Mexikanische Kunst - Mexican art

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Detail eines Wandgemäldes von Diego Rivera im National Palace (Mexiko)

In dem geografischen Gebiet, das heute als Mexiko bekannt ist, entwickelten sich verschiedene Arten der bildenden Kunst . Die Entwicklung dieser Kunst folgt in etwa die Geschichte von Mexiko , in die prehispanic geteilt mesoamerikanischen Ära der Kolonialzeit , mit der Zeit nach dem mexikanischen Unabhängigkeitskrieg , die Entwicklung mexikanischen nationalen Identität durch Kunst im neunzehnten Jahrhundert, und die Blüte der modernen mexikanischen Kunst nach der mexikanischen Revolution (1910-1920).

Mesoamerikanische Kunst wird in einem Gebiet produziert, das einen Großteil des heutigen Zentral- und Südmexiko umfasst, bevor die spanische Eroberung des Aztekenreiches für einen Zeitraum von etwa 3.000 Jahren von der mexikanischen Kunst hell und farbenfroh sein kann. Während dieser Zeit waren alle Einflüsse auf die Kunstproduktion einheimisch, wobei die Kunst stark an die Religion und die herrschende Klasse gebunden war. Es gab wenig bis gar keinen Unterschied zwischen Kunst, Architektur und Schrift. Die spanische Eroberung zu 300 Jahren der spanischen Kolonialherrschaft geführt und Kunstproduktion blieb gebunden an Religion der meisten Kunst mit dem Bau und Dekoration von Kirchen verbunden war, sondern profane Kunst im achtzehnten Jahrhundert erweiterte, vor allem casta Gemälden, Porträts und Historienmalerei . Fast die gesamte produzierte Kunst stand in der europäischen Tradition, mit Künstlern aus der späten Kolonialzeit, die an der Akademie von San Carlos ausgebildet wurden , aber indigene Elemente blieben erhalten und begannen einen kontinuierlichen Balanceakt zwischen europäischen und indigenen Traditionen.

Nach der Unabhängigkeit blieb die Kunst stark europäisch, aber indigene Themen tauchten in wichtigen Werken auf, als das liberale Mexiko versuchte, sich von seiner spanischen Kolonialvergangenheit zu unterscheiden. Diese Vorliebe für indigene Elemente weiterhin in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, mit dem sozialen Realismus oder mexikanischen Wandmaler Bewegung von Künstlern geführt wie Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco und Fernando Leal , der von der Post in Auftrag gegeben wurden Regierung der mexikanischen Revolution , um eine visuelle Erzählung der mexikanischen Geschichte und Kultur zu erstellen.

Die Stärke dieser künstlerischen Bewegung war so groß, dass sie neu erfundene Technologien wie Standfotografie und Kino beeinflusste und das populäre Kunsthandwerk als Teil der mexikanischen Identität stark förderte. Seit den 1950er Jahren hat sich die mexikanische Kunst vom Wandmalereistil gelöst und wurde stärker globalisiert, wobei Elemente aus Asien integriert wurden, wobei mexikanische Künstler und Filmemacher auf der globalen Bühne wirkten.

Präkolumbianische Kunst

Siehe auch: Aztekische Kodizes und bildende Kunst von indigenen Völkern Amerikas
Malereihöhle in Yucatán
Ein Maya-Wandbild in Bonampak , 8. Jahrhundert n. Chr.

Es wird angenommen, dass die älteste Felskunst des amerikanischen Kontinents, 7500 Jahre alt, in einer Höhle auf der Halbinsel Baja California gefunden wurde.

Die prähispanische Kunst Mexikos gehört zu einer Kulturregion, die als Mesoamerika bekannt ist , die ungefähr dem Zentralmexiko bis nach Mittelamerika entspricht und dreitausend Jahre von 1500 v . Die erste dominante mesoamerikanische Kultur war die der Olmeken , die um 1200 v. Chr. ihren Höhepunkt erreichte. Bei den Olmeken entstand vieles von dem, was mit Mesoamerika in Verbindung gebracht wird, wie Hieroglyphenschrift , Kalender , erste Fortschritte in der Astronomie, monumentale Skulpturen ( Olmekenköpfe ) und Jadearbeiten .

Sie waren Vorläufer späterer Kulturen wie Teotihuacan nördlich von Mexiko-Stadt, der Zapoteken in Oaxaca und der Mayas in Südmexiko, Belize und Guatemala . Während Reiche stiegen und fielen, blieben die grundlegenden kulturellen Grundlagen Mesoamerikas bis zur Eroberung des Aztekenreiches durch die Spanier gleich . Dazu gehörten Städte, die auf Plätzen zentriert waren, Tempel, die normalerweise auf Pyramidenbasen gebaut wurden, mesoamerikanische Ballplätze und eine meist verbreitete Kosmologie.

Weibliche Figuren aus der Tlatilco-Kultur , 1250 bis 800 v.

Während Kunstformen wie Höhlenmalereien und Felsritzungen aus früheren Zeiten stammen, beginnt die bekannte Geschichte der mexikanischen Kunst mit der mesoamerikanischen Kunst, die von sesshaften Kulturen geschaffen wurde, die Städte und oft Herrschaften bauten. Während die Kunst Mesoamerikas vielfältiger ist und sich über mehr Zeit erstreckt als irgendwo anders in Amerika, weisen künstlerische Stile eine Reihe von Ähnlichkeiten auf.

Im Gegensatz zur modernen westlichen Kunst wurde fast die gesamte mesoamerikanische Kunst geschaffen, um religiösen oder politischen Bedürfnissen zu dienen, und nicht um der Kunst willen. Es orientiert sich stark an der Natur, der umgebenden politischen Realität und den Göttern. Octavio Paz sagt: "Mesoamerikanische Kunst ist eine Logik von Formen, Linien und Volumen, die gleichzeitig eine Kosmologie ist." Dieser Fokus auf Raum und Zeit unterscheidet sich stark vom europäischen Naturalismus, der auf der Darstellung des menschlichen Körpers basiert. Sogar einfache Designs wie gestufte Bünde an Gebäuden fallen in diese Darstellung von Raum und Zeit, Leben und Göttern.

Ein aztekisches türkisfarbenes Schlangen-Brust-Ornament. Im Britischen Museum .

Kunst wurde auf einer Vielzahl von Medien wie Keramik, Amate- Papier und Architektur ausgedrückt . Das meiste, was über die mesoamerikanische Kunst bekannt ist, stammt aus Werken, die Steingebäude und Keramik umfassen, hauptsächlich Gemälde und Reliefs. Keramik stammt aus der frühen mesoamerikanischen Zeit. Sie begannen wahrscheinlich als Koch- und Vorratsgefäße, wurden dann aber rituellen und dekorativen Zwecken angepasst. Keramik wurde durch Formen, Kratzen, Bemalen und verschiedene Brennverfahren dekoriert.

Türkisfarbene Maske, die den Gott Tezcatlipoca darstellt , aus dem British Museum .

Die früheste bekannte rein künstlerische Produktion waren kleine Keramik - Figuren , die in erschien Tehuacán rund 1.500 BCE und Ausbreitung Gebiet Veracruz , das Tal von Mexiko , Guerrero , Oaxaca , Chiapas und der Pazifikküste von Guatemala. Die frühesten davon sind meist weibliche Figuren, die wegen ihrer oft übergroßen Hüften und Oberschenkel wahrscheinlich mit Fruchtbarkeitsriten in Verbindung gebracht werden, sowie einige mit Babys in Armen oder Stillen. Wenn männliche Figuren auftauchen, handelt es sich meistens um Soldaten. Die Herstellung dieser Keramikfiguren, die später auch Tiere und andere Formen umfassen sollten, blieb 2000 Jahre lang eine wichtige Kunstform. In der frühen Olmekenzeit waren die meisten kleine, aber große Keramikskulpturen wurden bis zu einer Größe von 55 cm hergestellt.

Nach der mittleren Vorklassik ging die Keramikskulptur im Zentrum Mexikos außer in der Region Chupícuaro zurück. In den Mayagebieten verschwindet die Kunst in der späten Vorklassik, um in der Klassik wieder aufzutauchen, meist in Form von Pfeifen und anderen Musikinstrumenten. In einigen Gegenden, wie in Teilen von Veracruz, wurde die Herstellung von Keramikfiguren bis zur spanischen Eroberung ununterbrochen fortgesetzt, jedoch als Handwerk, nicht als formale Kunst.

Bemalte Keramikplatte aus Calakmul , 600 bis 800 n. Chr.

Mesoamerikanische Malerei findet sich in verschiedenen Ausdrucksformen – von Wandmalereien über die Erstellung von Kodizes bis hin zur Bemalung von Keramikobjekten. Der Nachweis der Malerei geht mindestens bis 1800 v. Chr. zurück und setzt sich in der einen oder anderen Form bis zur Ankunft der Spanier im 16. Jahrhundert ununterbrochen fort. Obwohl es möglicherweise früher aufgetreten ist, treten die frühesten bekannten Fälle von künstlerischer Malerei monumentaler Gebäude in der frühen klassischen Periode bei den Mayas in Uaxactun und Tikal sowie in Teotihuacan mit in verschiedenen Farben gestrichenen Wänden auf.

Farben wurden aus tierischen, pflanzlichen und mineralischen Pigmenten und Basen hergestellt. Die meisten Gemälde konzentrieren sich auf eine oder mehrere menschliche Figuren, die realistisch oder stilisiert, maskulin, feminin oder asexuell sein können. Sie können nackt oder reich gekleidet sein, aber der soziale Status jeder Figur wird in irgendeiner Weise angezeigt. Szenen zeigen oft Krieg, Opfer, die Rollen der Götter oder die Taten von Adligen. Es wurden jedoch auch einige gemeinsame Szenen mit einfachen Leuten gefunden. Andere Themen waren Götter, Symbole und Tiere. Die mesoamerikanische Malerei war zweidimensional, ohne die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Bewegung wird jedoch oft dargestellt.

Die nichtkeramische Skulptur in Mesoamerika begann mit der Modifikation von Tierknochen, wobei das älteste bekannte Stück ein Tierschädel aus Tequixquiac ist , der zwischen 10.000 und 8.000 v. Die meisten mesoamerikanischen Skulpturen sind aus Stein; während Reliefarbeiten an Gebäuden am dominantesten sind, wurden auch freistehende Skulpturen ausgeführt. Freistehende dreidimensionale Steinskulpturen begannen mit den Olmeken, wobei das berühmteste Beispiel die riesigen Olmeken-Steinköpfe sind . Dieser verschwand für den Rest der mesoamerikanischen Zeit zugunsten der Hilfsarbeit bis in die späte Nachklassik bei den Azteken .

Eine Scheibe, die die Göttin Coyolxauhqui , 14. bis 16. Jahrhundert, im Museum Templo Mayor darstellt .

Der Großteil der Mauerarbeiten während der mesoamerikanischen Zeit wird mit monumentaler Architektur in Verbindung gebracht, die zusammen mit der Wandmalerei als integraler Bestandteil der Architektur und nicht als separater Bestandteil angesehen wurde. Monumentale Architektur begann mit den Olmeken im südlichen Veracruz und der Küstenregion von Tabasco an Orten wie San Lorenzo; Große Tempel auf Pyramidensockel sind noch in Orten wie Montenegro, Chiapa de Corzo und La Venta zu sehen . Diese Praxis verbreitete sich in der Gegend von Oaxaca und im Tal von Mexiko und trat in Städten wie Monte Albán , Cuicuilco und Teotihuacan auf .

Montezumas Kopfschmuck . Es befindet sich heute im Museum für Völkerkunde in Wien und ist ein Streitpunkt zwischen Österreich und Mexiko , da in Mexiko keine ähnlichen Stücke mehr vorhanden sind.

Diese Städte hatten einen Kern von einem oder mehreren Plätzen mit Tempeln, Palästen und mesoamerikanischen Ballplätzen . Die Ausrichtung dieser Strukturen basierte auf den Himmelsrichtungen und der Astronomie für zeremonielle Zwecke, wie zum Beispiel die Fokussierung der Sonnenstrahlen während der Frühlings-Tagundnachtgleiche auf ein gemeißeltes oder gemaltes Bild. Dies war im Allgemeinen an Kalendersysteme gebunden. Beim Bau der Bauwerke entstanden Reliefskulpturen und/oder Malereien. Von letzterer vorklassischer Zeit hatten fast alle monumentalen Bauwerke in Mesoamerika umfangreiche Reliefarbeiten. Einige der besten Beispiele dafür sind Monte Albán, Teotihuacan und Tula .

