Populäre Musik - Popular music

Populäre Musik ist Musik mit großer Anziehungskraft, die in der Regel über die Musikindustrie an ein großes Publikum verbreitet wird . Diese Formen und Stile können von Menschen mit geringer oder keiner musikalischen Ausbildung genossen und ausgeführt werden . Sie steht sowohl im Gegensatz zur Kunstmusik als auch zur traditionellen oder "Volksmusik" . Kunstmusik wurde historisch durch die Aufführungen von geschriebener Musik verbreitet , obwohl sie seit den Anfängen der Tonträgerindustrie auch durch Tonträger verbreitet wird . Traditionelle Musikformen wie frühe Blueslieder oder Hymnen wurden mündlich oder an ein kleineres, lokales Publikum weitergegeben.

Die ursprüngliche Anwendung des Begriffs bezieht sich auf Musik der Tin Pan Alley- Periode der 1880er Jahre in den Vereinigten Staaten . Obwohl populäre Musik manchmal als "Popmusik" bekannt ist, sind die beiden Begriffe nicht austauschbar. Populäre Musik ist ein Oberbegriff für eine Vielzahl von Musikgenres, die den Geschmack eines großen Teils der Bevölkerung ansprechen, während sich Popmusik normalerweise auf ein bestimmtes Musikgenre innerhalb der populären Musik bezieht . Populäre Musiklieder und -stücke haben typischerweise leicht singbare Melodien . Die Liedstruktur der populären Musik beinhaltet im Allgemeinen Wiederholungen von Abschnitten, wobei der Vers und der Refrain oder der Refrain während des gesamten Liedes wiederholt werden und die Brücke einen kontrastierenden und Übergangsabschnitt innerhalb eines Stücks bildet. Von den 1960er bis Mitte der 2000er Jahre waren Alben , die Lieder sammelten, die vorherrschende Form für die Aufnahme und den Konsum englischsprachiger Popmusik, in einer Zeit, die als Album-Ära bekannt ist .

In den 2000er Jahren wurde es einfacher, Musik von einem Land oder einer Region in ein anderes zu verbreiten, da Lieder und Stücke als digitale Sounddateien verfügbar waren. Einige populäre Musikformen sind global geworden, während andere innerhalb der Kultur ihrer Herkunft eine breite Anziehungskraft haben. Durch die Mischung musikalischer Genres entstehen neue populäre Musikformen, die die Ideale einer globalen Kultur widerspiegeln. Die Beispiele aus Afrika , Indonesien und dem Nahen Osten zeigen, wie westliche Popmusikstile mit lokalen Musiktraditionen verschmelzen können, um neue hybride Stile zu schaffen.

Definition

Eine Art populärer Musik gibt es schon so lange, wie es eine städtische Mittelschicht gibt , die sie konsumiert. Was es vor allem auszeichnet, ist die angestrebte ästhetische Ebene. Die kulturelle Elite hat der Musik seit jeher einen erhabenen, wenn nicht sogar selbstwichtigen religiösen oder ästhetischen Status verliehen, während sie für das Landvolk praktisch und unbefangen war, eine Begleitung zu Feldforschungen oder zu Festivals, die periodisch der Arbeit entfliehen. Aber seit Rom und Alexandria haben professionelle Entertainer die Stadtbewohner mit Liedern, Märschen und Tänzen, deren Anspruch irgendwo dazwischen lag, abgelenkt und errichtet."

Robert Christgau , in Colliers Enzyklopädie (1984)

