Rhythmus und Blues -Rhythm and blues

Rhythm and Blues , häufig als R&B oder R'n'B abgekürzt , ist ein Genre der populären Musik , das in den 1940er Jahren in afroamerikanischen Gemeinschaften entstand . Der Begriff wurde ursprünglich von Plattenfirmen verwendet, um Aufnahmen zu beschreiben, die hauptsächlich an städtische Afroamerikaner vermarktet wurden, zu einer Zeit, als "urbane, rockige, jazzbasierte Musik ... [mit einem] schweren, eindringlichen Beat" immer beliebter wurde. In der für die 1950er bis 1970er Jahre typischen kommerziellen Rhythmus- und Bluesmusik bestanden die Bands normalerweise aus einem Klavier, einer oder zwei Gitarren, einem Bass, Schlagzeug, einem oder mehreren Saxophonen und manchmal Background-Sängern. Die lyrischen Themen des R&B fassen oft die afroamerikanische Erfahrung von Schmerz und die Suche nach Freiheit und Freude sowie Triumphe und Misserfolge in Bezug auf Beziehungen, Wirtschaft und Bestrebungen zusammen.

Der Begriff "Rhythm and Blues" hat eine Reihe von Bedeutungsverschiebungen erfahren. In den frühen 1950er Jahren wurde es häufig auf Blues- Platten angewendet . Ab Mitte der 1950er Jahre, nachdem dieser Musikstil zur Entwicklung des Rock'n'Roll beigetragen hatte , wurde der Begriff "R&B" in einem breiteren Kontext verwendet. Es bezog sich auf Musikstile, die sich aus elektrischem Blues entwickelt und integriert haben , sowie auf Gospel- und Soul-Musik .

Von den 1960er bis 1970er Jahren wurden mehrere britische Bands und Gruppen wie die Rolling Stones , The Who und The Animals als R&B-Bands bezeichnet und beworben. Bis in die 1970er Jahre veränderte sich der Begriff „Rhythm and Blues“ erneut und wurde als Oberbegriff für Soul und Funk verwendet . In den späten 1980er Jahren entwickelte sich ein neuerer R&B-Stil, der als „ zeitgenössischer R&B “ bekannt wurde. Es verbindet Rhythm and Blues mit Elementen aus Pop , Soul, Funk, Disco , Hip Hop und elektronischer Musik .

Etymologie, Definitionen und Beschreibung

Obwohl Jerry Wexler von der Zeitschrift Billboard zugeschrieben wird, den Begriff „Rhythm and Blues“ als Musikbegriff in den Vereinigten Staaten im Jahr 1948 geprägt zu haben, wurde der Begriff in Billboard bereits 1943 verwendet. Er ersetzte den Begriff „ Race Music “, der ursprünglich verwendet wurde kam aus der schwarzen Gemeinschaft, wurde aber in der Nachkriegswelt als beleidigend angesehen. Der Begriff "Rhythm and Blues" wurde von Billboard in seinen Chart-Listen von Juni 1949 bis August 1969 verwendet, als seine "Hot Rhythm & Blues Singles" -Chart in "Best Selling Soul Singles" umbenannt wurde. Bevor der Name "Rhythm and Blues" eingeführt wurde, hatten verschiedene Plattenfirmen bereits damit begonnen, den Begriff "Race Music" durch "Sepia Series" zu ersetzen. "Rhythm and Blues" wird oft mit R&B oder R'n'B abgekürzt .

In den frühen 1950er Jahren wurde der Begriff "Rhythm & Blues" häufig für Blues- Platten verwendet. Der Autor und Produzent Robert Palmer definierte Rhythm & Blues als "einen Sammelbegriff, der sich auf jede Musik bezieht, die von und für schwarze Amerikaner gemacht wurde". Er hat den Begriff „R&B“ als Synonym für Jump Blues verwendet . AllMusic trennt es jedoch aufgrund der stärkeren Gospel-Einflüsse von R&B vom Jump Blues. Lawrence Cohn , Autor von „Nothing but the Blues“ , schreibt, dass „Rhythm and Blues“ ein Überbegriff war , der für die Industrie erfunden wurde. Ihm zufolge umfasste der Begriff alle schwarze Musik mit Ausnahme von klassischer Musik und religiöser Musik , es sei denn, ein Gospelsong verkaufte sich genug, um in die Charts einzusteigen. Bis weit ins 21. Jahrhundert wird der Begriff R&B (in einigen Kontexten) weiterhin verwendet, um Musik von schwarzen Musikern zu kategorisieren, im Unterschied zu Musikstilen anderer Musiker.

In der für die 1950er bis 1970er Jahre typischen kommerziellen Rhythmus- und Bluesmusik bestanden die Bands normalerweise aus Klavier, einer oder zwei Gitarren, Bass, Schlagzeug und Saxophon. Arrangements wurden bis zur Mühelosigkeit einstudiert und teilweise von Backgroundsängern begleitet. Einfache, sich wiederholende Teile greifen ineinander und erzeugen Schwung und rhythmisches Zusammenspiel, wodurch sanfte, trällernde und oft hypnotische Texturen entstehen, während die Aufmerksamkeit auf keinen individuellen Klang gelenkt wird. Während Sänger emotional mit den Texten beschäftigt sind, oft sehr intensiv, bleiben sie cool, entspannt und haben die Kontrolle. Die Bands trugen Anzüge und sogar Uniformen, eine Praxis, die mit der modernen populären Musik verbunden ist, die Rhythm and Blues-Künstler zu dominieren strebten. Die Texte wirkten oft fatalistisch, und die Musik folgte typischerweise vorhersehbaren Mustern von Akkorden und Strukturen. Lyrische R&B-Themen fassen oft die afroamerikanische Erfahrung von Schmerz und die Suche nach Freiheit und Freude sowie Triumphe und Misserfolge in Bezug auf Beziehungen, Wirtschaft und Bestrebungen zusammen.

