Skulptur -Sculpture

Das sterbende Gallien oder das kapitolinische Gallien , eine römische Marmorkopie eines hellenistischen Werks aus dem späten 3. Jahrhundert v. Chr. Kapitolinische Museen , Rom
Assyrischer Lamassu- Torwächter aus Khorsabad , ca. 800–721 v
Michelangelos Moses , (ca. 1513–1515), San Pietro in Vincoli , Rom , für das Grab von Papst Julius II
Netsuke der Tigerin mit zwei Jungen, Japan Mitte des 19. Jahrhunderts, Elfenbein mit Muscheleinlage

Bildhauerei ist der Zweig der bildenden Kunst , der dreidimensional agiert . Skulptur ist das dreidimensionale Kunstwerk, das sich physisch in den Dimensionen Höhe, Breite und Tiefe darstellt. Sie gehört zu den bildenden Künsten . Dauerhafte bildhauerische Prozesse verwendeten ursprünglich das Schnitzen (das Entfernen von Material) und das Modellieren (das Hinzufügen von Material, wie Ton) in Stein , Metall , Keramik , Holz und anderen Materialien, aber seit der Moderne herrscht fast vollständige Freiheit von Materialien und Verfahren . Eine große Vielfalt von Materialien kann durch Entfernen wie Schnitzen bearbeitet, durch Schweißen oder Modellieren zusammengesetzt oder geformt oder gegossen werden .

Skulpturen aus Stein überleben viel besser als Kunstwerke aus vergänglichen Materialien und stellen oft die Mehrheit der überlebenden Werke (außer Töpferwaren ) aus alten Kulturen dar, obwohl umgekehrt die Traditionen der Skulptur aus Holz fast vollständig verschwunden sein können. Die meisten antiken Skulpturen waren jedoch bunt bemalt, und dies ist verloren gegangen.

Skulpturen spielten in vielen Kulturen eine zentrale Rolle bei der religiösen Hingabe, und bis in die letzten Jahrhunderte waren große Skulpturen, deren Herstellung für Privatpersonen zu teuer war, normalerweise Ausdruck von Religion oder Politik. Zu den Kulturen, deren Skulpturen in großen Mengen überlebt haben, gehören die Kulturen des alten Mittelmeerraums, Indiens und Chinas sowie viele in Mittel- und Südamerika und Afrika.

Die westliche Tradition der Bildhauerei begann im antiken Griechenland , und Griechenland gilt weithin als Hervorbringung großer Meisterwerke der klassischen Periode. Während des Mittelalters repräsentierte die gotische Skulptur die Qualen und Leidenschaften des christlichen Glaubens. Die Wiederbelebung klassischer Vorbilder in der Renaissance brachte berühmte Skulpturen wie Michelangelos David - Statue hervor . Die modernistische Skulptur entfernte sich von traditionellen Prozessen und betonte die Darstellung des menschlichen Körpers mit der Herstellung konstruierter Skulpturen und der Präsentation gefundener Objekte als fertige Kunstwerke.

Typen

Eine grundlegende Unterscheidung besteht zwischen Skulpturen "in der Runde", freistehenden Skulpturen wie Statuen , die nicht (außer möglicherweise an der Basis) an einer anderen Oberfläche befestigt sind, und den verschiedenen Arten von Reliefs , die zumindest teilweise an einem Hintergrund befestigt sind Oberfläche. Das Relief wird oft nach dem Grad der Projektion von der Wand in ein niedriges oder Basrelief , ein hohes Relief und manchmal ein mittleres Mittelrelief eingeteilt . Sunk-Relief ist eine Technik, die auf das alte Ägypten beschränkt ist . Relief ist das übliche bildhauerische Medium für große Figurengruppen und erzählerische Sujets, die im Rund nur schwer zu bewerkstelligen sind, und ist die typische Technik sowohl für die an Gebäuden befestigte Bauplastik als auch für kleinformatige Skulpturen, die andere Objekte schmücken. wie in viel Keramik , Metallarbeiten und Schmuck . Reliefskulpturen können auch Stelen schmücken , aufrecht stehende Platten, meist aus Stein, die oft auch Inschriften enthalten.

Eine weitere grundlegende Unterscheidung besteht zwischen subtraktiven Schnitztechniken, die Material von einem vorhandenen Block oder Klumpen, beispielsweise aus Stein oder Holz, entfernen, und Modelliertechniken, die das Werk aus dem Material formen oder aufbauen. Techniken wie Gießen , Stanzen und Formen verwenden eine Zwischenmatrix, die das Design enthält, um die Arbeit zu produzieren; Viele davon erlauben die Herstellung mehrerer Kopien.

