Neues Hollywood - New Hollywood

Neues Hollywood
aktive Jahre Mitte der 1960er bis Anfang der 1980er Jahre
Land Vereinigte Staaten
Einflüsse
Beeinflusst

Das New Hollywood , auch als American New Wave oder manchmal als Hollywood Renaissance bezeichnet , bezieht sich auf eine Bewegung in der amerikanischen Filmgeschichte von Mitte der 1960er bis Anfang der 1980er Jahre, als eine neue Generation junger Filmemacher in den Vereinigten Staaten bekannt wurde Zustände. Sie beeinflussten die Art des produzierten Films, ihre Produktion und Vermarktung und die Art und Weise, wie große Studios das Filmemachen annahmen. In New Hollywood - Filmen, die den Regisseur nahm, anstatt das Studio, auf einem Schlüssel auktorialen Rolle. Die Definition von "New Hollywood" variiert je nach Autor, einige definieren es als Bewegung und andere als Periode. Auch die Zeitspanne und ihre Integrität sind umstritten, da einige Autoren wie Thomas Schatz argumentieren, dass das New Hollywood aus mehreren unterschiedlichen Bewegungen besteht. Die Filme dieser Bewegung zeichnen sich stilistisch dadurch aus, dass ihre Erzählung oft stark von klassischen Normen abweicht . Nach dem Niedergang des Studiosystems und dem Aufkommen des Fernsehens wurde der kommerzielle Erfolg von Filmen geschmälert.

Zu den erfolgreichen Filmen der frühen New-Hollywood-Ära gehören Bonnie und Clyde , The Graduate , Night of the Living Dead , The Wild Bunch und Easy Rider , während Filme, die an den Kinokassen scheiterten, darunter Heaven's Gate und One from the Heart das Ende des Films markierten die Ära.

Geschichte

Hintergrund

Nach dem Paramount-Fall (der die Blockbuchung und den Besitz von Theaterketten durch Filmstudios beendete) und das Aufkommen des Fernsehens (wo John Frankenheimer , Paddy Chayefsky und Sidney Lumet in ihren früheren Jahren arbeiteten), die beide das traditionelle Studiosystem ernsthaft schwächten , Hollywood-Studios nutzten zunächst Spektakel, um ihre Rentabilität zu wahren. Technicolor entwickelte eine weit verbreitetere Verwendung, während Breitbildverfahren und technische Verbesserungen wie CinemaScope , Stereoton und andere wie 3D erfunden wurden, um das schwindende Publikum zu halten und mit dem Fernsehen zu konkurrieren. Diese waren jedoch in der Regel nicht erfolgreich in der Gewinnsteigerung. 1957 nannte das Life- Magazin die 1950er Jahre "das schreckliche Jahrzehnt" für Hollywood.

In den 1950er und frühen 1960er Jahren wurde ein Hollywood von Musicals, historischen Epen und anderen Filmen dominiert, die von den größeren Leinwänden, dem breiteren Rahmen und dem verbesserten Ton profitierten. Daher wurde die Ära bereits 1957 als "New Hollywood" bezeichnet. Die Zuschaueranteile gingen jedoch weiter zurück und erreichten Mitte der 1960er Jahre erschreckend niedrige Werte. Mehrere kostspielige Flops, darunter Tora! Tora! Tora! und Hallo Dolly! und gescheiterte Versuche, den Erfolg von The Sound of Music zu wiederholen, belasteten die Studios stark.

Als die Babyboomer- Generation in den 1960er Jahren erwachsen wurde, verlor " Old Hollywood " rapide Geld; Die Studios waren sich nicht sicher, wie sie auf die stark veränderte Demografie des Publikums reagieren sollten. Der Markt änderte sich in diesem Zeitraum von einem Publikum mittleren Alters mit High-School-Bildung Mitte der 1960er Jahre zu einer jüngeren, wohlhabenderen Zielgruppe mit Hochschulbildung: Mitte der 1970er Jahre waren 76 % aller Kinobesucher unter 30 Jahre alt , von denen 64 % ein College besucht hatten. Europäische Arthouse- und Werbefilme (insbesondere die Commedia all'italiana , die französische New Wave , der Spaghetti Western ) und das japanische Kino machten in den Vereinigten Staaten Furore – der riesige Markt der unzufriedenen Jugend schien Relevanz und künstlerische Bedeutung darin zu finden Filme wie Michelangelo Antonioni ‚s Blowup , mit seiner schrägen Erzählstruktur und voll-frontaler weiblicher Nacktheit.