Eine Veröffentlichung der Smithsonian Institution lieferte diese Zusammenfassung der Ursprünge des Genres im Jahr 2016.

„Eine eindeutig afroamerikanische Musik, die aus den tiefen Zuflüssen der afroamerikanischen Ausdruckskultur stammt, ist eine Mischung aus Jump Blues, Big Band Swing, Gospel, Boogie und Blues, die ursprünglich in einem Zeitraum von dreißig Jahren entwickelt wurde, der die Ära von überbrückt gesetzlich sanktionierte Rassentrennung, internationale Konflikte und der Kampf um Bürgerrechte".

Die Rock & Roll Hall of Fame definiert einige der Urheber des R&B, darunter Joe Turners Big Band, Louis Jordans Tympany Five, James Brown und LaVern Baker. Tatsächlich heißt es in dieser Quelle, dass „Louis Jordan zusammen mit Turner in den 1940er Jahren den Grundstein für R&B legte und ein swingendes Rhythm & Blues-Meisterwerk nach dem anderen schuf“. Andere Künstler, die „Eckpfeiler des R&B und seiner Umwandlung in Rock’n’Roll“ waren, sind Etta James, Fats Domino, Roy Brown, Little Richard und Ruth Brown. Bemerkenswert waren auch die "Doo Wop"-Gruppen, darunter The Orioles , The Ravens und The Dominoes .

Der Begriff „Rock and Roll“ hatte im Jump Blues und R&B eine starke sexuelle Konnotation , aber als DJ Alan Freed sich Mitte der 1950er Jahre im Mainstream-Radio auf Rock and Roll bezog, „war die sexuelle Komponente so weit heruntergeschraubt, dass es einfach wurde ein akzeptabler Begriff für Tanzen".

Geschichte

Vorläufer

Louis Jordan in New York City, c. Juli 1946

Die große Migration schwarzer Amerikaner in die städtischen Industriezentren von Chicago, Detroit, New York City, Los Angeles und anderswo in den 1920er und 1930er Jahren schuf einen neuen Markt für Jazz, Blues und verwandte Musikgenres. Diese Musikgenres wurden oft von Vollzeitmusikern aufgeführt, die entweder alleine oder in kleinen Gruppen arbeiteten. Die Vorläufer von Rhythm and Blues kamen aus Jazz und Blues, die sich in den späten 1920er und 1930er Jahren durch die Arbeit von Musikern wie den Harlem Hamfats mit ihrem 1936er Hit „Oh Red“, sowie Lonnie Johnson , Leroy Carr , Cab Calloway , Count Basie und T-Bone Walker . Auch die E-Gitarre als Lead-Instrument sowie Klavier und Saxophon rückten zunehmend in den Vordergrund .

Ende der 1940er Jahre

R&B entstand in den 1940er Jahren in afroamerikanischen Gemeinschaften. 1948 vermarktete RCA Victor schwarze Musik unter dem Namen "Blues and Rhythm". In diesem Jahr dominierte Louis Jordan mit drei Songs die Top-5-Listen der R&B-Charts , und zwei der Top-5-Songs basierten auf den Boogie-Woogie- Rhythmen, die in den 1940er Jahren an Bedeutung gewonnen hatten. Jordans Band, die Tympany Five (gegründet 1938), bestand aus ihm am Saxophon und Gesang sowie Musikern an Trompete, Tenorsaxophon, Klavier, Bass und Schlagzeug. Lawrence Cohn beschrieb die Musik als „düsterer als sein jazziger Blues aus der Boogie-Ära“. Robert Palmer beschrieb es als "urbane, rockige, jazzbasierte Musik ... [mit einem] schweren, eindringlichen Beat". Jordans Musik wird heute zusammen mit der von Big Joe Turner , Roy Brown , Billy Wright und Wynonie Harris auch als Jump Blues bezeichnet . Bereits Paul Gayten , Roy Brown und andere hatten Hits im Stil, der heute als Rhythm and Blues bezeichnet wird. 1948 erreichte Wynonie Harris' Remake von Browns 1947er Aufnahme „ Good Rockin' Tonight “ Platz zwei der Charts, gefolgt von „Long Gone“ von Bandleader Sonny Thompson auf Platz eins.

1949 ersetzte der Begriff „Rhythm and Blues“ (R&B) die Billboard-Kategorie Harlem Hit Parade . Ebenfalls in diesem Jahr war „ The Huckle-Buck “, aufgenommen vom Bandleader und Saxophonisten Paul Williams , der R&B-Song Nummer eins und blieb fast das ganze Jahr über an der Spitze der Charts. Geschrieben vom Musiker und Arrangeur Andy Gibson , wurde das Lied als „schmutziger Boogie“ beschrieben, weil es gewagt und anzüglich war. Die Konzerte von Paul Williams und His Hucklebuckers waren schweißtreibende, aufrührerische Angelegenheiten, die mehr als einmal abgesagt wurden. Ihre Texte von Roy Alfred (der später 1955 den Hit " (The) Rock and Roll Waltz " mitschrieb ) waren leicht sexuell anzüglich, und ein Teenager aus Philadelphia sagte: " That Hucklebuck war ein sehr böser Tanz ". Ebenfalls 1949 war eine neue Version eines Blues-Songs aus den 1920er Jahren, " Ain't Nobody's Business ", ein Nummer-4-Hit für Jimmy Witherspoon , und Louis Jordan und die Tympany Five schafften es mit " Saturday Night Fish Fry " erneut unter die Top 5 . Viele dieser Hits wurden auf neuen unabhängigen Plattenlabels wie Savoy (gegründet 1942), King (gegründet 1943), Imperial (gegründet 1945), Specialty (gegründet 1946), Chess (gegründet 1947) und Atlantic (gegründet 1948) veröffentlicht ).