Gelehrte haben Musik aufgrund verschiedener Faktoren als "populär" klassifiziert, einschließlich ob ein Lied oder ein Stück den Hörern hauptsächlich durch das Hören der Musik bekannt wird (im Gegensatz zur klassischen Musik , bei der viele Musiker Stücke aus Noten lernen ); seine Anziehungskraft auf verschiedene Zuhörer, seine Behandlung als Handelsware im kapitalistischen Kontext und andere Faktoren. Der Verkauf von „Aufnahmen“ oder Noten ist eine Maßnahme. Middleton und Manuel weisen darauf hin, dass diese Definition Probleme hat, da mehrere Hörvorgänge oder Wiedergaben desselben Liedes oder Stücks nicht gezählt werden. Die Bewertung der Anziehungskraft nach der Größe des Publikums (Massenanziehungskraft) oder ob das Publikum einer bestimmten sozialen Schicht angehört, ist eine andere Möglichkeit, Populärmusik zu definieren, aber auch dies hat Probleme, da soziale Kategorien von Menschen nicht genau auf Musikstile angewendet werden können. Manuel sagt, dass eine Kritik an populärer Musik darin besteht, dass sie von großen Medienkonzernen produziert und von der Öffentlichkeit passiv konsumiert wird, die lediglich die Musik kauft oder ablehnt, die produziert wird. Er behauptet, dass die Hörer in dem Szenario nicht in der Lage gewesen wären, ihre Lieblingsmusik zu wählen, was die bisherige Vorstellung von populärer Musik negiert. Darüber hinaus "hat sich das Verständnis von populärer Musik mit der Zeit geändert". Middleton argumentiert, dass, wenn Forschungen auf dem Gebiet der populären Musik betrieben würden, es innerhalb der Gesellschaften ein gewisses Maß an Stabilität geben würde, um historische Epochen, die Verbreitung von Musik und die Muster des Einflusses und der Kontinuität innerhalb der populären Musikstile zu charakterisieren.

Anahid Kassabian teilte populäre Musik in vier Kategorien ein:

  • "populär wie populistisch " oder mit Obertönen von Befreiung und Ausdruck;
  • "beliebt als Folk " oder die Aussage, dass die Musik vom Volk für sich selbst geschrieben wird;
  • „beliebt als Gegenkultur “ oder Ermächtigung der Bürger, gegen die Unterdrückung vorzugehen, mit der sie konfrontiert sind;
  • "Masse beliebt" oder die Musik wird zum Werkzeug der Unterdrückung .

Die populäre Musik einer Gesellschaft spiegelt die Ideale wider, die zum Zeitpunkt ihrer Aufführung oder Veröffentlichung vorherrschen. David Riesman stellt fest, dass das jugendliche Publikum populärer Musik entweder in eine Mehrheitsgruppe oder eine Subkultur passt . Die Mehrheitsgruppe hört sich die kommerziell produzierten Stile an, während die Subkulturen einen Minderheitenstil finden, um ihre eigenen Werte zu vermitteln. Dies ermöglicht es den Jugendlichen, zu wählen, mit welcher Musik sie sich identifizieren, was ihnen als Verbraucher die Macht gibt, den Markt für populäre Musik zu kontrollieren.

Der Musikkritiker Robert Christgau prägte 1970 den Begriff "semipopular music", um Schallplatten zu beschreiben, die für den öffentlichen Konsum zugänglich schienen, sich aber kommerziell als erfolglos erwiesen. „Ich erkannte, dass etwas anderes vor sich ging – das Vertriebssystem schien ins Stocken zu geraten, FM und alles“, schrieb er später in Christgaus Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981) und zitierte Platten wie The Velvet Underground und The Gilded Palace of Sin (von Flying Burrito Brothers ) besaß populistische Qualitäten, konnte aber die Rekordcharts nicht beeinflussen . "So wie die halbklassische Musik eine systematische Verwässerung hochkarätiger Vorlieben ist, ist die halbpopuläre Musik eine Mischung aus modischen Modi." Seiner Meinung nach verstärkt eine Vorliebe für das Böse, Brutale und Kurze eine gemeinsame halbpopuläre Tendenz, in der lyrische und konzeptionelle Raffinesse gelobt werden, während musikalische Raffinesse – Jazz- Chops oder klassisches Design oder avantgardistische Innovation – den Spezialisten überlassen wird.

Form der westlichen populären Musik

Die Form in der populären Musik ist am häufigsten abschnittsweise , wobei die häufigsten Abschnitte Strophe , Refrain oder Refrain und Bridge sind . Andere gebräuchliche Formen sind die 32-taktige Form , die Chorus-Form * (Middleton S. 30) und der 12-taktige Blues . Populäre Musiklieder werden selten unter Verwendung unterschiedlicher Musik für jede Strophe des Textes komponiert (Lieder, die auf diese Weise komponiert werden, werden als „ durchkomponiert “ bezeichnet).