Prähispanische Reliefs sind im Allgemeinen linear im Design und es können niedrige, mittlere und hohe Reliefs gefunden werden. Während diese Technik in anderen Teilen der Welt oft für erzählerische Szenen bevorzugt wird, konzentrieren sich mesoamerikanische Reliefs tendenziell auf eine einzige Figur. Reliefs werden im erzählerischen Sinne nur verwendet, wenn mehrere Reliefstelen aneinandergebaut werden. Die besten Hilfswerke stammen von den Mayas, insbesondere von Yaxchilan .

Schrift und Kunst unterschieden sich nicht wie in den europäischen Kulturen. Schreiben wurde als Kunst betrachtet und Kunst wurde oft mit Schreiben bedeckt. Der Grund dafür ist, dass beide versuchten, die Geschichte und die Interpretation der Wirklichkeit durch die Kultur zu erfassen. (salvatvolp14) Manuskripte wurden auf Papier oder anderen buchähnlichen Materialien geschrieben und dann in Kodizes gebündelt . Die Kunst des Lesens und Schreibens war ausschließlich den höchsten Priesterschichten vorbehalten, da diese Fähigkeit eine Quelle ihrer Macht über die Gesellschaft war.

Die Piktogramme oder Glyphen dieses Schriftsystems waren formaler und starrer als Bilder auf Wandgemälden und anderen Kunstformen, da sie hauptsächlich als symbolisch angesehen wurden und Formeln im Zusammenhang mit astronomischen Ereignissen, Genealogie und historischen Ereignissen darstellten. Die meisten erhaltenen prähispanischen Kodizes stammen aus der späten mesoamerikanischen Zeit und der frühen Kolonialzeit, da mehr davon im Laufe der Geschichte der Zerstörung entgingen. Aus diesem Grund ist über das Aztekenreich mehr bekannt als über die Mayakulturen. Wichtige aztekische Kodizes umfassen die Borgia-Gruppe mit hauptsächlich religiösen Werken, von denen einige wahrscheinlich vor der Eroberung datieren, der Codex Borbonicus , der Codex Mendoza und der späte florentinische Codex , der im europäischen Stil ist, aber von mexikanischen Künstlern ausgeführt wurde, wahrscheinlich in Anlehnung an früheres Material, das jetzt verloren ist.

Wichtige Museumssammlungen in Mexiko sind die des Nationalmuseums für Anthropologie und des Museo Diego Rivera Anahuacalli , beide in Mexiko-Stadt , sowie Provinzmuseen.

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Kolonialzeit, 1521–1821

Die frühe Kolonialzeit und Criollo und indigene Künstler und Einflüsse

Siehe auch: Gotische Architektur § Gotik im kolonialen Amerika , indochristliche Kunst und Bettelorden in Mexiko
Innenraum des Klosters Tzintzuntzan.

Seit der spanischen Eroberung des Aztekenreiches ist die mexikanische Kunst eine fortlaufende und komplexe Interaktion zwischen den Traditionen Europas und einheimischen Perspektiven.

Wandgemälde, in dem Cortes erscheint, um die ersten 12 Franziskaner von Mexiko im alten Kloster von Ozumba zu begrüßen .

Kirchenbau Nach der Eroberung richteten sich die ersten Bemühungen der Spanier auf die Evangelisierung und die damit verbundene Aufgabe des Kirchenbaus, der einheimische Arbeitskräfte für den grundlegenden Bau benötigte, aber sie schufen Mauerwerksaußenseiten und dekorierten Kircheninnenräume. Einheimischen Handwerkern wurden europäische Motive, Designs und Techniken beigebracht, aber sehr frühe Arbeiten, genannt tequitqui ( Nahuatl für „Vasall“), beinhalten Elemente wie abgeflachte Gesichter und hochsteife Reliefs. Die spanischen Mönche, die den Bau leiteten, waren keine ausgebildeten Architekten oder Ingenieure. Sie verließen sich auf einheimische Steinmetze und Bildhauer, um Kirchen und andere christliche Bauwerke zu bauen, oft an den gleichen Orten wie Tempel und Schreine der traditionellen Religion. "Obwohl sich einige Inder über die Belastung dieser Arbeit beschwerten, betrachteten die meisten Gemeinden eine große und beeindruckende Kirche als ein Spiegelbild der Bedeutung ihrer Stadt und waren zu Recht stolz darauf, einen heiligen Ort für die Gottesverehrung zu schaffen." Die Tatsache, dass so viele Kirchen aus der Kolonialzeit Jahrhunderte überlebt haben, zeugt von ihrer allgemein guten Konstruktion.

Die ersten Klöster, die in und um Mexiko-Stadt gebaut wurden, wie die Klöster an den Hängen des Popocatepetl , hatten Renaissance- , platereske , gotische oder maurische Elemente oder eine Kombination aus Elementen. Sie waren relativ schmucklos, wobei die Baubemühungen mehr in Richtung hoher Mauern und Festungsmerkmale gingen, um Angriffe abzuwehren. Der Bau aufwendigerer Kirchen mit großen Mengen religiöser Kunstwerke würde einen Großteil der künstlerischen Produktion der Kolonialzeit bestimmen. Der größte Teil der Produktion bezog sich wie in Europa auf die Lehre und Stärkung der kirchlichen Lehre. Religiöse Kunst begründete die spanische Herrschaft über die Indigenen. Heute gibt es im ganzen Land Bauwerke aus der Kolonialzeit und andere Werke, mit einer Konzentration im zentralen Hochland um Mexiko-Stadt .

Die Messe des Hl. Gregor , Federn auf Holztafel, das älteste datierte Federwerk mit christlichem Thema. Angefertigt von oder für Diego Huanutzin , Neffe und Schwiegersohn von Moctezuma II. zum Geschenk an Papst Paul III , datiert 1539

Federarbeit war eine hochgeschätzte Fertigkeit des prähispanischen Zentralmexiko, die bis in die frühe Kolonialzeit andauerte. Spanier waren von dieser Kunstform fasziniert, und einheimische Federarbeiter ( amanteca ) stellten in diesem Medium religiöse Bilder her, hauptsächlich kleine "Gemälde", sowie religiöse Gewänder.

Indigene Schriften Indianer produzierten in der frühen Kolonialzeit weiterhin schriftliche Manuskripte, insbesondere Codices im Nahua-Gebiet in Zentralmexiko. Ein wichtiges frühes Manuskript, das für die spanische Krone in Auftrag gegeben wurde, war der Codex Mendoza , benannt nach dem ersten Vizekönig von Mexiko, Don Antonio de Mendoza , der die Tribute an den aztekischen Herrscher aus einzelnen Städten sowie Beschreibungen des richtigen Verhaltens für das Gemeine zeigt Personen. Ein weitaus aufwendigeres Projekt, das die Illustration indigener Schreiber verwendet, ist das Projekt, das zum Florentiner Codex führte, der vom Franziskaner Bernardino de Sahagún geleitet wurde . Andere indigene Handschriften aus der Kolonialzeit sind der Huexotzinco Codex und der Codex Osuna.

Ein wichtiger Manuskripttyp der Frühzeit waren Bild- und Textgeschichten der spanischen Eroberung der Azteken aus indigener Sicht. Der frühe Lienzo de Tlaxcala illustrierte die Beiträge der tlaxcalanischen Verbündeten der Spanier zur Niederlage des Aztekenreiches sowie der Hernán Cortés und seiner Kulturübersetzerin Doña Marina ( Malinche ).

Malerei Die meisten Nahua-Künstler, die diese visuelle Kunst produzieren, sind anonym. Eine Ausnahme bildet das Werk von Juan Gerson, der ca. 1560 schmückte das Gewölbe der Franziskanerkirche in der Nahua-Stadt Tecamachalco (Bundesstaat Puebla) mit einzelnen Szenen aus dem Alten Testament.

Während die koloniale Kunst im Stil fast vollständig europäisch blieb, mit gedeckten Farben und ohne Anzeichen von Bewegung, wurde die Hinzufügung einheimischer Elemente, die mit dem Tequitqui begann, fortgesetzt. Sie standen nie im Mittelpunkt der Arbeiten, sondern dekorative Motive und Füller, wie einheimisches Laub, Ananas, Mais und Kakao . Vieles davon ist an Portalen sowie großen Fresken zu sehen, die oft das Innere von Kirchen und die Wände von für die Öffentlichkeit geschlossenen Klosterbereichen schmückten.

Die frühesten Kolonialkünstler Mexikos waren Spanier, die mitten in ihrer Karriere nach Mexiko kamen. Dazu gehörten Bettelmönche wie Fray Alonso López de Herrera. Später wurden die meisten Künstler in Mexiko geboren, aber in europäischen Techniken ausgebildet, oft anhand importierter Stiche. Diese Abhängigkeit von importierten Kopien führte dazu, dass mexikanische Werke Stile bewahrten, nachdem sie in Europa aus der Mode gekommen waren. In der Kolonialzeit arbeiteten Künstler in Zünften, nicht unabhängig. Jede Gilde hatte ihre eigenen Regeln, Vorschriften und Vorschriften in der Technik – was Innovation nicht förderte.

Wichtige Museumssammlungen umfassen die des Museo Soumaya und des Museo Nacional de San Carlos , beide in Mexiko-Stadt.

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Mexikanische Barock

Siehe auch: Internationales Barockmuseum , Neuer Spanischer Barock , Churrigueresque und Azulejo
Juan Rodríguez Juárez (1675-1728), Maler. Selbstporträt

Mit dem Werk des Spaniers Sebastián López de Arteaga wurde die Barockmalerei Mitte des 17. Jahrhunderts in Mexiko fest etabliert. Sein Gemälde wird durch die Leinwand mit dem Titel Doubting Thomas von 1643 veranschaulicht . In dieser Arbeit wird der Apostel Thomas gezeigt, wie er seinen Finger in die Wunde an der Seite Christi einführt, um das Leiden Christi zu betonen. Die Bildunterschrift lautet "das fleischgewordene Wort" und ist ein Beispiel für den didaktischen Zweck des Barock.

Ein Unterschied zwischen Malern in Mexiko und ihren europäischen Kollegen besteht darin, dass sie realistische Direktheit und Klarheit gegenüber fantastischen Farben, langgestreckten Proportionen und extremen Raumverhältnissen bevorzugten. Ziel war es, eine realistische Szene zu schaffen, in der sich der Betrachter vorstellen kann, ein Teil davon zu sein. Dies war ein von Caravaggio in Italien geschaffener Stil , der bei Künstlern in Sevilla populär wurde , von denen viele Migranten nach Neuspanien kamen. In ähnlicher Weise weisen barocke freistehende Skulpturen lebensgroße Schuppen, realistische Hauttöne und die Simulation von Kleidungsstücken mit Goldfäden durch eine Technik namens Estofado auf , das Auftragen von Farbe auf Blattgold.

Kirche San Francisco Acatepec mit barocken Talavera-Fliesen

Der wichtigste spätere Einfluss auf mexikanische und andere Maler in Lateinamerika war das Werk des flämischen Künstlers Peter Paul Rubens , der durch Kopien von Stichen und Schabtechniken bekannt ist. Seine Gemälde wurden kopiert und überarbeitet und wurden zum Standard sowohl für religiöse als auch für weltliche Kunst. Spätere barocke Gemälde wanderten von den engen Altarbildern zu kolossalen freistehenden Leinwänden im Kircheninneren. Einer der bekanntesten mexikanischen Maler dieser Art von Werk war Cristóbal de Villalpando . Seine Arbeiten sind in der Sakristei der Kathedrale von Mexiko-Stadt zu sehen , die zwischen 1684 und 1686 entstanden ist. Diese Leinwände wurden mit gewölbten Rahmen direkt an die Wände geklebt, um sie zu stabilisieren, und direkt unter den Gewölben der Decke platziert. Selbst die Freskenarbeiten des 16. Jahrhunderts waren normalerweise nicht so groß. Ein weiteres Werk Villalpandos ist die Kuppel der Kathedrale von Puebla aus dem Jahr 1688. Er nutzte Rubens' Pinseltechniken und die Form der Struktur, um eine Wolkenkomposition mit Engeln und Heiligen zu schaffen, aus der eine Taube herabsteigt, um den Heiligen Geist darzustellen. Das Licht aus den Fenstern der Kuppel soll die Gnade Gottes symbolisieren. Auch Juan Rodríguez Juárez (1675–1728) und der Mulatte Juan Correa (1646–1716) waren bedeutende Maler des Barock. Correas berühmtester Schüler, José de Ibarra (1685–1756), war ebenfalls gemischtrassig. Einer der besten Maler Mexikos, Miguel Cabrera (1695–1768), war wahrscheinlich Mischling.