Afro-kubanischer rhythmischer Einfluss

Die afroamerikanische Musik begann im 18. Jahrhundert mit der Popularität der kubanischen Contradanza (außerhalb Kubas als Habanera bekannt ) afrokubanische rhythmische Motive zu integrieren . Den Habanera-Rhythmus kann man sich als eine Kombination aus Tresillo und Backbeat vorstellen .

Der Habanera-Rhythmus wird als Tresillo (untere Noten) mit dem Backbeat (obere Note) dargestellt.

In den mehr als einem Vierteljahrhundert, in denen sich Cakewalk , Ragtime und Proto-Jazz formten und entwickelten, war das kubanische Genre Habanera in der afroamerikanischen Popmusik eine konstante Präsenz. Der Jazzpionier Jelly Roll Morton betrachtete den Tresillo/Habanera-Rhythmus (den er den spanischen Farbton nannte ) als einen wesentlichen Bestandteil des Jazz. Es gibt Beispiele für Tresillo-ähnliche Rhythmen in einigen afroamerikanischen Volksmusikstücken, wie z. B. die Handklatsch- und Fußstampfmuster in Ring Shout , Trommel- und Pfeifenmusik nach dem Bürgerkrieg und New Orleans Second Line Music. Wynton Marsalis betrachtet Tresillo als die "Clave" von New Orleans (obwohl das Muster technisch gesehen nur eine halbe Clave ist ). Tresillo ist die grundlegendste rhythmische Doppelimpulszelle in den Musiktraditionen Subsahara-Afrikas , und seine Verwendung in der afroamerikanischen Musik ist eines der deutlichsten Beispiele für die Beibehaltung afrikanischer Rhythmen in den Vereinigten Staaten. Die Verwendung von Tresillo wurde durch die aufeinanderfolgenden Wellen kubanischer Musik, die in die nordamerikanische Populärkultur übernommen wurden, kontinuierlich verstärkt. 1940 veröffentlichte Bob Zurke „Rhumboogie“, einen Boogie-Woogie mit einer Tresillo-Basslinie und einem Text, der stolz die Übernahme des kubanischen Rhythmus verkündete:

Harlem hat einen neuen Rhythmus, Mann, es verbrennt die Tanzflächen, weil es so heiß ist! Sie nahmen einen kleinen Rhumba-Rhythmus und fügten Boogie-Woogie hinzu und jetzt schau, was sie bekommen haben! Rhumboogie, das ist Harlems neue Kreation mit der kubanischen Synkopierung, das ist der Killer! Stellen Sie einfach beide Füße auf jede Seite. Lassen Sie sowohl Ihre Hüften als auch Ihre Schulter gleiten. Dann wirf deinen Körper zurück und reite. Es gibt nichts Besseres als Rhumbaoogie, Rhumboogie, Boogie-Woogie. In Harlem oder Havanna können Sie die alte Savannah küssen. Es ist ein Mörder!

Obwohl der New-Orleans-Blues seinen Ursprung in der Metropole an der Mündung des Mississippi hat, unterscheidet er sich mit seinen afro-karibischen rhythmischen Zügen vom Sound des Mississippi-Delta-Blues. In den späten 1940er Jahren waren Musiker aus New Orleans genau zu der Zeit, als sich R&B zum ersten Mal formierte, besonders empfänglich für kubanische Einflüsse. Die erste Verwendung von Tresillo im R&B fand in New Orleans statt. Robert Palmer erinnert sich:

Fats Domino im Jahr 1956

Der Produzent und Bandleader von New Orleans, Dave Bartholomew, verwendete diese Figur (als Riff der Saxophongruppe) erstmals auf seiner eigenen Platte „Country Boy“ von 1949 und trug anschließend dazu bei, dass sie zum am meisten überstrapazierten rhythmischen Muster im Rock 'n' Roll der 1950er Jahre wurde. Auf zahlreichen Aufnahmen von Fats Domino , Little Richard und anderen wies Bartholomew dieses sich wiederholende Drei-Noten-Muster nicht nur dem Streichbass, sondern auch E-Gitarren und sogar Bariton-Saxophonen zu, was für einen sehr schweren Bass sorgte. Er erinnert sich, die Figur zum ersten Mal gehört zu haben – als Bassmuster auf einer kubanischen Platte.

In einem Interview mit Palmer aus dem Jahr 1988 enthüllte Bartholomew (der die erste R&B-Studioband hatte), wie er anfänglich Tresillo über den Swing-Rhythmus legte:

Ich habe gehört, wie der Bass diesen Part auf einer „Rumba“-Platte spielt. Bei „Country Boy“ ließ ich meinen Bass und mein Schlagzeug einen geraden Swing-Rhythmus spielen und schrieb diesen „Rumba“-Bass-Part für die Saxophone, damit sie über dem Swing-Rhythmus spielen. Später, besonders nachdem der Rock 'n' Roll aufkam, habe ich den 'Rumba'-Bass-Part immer schwerer gemacht. Ich hätte den Kontrabass, eine E-Gitarre und einen Bariton im Einklang.

