Kunitz verstand instinktiv den Zweck von Rothkos Suche.

Im November 1958 hielt Rothko eine Ansprache an das Pratt-Institut . In einem für ihn ungewöhnlichen Tenor diskutierte er über Kunst als Gewerbe und bot die

„Rezept eines Kunstwerks – seine Zutaten – wie man es macht – die Formel

  1. Es muss eine klare Beschäftigung mit dem Tod geben - Andeutungen von Sterblichkeit ... Tragische Kunst, romantische Kunst usw. beschäftigt sich mit der Erkenntnis des Todes.
  2. Sinnlichkeit. Unsere Basis, um konkret über die Welt zu sein. Es ist eine lustvolle Beziehung zu Dingen, die existieren.
  3. Spannung. Entweder Konflikt oder gezügeltes Verlangen.
  4. Ironie, Dies ist eine moderne Zutat – die Selbstauslöschung und Untersuchung, durch die ein Mann für einen Moment zu etwas anderem übergehen kann.
  5. Witz und Spiel ... für das menschliche Element.
  6. Das Vergängliche und Zufällige ... für das Menschliche.
  7. Hoffnung. 10%, um das tragische Konzept erträglicher zu machen.

Ich messe diese Zutaten sehr sorgfältig ab, wenn ich ein Bild male. Es ist immer die Form, die diesen Elementen folgt und das Bild ergibt sich aus den Proportionen dieser Elemente."

Seagram Murals – Four Seasons Restaurantkommission

Hauptartikel: Seagram Wandbilder

1958 erhielt Rothko den ersten von zwei großen Wandgemälden, der sich als lohnend und frustrierend erwies. Der Getränkekonzern Joseph Seagram and Sons hatte kürzlich den neuen Wolkenkratzer Seagram Building an der Park Avenue fertiggestellt , entworfen von den Architekten Mies van der Rohe und Philip Johnson . Rothko erklärte sich bereit, Gemälde für das neue Luxusrestaurant des Gebäudes, das Four Seasons , zu liefern . Dies war, wie der Kunsthistoriker Simon Schama es ausdrückte, "seine monumentalen Dramen direkt in den Bauch des Tieres zu bringen".

Für Rothko stellte dieser Auftrag für Seagram-Wandmalereien eine neue Herausforderung dar, da er zum ersten Mal nicht nur eine aufeinander abgestimmte Serie von Gemälden entwerfen musste, sondern ein künstlerisches Raumkonzept für einen großen, spezifischen Innenraum erstellen musste. In den folgenden drei Monaten fertigte Rothko vierzig Gemälde an, die drei vollständige Serien in Dunkelrot und Braun umfassten. Er änderte sein horizontales Format in ein vertikales, um die vertikalen Merkmale des Restaurants zu ergänzen: Säulen, Wände, Türen und Fenster.

Im folgenden Juni reisten Rothko und seine Familie erneut nach Europa. Während der SS- Unabhängigkeit enthüllte er dem Journalisten John Fischer, dem Herausgeber des Harper's Magazine , dass seine wahre Absicht für die Seagram-Wandgemälde darin bestand, "etwas zu malen, das den Appetit jedes Hurensohns ruiniert, der jemals in der Stadt isst". dieser Raum". Er hoffe, sagte er Fischer, dass sein Gemälde den Gästen des Restaurants "das Gefühl geben würde, in einem Raum gefangen zu sein, in dem alle Türen und Fenster zugemauert sind, damit sie nur den Kopf für immer an die Wand stoßen können".

Vestibül der Laurentian Library.
Fresken in der Villa der Mysterien.

In Europa reisten die Rothkos nach Rom, Florenz, Venedig und Pompeji. In Florenz besuchte er Michelangelo ‚s Bibliothek Laurenziana , um zu sehen , aus erster Hand der Vorhalle der Bibliothek, aus dem er weitere Inspiration für die Wandbilder zog. Er bemerkte, dass "der Raum genau das Gefühl hatte, das ich wollte ... es gibt dem Besucher das Gefühl, in einem Raum mit geschlossenen Türen und Fenstern gefangen zu sein." Außerdem wurde er von den düsteren Farben der Wandmalereien in der pompejanischen Mysterienvilla beeinflusst . Nach der Reise nach Italien reisten die Rothkos nach Paris, Brüssel, Antwerpen und Amsterdam, bevor sie nach London gingen, wo Rothko einige Zeit im British Museum verbrachte, um die Turner-Aquarelle zu studieren. Anschließend reisten sie nach Somerset und wohnten bei dem Künstler William Scott, der gerade ein großes Wandbildprojekt startete, und diskutierten die jeweiligen Fragen der öffentlichen und privaten Förderung. Nach dem Besuch fuhren die Rothkos weiter nach St. Ives im Westen Englands und trafen sich mit Patrick Heron und anderen kornischen Malern, bevor sie nach London und dann in die Vereinigten Staaten zurückkehrten.