Die Kirche hat die wichtigsten Werke des 17. Jahrhunderts hervorgebracht. Unter den bedeutenden Malern waren Baltasar de Echave Ibia und sein Sohn Baltasar Echave Rioja, auch Luis Juárez und sein Sohn José Juárez , Juan Correa , Cristóbal de Villalpando , Rodrigo de la Piedra, Antonio de Santander, Polo Bernardino, Juan de Villalobos, Juan Salguero und Juan de Herrera. Juan Correa, arbeitete von 1671 bis 1716 und erlangte großes Ansehen und Renommee für die Qualität seines Designs und den Umfang einiger seiner Werke. Zu den bekanntesten gehören: 'Apokalypse in der Kathedrale von Mexiko', 'Bekehrung der Heiligen Maria Magdalena', jetzt in der 'Pinacoteca Virreinal' und 'Santa Catarina und Adam und Eva aus dem Paradies', letztere im National Museum des Vizekönigreichs von Tepotzotlán .

Die koloniale religiöse Kunst wurde von Kirchenbehörden und privaten Mäzenen gesponsert. Die Förderung des reichen Kirchenschmucks war eine Möglichkeit für die Reichen, Ansehen zu erlangen. Im 16., 17. und 18. Jahrhundert war Mexiko-Stadt vor allem durch Bergbau und Landwirtschaft eine der reichsten der Welt und konnte eine große Kunstszene unterhalten.

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  • Die Lactación de Santo Domingo von Cristóbal de Villalpando, gemalt gegen Ende des 17. Jahrhunderts.

  • Cristóbal de Villalpando, Frau der Apokalypse (Mujer del Apocalipsis), 1686

  • Cristóbal de Villalpando, Heilige Rose vom Teufel versucht (Santa rosa tentada por el demonio), Ca. 1695/1697

  • Juan Correa La Pascua de María , 1698.

  • Inmaculada del Apocalipsis , Pinacoteca de La Profesa, Mexiko, von José de Ibarra

  • Mexiko, um 1720 Gemälde Öl auf Leinwand, lateinamerikanische Kunst Derzeit in der Öffentlichkeit: Art of the Americas Building, Etage 4

  • Die Heimsuchung von Miguel Cabrera. 18. Jahrhundert. Neuspanien (Mexiko). Öl auf Leinwand, Museumssammlung Arocena.

Jungfrau von Guadalupe

Ab dem 17. Jahrhundert wurde die Jungfrau von Guadalupe zunehmend ein Thema für religiöse Maler. Juan Correa und sein Atelier produzierten viele solcher Bilder. Zunehmend wurde Wert auf die Genauigkeit des Bildes zum Original gelegt, und Correa erstellte eine Wachsschablone, um sicherzustellen, dass jedes Detail korrekt war. Guadalupe wurde zum Mittelpunkt des Criollo-Patriotismus, wobei ihre Intervention bei katastrophalen Ereignissen in Anspruch genommen und dann in Kunst.

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Porträtmalerei

Sor Juana Inés de la Cruz von Miguel Cabrera 1750.

In Neuspanien, wie auch in der übrigen Neuen Welt , wurde das Porträt seit dem 17. Jahrhundert, insbesondere im 18. Jahrhundert, zu einem wichtigen Bestandteil des künstlerischen Repertoires. In einer Gesellschaft, die von einem tiefen religiösen Gefühl geprägt war, überrascht es nicht, dass viele Porträts die moralischen Tugenden und die Frömmigkeit des Modells widerspiegelten.

Während die meisten Auftragsarbeiten für Kirchen bestimmt waren, wurden auch weltliche Werke in Auftrag gegeben. Die Porträtmalerei war relativ früh in der Kolonialzeit bekannt, vor allem von Vizekönigen und Erzbischöfen, sowie dem Eroberer Hernán Cortés . Porträts von königlichen und kirchlichen Beamten waren eine Annäherung an das Aussehen des Dargestellten und wurden in ihrer offiziellen Umgebung ausgestellt. Sie enthielten oft ihre Wappen. In dem Porträt von Cortés aus dem 16. Jahrhundert wird der Eroberer mit Schlagstock, Schwert und Rüstung dargestellt, "symbolisieren politische und militärische Macht, aber der abgelegte Handschuhhelm und Handschuh zeigen, dass seine kriegerischen Aktivitäten abgeschlossen sind". Porträts von Vizekönigen und Geistlichen wurden oft in reicher Kleidung und Schreibgeräten dargestellt, zusammen mit ihren Wappen, die ihre Genealogie und ihren hohen Rang anzeigten, sowie Bücher und Schreibgeräte. In Mexiko gibt es nur wenige Exemplare königlicher Beamter aus der Zeit vor dem 18. Jahrhundert, vielleicht weil der Aufstand von 1696 die Porträtgalerie im vizeköniglichen Palast zerstörte.

Ab dem späten 17. Jahrhundert wurde die Porträtmalerei lokaler Eliten zu einem bedeutenden Genre. Besonders wichtig ist, dass ab dem 18. Jahrhundert erstmals Frauen porträtiert wurden. Diese Werke folgten europäischen Vorbildern, mit Rangsymbolen und Titeln, die entweder in den äußeren Teilen frei angebracht oder in ein anderes Element der Gemälde wie Vorhänge eingearbeitet waren. Elite-Frauen trugen reich bestickte und verzierte Kleider, meist aus Seide und Spitze, mit Schmuck und anderem Schmuck. Viele wurden mit Fächern in den Händen gemalt. Im Gegensatz zu ihren männlichen Pendants in der Elitegesellschaft, die ihren Status und ihre Autorität zeigten, waren Frauenporträts idealisierte Bilder der Weiblichkeit mit Symbolen der Weiblichkeit. Eine Untergruppe ihres Genres waren Porträts von Nonnen bei ihrer ersten Profess, die in aufwendiger Kleidung gekleidet waren, die dem feierlichen Schritt entsprach, den sie beim Betreten des Klosters machten. Ein bemerkenswertes Beispiel ist von José de Alcíbar von Sor (Schwester) María Ignacia de la Sangre de Cristo, mit einer zeremoniellen Krone, bestickten Gewändern und anderen Accessoires. Miguel Cabreras posthumes Porträt der zu ihrer Zeit berühmten Sor Juana Inés de la Cruz in ihrer von Büchern umgebenen Klosterzelle unterscheidet sich von den meisten Nonnenporträts, die nach dem Leben gemalt oder unmittelbar postmortal gemalt wurden. Es gibt auch eine Reihe von postmortalen Porträts von Nonnen.

Es gibt eine ganze Reihe von Familienporträts mit religiösem Andachtsthema, die in Auftrag gegeben wurden, um die Frömmigkeit der Familie zu zeigen, aber auch um den Reichtum der Familie zu zeigen. Josep Antonio de Ayala war ein prominenter Künstler, der für das Gemälde "Die Familie des Tals am Fuße der Muttergottes von Loreto " (um 1769) bekannt ist. Dieses Andachtsbild wurde für die Kinder der Familie del Valle in Erinnerung an seine Eltern in Auftrag gegeben und ist charakteristisch für die Malerei dieses Jahrhunderts. Die Jungfrau von Loreto steht im Mittelpunkt der Komposition, mit der die steifen Figuren der Familienmitglieder fein gekleidet sind. Die Männer sind in modischer Kleidung der Zeit gekleidet, wobei die Matriarchin der Familie ein besticktes Spitzenkleid sowie Perlen trägt. Die Töchter werden in der Tracht der konzeptionistischen Nonnen mit Escudos de Monjas , religiösen Gemälden auf der Brust , dargestellt. Das Gemälde ist mit Informationen über seinen Auftrag und die Eltern beschriftet und die Tatsache, dass es in der Kapelle der Hazienda der Familie hing. Das Gemälde ist eine Darstellung von Frömmigkeit und Reichtum. Es gibt solche Gruppenbilder mit verschiedenen zentralen religiösen Figuren.

Zwei bemerkenswerte Porträtmaler sind Brüder im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert, Juan Rodríguez Juárez und Nicolás . Einige andere prominente Maler dieser Zeit sind: Cristóbal de Villalpando , Juan Correa , José de Ibarra , Joseph Mora, Francisco Martinez, Miguel Cabrera , Andrés López und Nicolás Enríquez.

Im 18. Jahrhundert verwendeten Künstler zunehmend den lateinischen Ausdruck pinxit Mexici (in Mexiko gemalt) auf Werken, die für den europäischen Markt bestimmt waren, als Zeichen des Stolzes auf ihre künstlerische Tradition.

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Historienbilder und andere weltliche Kunst

Ab dem 17. Jahrhundert begannen Maler, Leinwände und Biombos mit historischen Themen herzustellen, darunter die Eroberung Mexikos und imaginierte Szenen von Ereignissen, an denen die mexikanische Bevölkerung der Nahua beteiligt war. Wichtig war auch ein Historiengemälde der Zerstörung der Franziskanermission von San Sabá durch Comanches, von José de Páez .

Gemälde von Stätten in Mexiko-Stadt erschienen ab dem 17. Jahrhundert, am bekanntesten ein Gemälde von Cristóbal de Villalpando von der Plaza Mayor in Mexiko-Stadt, ca. 1696, das die Schäden am vizeköniglichen Palast durch den Maisaufstand von 1692 zeigt. Es zeigt auch den Markt von Parián, auf dem Luxusgüter verkauft wurden. Der Markt von Parián war auch Gegenstand von mindestens einem anderen Gemälde.

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  • Historiengemälde der spanischen Eroberung von Tenochtitlan , 17. Jahrhundert

  • Die Weihe heidnischer Tempel und die erste Messe in Mexiko-Tenochtitlan von José Vivar y Valderrama, ca. 1752. Öl auf Leinwand.

  • Taufe von Ixtlilxochitl von José Vivar y Valderrama, 18. Jahrhundert.

  • Die Zerstörung der Mission San Sabá in der Provinz Texas, ca. 1765. José de Páez

  • Cristóbal de Villalpando , Blick auf die Plaza Mayor von Mexiko-Stadt , 1695

  • Der Parianer (El Parián), Ca. 1770

Casta-Malerei

Hauptartikel: Castas § Casta Paintings

Eine andere Art von säkularem Kolonialgenre wird Casta- Gemälde genannt, die sich auf die Darstellung der Rassenhierarchie im Neuspanien des 18. Jahrhunderts bezieht . Einige wurden wahrscheinlich von spanischen Funktionären als Andenken an Mexiko in Auftrag gegeben. Eine Reihe von Künstlern der Ära schufen Casta-Gemälde, darunter Miguel Cabrera , José de Ibarra , Juan Patricio Morlete Ruiz , Francisco Clapera und Luis de Mena , aber die meisten Casta-Gemälde sind unsigniert. Ibarra, Morlete und möglicherweise Cabrera waren gemischter Abstammung und außerhalb von Mexiko-Stadt geboren. Menas einziges bekanntes Casta-Gemälde verbindet die Jungfrau von Guadalupe und das Casta-System sowie Darstellungen von Obst und Gemüse und Szenen des Alltagslebens im Mexiko der Mitte des 18. Jahrhunderts. Es ist eines der am häufigsten reproduzierten Beispiele für Casta-Gemälde, eines der wenigen, die das Casta-System auf einer einzigen Leinwand statt auf bis zu 16 separaten Gemälden zeigen. Auf einzigartige Weise vereint es das durch und durch weltliche Genre der Casta-Malerei mit einer Darstellung der Jungfrau von Guadalupe. Die Produktion dieser Gemälde wurde nach dem Abschluss des mexikanischen Unabhängigkeitskrieges von 1821 eingestellt , als die legalen Rassenkategorien im unabhängigen Mexiko abgelehnt wurden. Bis zum 500. Jahrestag der Kolumbus-Reise im Jahr 1492 waren Casta-Gemälde selbst für Kunsthistoriker von geringem oder keinem Interesse, aber Wissenschaftler begannen, sie systematisch als Genre zu untersuchen. Eine Reihe von Casta Gemälde wurde in enthalten Pedro Alonso O'Crouley ‚s A Beschreibung des Königreichs Neu - Spanien , veröffentlicht in der Übersetzung im Jahr 1972 und wurden dann im Jahr 1989 in der ersten großen Katalog von Casta Bilder veröffentlicht enthalten.