Der Vers und der Refrain gelten als die wichtigsten Elemente. Jede Strophe hat normalerweise die gleiche Melodie (möglicherweise mit einigen leichten Modifikationen), aber der Text ändert sich für die meisten Verse. Der Refrain (oder "Refrain") hat normalerweise eine melodische Phrase und eine lyrische Schlüssellinie, die wiederholt wird. Popsongs können eine Einleitung und eine Coda ("Tag") enthalten, aber diese Elemente sind für die Identität der meisten Lieder nicht wesentlich. Popsongs, die Verse und Refrains verwenden, haben oft eine Brücke, einen Abschnitt, der den Vers und den Refrain an einer oder mehreren Stellen im Lied verbindet.

Die Strophe und der Refrain werden normalerweise während eines Songs wiederholt, während Bridge, Intro und Coda (auch "Outro" genannt) nur einmal verwendet werden. Einige Popsongs können einen Soloabschnitt haben, insbesondere im Rock- oder Blues- beeinflussten Pop. Während des Soloabschnitts spielen ein oder mehrere Instrumente eine Melodielinie, die die vom Sänger verwendete Melodie sein kann, oder bei Blues- oder Jazz-beeinflusstem Pop kann das Solo basierend auf der Akkordfolge improvisiert werden . Ein Solo umfasst normalerweise einen einzelnen Instrumentalisten (zB einen Gitarristen oder einen Mundharmonikaspieler ) oder seltener mehr als einen Instrumentalisten (zB einen Trompeter und einen Saxophonisten ).

Die 32-taktige Form verwendet vier Abschnitte, meistens jeweils acht Takte lang (4 × 8 = 32), zwei Verse oder A-Abschnitte, einen kontrastierenden B-Abschnitt (die Brücke oder "Mitte-Acht") und eine Wiederholung des Verses in einem letzten A-Abschnitt (AABA). Die Strophen-Chor-Form oder die ABA-Form können mit der AABA-Form in zusammengesetzten AABA-Formen kombiniert werden. Variationen wie a1 und a2 können ebenfalls verwendet werden. Die Wiederholung einer Akkordfolge kann den einzigen Abschnitt in einer einfachen Versform wie dem zwölftaktigen Blues markieren.

Entwicklung in Nordamerika und Europa

Industrie

Die Sängerin Jenny Lind aus dem 19. Jahrhundert stellte die Aufführung von La sonnambula . dar

„Das bedeutendste Merkmal der aufstrebenden populären Musikindustrie des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts war die Konzentration auf die Warenform der Noten “. Die Verfügbarkeit von preiswerten, weit verbreiteten Notenversionen von populären Liedern und Instrumentalmusikstücken ermöglichte die Verbreitung der Musik an ein breites Publikum von Amateurmusikern der Mittelschicht, die zu Hause populäre Musik spielen und singen konnten. Das Amateurmusizieren im 19. Jahrhundert konzentrierte sich oft auf das Klavier , da dieses Instrument Melodien , Akkorde und Basslinien spielen konnte und so einem Pianisten ermöglichte, populäre Lieder und Stücke zu reproduzieren. Neben dem Einfluss der Noten war ein weiterer Faktor die zunehmende Verfügbarkeit öffentlicher populärer Musikaufführungen im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert in „Vergnügungsgärten und Tanzsälen , Volkstheatern und Konzertsälen“.

Die frühen Interpreten der populären Musik arbeiteten Hand in Hand mit der Musikindustrie, um populäre Noten zu fördern. Eine der frühen Interpreten populärer Musik, die weit verbreitete Popularität erlangte, war die schwedische Opernsängerin Jenny Lind , die Mitte des 19. Jahrhunderts durch die USA tourte. Neben dem Amateurmusizieren im Wohnzimmer im 19. Jahrhundert begannen in dieser Zeit immer mehr Menschen, sich mit Musik zu beschäftigen, indem sie in Laienchören, Blaskapellen oder in Laienorchestern spielten.