Zurück in New York besuchten Rothko und seine Frau Mell das fast fertige Restaurant Four Seasons. Verärgert über die Atmosphäre des Restaurants, die er für anmaßend und unangemessen für die Ausstellung seiner Werke hielt, weigerte sich Rothko, das Projekt fortzusetzen, und gab seinen Barvorschuss an die Seagram and Sons Company zurück. Seagram hatte vorgehabt, Rothkos Aufstieg durch seine Auswahl zu würdigen, und sein Vertragsbruch und seine öffentliche Empörung waren unerwartet.

Rothko bewahrte die Auftragsbilder bis 1968 auf. Da Rothko die luxuriöse Einrichtung des Restaurants und die soziale Klasse seiner zukünftigen Gäste im Voraus wusste, bleiben die Motive für seine abrupte Ablehnung mysteriös, obwohl er seinem Freund schrieb William Scott in England: „Da wir unsere jeweiligen Wandbilder besprochen hatten, dachte ich, es könnte Sie interessieren, dass meine immer noch bei mir sind. Als ich zurückkam, schaute ich mir meine Bilder noch einmal an und besuchte dann die Räumlichkeiten, für die sie bestimmt waren, da war mir sofort klar, dass die beiden nicht füreinander sind.“ Als temperamentvolle Persönlichkeit erklärte Rothko seine widersprüchlichen Emotionen über den Vorfall nie vollständig. Eine Lesart bietet sein Biograph James EB Breslin: Das Seagram-Projekt könnte man als das Ausspielen eines vertrauten, in diesem Fall selbst geschaffenen „Dramas des Vertrauens und des Verrats, des Vordringens in die Welt und des dann wütenden Rückzugs“ verstehen , davon ... Er war ein Isaak, der sich im letzten Moment weigerte, Abraham nachzugeben." Die letzte Serie von Seagram Murals wurde verteilt und hängt jetzt an drei Orten: Londons Tate Britain , Japans Kawamura Memorial Museum und der National Gallery of Art in Washington, DC Diese Episode war die Hauptgrundlage für John Logans Theaterstück Red aus dem Jahr 2009 .

Im Oktober 2012 wurde Black on Maroon , eines der Gemälde der Seagram-Serie, während seiner Ausstellung in der Tate Modern mit schwarzer Tinte verunstaltet. Die Restaurierung des Gemäldes dauerte 18 Monate. Der Kunstredakteur der BBC , Will Gompertz, erklärte, dass die Tinte aus dem Markierstift des Vandalen durch die Leinwand geblutet sei und „eine tiefe Wunde, keine oberflächliche Abschürfung“ verursacht habe, und dass der Vandalen „erheblichen Schaden“ angerichtet habe.

Steigende amerikanische Prominenz

Rothkos erster fertiggestellter Raum entstand in der Phillips Collection in Washington, DC, nachdem der Sammler Duncan Phillips vier Gemälde gekauft hatte . Rothkos Ruhm und Reichtum waren beträchtlich gestiegen; seine Gemälde wurden an namhafte Sammler verkauft, darunter die Familie Rockefeller . Im Januar 1961 saß Rothko neben Joseph Kennedy bei John F. Kennedys Antrittsball. Später in diesem Jahr fand im Museum of Modern Art eine Retrospektive seiner Arbeit mit beachtlichem kommerziellem und kritischem Erfolg statt. Trotz dieses neu gewonnenen Ruhms hatte die Kunstwelt ihre Aufmerksamkeit bereits von den inzwischen passé abstrakten Expressionisten auf das "nächste große Ding", die Pop-Art , gerichtet, insbesondere auf die Werke von Warhol , Lichtenstein und Rosenquist .