Bartholomew bezog sich auf den kubanischen Sohn mit der falschen Bezeichnung Rumba , eine gängige Praxis dieser Zeit. „ Blue Monday “ von Fats Domino , produziert von Bartholomew, ist ein weiteres Beispiel für diese mittlerweile klassische Verwendung von Tresillo im R&B. Bartholomews Tresillo-basiertes „Oh Cubanas“ von 1949 ist ein Versuch, afroamerikanische und afrokubanische Musik zu verschmelzen. Das Wort Mambo , größer als alle anderen Texte, ist prominent auf dem Plattenlabel platziert. In seiner Komposition „Misery“ spielt der New Orleanser Pianist Professor Longhair eine Habanera-ähnliche Figur in seiner linken Hand. Der geschickte Einsatz von Drillingen ist charakteristisch für Longhairs Stil.


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Gerhard Kubik stellt fest, dass dem frühen Blues mit Ausnahme von New Orleans komplexe Polyrhythmen fehlten, und dass es ein „sehr spezifisches Fehlen von asymmetrischen Zeitlinienmustern ( Schlüsselmustern ) in praktisch der gesamten afroamerikanischen Musik des frühen zwanzigsten Jahrhunderts gab  ... nur In einigen New-Orleans-Genres taucht gelegentlich ein Hauch von einfachen Zeitlinienmustern in Form von vorübergehenden sogenannten 'Stomp'-Mustern oder Stop-Time-Chorus auf. Diese funktionieren nicht auf die gleiche Weise wie afrikanische Zeitlinien. In den späten 1940er Jahren änderte sich dies etwas, als die zweizellige Timeline-Struktur in den Blues gebracht wurde. Musiker aus New Orleans wie Bartholomew und Longhair integrierten kubanische Instrumente sowie das Clave-Muster und verwandte zweizellige Figuren in Liedern wie "Carnival Day" (Bartholomew 1949) und "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Während einige dieser frühen Experimente unangenehme Fusionen waren, wurden die afrokubanischen Elemente schließlich vollständig in den New Orleans-Sound integriert.

Robert Palmer berichtet, dass Professor Longhair in den 1940er Jahren Musiker von den Inseln hörte und mit ihnen spielte und „in den Bann von Perez Prados Mambo- Platten geriet“. Besonders angetan war er von afrokubanischer Musik. Michael Campbell sagt: „Professor Longhairs Einfluss war  … weitreichend. In mehreren seiner frühen Aufnahmen mischte Professor Longhair afro-kubanische Rhythmen mit Rhythm and Blues Blues mit einem Clave-Rhythmus." Langhaars besonderer Stil war lokal als Rumba-Boogie bekannt . In seinem „Mardi Gras in New Orleans“ verwendet der Pianist das 2–3 Clave Onbeat/Offbeat-Motiv in einem Rumba-Boogie „ Guajeo “.

Klavierauszug aus dem Rumba-Boogie „Mardi Gras in New Orleans“ (1949) von Professor Longhair. 2–3 Claves sind oben als rhythmische Referenz angegeben.

Das synkopierte, aber geradlinige Unterteilungsgefühl der kubanischen Musik (im Gegensatz zu geschwungenen Unterteilungen) wurzelte in dieser Zeit im R&B von New Orleans. Alexander Stewart erklärt, dass das populäre Gefühl von „New Orleans – durch James Browns Musik bis zur populären Musik der 1970er Jahre“ weitergegeben wurde, und fügt hinzu: „Der einzigartige Stil von Rhythm & Blues, der in den Jahren nach dem Weltkrieg in New Orleans auftauchte II spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Funk. In einer verwandten Entwicklung durchliefen die zugrunde liegenden Rhythmen der amerikanischen Popmusik einen grundlegenden, jedoch im Allgemeinen unbemerkten Übergang von einem Triolen- oder Shuffle-Feeling zu geraden oder geraden Achtelnoten. In Bezug auf die verschiedenen Funk-Motive, Stewart erklärt, dass dieses Modell "... sich von einer Zeitlinie (wie Clave und Tresillo) darin  unterscheidet , dass es kein exaktes Muster ist, sondern eher ein lockeres Organisationsprinzip."

Johnny Otis veröffentlichte im Januar 1951 den R&B-Mambo „Mambo Boogie“ mit Congas, Maracas, Claves und Mambo-Saxophon- Guajeos in einer Blues-Progression. Ike Turner nahm "Cubano Jump" (1954) auf, ein E-Gitarren-Instrumental, das um mehrere 2–3 Clave-Figuren herum aufgebaut ist, die vom Mambo übernommen wurden. Die Hawketts beziehen sich in „ Mardi Gras Mambo “ (1955) (mit dem Gesang eines jungen Art Neville) deutlich auf Perez Prado, indem sie sein Markenzeichen „Unhh!“ verwenden. in der Pause nach der Vorstellung.

Ned Sublette sagt: „Die Elektro-Blues-Katzen waren sich der lateinamerikanischen Musik sehr bewusst, und es gab definitiv so etwas wie Rhumba-Blues ; man kann Muddy Waters und Howlin' Wolf spielen hören.“ Er zitiert auch Otis Rush , Ike Turner und Ray Charles als R&B-Künstler, die dieses Gefühl anwendeten.