Das Zentrum der Musikverlagsindustrie in den USA lag Ende des 19. Jahrhunderts im New Yorker Stadtteil " Tin Pan Alley ". Der Musikverlag Tin Pan Alley hat eine neue Methode zur Förderung von Noten entwickelt: die unaufhörliche Werbung für neue Lieder. Eine der technologischen Innovationen, die um die Jahrhundertwende zur Verbreitung der populären Musik beitrugen, waren Player Pianos . Ein Spielerklavier könnte verwendet werden, um die Wiedergabe eines Klavierstücks durch einen erfahrenen Pianisten aufzunehmen. Diese aufgezeichnete Darbietung könnte auf einem anderen Spielerklavier "abgespielt" werden. Dies ermöglichte es einer größeren Anzahl von Musikliebhabern, die neuen beliebten Klaviermelodien zu hören. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren die großen Trends in der populären Musik die zunehmende Popularität von Varietétheatern und Tanzsälen und eine neue Erfindung – der Grammophonspieler . Die Plattenindustrie wuchs sehr schnell; "Um 1920 gab es in Großbritannien fast 80 Plattenfirmen und in den USA fast 200". Die Verfügbarkeit von Schallplatten ermöglichte es einem größeren Prozentsatz der Bevölkerung, die besten Sänger und Bands zu hören.

Die Musikausstrahlung im Rundfunk, die in den frühen 1920er Jahren begann, trug dazu bei, populäre Lieder einem großen Publikum zu verbreiten, wodurch ein viel größerer Teil der Bevölkerung Lieder von professionellen Sängern und Musikensembles hören konnte, einschließlich Personen aus unteren Einkommensschichten, die zuvor dies getan hatten Konzertkarten nicht leisten können. Der Rundfunk steigerte die Fähigkeit von Songwritern, Sängern und Bandleadern, überregional bekannt zu werden. Ein weiterer Faktor, der zur Verbreitung populärer Musik beitrug, war die Einführung von „sprechenden Bildern“ – Tonfilmen – in den späten 1920er Jahren, zu denen auch Musik und Lieder gehörten. In den späten 1920er und in den 1930er Jahren gab es eine Konsolidierungsbewegung in der Schallplattenindustrie, die dazu führte, dass mehrere große Unternehmen die Schallplattenindustrie dominierten.

In den 1950er und 1960er Jahren begann die neue Erfindung des Fernsehens eine immer wichtigere Rolle bei der Verbreitung neuer populärer Musik zu spielen. Varieté-Shows präsentierten regelmäßig beliebte Sänger und Bands. In den 1960er Jahren gaben Toningenieure und Plattenproduzenten durch die Entwicklung neuer Aufnahmetechnologien wie Mehrspur-Recorder eine immer wichtigere Rolle in der populären Musik. Durch die Mehrspuraufnahme - Techniken, Tontechniker könnten neue Sounds und erstellen Sound - Effekte , die nicht möglich mit herkömmlicher „live“ Aufnahmetechnik waren, wie Sänger ihr eigenes Backup - Vocals durchführen oder mit Lead - Gitarristen spielen Rhythmusgitarren hinter ihrem Gitarrensolo . Während der 1960er Jahre Ära der psychedelischen Musik wurde das Studio noch ungewöhnlicher Geräusche erstellen, um zu imitieren die Wirkung der Einnahme halluzinogener Drogen , verwendet einige Songs Bänder von Instrumenten gespielt rückwärts oder verrissen die Musik von einer Seite zur anderen das Stereobild. Das nächste Jahrzehnt sah eine Abkehr von diesen Sensibilitäten, wie Robert Christgau in Christgaus Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981) feststellte :

"In der populären Musik bedeutete die Umarmung der 70er sowohl einen elitären Rückzug aus der unordentlichen Konzert- und Gegenkulturszene als auch ein gewinnbringendes Streben nach dem kleinsten gemeinsamen Nenner im UKW-Radio und Album-Rock ... In den 70er Jahren übernahmen die Mächtigen als Rock die Macht Industrielle nutzten die nationale Stimmung, um potente Musik auf eine oft reaktionäre Art der Unterhaltung zu reduzieren – und die populäre Basis des Rock vom Publikum auf den Markt zu übertragen."