Rothko bezeichnete Pop-Art-Künstler als "Scharlatane und junge Opportunisten" und fragte sich während einer Pop-Art-Ausstellung im Jahr 1962 laut: "Sind die jungen Künstler planen, uns alle zu töten?" Beim Betrachten der Flaggen von Jasper Johns sagte Rothko: "Wir haben jahrelang daran gearbeitet, das alles loszuwerden." Es war nicht so, dass Rothko es nicht akzeptieren konnte, ersetzt zu werden, aber er konnte nicht akzeptieren, was ihn ersetzte: Er fand Pop-Art nutzlos.

Am 31. August 1963 gebar Mell ein zweites Kind, Christopher. In diesem Herbst unterzeichnete Rothko mit der Marlborough Gallery einen Vertrag über den Verkauf seiner Werke außerhalb der Vereinigten Staaten. In New York verkaufte er die Kunstwerke weiterhin direkt aus seinem Atelier. Bernard Reis, Rothkos Finanzberater, war auch ohne Wissen des Künstlers Buchhalter der Galerie und später gemeinsam mit seinen Mitarbeitern für einen der größten Skandale der Kunstgeschichte verantwortlich.

Harvard-Wandbilder

Rothko erhielt ein zweites Wandgemälde-Auftragsprojekt, diesmal für einen Gemälderaum für das Penthouse des Holyoke Center der Harvard University . Er fertigte zweiundzwanzig Skizzen an, von denen zehn wandgroße Gemälde auf Leinwand gemalt wurden, sechs wurden nach Cambridge, Massachusetts gebracht und nur fünf hingen: ein Triptychon an einer Wand und gegenüber zwei einzelne Tafeln. Sein Ziel war es, eine Umgebung für einen öffentlichen Ort zu schaffen. Der Präsident von Harvard, Nathan Pusey , ließ die Gemälde nach einer Erklärung der religiösen Symbolik des Triptychons im Januar 1963 aufhängen und später im Guggenheim ausstellen . Während der Installation stellte Rothko fest, dass die Gemälde durch die Beleuchtung des Raums beeinträchtigt wurden. Trotz der Installation von Fiberglasschirmen wurden die Gemälde bis 1979 alle entfernt und aufgrund der Flüchtigkeit einiger Rotpigmente, insbesondere Litholrot, dunkel gelagert und nur zeitweise ausgestellt. Die Wandbilder waren vom 16. November 2014 bis 26. Juli 2015 in den neu renovierten Harvard Art Museums zu sehen, wobei das Ausbleichen der Pigmente durch ein innovatives Farbprojektionssystem zur Beleuchtung der Gemälde kompensiert wurde.

Rothko-Kapelle

Rothko-Kapelle in Houston, Texas, Nordamerika.

Die Rothko-Kapelle befindet sich neben der Menil Collection und der University of St. Thomas in Houston , Texas. Das Gebäude ist klein und fensterlos. Es ist eine geometrische, "postmoderne" Struktur, die sich in einem Viertel der Mittelschicht in Houston um die Jahrhundertwende befindet. Die Kapelle, die Menil Collection und die nahe gelegene Cy Twombly Gallery wurden von den texanischen Ölmillionären John und Dominique de Menil finanziert .

Rothkos Studio in der 153 East 69th Street in New Yorks Upper East Side

1964 bezog Rothko sein letztes New Yorker Studio in der 157 East 69th Street und stattete das Studio mit Riemenscheiben aus, die große Wände aus Leinwandmaterial trugen, um das Licht von einer zentralen Kuppel zu regulieren, um die Beleuchtung zu simulieren, die er für die Rothko-Kapelle plante. Trotz Warnungen über den Lichtunterschied zwischen New York und Texas beharrte Rothko auf dem Experiment und machte sich an die Arbeit an den Leinwänden. Rothko erzählte Freunden, dass er die Kapelle als seine wichtigste künstlerische Aussage beabsichtige. Er war maßgeblich an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt und bestand darauf, dass es eine zentrale Kuppel wie die seines Ateliers erhielt. Der Architekt Philip Johnson , der mit Rothkos Vision über die Art von Licht, die er im Raum wollte, keine Kompromisse eingehen konnte, verließ das Projekt 1967 und wurde durch Howard Barnstone und Eugene Aubry ersetzt. Die Architekten flogen häufig zu Beratungsgesprächen nach New York und brachten einmal eine Miniatur des Gebäudes zur Genehmigung mit.

