Ode an eine Nachtigall - Ode to a Nightingale

Ode an eine Nachtigall
von John Keats
WJ Neatby - Keats - Nightingale.jpg
WJ Neatbys Illustration von 1899 zu
"Ode to a Nightingale"
Geschrieben 1819
Land England
Sprache Englisch
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" Ode to a Nightingale " ist ein Gedicht von John Keats, das entweder im Garten des Spaniards Inn , Hampstead, London, oder, laut Keats' Freund Charles Armitage Brown , unter einem Pflaumenbaum im Garten von Keats' Haus am Wentworth Place geschrieben wurde , auch in Hampstead. Laut Brown hatte eine Nachtigall ihr Nest in der Nähe des Hauses gebaut, das er im Frühjahr 1819 mit Keats teilte. Inspiriert vom Vogelgesang, komponierte Keats das Gedicht an einem Tag. Es wurde bald zu einer seiner Oden von 1819 und wurde im folgenden Juli erstmals in den Annals of the Fine Arts veröffentlicht . Das Gedicht ist eines der am häufigsten anthologisierten in englischer Sprache.

"Ode to a Nightingale" ist ein persönliches Gedicht, das Keats' Reise in den Zustand der negativen Fähigkeiten beschreibt . Der Ton des Gedichts weist das optimistische Streben nach Vergnügen zurück, das in Keats' früheren Gedichten zu finden war, und erforscht stattdessen die Themen Natur, Vergänglichkeit und Sterblichkeit, wobei letzteres für Keats besonders relevant ist.

Die beschriebene Nachtigall erlebt eine Art Tod, stirbt aber nicht wirklich. Stattdessen ist der Singvogel in der Lage, durch seinen Gesang zu leben, ein Schicksal, das der Mensch nicht erwarten kann. Das Gedicht endet mit der Annahme, dass Freude nicht von Dauer sein kann und dass der Tod ein unvermeidlicher Teil des Lebens ist. In dem Gedicht stellt sich Keats den Verlust der physischen Welt vor und sieht sich selbst tot – als eine „ Sode “, über die die Nachtigall singt. Der Kontrast zwischen der unsterblichen Nachtigall und dem sterblichen Mann, der in seinem Garten sitzt, wird durch die Anstrengung der Phantasie noch schärfer. Das Wetter macht sich in dem Gedicht bemerkbar, da der Frühling 1819 früh kam und Nachtigallen über die Heide brachte .

Hintergrund

Joseph Severns Darstellung von Keats, die der Nachtigall lauscht (um 1845)

Von Keats' sechs großen Oden aus dem Jahr 1819 wurde " Ode to Psyche " wahrscheinlich zuerst und " To Autumn " zuletzt geschrieben. Irgendwann zwischen diesen beiden schrieb er "Ode to a Nightingale". Es ist möglich , dass „Ode an eine Nachtigall“ zwischen 26. April geschrieben wurde und am 18. Mai 1819 auf Basis von Wetterbedingungen und Ähnlichkeiten zwischen den Bildern in dem Gedicht und die in einem Brief an gesendet Fanny Brawne am Maifeiertag . Das Gedicht wurde im Haus in Hampstead verfasst, das Keats mit Brown teilte, möglicherweise während er unter einem Pflaumenbaum im Garten saß. Laut Keats' Freund Brown beendete Keats die Ode an nur einem Morgen: „Im Frühjahr 1819 hatte eine Nachtigall ihr Nest in der Nähe meines Hauses gebaut vom Frühstückstisch zum Grasgrundstück unter einem Pflaumenbaum, wo er zwei oder drei Stunden saß. Als er ins Haus kam, bemerkte ich, dass er einige Zettel in der Hand hatte, und diese schob er leise zu hinter den Büchern. Auf Nachfrage fand ich, dass diese Fetzen, vier oder fünf an der Zahl, seine poetischen Gefühle zum Lied der Nachtigall enthielten." Browns Bericht ist persönlich, da er behauptete, das Gedicht sei direkt von seinem Haus beeinflusst und durch sein eigenes Werk erhalten geblieben. Keats stützte sich jedoch sowohl auf seine eigene Vorstellungskraft als auch auf andere Literatur als Quellen für seine Darstellung der Nachtigall.

Das genaue Datum von "Ode an eine Nachtigall", sowie die von " Ode on Indolence ", " Ode on Melancholy " und " Ode on a Grecian Urn ", ist unbekannt, da Keats alle mit "Mai 1819" datiert. An den vier Gedichten hat er jedoch gemeinsam gearbeitet, und sowohl in ihren Strophenformen als auch in ihren Themen besteht eine Einheit. Die genaue Reihenfolge der Gedichte, in der die Gedichte geschrieben wurden, ist ebenfalls unbekannt, aber sie bilden innerhalb ihrer Strukturen eine Abfolge. Während Keats "Ode on a Grecian Urn" und die anderen Gedichte schrieb, transkribierte Brown Kopien der Gedichte und reichte sie Richard Woodhouse ein. Während dieser Zeit erhielt Keats' Freund Benjamin Haydon eine Kopie von "Ode to a Nightingale", und er teilte das Gedicht mit dem Herausgeber der Annals of the Fine Arts , James Elmes. Elmes zahlte Keats einen kleinen Geldbetrag, und das Gedicht wurde in der Juli-Ausgabe veröffentlicht. Das Gedicht wurde später in Keats' Sammlung von Gedichten Lamia, Isabella, The Eve of St. Agnes und Other Poems von 1820 aufgenommen .