In den 1970er Jahren setzte sich der Trend zur Konsolidierung in der Musikindustrie auf den Punkt , dass die“... Dominanz in den Händen der fünf großen transnationalen Organisationen, war drei amerikanischem Besitz ( WEA , RCA , CBS ) und zwei europäische eigenen Unternehmen ( EMI , Polygramm )". In den 1990er Jahren nahm der Konsolidierungstrend eine neue Wendung: die intermediale Konsolidierung. Dieser Trend führte dazu, dass Musikaufzeichnungsunternehmen mit Film-, Fernseh-, Zeitschriften- und anderen Medienunternehmen konsolidiert wurden, ein Ansatz, der die Cross-Marketing- Promotion zwischen den Tochtergesellschaften erleichterte . Zum Beispiel könnte der singende Star einer Plattenfirma durch die Fernseh- Talkshows und die Zeitschriftenarme des Konglomerats querbeworben werden.

Die "Einführung digitaler Geräte (Mischpulte, Synthesizer, Sampler, Sequenzer)" in den 1980er Jahren führte zu dem, was Grove Dictionary of Music als "neue Klangwelten" bezeichnete, sowie zur Erleichterung der DIY-Musikproduktion durch Amateurmusiker und "tiny unabhängige Plattenfirmen ". In den 1990er Jahren bedeutete die Verfügbarkeit von Software zur Tonaufnahme und Software für Effektgeräte , dass eine Amateur-Indie-Band ein Album aufnehmen konnte – was in den vergangenen Jahrzehnten ein voll ausgestattetes Aufnahmestudio erforderte – mit wenig mehr als einem Laptop und einem hochwertigen Mikrofon . Trotzdem übertrifft die Audioqualität moderner Aufnahmestudios immer noch das, was ein Amateur produzieren kann.

Kritik

Änderungen

Neben vielen Veränderungen der verwendeten spezifischen Klänge und Technologien hat sich seit den 1960er Jahren eine Verschiebung der Inhalte und Schlüsselelemente der populären Musik vollzogen . Eine große Veränderung besteht darin, dass populäre Musik langsamer geworden ist; der durchschnittliche BPM von populären Songs aus den 1960er Jahren betrug 116, während der Durchschnitt der 2000er 100 BPM betrug. Darüber hinaus waren Lieder, die in den 1960er Jahren ins Hörspiel kamen, im Durchschnitt nur etwa drei Minuten lang. Dagegen waren die meisten Songs in den Billboard Top 5 2018 zwischen 3:21 und 3:40 Minuten lang. Seit den 1960er Jahren ist auch die Verwendung von Dur- Tonarten zurückgegangen und die Verwendung von Moll-Tonarten gestiegen; 85% der Lieder waren in diesem Jahrzehnt in Dur, während nur etwa 40% der Lieder jetzt in Dur sind. Auch die Themen und Texte der populären Musik haben sich stark verändert und sind seit den 1960er Jahren trauriger, asozialer und egozentrischer geworden. Es gibt auch einen zunehmenden Trend, dass der emotionale Inhalt, die Tonart und das Tempo von Liedern nicht den üblichen Assoziationen folgen; zum Beispiel schnelle Lieder mit traurigen Themen oder in Moll oder langsame Lieder mit fröhlicherem Inhalt oder in Dur.