Für Rothko sollte die Kapelle ein Ziel sein, ein Pilgerort fernab des Zentrums der Kunst (in diesem Fall New York), wo Suchende nach Rothkos neu "religiösen" Kunstwerken reisen konnten. Ursprünglich sollte die heute nicht-konfessionelle Kapelle spezifisch römisch-katholisch sein , und während der ersten drei Jahre des Projekts (1964-67) glaubte Rothko, dass dies so bleiben würde. So wurden Rothkos Entwurf des Gebäudes und die religiösen Implikationen der Gemälde von der römisch-katholischen Kunst und Architektur inspiriert. Seine achteckige Form ist einer byzantinischen Kirche St. Maria Assunta nachempfunden, und das Format der Triptychen orientiert sich an Gemälden der Kreuzigung . Die de Menils glaubten, dass der universelle "spirituelle" Aspekt von Rothkos Werk die Elemente des römischen Katholizismus ergänzen würde.

Rothkos Maltechnik erforderte erhebliche körperliche Ausdauer, die der angeschlagene Künstler nicht mehr aufbringen konnte. Um die Bilder zu schaffen, die er sich vorstellte, musste Rothko zwei Assistenten einstellen, die die kastanienbraune Farbe in schnellen Strichen in mehreren Schichten auftragen: "Ziegelrot, tiefes Rot, schwarzes Malven". Auf die Hälfte der Arbeiten trug Rothko keine Farbe selbst auf und begnügte sich größtenteils damit, den langsamen, mühsamen Prozess zu überwachen. Die Fertigstellung der Bilder empfand er als "Qual", und das unvermeidliche Ergebnis war, "etwas zu schaffen, das man nicht sehen möchte".

Die Kapelle ist der Höhepunkt von sechs Jahren von Rothkos Leben und repräsentiert seine allmählich wachsende Sorge um das Transzendente . Für manche bedeutet das Bezeugen dieser Bilder, sich selbst einer spirituellen Erfahrung zu unterwerfen, die durch ihre Transzendenz des Themas der des Bewusstseins selbst nahe kommt. Es zwingt einen, sich den Grenzen der Erfahrung zu nähern, und erweckt das Bewusstsein der eigenen Existenz. Für andere beherbergt die Kapelle vierzehn große Gemälde, deren dunkle, fast undurchdringliche Oberflächen Hermetik und Kontemplation darstellen.

Die Kapellenmalereien bestehen aus einem monochromen Triptychon in sanftem Braun an der Mittelwand, bestehend aus drei 5 mal 15 Fuß großen Tafeln, und einem Paar Triptychen links und rechts aus undurchsichtigen schwarzen Rechtecken. Zwischen den Triptychen befinden sich vier einzelne Gemälde, die jeweils 11 mal 15 Fuß messen. Ein weiteres Einzelgemälde ist dem zentralen Triptychon von der gegenüberliegenden Wand zugewandt. Der Effekt besteht darin, den Betrachter mit massiven, imposanten Visionen der Dunkelheit zu umgeben. Trotz ihrer Grundlage in religiöser Symbolik (Triptychon) und weniger subtiler Bildsprache (Kreuzigung) lassen sich die Gemälde nur schwer spezifisch an traditionelle christliche Motive anhängen und wirken möglicherweise unterschwellig auf den Betrachter. Eine aktive spirituelle oder ästhetische Untersuchung kann dem Betrachter entlockt werden, wie dies bei einer religiösen Ikone mit spezifischer Symbolik der Fall ist. Auf diese Weise beseitigt und schafft Rothkos Symbollöschung Barrieren für das Werk.

Wie sich herausstellte, waren diese Werke sein letztes künstlerisches Statement an die Welt. Bei der Eröffnung der Kapelle im Jahr 1971 wurden sie schließlich enthüllt. Rothko hat die fertige Kapelle nie gesehen und die Gemälde nie angebracht. Am 28. Februar 1971 sagte Dominique de Menil bei der Einweihung: "Wir sind vollgestopft mit Bildern und nur abstrakte Kunst kann uns an die Schwelle des Göttlichen bringen", wies auf Rothkos Mut hin, etwas zu malen, was man "undurchdringliche Festungen" nennen könnte Farbe. Das Drama für viele Kritiker von Rothkos Werk ist die unbehagliche Position der Gemälde zwischen, wie Chase feststellt, "Nichts oder Nichtigkeit" und "würdigen 'stummen Ikonen', die 'die einzige Art von Schönheit bieten, die wir heute akzeptabel finden'".