Die Verzweiflung der Studios in dieser Zeit des wirtschaftlichen Abschwungs und nach den Verlusten durch teure Filmflops führte zu Innovation und Risikobereitschaft, was jüngeren Regisseuren und Produzenten eine größere Kontrolle ermöglichte. Um dieses Publikum zu gewinnen, das eine Verbindung zu den "Kunstfilmen" Europas fand, stellten die Studios daher eine Reihe junger Filmemacher ein (von denen einige von "King of the Bs" Roger Corman betreut wurden, während andere wie der berühmte Kameramann Vilmos Zsigmond arbeitete für weniger bekannte B-Movie- Regisseure wie Ray Dennis Steckler , bekannt für den 1963-Streifen The Incredably Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies ) und erlaubte ihnen, ihre Filme mit relativ wenig Studiokontrolle zu drehen. Dies, zusammen mit der Auflösung des Production Code im Jahr 1966 und dem neuen Bewertungssystem im Jahr 1968 (das die wachsende Marktsegmentierung widerspiegelt) bildeten die Bühne für das New Hollywood.

Bonnie und Clyde

Ein prägender Film der New-Hollywood-Generation war Bonnie and Clyde (1967).

Produziert von und mit Warren Beatty in der Hauptrolle und inszeniert von Arthur Penn , war seine Kombination aus grafischer Gewalt und Humor sowie das Thema einer glamourösen, unzufriedenen Jugend ein Publikumserfolg. Der Film gewann Oscars für die beste Nebendarstellerin ( Estelle Parsons ) und die beste Kamera .

Als Jack L. Warner , der damalige CEO von Warner Bros. , im Sommer 1967 zum ersten Mal einen Rohschnitt von Bonnie und Clyde sah , hasste er ihn. Die Vertriebsleiter von Warner Brothers stimmten zu und gaben dem Film eine zurückhaltende Premiere und eine begrenzte Veröffentlichung. Ihre Strategie schien gerechtfertigt, als Bosley Crowther , mittelständischer Filmkritiker der New York Times , dem Film eine vernichtende Kritik gab. "Es ist ein billiges Stück glatzköpfiger Slapstick-Komödie", schrieb er, "das die abscheulichen Verwüstungen dieses schäbigen, schwachsinnigen Paares behandelt, als ob sie so voller Spaß und Ausgelassenheit wären wie die Jazz-Age-Cut-ups in Thoroughly Modern". Millie …“ Andere Mitteilungen, einschließlich derer aus den Zeitschriften Time und Newsweek , waren ebenso abweisend.

Seine Darstellung von Gewalt und Ambiguität in Bezug auf moralische Werte und sein überraschendes Ende spalteten die Kritiker. Nach einer der negativen Kritiken erhielt das Time Magazine Briefe von Fans des Films, und laut dem Journalisten Peter Biskind führte der Einfluss der Kritikerin Pauline Kael in ihrer positiven Kritik des Films (Oktober 1967, New Yorker ) andere Kritiker dazu, ihr zu folgen den Film leiten und neu bewerten (insbesondere Newsweek und Time ). Kael machte auf die Unschuld der Charaktere im Film und den künstlerischen Wert des Kontrasts zwischen dieser und der Gewalt im Film aufmerksam: „In gewisser Weise ist es die Abwesenheit von Sadismus – es ist die Gewalt ohne Sadismus –, die die Publikum aus dem Gleichgewicht bei Bonnie und Clyde . Die Brutalität, die aus dieser Unschuld kommt, ist weitaus schockierender als die berechneten Brutalitäten gemeiner Killer." Kael bemerkte auch die Reaktion des Publikums auf den gewalttätigen Höhepunkt des Films und das Potenzial, sich in die Verbrecherbande in Bezug auf ihre Naivität und Unschuld einzufühlen, die eine veränderte Erwartungshaltung an das amerikanische Kino widerspiegeln.

Die Titelgeschichte im Time Magazine im Dezember 1967 feierte den Film und die Innovation im amerikanischen New Wave-Kino. Dieser einflussreiche Artikel von Stefan Kanfer behauptete, dass Bonnie und Clyde durch seine verschwommenen Genregrenzen und die Missachtung ehrenvoller Aspekte der Handlung und Motivation ein "Neues Kino" repräsentierten und dass " Bonnie und Clyde sowohl in der Konzeption als auch in der Ausführung ein Wendepunkt sind. die Art, die einen neuen Stil, einen neuen Trend signalisiert." Biskind erklärt, dass diese Überprüfung und Umkehrung durch einige Kritiker die Wiederveröffentlichung des Films ermöglichte, was seinen kommerziellen Erfolg bewies und den Schritt in Richtung New Hollywood widerspiegelte. Die Wirkung dieses Films ist wichtig, um den Rest der amerikanischen New Wave sowie die dafür notwendigen Bedingungen zu verstehen.