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Biombos oder Faltschirme

Biombos oder Faltschirme wurden im 17. Jahrhundert bei Eliten beliebt. Sie waren groß und für die Präsentation in öffentlichen und privaten Räumen von Elitehäusern gedacht und hatten eine Vielzahl von Themen, die von Gemälden historischer Ereignisse, real oder imaginär, allegorischen Darstellungen und Szenen aus dem Alltagsleben in Mexiko reichten. Mexiko war in der Kolonialzeit ein Handelsknotenpunkt, an dem sich Waren aus Asien und Europa mit lokal produzierten vermischten. Diese Konvergenz zeigt sich am deutlichsten in den dekorativen Künsten Neuspaniens. In der Oberschicht war es beliebt, einen öffentlichen Hauptraum, den sogenannten Salon de Estrado , zu haben, der mit Teppichen und Kissen bedeckt war, damit Frauen sich nach maurischer Art zurücklehnen konnten. Hocker und später Stühle und Sofas wurden für Männer hinzugefügt. Ab dem 17. Jahrhundert, als die Manila-Galeone regelmäßig von den Philippinen zum Pazifikhafen Acapulco segelte , gehörten Faltschirme oder Biombos (vom japanischen byo-bu oder „Windschutz“) zu den Luxusgütern, die aus Asien mitgebracht wurden. Es ist bekannt, dass sie um 1610 gebracht wurden und anschließend im 17. und 18. Jahrhundert von mexikanischen Künstlern und Kunsthandwerkern hergestellt wurden. Sie waren modische mexikanische Eliten auf höchstem Niveau und einige wurden nach Europa verschifft. Die meisten scheinen lokal in Mexiko produziert worden zu sein.

Juan Correa produzierte mehr im späten siebzehnten Jahrhundert, einer der 1519 Sitzung des Hernán Cortés und Moctezuma , die dargestellt haben könnten mehr aktuellen Ereignisse eines traditionellen indischen Tanzes ( mitote ) durchgeführt am Fronleichnamsfest, als Symbol für indigene Unterwerfung unter spanischer Herrschaft und Christentum. Cortés wird als "sowohl ein weltlicher als auch ein religiöser Held" dargestellt, während Moctezuma auf einer zeremoniellen Sänfte "die Insignien eines römischen Kaisers" hat und ein Treffen von Gleichen darstellt. Eine andere war allegorisch und trug den Titel The Four Continents (ca. 1683) und zeigte Europa, Amerika, Asien und Afrika mit Europa und Asien im Zentrum und Amerika und Afrika an beiden Enden. Die frühesten dieser in Mexiko hergestellten Bildschirme hatten orientalische Designs, aber spätere hatten europäische und mexikanische Themen. Ein Beispiel dafür ist ein Bildschirm eines anonymen Künstlers mit der Eroberung Mexikos auf der einen Seite und einer Luftaufnahme der Straßen und Gebäude im Zentrum von Mexiko-Stadt, auf der anderen jedoch keine Menschen, jetzt im Franz Mayer Museum . Eine andere ist eine lokale Szene einer indischen Hochzeit mit Voladores ("Flyer"), die an Seilen an ihren Füßen aufgehängt sind.

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  • Großbildleinwand des Palastes der Vizekönige von Mexiko, ca. 1676-1700, Mexiko-Stadt, Museum of the Americas

  • Ein Biombo-Bildschirm mit einer Darstellung der spanischen Eroberung Mexikos im Franz Mayer Museum

  • Juan Correa , Die freien Künste und die vier Elemente (Las artes liberales y los cuatro elementos). 1670

  • Paravent mit indischer Hochzeit und Voladores , ca. 1690

  • Einer der Ausstellungsbereiche im Franz Mayer Museum in Mexiko-Stadt

  • Einer der Ausstellungsbereiche im Franz Mayer Museum in Mexiko-Stadt

Die Akademie von San Carlos

Hauptartikel: Akademie von San Carlos
Porträt von Manuel Tolsá , Architekt und Direktor der Akademie von San Carlos von Rafael Ximeno y Planes , Direktor für Malerei an der Akademie

Die letzte Kunstinstitution aus der Kolonialzeit war die Akademie von San Carlos im Jahr 1783. Während die Darstellung von Heiligen den größten künstlerischen Aufwand beanspruchte, blieb sie nicht ohne politische Auswirkungen. Der wichtigste davon war der Aufstieg des Kultes der Jungfrau von Guadalupe als amerikanischer und nicht als europäischer Heiliger, der eine eigene Identität repräsentiert.

Die Krone förderte in Mexiko die Etablierung des neoklassizistischen Kunst- und Architekturstils, der in Spanien populär geworden war. Dieser Stil war eine Neuinterpretation griechisch-römischer Referenzen und seine Verwendung war ein Weg, die europäische Dominanz in den spanischen Kolonien zu stärken. Ein neoklassizistischer Künstler der Akademie am Ende der Kolonialzeit war Manuel Tolsá . Er lehrte zunächst Bildhauerei an der Akademie von San Carlos und wurde dann deren zweiter Direktor. Tolsá entwarf eine Reihe neoklassizistischer Gebäude in Mexiko, aber sein bekanntestes Werk ist ein Reiterstand von König Karl IV. in Bronze im Jahr 1803, der ursprünglich im Zócalo platziert wurde . Ab 2011 ist es im Museo Nacional de Arte zu sehen .

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts wurden Spaniens Kolonien kulturell unabhängig von Spanien, einschließlich seiner Künste. Die Akademie wurde von der spanischen Krone gegründet , um die Kontrolle über den künstlerischen Ausdruck und die von ihr verbreiteten Botschaften zurückzugewinnen. Diese Schule wurde von spanischen Künstlern in allen wichtigen Disziplinen besetzt, wobei der erste Direktor Antonio Gil war. Die Schule beherbergte eine Reihe von Gipsabgüssen klassischer Statuen der San Fernando Fine Arts Academy in Spanien, die zu Unterrichtszwecken dorthin gebracht wurden. Diese Abgüsse sind im zentralen Innenhof der Akademie ausgestellt. Die Akademie von San Carlos überlebte in Mexiko nach der Unabhängigkeit.

Liste der kolonialen mexikanischen Künstler

Hauptartikel: Liste der mexikanischen Künstler § Maler

Unabhängigkeit bis zum Ausbruch der mexikanischen Revolution, 1821-1910

Siehe auch: Museo Nacional de Arte

Frühe Ära nach der Unabhängigkeit bis Mitte des 19. Jahrhunderts

Held der Unabhängigkeit, Pater José María Morelos , nach dem Leben gemalt, Künstler unbekannt, wahrscheinlich nicht akademisch ausgebildet. ca. 1812.
Die mexikanische Flagge während des größten Teils des neunzehnten Jahrhunderts. Die Flagge mit dem Adler, der eine goldene Krone trägt, wurde von Agustín de Iturbide , Kaiser von Mexiko 1821-22, entworfen.

Künstler der Unabhängigkeitszeit in Mexiko (1810–21) produzierten Werke, die die Helden des Aufstands zeigen. Ein Porträt des weltlichen Klerikers José María Morelos in seiner Militäruniform wurde von einem unbekannten Künstler gemalt, der traditionell als Indigena bezeichnet wird. Das Porträt ist typisch für diejenigen aus dem späten 18. Jahrhundert, mit Rahmenelementen, einer formalen Bildunterschrift und neuen Elementen wie der Ikonographie des aufkommenden mexikanischen Nationalismus, einschließlich des Adlers auf dem Nopalkaktus, der zum zentralen Bild für die mexikanische Flagge wurde. Morelos war Gegenstand einer Auftragsstatue mit Pedro Patiño Ixtolinque , der an der Akademie von San Carlos ausgebildet wurde und während der Ära der Unabhängigkeit ein wichtiger Bildhauer blieb.

Die Akademie von San Carlos blieb bis zum mexikanischen Unabhängigkeitskrieg , in dem sie geschlossen wurde, das Zentrum der akademischen Malerei und die renommierteste Kunstinstitution Mexikos . Trotz ihrer Verbindung mit der spanischen Krone und der europäischen Malereitradition wurde die Akademie von der neuen Regierung nach der vollständigen Unabhängigkeit Mexikos im Jahr 1821 wiedereröffnet. Die ehemalige spanische Fakultät und Studenten starben entweder während des Krieges oder kehrten nach Spanien zurück, aber als sie wiedereröffnet wurde, zog sie an die besten Kunststudenten des Landes und betonten bis ins frühe 20. Jahrhundert die klassischen europäischen Traditionen. Die Akademie wurde in National Academy of San Carlos umbenannt. Die neue Regierung favorisierte weiterhin den Neoklassizismus, da sie den Barock als Symbol des Kolonialismus betrachtete. Der neoklassizistische Stil setzte sich während der Regierungszeit von Maximilian I. fort, obwohl Präsident Benito Juárez ihn nur ungern unterstützte, da sein europäischer Schwerpunkt ein Überbleibsel des Kolonialismus war.

Tlahuicole (1852), Tlaxcala .

Trotz der Verbindung des Neoklassizismus mit der europäischen Vorherrschaft blieb es nach der Unabhängigkeit von der mexikanischen Regierung bevorzugt und wurde Ende des Jahrhunderts in großen Regierungskommissionen verwendet. Indigene Themen tauchten jedoch in Gemälden und Skulpturen auf. Eine im neoklassizistischen Stil dargestellte indigene Figur ist Tlahuicole , die 1851 vom katalanischen Künstler Manuel Vilar geschaffen wurde.

Es gab zwei Gründe für diese Verschiebung des bevorzugten Fachs. Der erste war, dass die mexikanische Gesellschaft die koloniale Kultur verunglimpfte – die indigene Vergangenheit wurde als wahrhafter mexikanisch angesehen. Der andere Faktor war eine weltweite Bewegung von Künstlern zur Konfrontation der Gesellschaft, die um 1830 begann. In Mexiko richtete sich diese Anti-Establishment-Stimmung gegen die Akademie von San Carlos und ihren europäischen Schwerpunkt.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde der romantische Malstil durch ausländische Reisende, die sich für das neue unabhängige Land interessierten, in Mexiko und dem restlichen Lateinamerika eingeführt. Einer von ihnen war der bayerische Künstler Johann Moritz Rugendas , der von 1831 bis 1834 auf dem Land lebte. Er malte Szenen mit dynamischer Komposition und leuchtenden Farben nach romantischem Stil und suchte unter anderem in Mexiko nach markanten, erhabenen und schönen Bildern Gebiete Lateinamerikas. Viele von Rugendas' Werken sind jedoch Skizzen für große Leinwände, von denen viele nie ausgeführt wurden. Andere sind der Engländer Daniel Egerton , der Landschaften in der Tradition der britischen Romantik malte, und der Deutsche Carl Nebel , der hauptsächlich Lithographien der verschiedenen sozialen und ethnischen Bevölkerungsgruppen des Landes schuf .

Eine Reihe von einheimischen Künstlern dieser Zeit folgten den europäischen Malern der Romantik in ihrem Wunsch, die verschiedenen Kulturen Mexikos zu dokumentieren. Diese Maler wurden Costumbristas genannt , ein Wort, das sich von costumbre (Gewohnheit) ableitet . Die Stile dieser Maler waren nicht immer streng romantisch und umfassten auch andere Stile. Die meisten dieser Maler stammten aus der Oberschicht und wurden in Europa ausgebildet. Während die europäischen Maler die Motive als exotisch ansahen, hatten die Costumbristas einen eher nationalistischen Sinn für ihre Heimatländer. Einer dieser Maler war Agustín Arrieta aus Puebla, der realistische Techniken auf Szenen aus seiner Heimatstadt anwandte und die bunt bemalten Fliesen und Keramiken festhielt. Seine Szenen betrafen oft das alltägliche Leben wie Frauen, die in der Küche arbeiteten, und zeigten schwarze und afro-mexikanische Verkäufer.

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José María Velasco , El Valle de México.

Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts begannen die lateinamerikanischen Akademien, sich vom strengen Neoklassizismus zum „ akademischen Realismus “ zu verlagern . Idealisierte und vereinfachte Darstellungen wurden realistischer, mit Betonung auf Details. Szenen in diesem Stil waren am häufigsten Porträts der Oberschicht, biblische Szenen und Schlachten – insbesondere solche aus der Unabhängigkeitszeit. Als die Akademie von San Carlos nach einer kurzen Schließung im Jahr 1843 wiedereröffnet wurde, förderte ihre neue spanische und italienische Fakultät diesen realistischen Stil. Trotz staatlicher Unterstützung und nationalistischer Themen wurden einheimische Künstler im Allgemeinen zugunsten von Europäern kurzgeschlossen.

Der barmherzige Samariter (1838) von Pelegrí Clavé.

Einer der wichtigsten Maler Mexikos Mitte des 19. Jahrhunderts war der Katalane Pelegrí Clavé , der Landschaften malte, aber vor allem für seine Darstellungen der intellektuellen Elite von Mexiko-Stadt bekannt wurde. Realistische Maler versuchten auch, die aztekische Kultur und Menschen darzustellen, indem sie von indigenen Völkern bewohnte Umgebungen darstellten, wobei sie lebende indigene Modelle und Kostüme verwendeten, die auf den Kodizes der Eroberungszeit basierten. Einer von ihnen war Félix Parra , dessen Darstellungen der Eroberung mit dem Leiden der Indigenen einfühlten. Im Jahr 1869 malte José Obregón Die Entdeckung von Pulque ; er stützte seine Architekturdarstellungen auf mixtekische Kodizes, stellte Tempel jedoch falsch als Thronsitz dar.

Die Kunst des 19. Jahrhunderts nach der Unabhängigkeit gilt als rückläufig, insbesondere im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert unter der Herrschaft von Porfirio Díaz (1876-1911). Obwohl Malerei, Bildhauerei und dekorative Kunst in dieser Zeit oft auf die Nachahmung europäischer Stile beschränkt waren, verstärkte das Aufkommen junger Künstler wie Diego Rivera und Saturnino Herrán den Fokus auf mexikanische Werke. Dies bedeutete, dass nach der militärischen Phase der mexikanischen Revolution in den 1920er Jahren die mexikanischen Künstler große Fortschritte machten und einen robusten künstlerischen Nationalismus schmiedeten.

In diesem Jahrhundert gibt es Beispiele für Wandmalereien im folkloristischen Stil, die zwischen 1855 und 1867 in La Barca, Jalisco, entstanden sind.

Highlights zu dieser Zeit: Pelegrín Clavé, Juan Cordero , Felipe Santiago Gutiérrez und José Agustín Arrieta. In Mexiko wurde er 1846 angestellt, um die Wiedereröffnung der Akademie von San Carlos durch Pelegrín Clavé zu leiten, einer Einrichtung, von der aus er die historischen und landschaftlichen Themen mit einer proeuropäischen Vision förderte.

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Denkmäler und Skulpturen

Hauptartikel: Skulptur in Mexiko
Siehe auch: Monumento a la Revolución , Reiterstandbild von Karl IV. von Spanien , Monumento a la Victoria del 5 de Mayo , Tribuna Monumental und Monument für Lázaro Cárdenas

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden in vielen mexikanischen Städten, vor allem in der Hauptstadt, Denkmäler für historische Ereignisse errichtet. Eines der ersten war ein Denkmal für Christoph Kolumbus auf dem breiten Paseo de la Reforma , das von Antonio Escandón in Auftrag gegeben wurde , der mit dem Bau der Mexiko-Stadt-Veracruz-Bahn ein Vermögen machte. Escandón "beschloss, der Epoche der Eisenbahn in Mexiko mit einem Denkmal für ein ebenso epochales Ereignis, die Entdeckung der Neuen Welt, zu gedenken." Während des Porfiriato (1876-1910) wurde der Paseo de la Reforma zu einem wichtigen Ort, um Statuen mexikanischer Helden zu präsentieren, wobei die Verkehrskreisel ( glorietas ) einen besonderen Ehrenplatz hatten. Im Jahr 1887 ließ Porfirio Díaz die Statue des letzten aztekischen Kaisers Cuauhtémoc in Auftrag geben , die auf dem Paseo de la Reforma zu sehen ist . Cuauhtémoc wird mit einem togaähnlichen Umhang mit einem gefiederten Kopfschmuck dargestellt, der eher einem etruskischen oder trojanischen Krieger als einem aztekischen Kaiser ähnelt. Der Sockel weist Elemente auf, die an Mitla und römische Architektur erinnern. Dieser Sockel enthält Bronzeplatten, die Szenen aus der spanischen Eroberung darstellen, sich jedoch auf die indigenen Figuren konzentrieren. Ein bescheidener Obelisk zum Gedenken an die Niños Héroes , Kadetten, die bei der US-Eroberung von Mexiko-Stadt während des Mexikanisch-Amerikanischen Krieges (1847) starben , wurde 1884 errichtet. Ein viel größerer Obelisk wurde Mitte des 20. Jahrhunderts am Eingang errichtet zum Chapultepec-Park. Das wohl berühmteste Denkmal dieser Zeit ist das Unabhängigkeitsdenkmal , das wegen seines geflügelten Sieges oft als "Engel der Unabhängigkeit" bezeichnet wird. Es wurde 1910 zum 100. Jahrestag der Unabhängigkeit in Auftrag gegeben und von Porfirio Díaz während der Feierlichkeiten im September 1910 eingeweiht.

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20. Jahrhundert

Siehe auch: Museo de Arte Moderno , Frida Kahlo Museum und Museo Mural Diego Rivera

Die Akademie von San Carlos setzte sich bis 1913 weiterhin für eine klassische Ausbildung im europäischen Stil ein. In diesem Jahr wurde die Akademie teilweise in die Nationale Autonome Universität von Mexiko (UNAM) integriert. Zwischen 1929 und den 1950er Jahren wurde der Architekturstudiengang der Akademie als Fachbereich der Universität abgespalten; die Programme in Malerei, Bildhauerei und Gravur wurden in Nationale Schule für Ausdruckskunst umbenannt, jetzt Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Beide zogen Mitte des 20. Jahrhunderts in den Süden der Stadt, nach Ciudad Universitaria bzw. Xochimilco , und hinterließen nur einige Graduiertenprogramme in Bildender Kunst im ursprünglichen Akademiegebäude im historischen Zentrum . ENAP bleibt eines der wichtigsten Zentren für die Ausbildung von mexikanischen Künstlern.

Mexikanische Wandmalerei und revolutionäre Kunst

Weitere Informationen: Mexikanische Wandmalerei
Siehe auch: San Ildefonso College
Ein Teil von Alegoría a la Virgen de Guadalupe von Fermín Revueltas in einer der Mauern des San Ildefonso College .

Während im 19. Jahrhundert eine Verlagerung zu mehr indigenen und mexikanischen Themen auftrat, hatte die mexikanische Revolution von 1910 bis 1920 dramatische Auswirkungen auf die mexikanische Kunst. Der Konflikt führte zum Aufstieg der Partido Revolucionario Nacional (umbenannt in Partido Revolucionario Institucional ), die das Land in eine sozialistische Richtung führte. Die Regierung wurde ein Verbündeter vieler Intellektueller und Künstler in Mexiko-Stadt und gab Wandgemälde für öffentliche Gebäude in Auftrag, um ihre politischen Botschaften zu verstärken, einschließlich solcher, die eher mexikanische als europäische Themen betonten. Diese wurden nicht für den populären oder kommerziellen Geschmack geschaffen; Sie wurden jedoch nicht nur in Mexiko, sondern auch in den Vereinigten Staaten anerkannt. "Die großen mexikanischen Wandmaler der Nachrevolution entwickelten mit der Wandmalerei das Konzept der 'öffentlichen Kunst', eine Kunst, die in großen öffentlichen Gebäuden der Zeit von der Masse gesehen und nicht leicht anderswo gekauft und transportiert werden konnte , wie bei der Staffeleimalerei."

"La fiesta del Señor de Chalma" an einer der Wände des San Ildefonso College von Fernando Leal

Diese Kunstproduktion in Verbindung mit Regierungspropaganda ist als mexikanische Modernistische Schule oder mexikanische Muralistische Bewegung bekannt und definierte die Kunst in Mexiko neu. Octavio Paz schreibt José Vasconcelos die Initiierung der Muralistischen Bewegung in Mexiko zu, indem er 1921 die bekanntesten Maler beauftragt, die Wände öffentlicher Gebäude zu schmücken. Die Kommissionen waren politisch motiviert – sie zielten darauf ab, die mexikanische Revolution zu verherrlichen und das mexikanische Volk gegenüber seiner indigenen und spanischen Vergangenheit buchstäblich "von Angesicht zu Angesicht (mit)" neu zu definieren.

Der Baum des Lebens oder der Baum der Wissenschaft, gemalt von Roberto Montenegro am San Pedro y San Pablo College (Lichtmuseum)

Die ersten dieser Auftragsgemälde wurden in San Ildefonso von Fernando Leal, Fermín Revueltas , David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera gemalt . Das erste echte Fresko im Gebäude war ein Werk von Jean Charlot . Bei der Konstruktion dieser Wandmalereien wurden jedoch technische Fehler gemacht: Einige von ihnen begannen zu blasen und wurden zur Konservierung mit Wachs bedeckt. Roberto Montenegro malte die ehemalige Kirche und das Kloster San Pedro y San Pablo , aber das Wandgemälde in der Kirche war in Tempera gemalt und begann abzublättern. Im Klostergebiet malte Montenegro das Fest des Heiligen Kreuzes, das Vasconcelos als Beschützer der Muralisten darstellt. Vasconcelos wurde später ausgeblendet und eine Frauenfigur wurde über ihn gemalt.

Detail des Wandbildes "Gente y paisaje de Michoacán" im Palacio de Gobierno in Michoacán (1962).

Der erste Protagonist bei der Herstellung moderner Wandmalereien in Mexiko war Dr. Atl . Dr. Atl wurde 1875 als "Gerard Murillo" in Guadalajara geboren. Er änderte seinen Namen, um sich als Mexikaner zu identifizieren. Atl arbeitete daran, die Volkskunst und das Kunsthandwerk Mexikos zu fördern . Während er als Maler in Guadalajara einige Erfolge feierte, veranlassten ihn seine radikalen Ideen gegen die Wissenschaft und die Regierung, in das liberalere Mexiko-Stadt zu ziehen. 1910, Monate vor Beginn der mexikanischen Revolution , malte Atl das erste moderne Wandgemälde in Mexiko. Er lehrte bedeutende Künstler, ihm zu folgen, darunter diejenigen, die die mexikanische Wandmalerei dominierten.

Die Wandmalerei-Bewegung erreichte ihren Höhepunkt in den 1930er Jahren mit vier Hauptprotagonisten: Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco und Fernando Leal. Es ist der am besten erforschte Teil der mexikanischen Kunstgeschichte. Alle waren Künstler, die in klassischen europäischen Techniken ausgebildet waren, und viele ihrer frühen Werke sind Imitationen damals moderner europäischer Malereistile, von denen einige an mexikanische Themen angepasst wurden. Die politische Situation in Mexiko in den 1920er bis 1950er Jahren und der Einfluss von Dr. Atl veranlassten diese Künstler, mit europäischen Traditionen zu brechen, indem sie kühne indigene Bilder, viel Farbe und Darstellungen menschlicher Aktivitäten, insbesondere der Massen, im Gegensatz zu den feierlichen und losgelöste Kunst Europas.

Bevorzugte Medien schlossen im Allgemeinen traditionelle Leinwände und Kirchenportiken aus und waren stattdessen die großen, damals undekorierten Wände der mexikanischen Regierungsgebäude. Das Hauptziel vieler dieser Gemälde war die Verherrlichung der vorspanischen Vergangenheit Mexikos als Definition der mexikanischen Identität. Sie hatten sowohl in Mexiko als auch in den Vereinigten Staaten Erfolg, was ihnen Ruhm und Reichtum sowie mexikanische und amerikanische Studenten einbrachte.

Wandbild Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central in Mexiko-Stadt, mit Rivera und Frida Kahlo, die neben La Calavera Catrina stehen.