Selbstmord- und Erbschaftsklage

Anfang 1968 wurde bei Rothko ein leichtes Aortenaneurysma diagnostiziert. Rothko ignorierte die Anweisungen des Arztes, trank und rauchte weiterhin stark, vermied Sport und hielt eine ungesunde Ernährung aufrecht. „Hoch nervös, dünn, unruhig“, schilderte seine Freundin Dore Ashton zu dieser Zeit Rothko. Er befolgte jedoch den ärztlichen Rat, keine Bilder mit einer Höhe von mehr als einem Meter zu malen, und wandte seine Aufmerksamkeit kleineren, körperlich weniger anstrengenden Formaten zu, darunter Acryl auf Papier. Inzwischen war Rothkos Ehe immer schwieriger geworden, und seine schlechte Gesundheit und Impotenz aufgrund des Aneurysmas verstärkten sein Gefühl der Entfremdung in der Beziehung. Rothko und seine Frau Mell (1944–1970) trennten sich am Neujahrstag 1969 und er bezog sein Atelier.

Am 25. Februar 1970 fand Oliver Steindecker, Rothkos Assistent, den Künstler tot auf dem Küchenboden vor der Spüle liegend, blutüberströmt. Er hatte Barbiturate überdosiert und sich mit einer Rasierklinge eine Arterie in seinen rechten Arm geschnitten. Es gab keinen Abschiedsbrief. Er war 66 Jahre alt. Die Seagram Murals kamen am Tag seines Selbstmords in London zur Ausstellung in der Tate Gallery an.

Gegen Ende seines Lebens malte Rothko eine Serie, die als "Black on Greys" bekannt ist und ein schwarzes Rechteck über einem grauen Rechteck einheitlich zeigt. Diese Leinwände und Rothkos späteres Werk im Allgemeinen wurden mit seiner Depression und seinem Selbstmord in Verbindung gebracht, obwohl die Verbindung kritisiert wurde. Rothkos Selbstmord wurde in der medizinischen Literatur untersucht, wo seine späteren Gemälde aufgrund ihrer düsteren Farbpalette und insbesondere im Gegensatz zu den helleren Farben, die Rothko in den 1950er Jahren häufiger verwendete, als "bildliche Abschiedsbriefe" interpretiert wurden. Obwohl der Kunstkritiker David Anfam einräumte, dass die Schwarzen und Grauen als Vorahnungen des Selbstmords oder als "Mondlandschaften" interpretiert werden (die ersten Apollo- Mondlandungen waren zeitgleich mit ihrer Hinrichtung), lehnte er die Interpretationen als "naiv" ab und argumentierte stattdessen, dass die Gemälde eine Fortsetzung seiner lebenslangen künstlerischen Themen und keine Symptome einer Depression. Susan Grange beobachtete auch, dass Rothko nach seinem Aneurysma mehrere kleinere Arbeiten auf Papier mit helleren Farbtönen ausführte, die weniger bekannt sind. Sein ganzes Leben lang wollte Rothko mit seinen Werken immer einen ernsthaften dramatischen Inhalt hervorrufen, unabhängig von den Farben, die in einem einzelnen Gemälde verwendet wurden. Als eine Frau sein Atelier besuchte, um ein "glückliches" Gemälde mit warmen Farben zu kaufen , erwiderte Rothko: "Rot, gelb, orange - sind das nicht die Farben eines Infernos?"

Rothkos Grab auf dem East Marion Cemetery, East Marion , New York.