Diese ersten Erfolge ebneten dem Studio den Weg, die Kontrolle an diese innovativen jungen Filmemacher nahezu vollständig abzugeben. Mitte der 1970er Jahre erfreuten sich eigenwillige, verblüffende Originalfilme wie Paper Moon , Dog Day Afternoon , Chinatown und Taxi Driver unter anderem enormen kritischen und kommerziellen Erfolg. Diese Erfolge der Mitglieder des New Hollywood führten dazu, dass jeder von ihnen der Reihe nach immer extravagantere Anforderungen sowohl an das Studio als auch schließlich an das Publikum stellte.

Eigenschaften

Diese neue Generation von Hollywood-Filmemachern war aus Sicht der Studios vor allem jung und konnte daher das jugendliche Publikum erreichen, das sie verloren hatten. Diese Gruppe junger Filmemacher – Schauspieler , Schriftsteller und Regisseure – von der Presse als „New Hollywood“ bezeichnet, veränderte das Geschäft kurzzeitig vom produzentengetriebenen Hollywood-System der Vergangenheit.

Todd Berliner hat über die ungewöhnlichen Erzählpraktiken dieser Zeit geschrieben. Die 1970er Jahre, sagt Berliner, markieren Hollywoods bedeutendste formale Transformation seit der Umstellung auf Tonfilm und sind die entscheidende Zeit, die die Erzählweisen der Studio-Ära und des zeitgenössischen Hollywoods trennt. Neue Hollywood-Filme weichen mehr von klassischen Erzählnormen ab als Hollywood-Filme aus jeder anderen Epoche oder Bewegung. Ihre erzählerischen und stilistischen Mittel drohen eine ansonsten geradlinige Erzählung zu entgleisen. Berliner argumentiert, dass fünf Prinzipien die Erzählstrategien bestimmen, die für Hollywood-Filme der 1970er Jahre charakteristisch sind:

  • Die Filme der Siebziger zeigen eine perverse Tendenz, in erzählerischer Beiläufigkeit Handlungsinformationen und Stilmittel zu integrieren, die den offenkundigen und wesentlichen narrativen Zwecken der Filme kontraproduktiv sind.
  • Hollywood-Filmemacher der 1970er Jahre verorten ihre filmischen Praktiken oft zwischen denen des klassischen Hollywoods und denen des europäischen und asiatischen Kunstkinos.
  • Filme aus den Siebzigern lösen bei den Zuschauern unsicherere und unangenehmere Reaktionen aus als die des typischen Hollywood-Kinos.
  • Die Erzählungen der Siebziger legen einen ungewöhnlichen Schwerpunkt auf Unentschlossenheit, besonders im Moment des Höhepunkts oder in Epilogen, wenn konventionellere Hollywood-Filme damit beschäftigt sind, lose Enden zu verbinden.
  • Das Kino der 70er Jahre behindert die lineare und dynamische Erzählung und versenkt sein Potenzial, Spannung und Aufregung zu erzeugen.

Thomas Schatz weist auf einen weiteren Unterschied zum Hollywood Golden Age hin, der sich mit dem Verhältnis von Charakteren und Handlung beschäftigt. Er argumentiert, dass die Handlung in klassischen Hollywood-Filmen (und einigen der früheren New-Hollywood-Filme wie The Godfather ) "in Abhängigkeit von den Trieben, Wünschen, Motivationen und Zielen der Hauptfiguren organischer hervortrat". Ab Mitte der 1970er Jahre weist er jedoch auf einen Trend hin, dass "Charaktere zu Handlungsfunktionen wurden".

Während der Blütezeit des Studiosystems wurden Filme fast ausschließlich am Set in isolierten Studios gedreht. Der Inhalt von Filmen wurde durch den Motion Picture Production Code eingeschränkt, und obwohl die Filmemacher des Goldenen Zeitalters Schlupflöcher in seinen Regeln fanden, wurde die Diskussion über tabuisiertere Inhalte durch Film effektiv verhindert. Der Übergang zu einem "neuen Realismus" wurde ermöglicht, als das Filmbewertungssystem der Motion Picture Association of America eingeführt wurde und das Filmen vor Ort immer praktikabler wurde. New York City war aufgrund seiner düsteren Atmosphäre ein beliebter Ort für diese neue Gruppe von Filmemachern.