Struktur

"Ode to a Nightingale" war wahrscheinlich die erste der mittleren Reihe von vier Oden, die Keats nach "Ode to Psyche" schrieb, so Brown. Dies wird weiter durch die Strukturen der Gedichte belegt. Keats kombiniert experimentell zwei verschiedene Arten von lyrischer Poesie: die Odal-Hymne und die Lyrik der fragenden Stimme, die auf die Odal-Hymne antwortet. Diese Kombination von Strukturen ähnelt der in "Ode on a Grecian Urn". In beiden Gedichten schafft die duale Form ein dramatisches Element im Text. Die Strophenform des Gedichts ist eine Kombination von Elementen aus Petrarca-Sonette und Shakespeare-Sonette .

Keats integriert in seiner Ode ein Muster alternierender historischer "kurzer" und "langer" Vokale. Insbesondere Zeile 18 ("Und lilafarbener Mund") hat das historische Muster von "kurz", gefolgt von "lang", gefolgt von "kurz" und gefolgt von "lang". Dieser Wechsel wird in längeren Zeilen fortgesetzt, darunter Zeile 31 ("Weg! Weg! denn ich werde zu dir fliegen"), die fünf Wechselpaare enthält. Andere Zeilen, wie Zeile 3 ("Oder entleerte etwas dumpfes Opiat in die Abflüsse") basieren auf einem Muster von fünf "kurzen" Vokalen, gefolgt von "langen" und "kurzen" Vokalpaaren, bis sie mit einem "langen" enden. Vokal. Dies sind nicht die einzigen vorhandenen Kombinationsmuster, und es gibt Muster aus zwei "kurzen" Vokalen, gefolgt von einem "langen" Vokal in anderen Zeilen, einschließlich 12, 22 und 59, die zweimal wiederholt werden und dann mit zwei Sätzen von . gefolgt werden "kurze" und dann "lange" Vokalpaare. Dieses Vertrauen auf Vokalklänge ist nicht einzigartig für diese Ode, aber Keats' anderen Oden von 1819 und seiner Eva of St. Agnes .

Das Gedicht enthält ein komplexes Vertrauen auf die Assonanz – die Wiederholung von Vokallauten – in einem bewussten Muster, wie es in vielen seiner Gedichte zu finden ist. Ein solches Vertrauen auf die Assonanz findet sich in sehr wenigen englischen Gedichten . In "Ode to a Nightingale" findet sich ein Beispiel für dieses Muster in Zeile 35 ("Already with thee! tender is the night"), wo das "ea" von "Already" mit dem "e" von "tender ." verbunden ist “ und das „i“ von „mit“ verbindet sich mit dem „i“ von „ist“. Das gleiche Muster findet sich wieder in Zeile 41 ("Ich kann nicht sehen, was Blumen zu meinen Füßen sind"), wobei das "a" von "kann nicht" mit dem "a" von "at" und dem "ee" von "see" verknüpft wird. Verknüpfung mit dem "ee" von "Fuß". Dieses Assonanzsystem findet sich in etwa einem Zehntel der Zeilen von Keats' späterer Poesie.

Wenn es um andere Klangmuster geht, verlässt sich Keats in den Oden von 1819 in etwa 6% der Verse auf doppelte oder dreifache Zäsuren . Ein Beispiel aus "Ode to a Nightingale" findet sich in Zeile 45 ("The grass, the Thicket, and the fruit-tree wild"), da die Pausen nach den Kommas eine "männliche" Pause sind. Darüber hinaus begann Keats, die Menge der lateinischen Wörter und die Syntax , auf die er sich in seiner Poesie stützte , zu reduzieren , was wiederum die Länge der Wörter verkürzte, die das Gedicht dominieren. Es gibt auch eine Betonung auf Wörter, die mit Konsonanten beginnen , insbesondere solche, die mit "b", "p" oder "v" beginnen. Die erste Strophe stützt sich stark auf diese drei Konsonanten, und sie werden als Syzygie verwendet , um dem Gedicht einen musikalischen Ton hinzuzufügen.

Im Vergleich zu seinen früheren Versen sind Spondees in seinen Oden von 1819 und anderen späten Gedichten relativ häufig. In "Ode to a Nightingale" werden sie in knapp über 8% seiner Zeilen verwendet (im Vergleich zu nur 2,6% in Endymion ). Beispiele beinhalten:

 /     ×  /   /   ×    ×  /    /  ×  /
Cool'd a long age in the deep-delvèd earth (line 12)

  ×    /  ×   /    ×  /     /   /      /   /
Where palsy shakes a few, sad, last, grey hairs (line 25)

Für Walter Jackson Bate erzeugt die Verwendung von Spondees in den Zeilen 31–34 ein Gefühl des langsamen Fluges, und „in der letzten Strophe … verleiht die charakteristische Verwendung von verstreuten Spondees zusammen mit der anfänglichen Inversion eine ungefähre phonetische Suggestion“. der eigentümlichen Feder und Sprungkraft des Vogels in seinem Flug."