Kurz vor seinem Tod hatten Rothko und sein Finanzberater Bernard Reis eine Stiftung gegründet, die "Forschung und Bildung" finanzieren sollte, die nach seinem Tod den Großteil von Rothkos Arbeit erhalten sollte. Reis verkaufte die Gemälde später zu erheblich reduzierten Werten an die Marlborough Gallery und teilte dann den Gewinn aus dem Verkauf mit Galerievertretern. 1971 reichten Rothkos Kinder eine Klage gegen Reis, Morton Levine und Theodore Stamos , die Testamentsvollstrecker seines Nachlasses, wegen der Scheinverkäufe ein. Die Klage dauerte mehr als 10 Jahre und wurde als Rothko-Fall bekannt . 1975 wurden die Angeklagten für Fahrlässigkeit und Interessenkonflikte haftbar gemacht, wurden per Gerichtsbeschluss als Testamentsvollstrecker des Rothko-Nachlasses abgesetzt und mussten zusammen mit der Marlborough Gallery ein Schadensersatzurteil in Höhe von 9,2 Millionen US-Dollar an den Nachlass zahlen. Dieser Betrag stellt nur einen kleinen Bruchteil des letztendlichen enormen finanziellen Wertes dar, den zahlreiche Rothko-Werke zu seinen Lebzeiten erreicht haben.

Rothkos getrennt lebende Frau Mell, ebenfalls eine starke Trinkerin, starb sechs Monate nach ihm im Alter von 48 Jahren. Als Todesursache wurde „Bluthochdruck aufgrund einer Herz-Kreislauf-Erkrankung“ genannt.

Erbe

Rothkos Gesamtwerk auf Leinwand, 836 Gemälde, wurden vom Kunsthistoriker David Anfam in seinem Mark Rothko: The Works on Canvas: Catalogue Raisonné (1998), herausgegeben von Yale University Press , katalogisiert .

Ein bisher unveröffentlichtes Manuskript von Rothko, The Artist's Reality (2004) über seine Kunstphilosophien, herausgegeben von seinem Sohn Christopher, wurde von Yale University Press veröffentlicht.

Red , ein Theaterstück von John Logan, das auf Rothkos Leben basiert, wurde am 3. Dezember 2009im Donmar Warehouse in Londoneröffnet. Das Stück mit Alfred Molina und Eddie Redmayne in denHauptrollenkonzentrierte sich auf die Zeit der Seagram Murals . Dieses Drama erhielt ausgezeichnete Kritiken und spielte normalerweise vor vollen Häusern. Im Jahr 2010eröffnete Red am Broadway , wo es sechs Tony Awards gewann , darunter Best Play. Molina spielte Rothko sowohl in London als auch in New York. Eine Aufnahme von Red wurde 2018 für Great Performances produziert, mit Molina als Rothko und Alfred Enoch als seinem Assistenten.

In Rothkos Geburtsort, der lettischen Stadt Daugavpils , wurde 2003 am Ufer der Daugava ein Denkmal für ihn enthüllt, das vom Bildhauer Romualds Gibovskis entworfen wurde . Im Jahr 2013 wurde das Mark Rothko Art Center in Daugavpils eröffnet, nachdem die Familie Rothko gespendet hatte eine kleine Sammlung seiner Originalwerke.

Eine Reihe von Rothkos Werken befinden sich im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía und im Thyssen-Bornemisza Museum , beide in Madrid. Die Empire State Plaza Art Collection von Gouverneur Nelson A. Rockefeller in Albany, NY, umfasst sowohl Rothkos spätes Gemälde Untitled (1967) als auch ein großes Wandgemälde von Al Held mit dem Titel Rothko's Canvas (1969-70).

Das erste Date von Bill Clinton und Hillary Rodham Clinton war 1970 zu einer Rothko-Ausstellung in der Yale University Art Gallery.

Wiederverkaufsmarkt

Der Kunstsammler Richard Feigen sagte, er habe 1967 ein rotes Rothko-Gemälde für 22.000 Dollar an die Berliner Nationalgalerie verkauft .

Im November 2005 brach Rothkos Gemälde Hommage an Matisse (1954) den Rekord für jedes Nachkriegsgemälde bei einer öffentlichen Auktion und wurde für 22,5 Millionen Dollar verkauft.

Im Mai 2007 brach Rothkos Gemälde White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose) (1950) diesen Rekord erneut und wurde bei Sotheby's in New York für 72,8 Millionen Dollar verkauft. Das Gemälde wurde vom Bankier David Rockefeller verkauft , der an der Auktion teilnahm.

Im November 2003 wurde ein rot-braunes Rothko-Gemälde ohne Titel aus dem Jahr 1963, das 69 x 64 Zoll (180 x 160 cm) misst, für 7.175.000 US-Dollar verkauft.