Die Verwendung von Clave im R&B fiel mit der wachsenden Dominanz des Backbeat und der steigenden Popularität der kubanischen Musik in den USA zusammen. .

3–2 Clave in zwei Takten in Cut-Time geschrieben
Tresillo antwortete mit dem Backbeat, der Essenz von Clave in der afroamerikanischen Musik

Der „ Bo Diddley Beat “ (1955) ist vielleicht die erste echte Fusion von 3–2 Clave und R&B/Rock’n’Roll. Bo Diddley hat verschiedene Berichte über die Ursprünge des Riffs gegeben. Sublette behauptet: „Im Kontext der Zeit und insbesondere jener Maracas [auf der Platte zu hören] muss ‚Bo Diddley‘ als eine lateinisch gefärbte Platte verstanden werden. Eine zurückgewiesene Aufnahme, die bei derselben Session aufgenommen wurde, trug nur den Titel ‚Rhumba‘ ' auf den Gleisbögen." Johnny Otis ' "Willie and the Hand Jive" (1958) ist ein weiteres Beispiel für diese gelungene Mischung aus 3–2 Claves und R&B. Otis verwendete die kubanischen Instrumente Claves und Maracas für das Lied.

Bo DiddleysBo Diddley Beat “ ist ein Clave-basiertes Motiv.

Afrokubanische Musik war der Kanal, durch den afroamerikanische Musik "re-afrikanisiert" wurde, durch die Übernahme von zweizelligen Figuren wie Clave und afrokubanischen Instrumenten wie der Conga-Trommel , Bongos , Maracas und Claves . Laut John Storm Roberts wurde R&B zum Vehikel für die Rückkehr kubanischer Elemente in die populäre Massenmusik. Ahmet Ertegun , Produzent von Atlantic Records , soll gesagt haben, dass „afrokubanische Rhythmen Farbe und Aufregung zum Grundantrieb des R&B hinzufügten“. Wie Ned Sublette jedoch betont: „In den 1960er Jahren, als Kuba Gegenstand eines bis heute geltenden Embargos der Vereinigten Staaten war, war der Inselstaat als Musikquelle vergessen worden als geschichtsträchtig gelten, war die kubanische Musik aus dem nordamerikanischen Bewusstsein verschwunden."

Anfang bis Mitte der 1950er Jahre

Der kleine Richard im Jahr 1967

Zuerst kauften nur Afroamerikaner R&B-Platten. Laut Jerry Wexler von Atlantic Records wurden die Verkäufe auf afroamerikanische Märkte lokalisiert. es gab keinen weißen Verkauf oder weißes Hörspiel. In den frühen 1950er Jahren wurden immer mehr weiße Teenager auf R&B aufmerksam und begannen, die Musik zu kaufen. Zum Beispiel gingen 40 % der Verkäufe im Jahr 1952 im Plattenladen Dolphin's of Hollywood , der sich in einem afroamerikanischen Viertel von Los Angeles befindet, an Weiße. Schließlich wandten weiße Teenager im ganzen Land ihren Musikgeschmack in Richtung Rhythm and Blues.

Johnny Otis , der bei den in Newark, New Jersey, ansässigen Savoy Records unterschrieben hatte, produzierte 1951 viele R&B-Hits, darunter " Double Crossing Blues ", "Mistrustin' Blues" und " Cupid's Boogie ", die alle in diesem Jahr die Nummer eins erreichten . Otis erzielte in diesem Jahr zehn Top-Ten-Hits. Weitere Hits sind „ Gee Baby “, „Mambo Boogie“ und „All Nite Long“. The Clovers , ein Quintett bestehend aus einem Vokalquartett mit begleitendem Gitarristen, sangen eine unverwechselbar klingende Kombination aus Blues und Gospel, hatten mit „ Don’t You Know I Love You “ auf Atlantic den Nummer-5-Hit des Jahres . Ebenfalls im Juli 1951 startete DJ Alan Freed aus Cleveland, Ohio, eine Late-Night-Radiosendung mit dem Titel "The Moondog Rock Roll House Party" auf WJW (850 Uhr). Freeds Show wurde von Fred Mintz gesponsert, dessen R&B-Plattenladen hauptsächlich eine afroamerikanische Kundschaft hatte. Freed begann, die von ihm gespielte Rhythmus- und Bluesmusik als "Rock and Roll" zu bezeichnen.

1951 begann Little Richard Penniman mit Aufnahmen für RCA Records im Jump-Blues-Stil der späten 1940er-Stars Roy Brown und Billy Wright . Doch erst als er 1954 ein Demo aufnahm, das die Aufmerksamkeit von Specialty Records auf sich zog, begann die Welt, seinen neuen Uptempo-Funky-Rhythm and Blues zu hören, der ihn 1955 zum Ruhm katapultierte und dazu beitrug, den Sound des Rock 'n zu definieren 'rollen. Eine schnelle Folge von Rhythm and Blues-Hits folgte, beginnend mit „ Tutti Frutti “ und „ Long Tall Sally “, die Künstler wie James Brown , Elvis Presley und Otis Redding beeinflussten .