Gedicht

Hologramm von Keats' Ode an eine Nachtigall, geschrieben im Mai 1819

Die erste und sechste Strophe veranschaulichen das Nebeneinander von Entzücken und Morbidität im Gedicht:

Mein Herz schmerzt, und eine schläfrige Taubheit schmerzt
    Mein Gefühl, als ob ich von Schierling getrunken hätte,
Oder ein stumpfes Opiat in die Abflüsse geschüttet hätte
    Eine Minute später, und Lethe-Schutze waren gesunken:
'Es ist nicht aus Neid auf dein glückliches Los,
    Aber in deinem Glück zu glücklich sein, -
        Dass du,     lichtgeflügelte Dryade der Bäume,
                In einem melodiösen Plan
von Buchengrün und zahllosen Schatten,
        Singest des Sommers in voller Kehle.
...
Darkling, ich höre zu; und
    oft war ich halb in den leichten Tod verliebt,
nannte ihn sanfte Namen in manchem nachdenklichen Reim,
    Um meinen ruhigen Atem in die Luft zu nehmen;
        Jetzt scheint es mehr denn je reich zu sein, zu sterben,
    Um Mitternacht ohne Schmerzen aufzuhören,
        Während du deine Seele
                in solcher Ekstase ausschüttest!
    Willst du immer noch singen, und ich habe vergeblich Ohren -
    Zu deinem hohen Requiem wird ein Rasen.

—  Strophen 1 und 6 (Zeilen 1-10, 51-60)

Themen

"Ode to a Nightingale" beschreibt eine Reihe von Konflikten zwischen der Realität und dem romantischen Ideal der Vereinigung mit der Natur. Mit den Worten von Richard Fogle: „Die Hauptbetonung des Gedichts ist ein Kampf zwischen Ideal und Wirklichkeit: einschließende Begriffe, die jedoch spezifischere Gegensätze von Lust und Schmerz, von Vorstellungskraft und gesundem Menschenverstand, von Fülle und Entbehrung, von Beständigkeit und Wandel, von Natur und Mensch, von Kunst und Leben, Freiheit und Gebundenheit, Wachen und Träumen." Natürlich ist das Lied der Nachtigall das dominante Bild und die dominante "Stimme" innerhalb der Ode. Die Nachtigall ist auch Gegenstand der Empathie und des Lobes innerhalb des Gedichts. Bei der Nachtigall und der Diskussion über die Nachtigall geht es jedoch nicht nur um den Vogel oder das Lied, sondern um die menschliche Erfahrung im Allgemeinen. Das soll nicht heißen, dass das Lied eine einfache Metapher ist , aber es ist ein komplexes Bild, das durch das Zusammenspiel der widersprüchlichen Stimmen des Lobes und der Frage entsteht. Zu diesem Thema fasst David Perkins die Art und Weise zusammen, wie "Ode to a Nightingale" und "Ode on a Grecian Urn" dies ausführen, wenn er sagt: "Wir haben es mit einem Talent zu tun, ja mit einer ganzen Herangehensweise an die Poesie, in der das Symbol noch so notwendig ist , als Hauptanliegen der Poesie möglicherweise ebensowenig befriedigen wie bei Shakespeare, sondern ist vielmehr ein Element in der Poesie und Dramatik menschlicher Reaktionen". Es gibt jedoch einen Unterschied zwischen einer Urne und einer Nachtigall, da die Nachtigall kein ewiges Wesen ist. Darüber hinaus trennt der Erzähler, indem er jeden Aspekt der Nachtigall unsterblich während des Gedichts schafft, jede Verbindung, die er mit der Nachtigall haben kann.

Das Lied der Nachtigall im Gedicht ist mit der Musikkunst so verbunden, wie die Urne in "Ode an einer griechischen Urne" mit der Bildhauerkunst verbunden ist. Als solche würde die Nachtigall eine bezaubernde Präsenz darstellen und ist im Gegensatz zur Urne direkt mit der Natur verbunden. Als natürliche Musik steht das Lied für Schönheit und es fehlt eine Botschaft der Wahrheit. Keats folgt Coleridges Überzeugung, wie sie in "The Nightingale" zu finden ist, indem er sich von der Welt trennt, indem er sich im Vogelgesang verliert. Obwohl Keats eine weibliche Nachtigall gegenüber Coleridges männlichem Vogel bevorzugt, lehnen beide die traditionelle Darstellung der Nachtigall im Zusammenhang mit der Tragödie von Philomela ab. Ihr Singvogel ist eine fröhliche Nachtigall, der die Melancholie früherer poetischer Darstellungen fehlt. Der Vogel ist nur eine Stimme im Gedicht, aber es ist eine Stimme, die den Erzähler zwingt, mitzumachen und die Sorgen der Welt zu vergessen. Es besteht jedoch eine Spannung darin, dass der Erzähler Keats' Schuld am Tod seines Bruders Tom Keats hält. Der Abschluss des Songs ist das Ergebnis des Versuchs, in das Reich der Phantasie zu entkommen.