Für viele dieser Änderungen gibt es mehrere mögliche Erklärungen. Ein Grund für die Kürze der Songs in der Vergangenheit war die physische Leistungsfähigkeit von Schallplatten . Schallplatten-Singles, die für Hörspiele sehr beliebt waren, hatten nur Platz für etwa drei Minuten Musik, was die mögliche Länge populärer Songs physisch begrenzte. Mit der Erfindung der CDs im Jahr 1982 und in jüngerer Zeit mit dem Streaming kann Musik so lang oder kurz sein, wie es sowohl Schreiber als auch Hörer wünschen. Allerdings sind die Songs wieder kürzer geworden, teilweise aufgrund der Allgegenwart des Streamings. Die durchschnittliche Songlänge betrug 2018 3 Minuten und 30 Sekunden, 20 Sekunden kürzer als der Durchschnitt von 2014. Der wahrscheinlichste Grund dafür ist, dass Künstler jetzt pro einzelnem Stream bezahlt werden und längere Songs weniger Streams bedeuten könnten. Was die Unterschiede in der Thematik und dem emotionalen Inhalt der Lieder angeht, wird populäre Musik seit den späten 1960er Jahren zunehmend verwendet, um gesellschaftlichen Wandel und politische Agenden zu fördern. Künstlerinnen und Künstler haben seit dieser Zeit ihre Musik oft auf aktuelle Ereignisse und Themen ausgerichtet, die für die aktuellen Generationen relevant sind. Eine andere Theorie besagt, dass die Globalisierung den Geschmack des Publikums vielfältiger macht, sodass verschiedene Musikideen eine Chance haben, an Popularität zu gewinnen.

Globale Perspektive

Im Gegensatz zur westlichen Popmusik wird ein Musikgenre, das außerhalb einer westlichen Nation beliebt ist, in die Weltmusik eingeordnet . Dieses Label macht sonst populäre Musikrichtungen zu einer exotischen und unbekannten Kategorie . Das westliche Konzept der „Weltmusik“ homogenisiert viele verschiedene Genres populärer Musik unter einem für das westliche Publikum zugänglichen Begriff. Neue Medientechnologien haben dazu geführt, dass städtische Musikstile in weit entfernte ländliche Gebiete auf der ganzen Welt vordringen. Der ländliche Raum wiederum ist in der Lage, den urbanen Zentren Feedback zu den neuen Musikstilen zu geben. Urbanisierung, Modernisierung, Kontakt mit ausländischer Musik und Massenmedien haben zu hybriden urbanen Popstilen beigetragen. Die hybriden Stile haben durch den Ausdruck ihrer nationalen Kultur auch einen Platz in der westlichen Popmusik gefunden. Empfängerkulturen übernehmen Elemente aus der Gastkultur und verändern die Bedeutung und den Kontext der Gastkultur. Viele westliche Stile wiederum wurden durch multinationale Tonstudios zu internationalen Stilen.

Afrika

Der senegalesische Rapper Didier Awadi

Populäre afrikanische Musikstile stammen aus traditionellen Unterhaltungsgenres und haben sich nicht aus der Musik entwickelt, die bei bestimmten traditionellen Zeremonien wie Hochzeiten, Geburten oder Beerdigungen verwendet wird. Die afrikanische Popmusik als Ganzes wurde von europäischen Ländern, afroamerikanischer und afro-lateinischer Musik sowie regionalspezifischen Stilen beeinflusst, die bei einem breiteren Spektrum von Menschen populär wurden. Obwohl die afrikanische Populärmusik aufgrund der Bedeutung und starken Position der Kultur in der traditionellen afrikanischen Musik dazu neigt, in den Wurzeln der traditionellen afrikanischen Popmusik zu bleiben. Das Musikgenre Maskanda ist in seiner Herkunftskultur Südafrika beliebt. Obwohl Maskanda per Definition ein traditionelles Musikgenre ist, beeinflussen die Menschen, die es hören, die Ideale, die in der Musik hervorgebracht werden. Ein populärer maskandischer Künstler, Phuzekhemisi, musste den politischen Einfluss seiner Musik verringern, um für die Öffentlichkeit gerüstet zu sein. Sein Musikproduzent West Nikosi suchte nach dem kommerziellen Erfolg von Phuzekhemisis Musik, anstatt eine politische Kontroverse anzuzetteln.