Aufgrund von Durchbrüchen in der Filmtechnologie (z. B. der Panavision Panaflex- Kamera, eingeführt 1972), konnten die New-Hollywood-Filmemacher relativ einfach 35-mm-Kamerafilme im Außenbereich drehen. Da Dreharbeiten vor Ort billiger waren (es müssen keine Sets gebaut werden), entwickelten neue Hollywood-Filmemacher schnell die Vorliebe für Dreharbeiten, was zu einem naturalistischeren Ansatz beim Filmemachen führte, insbesondere im Vergleich zu dem meist stilisierten Ansatz klassischer Hollywood-Musicals und -Spektakel, die mit denen konkurrieren sollen Fernsehen in den 1950er und frühen 1960er Jahren. Auch die Dokumentarfilme von DA Pennebaker , den Maysles Brothers und Frederick Wiseman beeinflussten unter anderem die Filmemacher dieser Zeit.

Beim Schnitt hielten die Filmemacher aus New Hollywood jedoch liberaler am Realismus fest als die meisten ihrer klassischen Hollywood-Vorgänger und verwendeten die Schnitte oft eher für künstlerische Zwecke als für Kontinuität allein, eine Praxis, die von europäischen Kunstfilmen und klassischen Hollywood-Regisseuren wie DW Griffith und Alfred Hitchcock inspiriert wurde . Filme mit unorthodoxen Bearbeitung enthalten Easy Rider ' s Verwendung von jump cuts (durch die Arbeiten beeinflusst experimentelle Collage Filmemacher Bruce Conner ) , um den Höhepunkt des Films ahnen zu lassen, sowie subtilere Anwendungen, wie sie das Gefühl der Frustration in widerzuspiegeln Bonnie und Clyde , die Subjektivität des Protagonisten in The Graduate und der Lauf der Zeit im berühmten Match Cut von 2001: A Space Odyssey . Einflussreich waren auch die Werke der Experimentalfilmer Arthur Lipsett , Bruce Baillie und Kenneth Anger mit ihren Kombinationen von Musik und Bildsprache und wurden jeweils von George Lucas und Martin Scorsese als Einflüsse genannt.

Das Ende des Produktionscodes ermöglichte es New Hollywood-Filmen, politische Themen gegen das Establishment, die Verwendung von Rockmusik und sexuelle Freiheit zu zeigen, die von den Studios als "gegenkulturell" eingestuft wurden. Die Jugendbewegung der 1960er Jahre machte Antihelden wie Bonnie und Clyde und Cool Hand Luke zu Idolen der Popkultur, und das Life- Magazin bezeichnete die Charaktere in Easy Rider als "Teil des grundlegenden Mythos, der für die Gegenkultur der späten 1960er Jahre zentral ist". Easy Rider beeinflusste auch die Art und Weise, wie Studios den Jugendmarkt erreichen wollten. Der Erfolg von Midnight Cowboy , trotz X-Rating, war ein Beleg für das damalige Interesse an kontroversen Themen und zeigte auch die Schwäche des Bewertungssystems und der Segmentierung des Publikums.

Interpretationen zur Definition der Bewegung

Für Peter Biskind war die neue Welle von Bonnie und Clyde vorausgeahnt und begann mit Easy Rider ernsthaft . Biskinds Buch Easy Riders, Raging Bulls argumentiert, dass die New-Hollywood-Bewegung eine signifikante Verschiebung hin zu unabhängig produzierten und innovativen Werken einer neuen Welle von Regisseuren markierte, dass sich diese Verschiebung jedoch umkehrte, als der kommerzielle Erfolg von Jaws und Star Wars dazu führte, dass Bewusstsein der Studios für die Bedeutung von Blockbustern, Werbung und Produktionskontrolle.

1968 schrieb die Kritikerin Pauline Kael , dass die Bedeutung von The Graduate eher in seiner sozialen Bedeutung in Bezug auf ein neues junges Publikum und der Rolle der Massenmedien liegt als in künstlerischen Aspekten. Kael argumentierte, dass sich College-Studenten, die sich mit The Graduate identifizieren, nicht allzu sehr von dem Publikum unterscheiden, das sich mit Charakteren in Dramen des vorherigen Jahrzehnts identifiziert.

John Belton weist auf den demografischen Wandel hin zu einem noch jüngeren, konservativeren Publikum Mitte der 1970er Jahre (50 % im Alter von 12 bis 20 Jahren) und den Übergang zu weniger politisch subversiven Themen im Mainstream-Kino hin, ebenso wie Thomas Schatz, der Mitte bis Ende der 1970er Jahre als der Niedergang der Kunstkinobewegung als bedeutender Industriefaktor mit ihrem Höhepunkt in den Jahren 1974/75 mit Nashville und Chinatown .