Wie Percy Bysshe ShelleysTo a Skylark “ hört Keats’ Erzähler einem Vogelgesang zu, aber das Anhören des Liedes in „Ode to a Nightingale“ ist fast schmerzhaft und dem Tod ähnlich. Der Erzähler versucht, bei der Nachtigall zu sein und verlässt seinen Sehsinn, um den Klang zu umarmen, um die Dunkelheit mit dem Vogel zu teilen. Am Ende des Gedichts wird die von der Nachtigall verursachte Trance durchbrochen und der Erzähler fragt sich, ob es eine echte Vision oder nur ein Traum war. Das Vertrauen des Gedichts auf den Schlafprozess ist Keats 'Gedichten gemeinsam, und "Ode to a Nightingale" teilt viele der gleichen Themen wie Keats' Sleep and Poetry und Eve of St. Agnes . Dies trennt das Bild des Nachtigallenliedes weiter von seinem engsten Vergleichsbild, der Urne, wie sie in "Ode on a Grecian Urn" dargestellt wird. Die Nachtigall ist fern und geheimnisvoll und verschwindet sogar am Ende des Gedichts. Das Traumbild betont die Schattenhaftigkeit und Flüchtigkeit des Gedichts. Diese Elemente machen eine vollständige Selbstidentifikation mit der Nachtigall unmöglich, aber sie ermöglichen es auch, dass Selbstbewusstsein das ganze Gedicht durchdringt, wenn auch in verändertem Zustand.

Auf halbem Weg durch das Gedicht gibt es eine Spaltung zwischen den beiden Aktionen des Gedichts: der erste Versuch, sich mit der Nachtigall und ihrem Gesang zu identifizieren, und der zweite diskutiert die Konvergenz der Vergangenheit mit der Zukunft beim Erleben der Gegenwart. Dieses zweite Thema erinnert an Keats' Sicht des menschlichen Fortschritts durch die Mansion of Many Apartments und wie sich der Mensch vom Erleben und Wollen nur des Vergnügens zum Verständnis der Wahrheit als Mischung aus Freude und Schmerz entwickelt. Die elysischen Felder und der Nachtigallengesang in der ersten Hälfte des Gedichts repräsentieren die lustvollen Momente, die den Einzelnen wie eine Droge überwältigen. Die Erfahrung hält jedoch nicht ewig an, und der Körper lässt das Verlangen danach zurück, bis sich der Erzähler ohne das Vergnügen hilflos fühlt. Anstatt die kommende Wahrheit anzunehmen, klammert sich der Erzähler an die Poesie, um sich vor dem Verlust des Vergnügens zu verbergen. Poesie bringt nicht das Vergnügen, nach dem das Original des Erzählers verlangt, aber sie befreit ihn von seinem Verlangen nach reinem Vergnügen.

Als Reaktion auf diese Betonung des Vergnügens argumentiert Albert Guerard, Jr., dass das Gedicht eine „Sehnsucht nicht nach Kunst, sondern nach einer freien Träumerei jeglicher Art enthält auf Gedeih und Verderb von Worten durch Zufall, Worte wie evozierte verblasst und verloren , die Worte , dass, wie eine Glocke, Maut der Träumer zurück zu seinem alleinigen selbst.“ Fogle weist jedoch darauf hin, dass die von Guerard betonten Begriffe "assoziative Übersetzungen" sind und Guerard die Ästhetik von Keats missversteht . Schließlich ist die Akzeptanz des Genussverlustes am Ende des Gedichts eine Akzeptanz des Lebens und damit des Todes. Der Tod war ein ständiges Thema, das Aspekte der Poesie von Keats durchdrang, da er sein ganzes Leben lang dem Tod seiner Familienmitglieder ausgesetzt war. Innerhalb des Gedichts gibt es viele Bilder des Todes. Die Nachtigall erfährt eine Art Tod und sogar der Gott Apollo erfährt den Tod, aber sein Tod offenbart seinen eigenen göttlichen Zustand. Perkins erklärt: „Aber natürlich wird nicht davon ausgegangen, dass die Nachtigall buchstäblich stirbt. Der Punkt ist, dass die Gottheit oder die Nachtigall singen kann, ohne zu sterben. Aber wie die Ode deutlich macht, kann der Mensch nicht – oder zumindest nicht in ein visionärer Weg."