Ebenfalls 1951 wurde das Lied Rocket 88 von Ike Turner und seinen Kings of Rhythm in einem Studio von Sam Phillips mit dem Gesang von Jackie Brenston aufgenommen . Dieses Lied wird oft als Vorläufer des Rock and Roll oder als eine der ersten Platten in diesem Genre bezeichnet. In einem späteren Interview gab Ike Turner jedoch diesen Kommentar ab: „Ich glaube nicht, dass ‚Rocket 88‘ Rock‘n‘Roll ist Grund für das Bestehen von Rock and Roll".

Ruth Brown war als „Königin des R&B“ bekannt.

Ruth Brown , die auf dem Label Atlantic auftrat, platzierte von 1951 bis 1954 jedes Jahr Hits in den Top 5: „ Teardrops from My Eyes “, „Five, Ten, Fifteen Hours“, „ (Mama) He Treats Your Daughter Mean “ und „ Was für ein Traum “. „ Shake a Hand “ von Faye Adams schaffte es 1952 auf Platz zwei. 1953 machte das Publikum, das R&B-Platten kaufte, Willie Mae Thorntons Originalaufnahme von Leiber und StollersHound Dog “ zum Nummer-dritt-Hit des Jahres. Ruth Brown war unter den weiblichen R&B-Stars sehr prominent; Ihre Popularität kam höchstwahrscheinlich von „ihrer tief verwurzelten Gesangsdarbietung in der afroamerikanischen Tradition“ .

Fats Domino schafften es 1952 und 1953 in die Top 30 der Pop-Charts, dann mit „ Ain’t That a Shame “ in die Top 10. Ray Charles erlangte 1955 mit „ I Got a Woman “ nationale Bekanntheit. Big Bill Broonzy sagte über Charles' Musik: "Er mischt den Blues mit den Spirituals  ... ich weiß, dass das falsch ist."

1954 war „ Sh-Boom “ von Chords der erste Hit, der die R&B-Charts verließ und Anfang des Jahres die Top 10 erreichte. Ende des Jahres und 1955 erreichte „ Hearts of Stone “ von The Charms die Top 20.

Bei Chess Records im Frühjahr 1955 kletterte Bo Diddleys Debütalbum „ Bo Diddley “/„ I’m a Man “ auf Platz zwei der R&B-Charts und machte Bo Diddleys eigenen, auf Rhythm and Blues Clave basierenden Vamp populär zu einer tragenden Säule im Rock 'n' Roll werden.

Auf Drängen von Leonard Chess bei Chess Records überarbeitete Chuck Berry eine Country- Fiddle-Melodie mit einer langen Geschichte mit dem Titel „ Ida Red “. Die daraus entstandene „ Maybellene “ war 1955 nicht nur ein Nummer-3-Hit der R&B-Charts, sondern erreichte auch die Top 30 der Pop-Charts. Alan Freed , der 1954 in den viel größeren Markt von New York City gezogen war, trug dazu bei, dass die Platte bei weißen Teenagern populär wurde. Freed hatte von Chess einen Teil der Autorenkredite als Gegenleistung für seine Werbeaktivitäten erhalten, eine damals übliche Praxis.

R&B hatte auch einen starken Einfluss auf den Rock and Roll . In einem Artikel im Wall Street Journal aus dem Jahr 1985 mit dem Titel „Rock! It’s Still Rhythm and Blues“ heißt es, dass die „zwei Begriffe bis etwa 1957 austauschbar verwendet wurden“. Land musik.

Fats Domino war nicht davon überzeugt, dass es ein neues Genre gab. 1957 sagte er: "Was sie jetzt Rock 'n' Roll nennen, ist Rhythmus und Blues. Ich spiele es seit 15 Jahren in New Orleans." Laut Rolling Stone „ist dies eine gültige Aussage … alle Rocker der 50er Jahre, schwarz und weiß, auf dem Land geboren und in der Stadt aufgewachsen, wurden grundlegend von R&B beeinflusst, der schwarzen Popmusik der späten 40er und frühen 50er Jahre“.

Ende der 1950er Jahre

1956 fand eine R&B-Tour „Top Stars of '56“ mit den Headlinern Al Hibbler , Frankie Lymon and the Teenagers und Carl Perkins statt , dessen „ Blue Suede Shoes “ bei Käufern von R&B-Musik sehr beliebt war. Einige der Künstler, die das Programm komplettierten, waren Chuck Berry, Cathy Carr , Shirley & Lee , Della Reese , Sam „T-Bird“ Jensen, die Cleftones und die Spaniels mit Illinois Jacquets Big Rockin' Rhythm Band. Zu den von der Tour besuchten Städten gehörten Columbia, South Carolina; Annapolis, Maryland; Pittsburgh, Pennsylvania; Syracuse, Rochester und Buffalo, New York; und andere Städte. In Columbia endete das Konzert mit einem Beinahe-Aufruhr, als Perkins seinen ersten Song als Schlussakt begann. Perkins wird mit den Worten zitiert: "Es war gefährlich. Viele Kinder wurden verletzt." In Annapolis versuchten 50.000 bis 70.000 Menschen, eine ausverkaufte Vorstellung mit 8.000 Plätzen zu besuchen. Die Straßen waren sieben Stunden lang verstopft. Filmemacher nutzten ab 1956 die Popularität von "Rhythm and Blues"-Musikern als "Rock'n'Roll"-Musiker. Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Big Joe Turner, die Treniers, die Platters und die Flamingos schafften es alle auf die Bühne Der große Bildschirm.