Geoff King sieht die Zeit als eine Übergangsbewegung im amerikanischen Kino, in der eine Verbindung der Kräfte zu einem Maß an Freiheit im Filmemachen führte, während Todd Berliner sagt, dass das Kino der 70er Jahre der Effizienz und Harmonie widersteht, die normalerweise das klassische Hollywood-Kino charakterisieren, und die Grenzen des klassischen Hollywoods austestet Modell.

Laut Autor und Filmkritiker Charles Taylor ( Opening Wednesday at a Theatre or Drive-In Near You ) erklärte er, dass „die 1970er Jahre die dritte – und bis heute letzte – große Periode im amerikanischen Film bleiben“.

Kritik

Das New Hollywood war nicht ohne Kritik, wie in einem Artikel der Los Angeles Times die Filmkritikerin Manohla Dargis es als das "halcyon Age" des Filmemachens des Jahrzehnts bezeichnete, das "weniger Revolution als Business as usual, mit Rebellenhype" war. Sie wies auch in ihrem Artikel in der NY Times darauf hin , dass ihre Enthusiasten darauf bestanden, dass dies "als amerikanische Filme aufwuchs (oder zumindest unterbekleidete Schauspielerinnen die Hauptrolle spielten); als Regisseure machten, was sie wollten (oder zumindest in Marken verwandelt wurden); als Kreativität regierte ( oder zumindest ruhmreich Amok gelaufen ist, wenn auch oft auf Kosten des Studios)."

Diese Ära des amerikanischen Kinos wurde auch für ihre übermäßige Dekadenz und ihre Pannen am Set kritisiert .

Sogar Spielberg, der 1983 mit John Landis Co-Regie/Co-Produzent von Twilight Zone: The Movie war , war so angewidert von dessen Umgang mit dem tödlichen Hubschrauberunfall , der zum Tod des Charakterdarstellers Vic Morrow und der Kinderdarsteller Myca Dinh Le und führte Renee Shin-Yi Chen beendete er ihre Freundschaft und forderte öffentlich das Ende dieser Ära. Als er von der Presse wegen des Unfalls angesprochen wurde, sagte er: „Kein Film ist es wert, für den es sich lohnt zu sterben. Ich denke, die Leute stehen heute viel mehr denn je vor Produzenten und Regisseuren, die zu viel verlangen. Wenn etwas nicht sicher ist, ist es das Recht und die Verantwortung jedes Schauspielers oder Crewmitglieds, „Schnitt!“ zu schreien.

Erbe

Die Filme von Steven Spielberg , Brian De Palma , Martin Scorsese und Francis Ford Coppola beeinflussten sowohl die Poliziotteschi- Genrefilme in Italien als auch ein Jahrzehnt später die Cinéma du look- Bewegung in Frankreich.

Das amerikanische exzentrische Kino wurde von dieser Ära beeinflusst. Beide Traditionen haben ähnliche Themen und Erzählungen des Existentialismus und der Notwendigkeit menschlicher Interaktion. The New Hollywood konzentriert sich auf die dunkleren Elemente der Menschheit und der Gesellschaft im Kontext des amerikanischen Traums Mitte der 1960er bis Anfang der 1980er Jahre. mit Themen, die soziokulturelle Fragen widerspiegelten und sich um die potenzielle Bedeutungslosigkeit der Verfolgung des amerikanischen Traums drehten, da Generation für Generation motiviert war, ihn zu besitzen. Im Vergleich dazu hat American Eccentric Cinema keinen eindeutigen Kontext, seine Filme zeigen Charaktere, die sehr individuell sind und ihre Anliegen sehr stark von ihrer eigenen Persönlichkeit abhängen.

Der Blick hinter die Kulissen einiger Filme aus dieser Zeit ( The Exorcist , Twilight Zone: The Movie und The Omen ) war auch Gegenstand der Dokuserie Cursed Films .

Liste ausgewählter wichtiger und bemerkenswerter Persönlichkeiten der Bewegung

Schauspieler

Direktoren

Andere

Liste ausgewählter wichtiger und bemerkenswerter Filme

Das Folgende ist eine chronologische Liste bemerkenswerter Filme, die allgemein als "New Hollywood"-Produktionen gelten.

Siehe auch

Verweise

Literaturverzeichnis

Externe Links