Mit diesem Thema des Genussverlustes und des unvermeidlichen Todes beschreibt das Gedicht, so Claude Finney, "die Unzulänglichkeit der romantischen Flucht aus der Welt der Realität in die Welt der idealen Schönheit". Earl Wasserman stimmt Finney im Wesentlichen zu, aber er erweiterte seine Zusammenfassung des Gedichts um die Themen von Keats' Mansion of Many Apartments, wenn er sagt: "Der Kern des Gedichts ist die Suche nach dem Geheimnis, die erfolglose Suche nach Licht in seiner Dunkelheit". " und dies "führt nur zu einer zunehmenden Dunkelheit oder zu einer wachsenden Erkenntnis, wie undurchdringlich das Geheimnis für Sterbliche ist." Mit diesen Ansichten im Hinterkopf erinnert das Gedicht an Keats' frühere Ansicht des Vergnügens und eine optimistische Ansicht der Poesie, die in seinen früheren Gedichten, insbesondere Schlaf und Poesie , gefunden wurde, und lehnt sie ab. Dieser Verlust an Freude und die Einbeziehung von Todesbildern verleiht dem Gedicht eine dunkle Luft, die "Ode an eine Nachtigall" mit Keats' anderen Gedichten verbindet, die die dämonische Natur der poetischen Vorstellungskraft, einschließlich Lamia , diskutieren . In dem Gedicht stellt sich Keats den Verlust der physischen Welt vor und sieht sich tot – er verwendet ein abruptes, fast brutales Wort dafür – als „Sode“, über die die Nachtigall singt. Der Kontrast zwischen der unsterblichen Nachtigall und dem sterblichen Menschen, der in seinem Garten sitzt, wird durch die Anstrengung der Phantasie noch schärfer.

Rezeption

Zeitgenössische Kritiker von Keats genossen das Gedicht, und es wurde in ihren Rezensionen stark zitiert. In einer anonymen Rezension von Keats' Gedichten, die im August und Oktober 1820 im Scots Magazine veröffentlicht wurde, heißt es: "Unter den kleineren Gedichten bevorzugen wir die 'Ode an die Nachtigall'. Tatsächlich neigen wir dazu, sie jedem anderen Gedicht in dem Buch vorzuziehen; aber lasst den Leser urteilen. Die dritte und siebte Strophe haben für uns einen Reiz, den wir nur schwer erklären dürften. Wir haben diese Ode immer wieder gelesen, und jedesmal mit gesteigerter Freude." Zur gleichen Zeit, Leigh - Jagd hat einen Beitrag von Keats Gedicht für den 2. August und 9. August 1820 Der Indikator : „Als ein Exemplar der Gedichte, die alle lyrischen sind, müssen wir uns gönnen ganze in unter Angabe der‚Ode an eine Nachtigall “. Darin steckt jene Mischung aus echter Melancholie und phantasievoller Erleichterung, die uns allein die Poesie in ihrem „bezauberten Becher“ präsentiert und die einige überrationale Kritiker als falsch empfunden haben, weil sie nicht wahr ist. Daraus folgt nicht was für sie nicht wahr ist, gilt für andere nicht. Wenn die Erleichterung echt ist, ist die Mischung gut und ausreichend.“

John Scott argumentierte in einer anonymen Rezension für die Ausgabe des London Magazine vom September 1820 für die Größe von Keats' Poesie, wie sie durch Gedichte wie "Ode to a Nightingale" veranschaulicht wird:

Die Ungerechtigkeit, die den Werken unseres Autors bei der Einschätzung ihres dichterischen Wertes zugefügt wurde, machte uns beim Öffnen seines letzten Bandes doppelt besorgt, dass er wahrscheinlich die allgemeine Sympathie festhalten und so eine überwältigende Macht gegen die dürftigen Händler wenden würde von Talenten, die in vielerlei Hinsicht eminent vielversprechender sind, als die heutige Zeit zu fördern berufen ist. Wir haben in dieser Hinsicht nicht alle Wünsche erfüllt – und es wäre sehr außergewöhnlich gewesen, denn unsere Wünsche gingen weit über die vernünftigen Erwartungen hinaus. Aber wir haben es als selbstverständlich empfunden, dem allgemeinen Verständnis die poetische Kraft, mit der der Geist des Autors begabt ist, in einer greifbareren und verständlicheren Form zu präsentieren, als sie in irgendeiner seiner früheren Kompositionen erschienen ist. Es ist daher geeignet, den verlogenen, gemeinen Geist zu beschämen, in dem dieser junge Anbeter im Musentempel niedergeweint wurde; welche Fragen über Art und Grad seiner dichterischen Verdienste noch zu klären sind. Nehmen wir zum Beispiel als Beweis für die Gerechtigkeit unseres Lobes die folgende Passage aus einer Ode an die Nachtigall: – sie ist deutlich, edel, erbärmlich und wahr: die Gedanken haben alle Akkorde der direkten Kommunikation mit natürlich gebildeten Herzen: die Echos der Belastung verweilen in den Tiefen menschlicher Brüste.

In einer Rezension für das London Journal vom 21. Januar 1835 behauptete Hunt, während Keats das Gedicht schrieb: "Der Dichter hatte damals seine tödliche Krankheit und wusste es. Nie war die Stimme des Todes süßer." David Moir benutzte 1851 The Eve of St. Agnes, um zu behaupten: "Wir haben hier ein Muster von beschreibender Kraft, das luxuriös reich und originell ist; aber die folgenden Zeilen, von der 'Ode to a Nightingale', fließen aus einer viel tieferen Quelle der Inspiration."