Politische Lieder sind in vielen Gesellschaften eine wichtige Kategorie der afrikanischen Popmusik. Während des Kampfes des Kontinents gegen die Kolonialherrschaft stärkten nationalistische Lieder die Moral der Bürger. Diese Lieder basierten auf westlichen Märschen und Hymnen, die das europäische Bildungssystem widerspiegelten, in dem die frühen nationalistischen Führer aufgewachsen waren. Nicht alle afrikanischen politischen Lieder basierten auf westlichen Stilen. In Südafrika zum Beispiel basierten die politischen Lieder während der Anti-Apartheid-Bewegung auf traditionellen Stammesstilen zusammen mit Mischformen importierter Genres. Aktivisten nutzten Protest- und Freiheitslieder, um Einzelpersonen zum Handeln zu bewegen, sich für den Kampf zu schulen und andere zu politischem Bewusstsein zu befähigen. Diese Lieder spiegelten die Nuancen zwischen den verschiedenen Klassen wider, die am Befreiungskampf beteiligt waren.

Eines der Genres, die die Menschen in Afrika für ihren politischen Ausdruck verwenden, ist Hip-Hop . Obwohl Hip-Hop in Afrika auf der nordamerikanischen Vorlage basiert, wurde es neu gestaltet, um für afrikanische Jugendliche neue Bedeutungen zu erzeugen. Dies ermöglicht es dem Genre, sowohl lokal als auch global einflussreich zu sein. Die afrikanische Jugend wird von der Fähigkeit des schnell wachsenden Genres geprägt, zu kommunizieren, zu erziehen, zu stärken und zu unterhalten. Künstler, die in traditionellen Musikgenres wie Maskanda angefangen hätten, wurden zu Hip-Hop-Künstlern, um sich selbst einen stärkeren Karriereweg zu bieten. Diese Rapper vergleichen sich mit traditionellen Künstlern wie dem Griot und dem Oral Storyteller, die beide eine Rolle bei der Reflexion der inneren Dynamik der größeren Gesellschaft spielten. Afrikanischer Hip-Hop schafft Jugendkultur, Gemeinschaftsintelligenz und globale Solidarität.

Asien

Indonesien

Noah , eine der beliebtesten Bands Indonesiens

Populäre Musik in Indonesien kann als Mischformen des westlichen Rocks mit Genres kategorisiert werden, die in Indonesien entstanden und im Stil der Einheimischen sind. Das Musikgenre Dangdut ist ein Genre der populären Musik, das speziell in Indonesien zu finden ist . Dangdut formte zwei weitere populäre Musikstile, Indo-Pop und Underground , um gemeinsam ein neues Hybrid- oder Fusion-Genre zu schaffen. Das Genre übernimmt die laute Instrumentierung von Underground, macht es aber dennoch leicht, wie Indo-Pop zu hören. Dangdut versucht, viele populäre Musikgenres wie Rock, Pop und traditionelle Musik zu formen, um diesen neuen Sound zu kreieren, der dem Geschmack der Verbraucher entspricht. Dieses Genre hat sich zu einer größeren sozialen Bewegung entwickelt, die Kleidung, Jugendkultur, das Wiederaufleben des Islam und die kapitalistische Unterhaltungsindustrie umfasst.

Eine weitere populäre Musikszene in Indonesien ist Punkrock . Dieses Genre wurde in Indonesien durch die lokalen Interpretationen der Medien der größeren globalen Punkbewegung geprägt. Jeremy Wallach argumentiert, dass Green Day zwar als "Tod des Punks" angesehen wurde, in Indonesien jedoch der Katalysator für eine größere Punk-Bewegung war. Punk in Indonesien ruft die englischsprachige Welt dazu auf, die globalen Sekten der Punkkultur zu umarmen und dem transnationalen Genre gegenüber aufgeschlossen zu sein.