Diese Wandmaler belebten die Freskentechnik für ihre Wandarbeiten wieder, obwohl Siqueiros zu industriellen Techniken und Materialien wie dem Auftragen von Pyroxilin , einer kommerziellen Emaille für Flugzeuge und Autos , überging . Eine von Riveras frühesten Wandmalereien prangte den Hof des Bildungsministeriums mit einer Reihe tanzender Tehuanas (Eingeborene von Tehuantepec in Südmexiko). Dieses vierjährige Projekt umfasste weitere zeitgenössische indigene Themen und umfasste schließlich 124 Fresken, die sich über drei Stockwerke und zwei Häuserblocks erstreckten. Der Abelardo-Rodriguez-Markt wurde 1933 von Studenten von Diego Rivera gemalt, darunter Isamu Noguchi .

Eine weitere wichtige Figur dieser Zeit war Frida Kahlo , die Frau von Diego Rivera. Während sie anstelle von Wandgemälden Leinwände malte, gilt sie immer noch als Teil der mexikanischen Modernistischen Schule, da ihre Arbeit die mexikanische Volkskultur und Farben betonte. Kahlos Selbstporträts in den 1930er und 40er Jahren standen im krassen Gegensatz zu den aufwendigen Wandmalereien, die Künstler wie ihr Mann damals schufen. Nachdem sie zu Beginn ihres Teenagerlebens einen verheerenden Busunfall erlitten hatte, begann sie Mexikos Besessenheit vom weiblichen Körper in Frage zu stellen. Ihre bewusst kleinen Porträts griffen ein breites Spektrum von Themen auf, die zu dieser Zeit von der Mainstream-Kunstwelt nicht angesprochen wurden. Dazu gehörten Mutterschaft, häusliche Gewalt und männlicher Egoismus.

Ihre Gemälde hatten nie Motive, die üppigen Schmuck oder ausgefallene Kleidung trugen, wie sie in Wandmalereien zu finden sind. Stattdessen zog sie sich spärlich an, und wenn es Accessoires gab, gab es ihnen noch mehr Bedeutung. Sie würde sich auch in sehr surrealen, beunruhigenden Szenarien darstellen, wie in The Two Fridas, wo sie zwei Versionen von sich selbst darstellt, eine mit einem gebrochenen Herzen und eine mit einem gesunden, das das gebrochene Herz mit "hoffnungsvollem" Blut durchtränkt Sie schildert sich selbst in einer Abtreibung und dem Kampf, den sie im wirklichen Leben hatte, damit umzugehen.

Obwohl sie die Frau von Diego Rivera war, blieben ihre Selbstporträts bis weit nach ihrem Tod im Jahr 1954 der Öffentlichkeit eher verborgen. Ihre Kunst hat an Popularität gewonnen und sie wird von vielen als eine der frühesten und einflussreichsten Feministinnen angesehen Künstler des 20. Jahrhunderts.

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Andere künstlerische Ausdrucksformen 1920–1950

Siehe auch: Museo Casa Chihuahua
Mexico de Hoy von Rufino Tamayo im ersten Stock des Palacio de Bellas Artes

Der erste, der mit dem nationalistischen und politischen Ton der Wandmalerei brach, war Rufino Tamayo . Aus diesem Grund wurde er zunächst außerhalb Mexikos geschätzt. Tamayo war ein Zeitgenosse von Rivera, Siqueiros und Orozco und wurde an der Escuela Nacional de Bellas Artes ausgebildet. Wie sie erforschte er in seiner Arbeit die mexikanische Identität nach der mexikanischen Revolution. Er lehnte jedoch den von den drei anderen Künstlern popularisierten politischen Sozialen Realismus ab und wurde vom neuen Establishment abgelehnt.

1926 ging er nach New York, wo er erfolgreich in seiner Heimat Mexiko ausstellen konnte. Sein Mangel an Unterstützung für die nachrevolutionäre Regierung war umstritten. Aus diesem Grund blieb er meistens in New York und setzte seinen Erfolg dort und später in Europa fort. Seine Rivalität mit den drei wichtigsten mexikanischen Wandmalern hielt in den 1950er Jahren sowohl in Mexiko als auch international an. Sogar eine verspätete Ehrung von "The Fourth Great Ones" war umstritten.

Trotz der Aufrechterhaltung einer aktiven nationalen Kunstszene hatten mexikanische Künstler nach der Zeit der Wandmalerei Schwierigkeiten, auf dem internationalen Kunstmarkt Fuß zu fassen. Ein Grund dafür ist, dass in Amerika Mexiko-Stadt durch New York als Zentrum der Kunstszene, insbesondere für Mäzenatentum, abgelöst wurde. In Mexiko bedeutete die staatliche Förderung der Kunst im 20. Jahrhundert (die bis 2000 von der PRI-Partei dominiert wurde) religiöse Themen und Kritik an der Regierung effektiv zensiert. Dies geschah meist passiv, wobei die Regierung Künstlern, die ihren Anforderungen entsprachen, Stipendien vergab. In den 1940er Jahren veröffentlichte Wolfgang Paalen in Mexiko-Stadt das äußerst einflussreiche Magazin DYN , das sich auf eine Übergangsbewegung vom Surrealismus zum abstrakten Expressionismus konzentrierte. Fumiko Nakashima, eine japanische Künstlerin, lebt in Mexiko und arbeitet hauptsächlich an surrealistischen Aquarellen.

1953 wurde das Museo Experimental El Eco (in Mexiko-Stadt) eröffnet; es wurde von Mathias Goeritz erstellt .

Die Bruchbewegung

Weitere Informationen: Generación de la Ruptura
Eine Wand- und Uhrenskulptur von Manuel Felguerez an der Universidad La Salle , Campus Central.

Die erste große Bewegung nach den Wandmalern war die Bruchbewegung , die in den 1950er und 1960er Jahren mit Malern wie José Luis Cuevas , Gilberto Navarro, Rafael Coronel , Alfredo Casaneda und dem Bildhauer Juan Soriano begann . Sie lehnten sozialen Realismus und Nationalismus ab und integrierten Surrealismus, visuelle Paradoxien und Elemente der Malstile der Alten Welt. Dieser Bruch führte dazu, dass spätere mexikanische Künstler im Allgemeinen nicht vom Muralismus oder von der mexikanischen Volkskunst beeinflusst wurden.

José Luis Cuevas schuf Selbstporträts, in denen er Szenen aus berühmten Gemälden spanischer Künstler wie Diego Velázquez , Francisco de Goya und Picasso rekonstruierte . Wie Kahlo vor ihm zeichnete er sich selbst, aber anstatt zentriert zu sein, ist sein Bild oft seitlich, als Betrachter. Ziel war es, die Transformation der empfangenen visuellen Kultur hervorzuheben.

Eine weitere wichtige Figur in dieser Zeit war der Schweizer-Mexikaner Gunther Gerzso , aber sein Werk war eine "hartkantige Variante" des Abstrakten Expressionismus, basierend auf klar definierten geometrischen Formen sowie Farben, mit einer Wirkung, die sie wie ein Flachrelief wirken lässt . Seine Arbeit war eine Mischung aus europäischer Abstraktion und lateinamerikanischen Einflüssen, einschließlich mesoamerikanischer. Im Aquarellbereich können wir Edgardo Coghlan und Ignacio Barrios unterscheiden , die keiner bestimmten künstlerischen Richtung zugehörig waren, aber nicht weniger wichtig waren.

Die Olympischen Spiele in Mexiko-Stadt (1968) und später

"Entworfen von Mathias Goeritz , eine Reihe von Skulpturen ... [gesäumt] die "Route der Freundschaft" ( Ruta de la Amistad ) zur Feier der Olympischen Spiele ... In Anfechtung der von der Regierung genehmigten künstlerischen Ausstellung für die Olympischen Spiele, a Gruppe unterschiedlicher, unabhängiger bildender Künstler organisiert eine Gegenpräsentation mit dem Titel Salón Independiente oder Unabhängiger Salon ; die Ausstellung stellt ein Schlüsselereignis im Widerstand von Künstlern gegen die staatlich kontrollierte Kulturpolitik dar. Diese Demonstration der regierungsfeindlichen Bemühungen von Künstlern würde auch in einem Wandgemälde zum Ausdruck kommen zur Unterstützung der Proteste der Studentenbewegung; die Arbeit wurde als Mural Efímero (oder Ephemeral Mural )" an der UNAM " bekannt.

Der dritte Unabhängige Salon wurde 1970 veranstaltet. 1976 leitet Fernando Gamboa die Organisation einer Ausstellung abstrakter Kunst mit dem Titel El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual .

"In einem Versuch, die mexikanische Kunst nach 1968 neu zu bewerten, organisierte das Museum für Wissenschaft und Kunst der UNAM" 2007 die Ausstellung La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual in México 1968-1997

1990 startete die Ausstellung Mexiko: Esplendor de Treinta Siglos ihre Welttournee im Metropolitan Museum of Art in New York.

Neo-Expressionismus

Skulptur "Siamesas" von Jose Luis Cuevas

Von den 1960er bis 1980er Jahren Neo-Expressionismus Kunst wurde in Mexiko vertreten durch Manuel Felguerez , Teresa Cito, Alejandro Pinatado und Jan Hendrix .

Der schweizerdeutsche Künstler Mathias Goeritz schuf in den 1950er Jahren öffentliche Skulpturen, darunter die Torres Satélite in Ciudad Satélite . In den 1960er Jahren wurde er zusammen mit José Luis Cuevas und Pedro Friedeberg zentral für die Entwicklung der abstrakten und anderen modernen Kunst .

Neomexikanismo

Mitte der 1980er Jahre war die nächste große Bewegung in Mexiko Neomexicanismo, eine leicht surreale, etwas kitschige und postmoderne Version des Sozialen Realismus, die sich eher auf die Populärkultur als auf die Geschichte konzentrierte. Der Name Neomexicanismo wurde ursprünglich von Kritikern verwendet, um die Bewegung herabzusetzen. Die Werke waren nicht unbedingt Wandgemälde: Sie verwendeten andere Medien wie Collagen und parodierten und allegorisierten kulturelle Ikonen, Massenmedien, Religion und andere Aspekte der mexikanischen Kultur. Diese Künstlergeneration interessierte sich für traditionelle mexikanische Werte und erforschte ihre Wurzeln – oft hinterfragte oder unterwanderte sie. Ein weiteres gemeinsames Thema war die mexikanische Kultur gegenüber der Globalisierung.

Postmoderne

Kunst von den 1990er Jahren bis heute wird grob als Postmoderne kategorisiert, obwohl dieser Begriff verwendet wurde, um Werke zu beschreiben, die vor den 1990er Jahren entstanden sind. Zu den wichtigsten Künstlern, die mit diesem Label verbunden sind , gehören Betsabeé Romero , Monica Castillo , Francisco Larios , Martha Chapa und Diego Toledo.

Der Erfolg mexikanischer Künstler zeigt sich in ihrer Aufnahme in Galerien in New York, London und Zürich .

Kunstsammlungen und Galerien

Ángel Zárraga - Votivgabe des Heiligen Sebastian .

Kunstkritik

Octavio Mercado sagte 2012, dass die Aktivität der Kunstkritik immer noch in Fachzeitschriften und national verbreiteten Zeitungen zu finden sei; Darüber hinaus gehören Daniela Wolf , Ana Elena Mallet , Gabriella Gómez-Mont und Pablo Helguera zu einer neuen Generation von Kunstkritikern . (Zuvor wurde 2004 behauptet, dass ein Mangel an einheimischer Literatur über mexikanische Kunst, Symbolik und Trends dazu führte, dass moderne mexikanische Kunst, die im Ausland gezeigt wird, falsch gekennzeichnet oder schlecht beschrieben wurde, da ausländische Institutionen dies nicht ausreichend verstehen oder schätzen politische und gesellschaftliche Umstände hinter den Stücken.)

Mexikanische Künstler des 20. Jahrhunderts

Hauptartikel: Liste der mexikanischen Künstler

Prominenteste Maler mit internationalem Ruf

Andere erwähnenswerte

Würfel von Javier Marín
Ausstellung im Alten Kolleg von San Ildefonso .

21. Jahrhundert

Siehe auch: Museo Rufino Tamayo, Mexiko-Stadt ; Colección Jumex ; und Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey
Mexikanischer Künstler, der auf den Straßen des historischen Zentrums von Mexiko-Stadt ein ephemeres Werk der Straßenkunst in Kreide schafft .

Wie in vielen anderen Teilen der Welt hat Mexiko einige moderne Techniken übernommen, wie die Existenz von Straßenkünstlern, die beliebte Gemälde aus Mexiko im Laufe der Geschichte oder Originalinhalte darstellen.