Zwei Alben von Elvis Presley schafften es 1957 in die Top 5 des R&B: „ Jailhouse Rock “/„ Treat Me Nice “ auf Platz eins und „ All Shook Up “ auf Platz fünf, eine beispiellose Aufnahme eines nicht-afroamerikanischen Künstlers in eine Musikkategorie bekannt dafür, von Schwarzen geschaffen zu werden. Nat King Cole , ebenfalls ein Jazzpianist , der Anfang der 1950er Jahre zwei Hits in den Pop-Charts hatte („ Mona Lisa “ auf Platz zwei im Jahr 1950 und „ Too Young “ auf Platz eins im Jahr 1951), hatte einen Rekord in den Top 5 in die R&B-Charts 1958, " Looking Back "/"Do I Like It".

1959 debütierten zwei Plattenlabels im Besitz von Schwarzen, von denen eines sehr erfolgreich werden sollte: Sam Cookes Sar und Berry Gordys Motown Records . Brook Benton stand 1959 und 1960 mit einem Nummer-Eins- und zwei Nummer-Zwei-Hits an der Spitze der R&B-Charts. Benton hatte eine gewisse Wärme in seiner Stimme, die eine Vielzahl von Zuhörern anzog, und seine Balladen führten zu Vergleichen mit Künstlern wie Nat King Cole , Frank Sinatra und Tony Bennett . Lloyd Price , der 1952 mit „ Lawdy Miss Clawdy “ einen Nummer-eins-Hit hatte , erlangte 1959 mit einer Version von „ Stagger Lee “ auf Platz eins und „ Personality “ auf Platz fünf wieder die Vorherrschaft.

Der weiße Bandleader der Bill Black Combo, Bill Black , der Elvis Presleys Karriere mitbegründet hatte und in den 1950er Jahren Elvis' Bassist war, war bei schwarzen Zuhörern beliebt. Neunzig Prozent seiner Plattenverkäufe stammten von Schwarzen, und sein „ Smokie, Part 2 “ (1959) stieg auf Platz eins der Black Music Charts auf. Ihm wurde einmal gesagt, dass "viele dieser Sender immer noch denken, dass Sie eine schwarze Gruppe sind, weil sich der Sound funky und schwarz anfühlt." Hi Records enthielt auf frühen Platten keine Bilder der Combo.

1960er–1970er Jahre

Sam Cookes Nummer-Fünf-Hit „ Chain Gang “ ist bezeichnend für den R&B im Jahr 1960, ebenso wie der Nummer-Fünf-Hit „ The Twist “ des Pop-Rockers Chubby Checker . In den frühen 1960er Jahren wurde die Musikindustrie-Kategorie, die zuvor als Rhythm and Blues bekannt war, als Soul-Musik bezeichnet , und ähnliche Musik weißer Künstler wurde als Blue-Eyed Soul bezeichnet . Motown Records hatte seine erste millionenfach verkaufte Single 1960 mit „ Shop Around “ von den Miracles , und 1961 hatte Stax Records seinen ersten Hit mit Carla Thomas ’ „ Gee Whiz (Look at His Eyes) “. Stax' nächster großer Hit, das Instrumental „ Last Night “ von The Mar-Keys (ebenfalls 1961 veröffentlicht), führte den raueren Memphis-Soul- Sound ein, für den Stax bekannt wurde. In Jamaika beeinflusste R&B die Entwicklung von Ska . 1969 erreichten die schwarze Kultur und Rhythm and Blues eine weitere große Errungenschaft, als die Grammys die Kategorie Rhythm and Blues hinzufügten, was der Kategorie akademische Anerkennung verlieh.

In den 1970er Jahren wurde der Begriff „Rhythm and Blues“ als Oberbegriff für Soul , Funk und Disco verwendet .

1980er bis heute

In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren begann Hip-Hop , die Fantasie der amerikanischen Jugend zu fesseln. R&B begann sich zu homogenisieren, mit einer Gruppe hochkarätiger Produzenten, die für die meisten R&B-Hits verantwortlich waren. Aufgrund des Aufstiegs des Hip-Hop war es für R&B-Künstler der damaligen Zeit schwierig, ihre Musik zu verkaufen oder überhaupt Gehör zu verschaffen, aber einige nahmen ein "Hip-Hop" -Image an, wurden als solches vermarktet und zeigten oft Rapper auf ihrer Lieder. 1990 führte Billboard R&B wieder ein, um die gesamte schwarze Popmusik außer Hip-Hop zu kategorisieren. Neuere Künstler wie Usher , R. Kelly , Janet Jackson , TLC , Aaliyah , Destiny's Child , Tevin Campbell und Mary J. Blige waren erfolgreich. LA Reid , der CEO von LaFace Records , war für einige der größten Erfolge des R&B in den 1990er Jahren in Form von Usher, TLC und Toni Braxton verantwortlich . Später vermarktete Reid Boyz II Men erfolgreich . Im Jahr 2004 waren 80 % der Songs, die die R&B-Charts anführten, auch an der Spitze der Hot 100. Diese Zeit war der Allzeit-Höhepunkt für R&B und Hip-Hop in den Billboard Hot 100 und im Top 40 Radio. Von etwa 2005 bis 2013 gingen die R&B-Verkäufe zurück. Seit 2010 orientiert sich Hip-Hop jedoch am R&B-Sound und hat sich für einen weicheren, sanfteren Sound entschieden, der traditionellen R&B mit Rappern wie Drake einbezieht, die dem Genre eine völlig neue Tür geöffnet haben . Dieser Sound hat an Popularität gewonnen und sowohl im Hip-Hop als auch im R&B große Kontroversen darüber ausgelöst, wie man ihn identifiziert.