Am Ende des 19. Jahrhunderts wurde die Analyse des Gedichts durch Robert Bridges zu einer vorherrschenden Sichtweise und beeinflusste spätere Interpretationen des Gedichts. Bridges erklärte 1895, dass das Gedicht die beste von Keats' Oden sei, aber er dachte, dass das Gedicht zu viel künstliche Sprache enthielt. Insbesondere betonte er die Verwendung des Wortes "forlorn" und der letzten Strophe als Beispiele für Keats' künstliche Sprache. In "Two Odes of Keats's" (1897) schlug William C Wilkinson vor, dass "Ode to a Nightingale" zutiefst fehlerhaft ist, weil es zu viele "inkohärente Überlegungen" enthält, die keinen logischen Standard liefern, der es dem Leser ermöglicht, die Beziehung zwischen Dichter und Vogel. Doch Herbert Grierson , 1928 argumentiert, glaubte Nightingale überlegen „Ode auf einer griechischen Urne“, „Ode auf Melancholie“ und „Ode an die Psyche“ zu sein, das genaue Gegenteil von Wilkinson argumentiert , als er , dass „Nightingale“ , erklärte, zusammen mit "To Autumn" zeigten mehr logisches Denken und präsentierten die Fälle, für die sie gedacht waren, treffender.

Kritik des 20. Jahrhunderts

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, Rudyard Kipling bezeichnete Linien 69 und 70, neben drei Linien von Samuel Taylor Coleridge ‚s Kubla Khan , als er von Poesie behauptet:„In allen den Millionen erlaubte es nicht mehr als das Fünf fünf kleine Zeilen - von denen man sagen kann: 'Das ist die Magie. Das sind die Visionen. Der Rest ist nur Poesie.'" 1906 argumentierte Alexander Mackie: "Die Nachtigall und die Lerche für den lange monopolisierten poetischen Götzendienst - ein Privileg, das sie genossen" allein wegen ihrer Vorrangstellung als Singvögel.Keats' Ode to a Nightingale und Shelleys Ode to a Skylark sind zwei der Ruhme der englischen Literatur, aber beide wurden von Männern geschrieben, die keinen Anspruch auf besondere oder genaue Kenntnisse der Ornithologie als eine solche." Sidney Colvin argumentierte 1920: „Während dieser Ode ist das Genie von Keats auf dem Höhepunkt. Die Vorstellungskraft kann nicht reicher und befriedigender sein, die Glückseligkeit der Phrase und der Kadenz können nicht absoluter sein als in den verschiedenen kontrastierenden Strophen, die den Entwurf des südlichen Vintages fordern […] Die Kunst einer solchen Passage in der vierten Strophe zu loben […] einen solchen Kunstschlag zu loben oder zu kommentieren bedeutet, die Fähigkeit des Lesers, ihn selbst wahrzunehmen, in Frage zu stellen.“

Bridges' Ansicht von "Ode to a Nightingale" wurde 1926 von HW Garrod in seiner Analyse von Keats' Gedichten aufgegriffen . Wie Albert Gerard später im Jahr 1944 argumentieren würde, glaubte Garrod, dass das Problem in Keats' Gedicht seine Betonung des Rhythmus und der Sprache anstelle der Hauptideen des Gedichts war. Als Maurice Ridley 1933 die vierte Strophe des Gedichts beschrieb, behauptete er: „Und so kommt die Strophe mit diesem bemerkenswerten Stück Fantasie am Ende, das das Licht wie vom Wind geweht fühlt, einem dieser charakteristischen plötzlichen Blitze mit welches Keats das gewöhnlichste Material feuert." Später erklärte er von der siebten Strophe: "Und nun zur großen Strophe, in der die Phantasie zu noch weißerer Hitze getrieben wird, die Strophe, die, wie ich vermute, mit gemeinsamer Zustimmung zusammen mit Kubla Khan als das Angebot des Destillierten angesehen werden würde Zauberei der 'Romantik'". Er schloss in der Strophe: „Ich glaube nicht, dass irgendein Leser, der Keats bei der Arbeit an der exquisiteren der Strophen in The Eve of St. Agnes zugesehen und gesehen hat, wie dieser Handwerker langsam ausgearbeitet und verfeinert hat, jemals glauben wird, dass dies perfekte Strophe wurde mit der leichten Geläufigkeit erreicht, mit der sie in unserem Entwurf offensichtlich niedergeschrieben wurde." 1936 schrieb FR Leavis : "Man erinnert sich an das Gedicht sowohl als Aufnahme als auch als Ablass für den Leser." Nach Leavis sahen Cleanth Brooks und Robert Penn Warren in einem Essay von 1938 das Gedicht als „ein sehr reichhaltiges Gedicht. Brooks argumentierte später in The Well-Wrought Urn (1947), dass das Gedicht thematisch vereinheitlicht wurde, während er vielen der negativen Kritiken widersprach, die gegen das Gedicht erhoben wurden.