Moderne mexikanische bildende Künstler

Moderne Interpretation des Porträts von Sor Juana des mexikanischen Künstlers Mauricio García Vega .

Einige der Maler in diesem Jahrhundert sind:

Volkskunst und Kunsthandwerk

Hauptartikel: Mexikanisches Kunsthandwerk und Volkskunst , Mexikanische Keramik , Papel Picado und Traditionelles mexikanisches handgefertigtes Spielzeug
Siehe auch: Museo de Arte Popular und Franz Mayer Museum
Wandgemälde "Pensamiento y alma huichol" (Huichol-Gedanke und Seele) von Santos de la Torre (1997) im Bahnhof Palais-Royal Musée du Louvre in Paris . War das erste mexikanische Werk, das im Louvre in Paris ausgestellt wurde.
Ex-Voto- Gemälde aus den frühen 1920er Jahren zu Ehren Unserer Lieben Frau von San Juan de los Lagos .

Mexikanisches Kunsthandwerk und Volkskunst , in Mexiko Artesanía genannt , ist eine komplexe Kategorie von Gegenständen, die von Hand oder in kleinen Werkstätten für nützliche, dekorative oder andere Zwecke hergestellt werden. Dazu gehören Keramik, Wandbehänge, bestimmte Arten von Gemälden und Textilien. Wie die formelleren Künste hat die Artesanía sowohl indigene als auch europäische Wurzeln und gilt als wertvoller Teil des ethnischen Erbes Mexikos.

Diese Verbindung von Kunst und kultureller Identität wurde in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, nach der mexikanischen Revolution, am stärksten von der politischen, intellektuellen und künstlerischen Elite des Landes geprägt. Künstler wie Diego Rivera , Rufino Tamayo und Frida Kahlo nutzten artesanía als Inspiration für eine Reihe ihrer Wandgemälde und andere Werke. Im Gegensatz zu den bildenden Künsten wird artesanía von einfachen Leuten und Menschen mit indigenem Erbe geschaffen, die ihr Handwerk durch formelle oder informelle Lehren erlernen. Die Verbindung von Artesanía und mexikanischer Identität setzt sich durch Fernsehen, Filme und Tourismusförderung fort.

La Catrina ein Zink Ätzen von dem mexikanischen -Printmaker , Cartoon Illustrator und Lithograph José Guadalupe Posada .

Der Großteil der in Mexiko hergestellten Artesanía besteht aus gewöhnlichen Dingen für den täglichen Gebrauch. Sie gelten als künstlerisch, weil sie dekorative Details enthalten oder in hellen Farben gestrichen sind oder beides. Die kühne Verwendung von Farben in Kunsthandwerk und anderen Konstruktionen reicht bis in die vorspanische Zeit zurück. Dazu kamen weitere Farben, die durch europäische und asiatische Kontakte eingeführt wurden, immer in kräftigen Tönen.

Die Designmotive variieren von rein indigen bis überwiegend europäisch mit anderen Elementen. Geometrische Designs, die mit Mexikos prähispanischer Vergangenheit verbunden sind, sind weit verbreitet und Gegenstände, die von den verbleibenden rein indigenen Gemeinschaften des Landes hergestellt werden. Motive aus der Natur sind beliebt, möglicherweise mehr als geometrische Muster sowohl in vorspanischen als auch in europäischen Designs. Besonders verbreitet sind sie bei Wandbehängen und Keramik.

Eines der besten Kunsthandwerke Mexikos ist die in Puebla hergestellte Talavera-Keramik . Es hat eine Mischung aus chinesischen, arabischen, spanischen und einheimischen Designeinflüssen. Die bekanntesten Volksbilder sind die Votivbilder Ex-Voto oder Retablo . Dies sind kleine Gedenkgemälde oder andere Kunstwerke, die von einem Gläubigen geschaffen wurden und das Eingreifen eines Heiligen oder einer anderen Figur ehren. Der ungeübte Stil der Ex-Voto-Malerei wurde Mitte des 20. Jahrhunderts von Kahlo übernommen, der glaubte, dass sie der authentischste Ausdruck lateinamerikanischer Kunst seien.

Kino

Hauptartikel: Kino von Mexiko
Ikonisches Bild von Pancho Villa während der mexikanischen Revolution , eine Werbung, die noch immer vom Fotografen der Mutual Film Corporation, John Davidson Wheelan, im Januar 1914 aufgenommen wurde.

Die Kamera kam während der mexikanischen Revolution aus den USA und Frankreich nach Mexiko . Es wurde zunächst verwendet, um die Schlachten des Krieges zu dokumentieren. Der revolutionäre General Pancho Villa selbst spielte in einigen Stummfilmen mit. Im Jahr 2003 sendete HBO And Starring Pancho Villa als er selbst , mit Antonio Banderas als Villa; Der Film konzentriert sich auf die Herstellung des Films The Life of General Villa . Villa nutzte das Kino bewusst, um sein öffentliches Image zu formen.

Der erste Tonfilm in Mexiko wurde 1931 mit dem Namen Desde Santa gedreht . Das erste mexikanische Filmgenre erschien zwischen 1920 und 1940, genannt Ranchero .

Mexiko hat zweimal die höchste Auszeichnung bei den Filmfestspielen von Cannes gewonnen , nachdem es 1946 den Grand Prix du Festival International du Film für María Candelaria und 1961 die Palme d'Or für Viridiana gewonnen hat , mehr als jede andere lateinamerikanische Nation.

Während Mexikos Goldenes Zeitalter des Kinos als die 1940er und 1950er Jahre gilt, setzen zwei Filme aus der Mitte bis Ende der 1930er Jahre, Allá en el Rancho Grande (1936) und Vámonos con Pancho Villa (1935), thematisch, ästhetisch den Maßstab dieses Zeitalters. und ideologisch. Diese Filme zeigten archetypische Sternfiguren und Symbole, die auf breiten nationalen Mythologien basieren. Einige der Mythologien nach Carlos Monsiváis umfassen die Teilnehmer an Familienmelodramen, die maskulinen Charros von Ranchero-Filmen, die Femme fatales (oft gespielt von María Félix und Dolores del Río ), die indigenen Völker der Filme von Emilio Fernández und Cantinflas ' s peladito (städtischer Schurke ).

Schauplätze waren oft Ranches , die Schlachtfelder der Revolution und Kabaretts . Filme über die mexikanische Revolution konzentrierten sich eher auf den anfänglichen Sturz der Regierung Porfirio Díaz als auf die anschließenden Kämpfe zwischen den verschiedenen Fraktionen. Sie konzentrierten sich auch eher auf ländliche Themen als "mexikanisch", obwohl die Bevölkerung zunehmend städtisch war.

Cineteca Nacional (Die Nationale Filmbibliothek). ist eine Institution, die sich der Erhaltung, Katalogisierung, Ausstellung und Verbreitung des Kinos in Mexiko widmet .

Mexiko hatte in dieser Zeit zwei Vorteile beim Filmemachen. Die erste war eine Generation talentierter Schauspieler und Filmemacher. Darunter Schauspieler wie María Félix , Jorge Negrete , Pedro Armendáriz , Pedro Infante , Cantinflas und Regisseure wie Emilio „El Indio“ Fernandez und Kameramann Gabriel Figueroa . Viele dieser Starts waren in den USA und bei den Filmfestspielen von Cannes erfolgreich . An der Ecke von La Brea und Hollywood Boulevard steht eine Skulptur von vier Frauen, die die vier Säulen der Kinoindustrie repräsentieren, darunter die mexikanische Schauspielerin Dolores del Río . Gabriel Figueroa ist bekannt für seine Schwarz-Weiß-Kameraarbeit, die im Allgemeinen stark und expressionistisch ist, mit einfachen, aber raffinierten Kamerabewegungen. Der zweite Vorteil war, dass Mexiko nicht stark in den Zweiten Weltkrieg verwickelt war und daher ein größeres Angebot an Zelluloid für Filme hatte, dann auch für Bomben.

In den 1930er Jahren interessierte sich die Regierung für die Branche, um kulturelle und politische Werte zu fördern. Ein Großteil der Produktion während des Goldenen Zeitalters wurde mit einer Mischung aus öffentlichen und privaten Geldern finanziert, wobei die Regierung schließlich eine größere Rolle spielte. 1942 finanzierte die Banco Cinematográfico fast die gesamte Industrie und kam 1947 unter staatliche Kontrolle. Dies gab der Regierung umfangreiche Zensurrechte bei der Entscheidung, welche Projekte finanziert werden sollten. Während die regierende Institutional Revolutionary Party (PRI) in den 1940er und 1950er Jahren Filme in vielerlei Hinsicht zensierte, war sie nicht so repressiv wie andere spanischsprachige Länder, aber sie spielte eine starke Rolle bei der Darstellung der mexikanischen Regierung und Kultur.

Das Goldene Zeitalter endete in den späten 1950er Jahren, wobei die 1960er von schlecht gemachten Imitationen von Hollywood-Western und -Komödien dominiert wurden. Diese Filme wurden zunehmend im Freien gedreht und beliebte Filme zeigten Stars von lucha libre . Die Kunst- und Experimentalfilmproduktion in Mexiko hat ihre Wurzeln in der gleichen Zeit, die in den 1970er Jahren begann, Früchte zu tragen. Regisseur Paul Leduc tauchte in den 1970er Jahren auf und spezialisierte sich auf Filme ohne Dialog. Sein erster großer Erfolg war mit Reed: Insurgent Mexico (1971), gefolgt von einer Biographie von Frida Kahlo namens Frida (1984). Er ist der konsequent politischste der modernen mexikanischen Regisseure. In den 1990er Jahren drehte er Latino Bar (1991) und Dollar Mambo (1993). Seine Stummfilme hatten im Allgemeinen keinen kommerziellen Erfolg.

Amores Perros gewann 11 Ariel Awards und 2001 den BAFTA Award für den besten Film nicht in englischer Sprache .

Im späten 20. Jahrhundert war Arturo Ripstein Jr. der Hauptvertreter des mexikanischen Kunstkinos . Seine Karriere begann mit einem Spaghetti-Western-ähnlichen Film namens Tiempo de Morir aus dem Jahr 1965, den manche als Nachfolger von Luis Buñuel betrachten, der in den 1940er Jahren in Mexiko arbeitete. Einige seiner klassischen Filme sind El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin limites (1977) und La reina de la noche (1994), die Themen wie Familienbande und sogar Homosexualität behandeln und sich mit Grausamkeit, Ironie und Tragödie auseinandersetzen. Die staatliche Zensur war in den 1960er und frühen 1970er Jahren relativ lax, kam aber in den späten 1970er und 1980er Jahren zurück und monopolisierte Produktion und Vertrieb.

Faungesicht aus Pans Labyrinth, ausgestellt bei Fantasy: Worlds of Myth and Magic, Experience Music Project/Science Fiction Hall of Fame, Seattle. Pans Labyrinth ist ein mexikanisch-spanischer Dark-Fantasy- Dramafilm aus dem Jahr 2006.

Ein weiterer Faktor war, dass viele mexikanische Filmproduktionsstätten in den 1980er Jahren von Hollywood-Produktionsfirmen übernommen wurden und die lokale Produktion verdrängten. Die Qualität der Filme war so gering, dass der mexikanische Ariel-Filmpreis für einige dieser Jahre mangels geeigneter Kandidaten ausgesetzt wurde. Die Popularität des Filmemachens ging zurück, aber der Kunstsektor wuchs und produzierte manchmal Werke außerhalb der Sicht der Zensur, wie etwa Jorge Fons ' 1989er Film Rojo Amanecer über das Tlatelolco-Massaker von 1968 . Der Film wurde von der Regierung verboten, erhielt jedoch Unterstützung in Mexiko und im Ausland. Der Film wurde zwar nicht weithin gezeigt. Es war der Beginn von mehr redaktioneller Freiheit für Filmemacher in Mexiko.

22 Tepeji Street, Colonia Roma - das Haus, in dem der Film Roma gedreht wurde. Roma war der erste mexikanische Beitrag, der bei den Academy Awards als bester fremdsprachiger Film ausgezeichnet wurde.