Im Mai 2011 verkaufte Christie's ein bisher unbekanntes Rothko-Gemälde, das die Arbeit als Nr. 836 trägt. Das Werk wurde nach sachkundiger Beglaubigung in den bestehenden Rothko-Katalog von 835 Werken aufgenommen. Das 1961 neu entdeckte Gemälde Untitled #17 kam ans Licht, als ein privater Sammler es zum Verkauf anbot und behauptete, er habe es direkt vom Künstler gekauft. Ein zwei Meter hohes Öl auf Leinwand in Rot und Pink auf ockerfarbenem Hintergrund, das Gemälde wurde mit einem Hausgebot von 13 Millionen US-Dollar eröffnet und für 30 Millionen US-Dollar verkauft.

Im Mai 2012 wurde Rothkos Gemälde Orange, Rot, Gelb (1961; Nr. 693 in Anfams Werkverzeichnis ) von Christie's in New York für 86.862.500 US-Dollar versteigert und stellte damit einen neuen Nennwertrekord für ein Nachkriegsgemälde auf einer öffentlichen Auktion auf und stellte es auf die Liste der teuersten Gemälde .

Im November 2012 wurde sein Gemälde Nr. 1 (Royal Red and Blue) von 1954 bei einer Sotheby's-Auktion in New York für 75,1 Millionen US-Dollar versteigert.

Im Jahr 2014 wurde Rothkos Nr. 21 (1953) für 44.965.000 US-Dollar verkauft. Das Gemälde war Teil der Sammlung von Pierre und São Schlumberger .

Im Mai 2014 wurde Untitled (Red, Blue, Orange) (1955), das dem Microsoft -Mitbegründer Paul Allen gehört hatte , für 56,2 Millionen US-Dollar verkauft.

Im November 2014 wurde ein kleineres Rothko-Gemälde in zwei Brauntönen für 3,5 Millionen US-Dollar verkauft, innerhalb des geschätzten Bereichs von 3 bis 4 Millionen US-Dollar.

Im Mai 2015 wurde Untitled (Yellow and Blue) (1954) bei einer Sotheby's-Auktion in New York für 46,5 Millionen US-Dollar verkauft. Das Gemälde gehörte Rachel Mellon . In diesem Monat wurde Nr. 10 (1958) bei einer Christies's-Auktion in New York für 81,9 Millionen Dollar verkauft.

Im Mai 2016 wurde Nr. 17 (1957) von einem italienischen Sammler für 32,6 Millionen Dollar bei Christie's verkauft.

Im November 2018 wurde Untitled (Rust, Blacks on Plum) (1962) von Christie's zu einem geschätzten Preis von 35 bis 45 Millionen US-Dollar versteigert; Es wurde für 35,7 Millionen US-Dollar verkauft.

Im November 2021 wird Nr. 7 (1951) aus der Marklowe-Kollektion von Sotheby's verkauft.

Siehe auch

Verweise

Quellen

Literaturverzeichnis

  • Anfam, David. Abstrakter Expressionismus. New York: Thames & Hudson, 1990.
  • Anfam, David. Mark Rothko: Die Arbeiten auf Leinwand, ein Werkverzeichnis. New Haven: Yale University Press, 1998.
  • Cohen-Solal, Annie . Mark Rothko. Actes-Sud, 2013.
  • Collins, Bradford R. (Hrsg.) Mark Rothko: Das entscheidende Jahrzehnt, 1940–1950. New York: Skira Rizzoli, 2012.
  • Logan, John . Rot . London: Oberon-Bücher, 2009.
  • Rothko, Christopher (Hrsg.). Die Realität des Künstlers. New Haven: Yale University Press, 2006.
  • Rothko, Mark. „The Individual and the Social“ (S. 563–565) in Harrison, Charles & Paul Wood (Hrsg.), Art in Theory 1900–1990: An Anthology of Changing Ideas (563–565). Malden, MA: Blackwell Publishers, Ltd., 1999.
  • Seldes, Lee. Das Vermächtnis von Mark Rothko. New York: DaCapo, 1996.
  • Waldmann, Diane. Mark Rothko, 1903–1970: Eine Retrospektive. uneingeschränkter ZugangNew York: Harry N. Abrams, 1978.

Externe Links

Tate Modern- Ausstellung

Ausstellung in der Whitechapel Gallery

Smithsonian Archives of American Art