Richard Fogle reagierte auf den kritischen Angriff von Garrod, Gerard und anderen auf Keats' Betonung von Reim und Sprache im Jahr 1953 anders als Keats, der Autor des Gedichts. Als solche wählte Keats bewusst die Verschiebung der Themen des Gedichts und die Kontraste innerhalb des Gedichts repräsentieren den Schmerz, den man empfindet, wenn man die reale Welt mit einer idealen Welt in der Vorstellung vergleicht. Fogle reagierte auch direkt auf die Behauptungen von Leavis: "Ich finde Mr. Leavis zu streng, aber er weist auf eine Eigenschaft hin, die Keats offensichtlich suchte. Seine Fülle und Verschwendung wird jedoch durch ein Prinzip der Nüchternheit modifiziert." Es ist möglich, dass Fogles Aussagen eine Verteidigung der Romantik als einer Gruppe waren, die sowohl in Bezug auf das Denken als auch auf die poetischen Fähigkeiten respektiert wurde. Wasserman behauptete 1953, dass "von allen Gedichten von Keats wahrscheinlich die 'Ode an eine Nachtigall' den Kritiker am meisten gequält hat [...] Kräfte kämpfen wild innerhalb des Gedichts, nicht nur ohne Auflösung, sondern ohne Möglichkeit der Auflösung, und der Leser verlässt seine Erfahrung mit dem Gefühl, dass er sich in einem "wilden Abgrund" befunden hat". Dann erklärte er: „Ich vermute, dass es diese Turbulenzen sind, die Allen Tate glauben lassen, dass die Ode ‚zumindest versucht, alles zu sagen, was die Poesie sagen kann‘. Aber ich schlage vor, dass es die 'Ode auf einer griechischen Urne' ist, die es schafft zu sagen, was die Poesie sagen kann, und dass die andere Ode versucht, alles zu sagen, was der Dichter kann.

Spätere kritische Antworten

Obwohl das Gedicht von einigen Kritikern verteidigt wurde, kehrte EC Pettet auf das Argument zurück, dass dem Gedicht eine Struktur fehlte und betonte das Wort "verloren" als Beweis seiner Ansicht. In seinem Werk von 1957 lobte Pettet das Gedicht, als er erklärte: "Die Ode an eine Nachtigall hat ein besonderes Interesse daran, dass die meisten von uns sie wahrscheinlich als den reichsten Vertreter aller Keats-Gedichte ansehen würden. Zwei Gründe für diese Qualität sind sofort offensichtlich: es ist seine unvergleichliche Beschwörung jener späten Frühlings- und Frühsommersaison […] und es gibt seinen außergewöhnlichen Grad an „Destillation“, an konzentrierter Erinnerung“. David Perkins verspürte das Bedürfnis, den Gebrauch des Wortes "verloren" zu verteidigen und behauptete, dass es das Gefühl der Unmöglichkeit beschreibe, nicht in der Welt der Vorstellung leben zu können. Als Perkins das Gedicht 1959 lobte, behauptete er: "Obwohl die "Ode an eine Nachtigall" weiter reicht als die "Ode an eine griechische Urne", kann das Gedicht auch als die Erforschung oder Prüfung eines Symbols angesehen werden, und verglichen mit der Urne als Symbol scheint die Nachtigall sowohl Einschränkungen als auch Vorteile zu haben." Walter Jackson Bate verteidigte auch das Wort "verloren" in ähnlicher Weise, indem er behauptete, die Welt beschreibe, indem er die Unmöglichkeit beschrieb, dieses Land zu erreichen. Bei der Beschreibung des Gedichts im Vergleich zum Rest der englischen Poesie argumentierte Bate 1963, "Ode to a Nightingale" sei einer der "größten Texte in Englisch" und der einzige, der mit einer solchen Geschwindigkeit geschrieben wurde: "Es steht uns frei zu zweifeln, ob irgendein Gedicht in Englisch vergleichbarer Länge und Qualität ist so schnell komponiert worden." 1968 erklärte Robert Gittins: „Es mag nicht falsch sein, [ Ode on Indolence und Ode on Melancholy ] als Keats' frühere Essays in dieser [Ode]-Form und die große Nachtigall und die griechische Urne als seine vollendeteren und späteren Werke zu betrachten. "

Ab den späten 1960er Jahren beschreiben viele Kritiker der Yale School das Gedicht als eine Überarbeitung von John Miltons poetischer Diktion, aber sie argumentierten, dass dieses Gedicht enthüllte, dass Keats die Fähigkeit von Milton als Dichter fehlte. Die Kritiker Harold Bloom (1965), Leslie Brisman (1973), Paul Fry (1980), John Hollander (1981) und Cynthia Chase (1985) konzentrierten sich alle auf das Gedicht mit Milton als Vorläufer von "Ode to a Nightingale". während andere Möglichkeiten ignoriert wurden, darunter Shakespeare, der als Quelle vieler von Keats' Phrasen hervorgehoben wurde. Als Reaktion auf die Behauptungen über die Mängel von Milton und Keats verwendeten Kritiker wie RS White (1981) und Willard Spiegelman (1983) die Shakespeare-Anklänge, um für eine Vielzahl von Quellen für das Gedicht zu argumentieren, um zu behaupten, dass Keats nicht versuchte, nur auf Milton oder zu antworten Flucht aus seinem Schatten. Stattdessen war "Ode to a Nightingale" ein Originalgedicht, wie White behauptete: "Das Gedicht ist reich an Shakespeare gesättigt, aber die Assimilationen sind so tiefgreifend, dass die Ode endlich originell und ganz Keatsian ist". In ähnlicher Weise behauptete Spiegelman, Shakespeares Ein Sommernachtstraum habe "das spätere Gedicht gewürzt und gereift". Dies wurde 1986 von Jonathan Bate gefolgt, der behauptete, dass Keats "durch die Stimme von Shakespeare, dem 'unsterblichen Vogel' bereichert wurde".