Ab den 1990er Jahren begann das mexikanische Kino ein Comeback, meist durch Koproduktionen mit ausländischen Interessen. Ein Grund für das internationale Interesse am mexikanischen Kino war der große Erfolg des Films Como Agua Para Chocolate von 1992 ( Wie Wasser für Schokolade ). 1993 war dieser Film der erfolgreichste fremdsprachige Film in der US-Geschichte und lief in insgesamt 34 Ländern. Seitdem teilte sich der mexikanische Film in zwei Genres. Diejenigen für ein eher einheimisches Publikum sind in der Regel persönlicher und mehrdeutig politisch wie Pueblo de Madera , La Vida Conjugal und Angel de fuego . Diejenigen, die auf ein internationales Publikum ausgerichtet sind, haben eher stereotype mexikanische Bilder und umfassen Sólo con Tu Pareja , La Invencion de Cronos sowie Como Agua para Chocolate .

Mexikos neueste Generation erfolgreicher Regisseure umfasst Alejandro González Iñárritu , Guillermo del Toro und Alfonso Cuarón, bekannt als "Die drei Amigos des Kinos". Zu den Filmen dieser Regisseure zählen Cuaróns Gravity , del Toros The Shape of Water und Iñárritus Birdman . Filmschaffende des frühen 21. Jahrhunderts sind in der Regel mindestens zweisprachig (Spanisch und Englisch) und können besser als ihre Vorgänger am globalen Filmmarkt partizipieren.

Fotografie in Mexiko

Siehe auch: es: Museo Nacional de la Fotografía (México) und Museo Archivo de la Fotografía
Fotografie von Maximilian und Charlotte – Mexiko 1857. Unbekannter Fotograf

Etwa sechs Monate nach ihrer Entdeckung kam die Fotografie in Form der Daguerreotypie nach Mexiko und verbreitete sich schnell. Es wurde ursprünglich für Porträts der Reichen (wegen seiner hohen Kosten) und für die Aufnahme von Landschaften und prähispanischen Ruinen verwendet. Eine weitere relativ häufige Art von frühen fotografischen Porträts waren die von kürzlich verstorbenen Kindern, kleine Engel genannt, die bis in die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts Bestand hatten. Dieser Brauch entstammt einer katholischen Tradition, die sofortige Aufnahme eines toten Kindes in den Himmel zu feiern und das Fegefeuer zu umgehen. Diese Fotografie ersetzte die Praxis, Zeichnungen und andere Darstellungen davon anzufertigen, da dies als "glücklicher Anlass" angesehen wurde. Formale Porträts waren bis zum Ende des 19. Jahrhunderts die gebräuchlichste Form der kommerziellen Fotografie.

Foto der Metlac-Brücke mit Zug 1903, Guillermo Kahlo , Fotograf.

Die moderne Fotografie in Mexiko begann nicht als Kunstform, sondern eher als Dokumentation, verbunden mit Zeitschriften und Regierungsprojekten. Es stammt aus der Herrschaftszeit des Porfirio Díaz oder des Porfiriato vom späten 19. Jahrhundert bis 1910. Die Fotografie aus der Porfirian-Ära neigte stark dazu, die Modernisierung der Nation dem Rest der Welt zu präsentieren, mit Mexiko-Stadt als kulturellem Vorzeigeobjekt . Dieses Bild war europäisch, mit einigen indigenen Elementen zur Unterscheidung.

Stilisierte Bilder der Indigenen während des Porfirato wurden hauptsächlich von Ybañez y Sora in der außerhalb Mexikos beliebten Costumbrista- Malerei angefertigt. Einer der bedeutendsten Fotografen des Porfiriato war Guillermo Kahlo , geb. Wilhelm. Kahlo gründete im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts sein eigenes Studio und wurde von Unternehmen und der Regierung angeheuert, um Architektur, Innenräume, Landschaften und Fabriken zu dokumentieren. Ein weiterer deutschstämmiger Fotograf war Hugo Brehme , der gleichzeitig mit Kahlo arbeitete. Die beiden kamen anscheinend nicht miteinander aus, möglicherweise weil sie Rivalen waren, Bilder von Gebäuden aus der Kolonialzeit zu produzieren.

Kahlos Stil spiegelte die Erzählungen der Zeit wider, konzentrierte sich ausschließlich auf große Konstruktionen und Ereignisse und vermeidet die gewöhnliche Bevölkerung, da selten Menschen auf seinen Fotos erscheinen. Themen, die auf die politische Instabilität des Landes zu dieser Zeit hindeuteten, wie Streikaktionen, wurden vermieden . Ein großes Kahlo-Projekt war das Photographic Inventory of Spanish Colonial Church Architecture in Mexico (1910), das aus 25 Alben bestand, die von der Bundesregierung gesponsert wurden, um die verbleibende Kolonialarchitektur zu dokumentieren. Kahlos Fotografie wurde verwendet, um Mexikos vorspanische und koloniale Vergangenheit in ihrer Architektur mit Mexikos aktuellem Fortschritt zu verbinden, wie seine Fotos von Industrie und Infrastruktur zeigen.

Zapatisten in Cuernavaca, 1911. Hugo Brehme , Fotograf

Ein weiterer Pionier der mexikanischen Fotografie war Agustín Victor Casasola . Wie Kahlo begann er seine Karriere im Porfirato, konzentrierte sich jedoch auf die Fotografie für Zeitschriften. Wie Kahlo konzentrierte sich Casasolas Werk vor der mexikanischen Revolution auf nicht-kontroverse Fotografien und konzentrierte sich auf das Leben der Elite. Durch den Ausbruch des Bürgerkriegs änderte sich Casasolas Wahl des Themas. Er begann sich nicht nur auf Porträts der Hauptprotagonisten (wie Francisco Villa ) und allgemeine Kampfszenen zu konzentrieren, sondern auch auf Hinrichtungen und die Toten. Er konzentrierte sich auf Menschen, deren Gesichter solche Ausdrücke wie Schmerz, Freundlichkeit und Resignation zeigten.

Seine Arbeit während dieser Zeit brachte eine große Sammlung von Fotografien hervor, von denen viele den Mexikanern bekannt sind, da sie häufig nachgedruckt und wiederverwendet wurden, oft ohne Casasola. Nach dem Krieg fotografierte Casasola weiterhin gewöhnliche Menschen, insbesondere Migranten, die in den 1920er und 1930er Jahren nach Mexiko-Stadt kamen. Sein gesamtes bekanntes Archiv umfasst etwa eine halbe Million Bilder, wobei viele seiner Werke im ehemaligen Kloster von San Francisco in Pachuca archiviert sind .

Eine Szene aus der Decena Trágica , Februar 1913, aus dem Casasola-Archiv

Kahlo und Casasola gelten als die beiden wichtigsten Fotografen, die das Medium in Mexiko entwickelt haben, wobei Kahlo die Architekturfotografie definiert und Casasolas den Fotojournalismus begründet. Keiner der Männer hielt sich für einen Künstler – besonders nicht Casasolas – der sich selbst als Historiker in der positivistischen Tradition betrachtete, aber die Fotografien beider zeigen Liebe zum Detail, Beleuchtung und Platzierung der Motive für emotionale oder dramatische Effekte.

Für den Rest des 20. Jahrhunderts war die Fotografie meist mit der Dokumentation verbunden. Es wirkten sich jedoch künstlerische Strömungen aus dem In- und Ausland aus. In den 1920er Jahren war der vorherrschende fotografische Stil der Piktorialismus , bei dem Bilder durch die Verwendung von Filtern und anderen Techniken eine romantische oder traumartige Qualität hatten. Der Amerikaner Edward Weston brach mit dieser Tradition und entfernte diese Effekte für realistischere und detailliertere Bilder. Dies führte zu einer Spaltung in der Fotowelt zwischen Piktorialisten und Realisten sowohl innerhalb als auch außerhalb Mexikos.

Pancho Villa (links) „Kommandant der División del Norte (Norddivision)“ und Emiliano Zapata „ Ejército Libertador del Sur ( Befreiungsarmee des Südens )“ im Jahr 1914. Villa sitzt auf dem Präsidentenstuhl im Palacio Nacional . Von Agustín Casasola .

Weston und seine italienische Assistentin Tina Modotti waren von 1923 bis 1926 in Mexiko und verbündeten sich mit mexikanischen Realisten-Fotografen Manuel Álvarez Bravo sowie Wandmalern wie Gabriel Fernández Ledesma . Die politischen und sozialen Bestrebungen dieser Fotografen entsprachen denen der Muralistenbewegung und der neuen Regierung nach der Revolution. Mariana Yampolsky , ursprünglich aus den USA, wurde eine wichtige Fotografin in Mexiko. Fotografie und andere Künste verlagerten sich zu Darstellungen des indigenen Erbes des Landes und der Verherrlichung des mexikanischen Volkes. Dies diente hauptsächlich dazu, die elitären und stark europäischen Werte des Porfiriato sowie den zunehmenden kulturellen Einfluss der Vereinigten Staaten zugunsten einer "authentischen" und ausgeprägten mexikanischen Identität abzulehnen. Eine andere war die Entscheidung der Regierung, diese Bilder anstelle der noch frischen Erinnerungen an die Schlachten und Gräueltaten der Revolution zu verwenden, um für sich selbst zu werben.

Frau aus Tehuantepec (Mexiko), Foto von Tina Modotti .

Manuel Alvarez Bravo experimentierte in seiner Fotografie mit Abstraktion und formte seinen ganz persönlichen Stil, der sich mit mexikanischen Riten und Bräuchen beschäftigte. Er war von den 1920er Jahren bis zu seinem Tod in den 1990er Jahren aktiv. Wie anderen Künstlern des 20. Jahrhunderts ging es ihm darum, internationale künstlerische Strömungen mit dem Ausdruck der mexikanischen Kultur und Menschen in Einklang zu bringen. Seine fotografischen Techniken beschäftigten sich damit, das Gewöhnliche in das Phantastische zu verwandeln. Von Ende der 1930er bis in die 1970er Jahre entwickelte sich seine Fotografie zusammen mit neuen Technologien wie der Farbe, die dieselben Themen verwendeten. In den 1970er Jahren experimentierte er mit weiblichen Akten.

Diese Fotografen nach der Revolution beeinflussten die Generationen nach ihnen, aber der Schwerpunkt blieb auf dem dokumentarischen Journalismus, insbesondere für Zeitungen. Aus diesem Grund blieben soziale Themen im Fokus. Darunter auch Arbeiten von Nacho López und Hector Garcia , die vor allem für ihre Fotografien des Studentenaufstands von 1968 bekannt sind .

Der "Zócalo" in Mexiko-Stadt 1968

In den 1970er Jahren behielt die Verschmelzung verschiedener Stile einen gesellschaftlichen Schwerpunkt. Im gleichen Zeitraum wurden Institutionen gegründet, die sich der Förderung der Fotografie und der Konservierung von Fotografien widmeten, wie das Centro de la Imagen, die Fototeca Nacional del INAH und die Publikation Luna Córnea .

Die Fotografie in Mexiko ab dem letzten 20. Jahrhundert konzentriert sich hauptsächlich auf Fotojournalismus und andere Arten von Dokumentarfilmen. Francisco Mata de Rosas gilt als der bemerkenswerteste Fotograf im heutigen Mexiko, der hauptsächlich mit Dokumentarfilmen arbeitet. Er hat eine Reihe von Büchern veröffentlicht, darunter México Tenochtitlan und Tepito, Bravo el Barrio . Eniac Martínez ist auf Panoramen spezialisiert. Patricia Aridjis arbeitet mit sozialen Themen, hauptsächlich um Bücher zu illustrieren. Die Arbeit von Gerardo Montiel Klint wurde als eine "schattenhafte und dunkle Welt" beschrieben, die sich auf die Angst und Gewalt von Jugendlichen konzentriert. Die neueste Generation von Fotografen arbeitet mit neuen und digitalen Technologien. Einer von ihnen ist Javier Orozco, der sich auf Interieurs spezialisiert hat.

Die rein künstlerische Fotografie hat jedoch Wirkung gezeigt. Im Jahr 2002 zeigte eine Fotoausstellung von Daniela Rossell Bilder von mexikanischen Multimillionären, die in ihren pompösen Häusern posierten, gefüllt mit teuren Gemälden, Jagdtrophäen, Kristallkronleuchtern, goldenen Lamétapeten und Haushaltshilfen. Die Fotografien lösten eine Welle von Gesellschaftskritik und Klatsch in der Boulevardzeitung aus.

Galerie

Siehe auch

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Verweise

Externe Links