China

In einer Studie aus dem Jahr 2015, an der junge Studenten in Shanghai teilnahmen , gaben Jugendliche an, dass sie gerne sowohl chinesische als auch andere asiatische Nationalitäten und angloamerikanische populäre Musik hörten. Es gibt drei Möglichkeiten, wie junge Menschen in China Zugang zu globaler Musik haben. Der erste Grund war ein Politikwechsel seit Ende der 1970er Jahre, bei dem das Land für den Rest der Welt geöffnet wurde, anstatt in sich geschlossen zu sein. Dies eröffnete den Chinesen mehr Möglichkeiten, mit Menschen außerhalb ihres Herkunftslandes zu interagieren, um eine stärker globalisierte Kultur zu schaffen. Der zweite Grund ist, dass die chinesische Fernseh- und Musikindustrie seit den 1980er Jahren Fernsehsendungen aus ihren asiatischen Nachbargesellschaften und dem Westen ausstrahlt. Der dritte Grund sind die Auswirkungen des Internets und von Smartphones auf die Zugänglichkeit von Musikstreaming.

Im Jahr 2015 machten Studenten in China 30,2% der chinesischen Internetbevölkerung aus, und die dritt- und fünftbeliebteste Nutzung des Internets waren die Nutzung von Internetmusik und Internetvideos. Die Jugendlichen beschrieben, dass sie sich mit den Emotionen und der Sprache der chinesischen Musik verbinden konnten, aber auch die Melodien der angloamerikanischen Musik genossen. Die Schüler glaubten auch, dass das Hören der englischen Musik ihre Englischkenntnisse verbessern würde.

Naher Osten

Iranische Rockband Kiosk , live im Jahr 2007

Die Modernisierung der Musik in der arabischen Welt beinhaltete die Anlehnung an türkische Musik und westliche Musikstile. Die verstorbene ägyptische Sängerin Umm Kulthum sagte:

"Wir müssen uns selbst und unsere Kunst respektieren. Die Indianer haben uns ein gutes Beispiel gegeben - sie zeigen großen Respekt vor sich selbst und ihrer Kunst. Wo immer sie sind, tragen sie ihre einheimische Kleidung und ihre Musik ist auf der ganzen Welt bekannt. Das ist die richtiger Weg."

Sie diskutierte dies, um zu erklären, warum Ägypten und die arabische Welt stolz auf die populären Musikstile sein mussten, die ihren Ursprung in ihrer Kultur hatten, damit die Stile bei der Modernisierung nicht verloren gingen. Lokale Musiker lernten westliche Instrumentalstile, um ihre eigenen populären Stile zu kreieren, einschließlich ihrer Muttersprachen und einheimischen musikalischen Merkmale. Gemeinschaften in der gesamten arabischen Welt legen großen Wert auf ihre indigene musikalische Identität und assimilieren sich gleichzeitig an neue Musikstile aus Nachbarländern oder Massenmedien. In den 1980er und 1990er Jahren wurde populäre Musik wegen der nicht-religiösen Bedeutungen in der Musik und der Körperbewegungen des Tanzens oder Headbangens als Problem für die iranische Regierung angesehen. Während dieser Zeit wurde Metal im Nahen Osten zu einer beliebten Untergrund-Subkultur . Genau wie ihre westlichen Kollegen drückten die Metal-Anhänger des Nahen Ostens ihre Gefühle der Entfremdung aus. Aber ihre Gedanken kamen von Krieg und sozialen Einschränkungen der Jugend.

In Interviews mit iranischen Teenagern zwischen 1990 und 2004 bevorzugten die Jugendlichen insgesamt westliche Popmusik, obwohl sie von der Regierung verboten wurde. Iranische Underground-Rockbands bestehen aus jungen, urbanen, gebildeten, relativ wohlhabenden und globalen Wesen. Der iranische Rock wird durch die Eigenschaften dieser Bandmitglieder beschrieben. Die Jugendlichen, die im Nahen Osten an der Underground-Musik teilnehmen, sind sich der sozialen Zwänge ihrer Länder bewusst, aber sie sind nicht optimistisch, was den gesellschaftlichen Wandel angeht. Iranische Rockbands haben eine internationalistische Position eingenommen, um ihre Rebellion gegenüber den Diskursen in ihren nationalen Regierungen auszudrücken.

Siehe auch

Verweise

Weiterlesen

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  • Larry Freeman: The Melody Lingers on: 50 Years of Popular Song (Watkins Glen, NY: Century House, 1951). 212 S. NB .: Enthält eine Chronologie, "50 Jahre Song Hits", auf S. 193-215.
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Externe Links