Mit Blick auf die Qualität des Gedichts argumentierte Stuart Sperry 1973: "'Ode to a Nightingale' ist in allen Keats' Gedichten der höchste Ausdruck des Impulses zu phantasievoller Flucht, der dem Wissen um die menschliche Begrenzung, dem Impuls vollständig ausgedrückt in 'Weg! Weg! denn ich werde zu dir fliegen.'" Wolf Hirst bezeichnete das Gedicht 1981 als "gerecht gefeiert" und behauptete: "Da diese Bewegung in ein ewiges Reich des Liedes eine der großartigsten ist" in der Literatur ist die Rückkehr des Dichters zur Aktualität umso erschütternder." Helen Vendler setzte die frühere Ansicht fort, dass das Gedicht künstlich sei, fügte jedoch hinzu, dass das Gedicht ein Versuch war, ästhetisch und spontan zu sein, der später fallengelassen wurde. 1983 argumentierte sie: "In seiner Abwesenheit von Schlüssigkeit und seiner Hingabe an die Träumerei spricht das Gedicht Leser an, die es als die persönlichste, scheinbar spontanste, unmittelbarste und bekennendste von Keats' Oden schätzen glauben jedoch, dass die 'Ereignisse' der Ode, wie sie sich im Laufe der Zeit entfaltet, mehr Logik haben, als ihnen normalerweise zugesprochen wird, und dass sie am besten in Bezug auf Keats' Streben nach der Idee der Musik als nicht-gegenständlicher Kunst zu sehen sind.

In einer Rezension der zeitgenössischen Kritik an "Ode to a Nightingale" aus dem Jahr 1998 behauptete James O'Rouke: "Nach dem Umfang, der Vielfalt und der polemischen Kraft der modernen kritischen Reaktionen zu urteilen, gab es nur wenige Momente auf Englisch poetische Geschichte so verblüffend wie Keats' Wiederholung des Wortes 'verloren'". Als er sich auf das Vertrauen auf die Ideen von John Dryden und William Hazlitt innerhalb des Gedichts bezog, argumentierte der Poet Laureate Andrew Motion im Jahr 1999, „dessen Vorstellung von Poesie als ‚Bewegung‘ vom persönlichen Bewusstsein zu einem Bewusstsein der leidenden Menschheit perfekt illustriert. "

In der Fiktion

F. Scott Fitzgerald nahm den Titel seines Romans Tender is the Night aus der 35. Zeile der Ode.

Nach Ildikó de Papp Carrington, Keats' Formulierung, ‚wenn, krank zu Hause, / Sie in Tränen inmitten dem fremden Mais standen‘, scheint in von Echo zu Alice Munro ‚s Speicher des Reaper (1998), dessen Ende lautet: "Eva würde sich hinlegen [...] mit nichts im Kopf als dem Rascheln des tiefen hohen Mais, der jetzt vielleicht aufgehört hätte zu wachsen, aber nach Einbruch der Dunkelheit immer noch sein lebendiges Geräusch machte" (Buchversion).

Die niederländische Folkband The Black Atlantic hat den Namen ihrer 2012er EP "Darkling I listen" von der Startlinie 51 übernommen.

Das Gedicht wird in Kapitel 1 von PG Wodehouses Roman Full Moon (1947) zitiert : "'Coming here? Freddie?'. Eine Taubheit schien seinen Sinn zu schmerzen, als hätte er von Schierling getrunken."

Ein Teil des Gedichts wird in einer Episode von Penny Dreadful zitiert , als Luzifer Vanessa Ives erscheint, um sie zu verführen, und das Gedicht in seinem Gespräch zitiert.

Das Gedicht inspirierte Tennessee Williams , sein erstes Stück Not About Nightingales zu nennen .

In Musik

"Ode to a Nightingale" ist das Thema von Ben Moores Stück "Darkling, I listen", einem Liederzyklus, der 2010 für Bariton geschrieben wurde und von Bruce und Suzie Kovner in Auftrag gegeben wurde. Dieser Liederzyklus verwendet das gesamte Werk mit den acht Liedern der Zyklen, die auf den acht Strophen des Gedichts basieren. Fast alle Lieder des Zyklus haben Vor-, Zwischen- und Nachspiele, die möglicherweise einen Schumann- ähnlichen Effekt andeuten, bei dem das Klavier die Hauptstimme ist und der gesungene Teil nur Dekoration hinzufügt.

Es gibt auch eine sehr schöne Vertonung von Hamilton Harty für Sopran und Orchester. Es wurde 1907 beim Cardiff Festival zum ersten Mal aufgeführt und später von Heather Harper großartig aufgenommen.

Eine Vertonung des Gedichts von Stephen Douglas Burton für Sopran und Orchester wurde 1962 fertiggestellt.

Anmerkungen

Verweise

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Externe Links