Juden in der Geschäftswelt von Rhythm and Blues

Laut dem jüdischen Schriftsteller, Musikverleger und Songwriter Arnold Shaw gab es in den 1940er Jahren in den USA im Allgemeinen wenig Möglichkeiten für Juden im von der WASP kontrollierten Bereich der Massenkommunikation , aber das Musikgeschäft stand „den Juden weit offen als es war für Schwarze". Juden spielten eine Schlüsselrolle bei der Entwicklung und Popularisierung der afroamerikanischen Musik, einschließlich Rhythm and Blues, und das unabhängige Plattengeschäft wurde von jungen jüdischen Männern dominiert, die die Klänge der schwarzen Musik förderten.

Britischer Rhythmus und Blues

Britischer Rhythm and Blues und Bluesrock entwickelten sich in den frühen 1960er Jahren hauptsächlich als Reaktion auf die Aufnahmen amerikanischer Künstler, die oft von in Großbritannien stationierten afroamerikanischen Soldaten oder Seeleuten, die Häfen wie London, Liverpool, Newcastle und Belfast besuchten, mitgebracht wurden. Viele Bands, insbesondere in der sich entwickelnden Londoner Clubszene, versuchten, schwarze Rhythm-and-Blues-Künstler nachzuahmen, was zu einem „roheren“ oder „düstereren“ Sound führte als die populäreren „ Beat-Gruppen “. In den 1960er Jahren gewannen Geno Washington , die Foundations und die Equals Pop-Hits. Viele britische schwarze Musiker haben die britische R&B-Szene mitgestaltet. Dazu gehörte Geno Washington , ein amerikanischer Sänger, der bei der Air Force in England stationiert war. Er wurde 1965 von Gitarrist Pete Gage eingeladen, sich der Geno Washington & the Ram Jam Band anzuschließen , und genoss Top-40-Hit-Singles und zwei Top-10-Alben, bevor sich die Band 1969 auflöste. Ein weiterer amerikanischer GI , Jimmy James , geboren in Jamaika, zog 1960 nach zwei lokalen Nummer-eins-Hits mit The Vagabonds nach London, die sich als Live-Act einen guten Ruf erarbeiteten. Sie veröffentlichten 1966 ein Live-Album und ihr Studiodebüt The New Religion und erzielten mit einigen Singles mäßigen Erfolg, bevor sich die ursprünglichen Vagabonds 1970 auflösten. Der weiße Bluesrockmusiker Alexis Korner gründete 1970 die neue Jazzrockband CCS. Interest in Der Blues beeinflusste große britische Rockmusiker, darunter Eric Clapton , Mick Taylor , Peter Green und John Mayall . Die Gruppen Free and Cream interessierten sich für eine breitere Palette von Rhythmus- und Bluesstilen.

Die Rolling Stones wurden zur zweitbeliebtesten britischen Band (nach den Beatles ) und führten die „ British Invasion “ der US-Pop-Charts an. Die Rolling Stones coverten Bobby Womack & the Valentinos’ Song „ It’s All Over Now “, was ihnen 1964 ihre erste britische Nummer eins einbrachte. Unter dem Einfluss von Blues und R&B entstanden Bands wie die Rolling Stones, die Yardbirds und die Animals Jazz-beeinflusste Bands wie die Graham Bond Organization und Zoot Money hatten Blue-Eyed-Soul-Alben. Zu den in Großbritannien beliebten weißen R&B-Musikern gehörten Steve Winwood , Frankie Miller, Scott Walker & the Walker Brothers, The Animals from Newcastle, The Spencer Davis Group und Van Morrison & Them aus Belfast.Keine dieser Bands spielte ausschließlich Rhythm and Blues, aber es blieb der Kern ihrer frühen Alben.

Champion Jack Dupree war ein Blues- und Boogie-Woogie -Pianist aus New Orleans, der ab 1960 durch Europa tourte und sich dort niederließ. Er lebte in der Schweiz und in Dänemark, dann in den 1970er und 1980er Jahren in Halifax, England, bevor er sich schließlich in Deutschland niederließ. Von den 70er bis 80er Jahren gewannen Carl Douglas , Hot Chocolate, Delegation, Junior, Central Line, Princess, Jacki Graham, David Grant, die Loose Ends, die Pasadenas und Soul II Soul Hits in den Pop- oder R&B-Charts. Die Musik der britischen Mod-Subkultur entstand aus Rhythm and Blues und später Soul, aufgeführt von Künstlern, die den kleinen Londoner Clubs, aus denen die Szene stammte, nicht zur Verfügung standen. In den späten 60ern spielten The Who amerikanische R&B-Songs wie den Motown-Hit „Heat Wave“, ein Lied, das den jungen Mod-Lifestyle widerspiegelte. Viele dieser Bands waren im Vereinigten Königreich national erfolgreich, fanden es aber schwierig, auf dem amerikanischen Musikmarkt Fuß zu fassen. Die britischen White R & B-Bands produzierten Musik, die sich im Ton stark von der afroamerikanischer Künstler unterschied.

Siehe auch

Verweise

Quellen

Weiterlesen

  • Guralnick, Peter . Sweet Soul Music: Rhythm and Blues und der südliche Traum von Freiheit . Erstausgabe. New York: Harper & Row, 1986. x, 438 S., Abb., überwiegend mit s/w-Fotos. ISBN  0-06-096049-3