Buddhistische Felsreliefs unter freiem Himmel in den Longmen-Grotten , China

Der Begriff "Skulptur" wird oft hauptsächlich verwendet, um große Werke zu beschreiben, die manchmal als monumentale Skulptur bezeichnet werden , was bedeutet, dass entweder eine Skulptur groß ist oder an einem Gebäude befestigt ist oder beides. Aber der Begriff deckt viele Arten von kleinen dreidimensionalen Arbeiten ab, die dieselben Techniken verwenden, einschließlich Münzen und Medaillen , Hartsteinschnitzereien , ein Begriff für kleine Schnitzereien in Stein, die detaillierte Arbeit erfordern können.

Die sehr große oder "kolossale" Statue hat seit der Antike eine anhaltende Anziehungskraft ; Die mit 182 m (597 ft) größte je dagewesene ist die indische Statue der Einheit von 2018 . Eine andere großartige Form der Porträtskulptur ist das Reiterstandbild eines Reiters auf einem Pferd, das in den letzten Jahrzehnten selten geworden ist. Die kleinsten Formen der lebensgroßen Porträtplastik sind der „Kopf“, der genau das zeigt, oder die Büste , eine Darstellung einer Person von der Brust aufwärts. Zu den kleinen Formen der Skulptur gehören die Figur , normalerweise eine Statue, die nicht höher als 46 cm ist, und für Reliefs die Plakette , die Medaille oder die Münze.

Moderne und zeitgenössische Kunst haben eine Reihe nicht traditioneller Formen der Skulptur hinzugefügt, darunter Klangskulptur , Lichtskulptur , Umweltkunst , Umweltskulptur , Straßenkunstskulptur , kinetische Skulptur (mit Aspekten der physischen Bewegung ), Land Art und ortsspezifische Skulpturen Kunst . Skulptur ist eine wichtige Form der Kunst im öffentlichen Raum . Eine Sammlung von Skulpturen in einem Garten kann als Skulpturengarten bezeichnet werden . Es gibt auch die Ansicht, dass Gebäude eine Art Skulptur sind, wobei Constantin Brâncuși Architektur als "bewohnte Skulptur" bezeichnet.

Zwecke und Themen

Moai von der Osterinsel , wo die Konzentration der Ressourcen auf große Skulpturen schwerwiegende politische Auswirkungen gehabt haben könnte.

Einer der häufigsten Zwecke der Skulptur ist in irgendeiner Form die Verbindung mit der Religion. Kultbilder sind in vielen Kulturen üblich, obwohl es sich oft nicht um die kolossalen Statuen von Gottheiten handelt, die die antike griechische Kunst charakterisierten , wie die Statue des Zeus in Olympia . Die eigentlichen Kultbilder in den innersten Heiligtümern ägyptischer Tempel , von denen sich keine mehr erhalten haben, waren offenbar selbst in den größten Tempeln eher klein. Dasselbe gilt oft für den Hinduismus , wo die sehr einfache und alte Form des Lingams am weitesten verbreitet ist. Der Buddhismus brachte die Skulptur religiöser Figuren nach Ostasien, wo es anscheinend keine frühere entsprechende Tradition gegeben hat, obwohl wiederum einfache Formen wie Bi und Cong wahrscheinlich religiöse Bedeutung hatten.

Kleine Skulpturen als persönlicher Besitz gehen auf die früheste prähistorische Kunst zurück, und die Verwendung sehr großer Skulpturen als öffentliche Kunst , insbesondere um den Betrachter mit der Macht eines Herrschers zu beeindrucken, geht mindestens auf die Große Sphinx vor etwa 4.500 Jahren zurück. In der Archäologie und Kunstgeschichte wird das Erscheinen und manchmal das Verschwinden großer oder monumentaler Skulpturen in einer Kultur als von großer Bedeutung angesehen, obwohl die Verfolgung der Entstehung oft durch die vermutete Existenz von Skulpturen aus Holz und anderen verderblichen Materialien erschwert wird, von denen es keine Aufzeichnungen gibt Überreste;

Der Totempfahl ist ein Beispiel für eine Tradition monumentaler Holzskulpturen, die für die Archäologie keine Spuren hinterlassen würde. Die Fähigkeit, die Ressourcen zur Schaffung monumentaler Skulpturen aufzubringen, indem normalerweise sehr schwere Materialien transportiert und die Bezahlung von Bildhauern organisiert werden, die normalerweise als Vollzeit-Bildhauer angesehen werden, wird als Zeichen einer relativ fortgeschrittenen Kultur in Bezug auf die soziale Organisation angesehen. Jüngste unerwartete Entdeckungen alter chinesischer Bronzezeitfiguren in Sanxingdui , von denen einige mehr als doppelt so groß sind wie Menschen, haben viele Vorstellungen über die frühe chinesische Zivilisation durcheinander gebracht, da zuvor nur viel kleinere Bronzen bekannt waren.

Einige zweifellos fortgeschrittene Kulturen, wie die Zivilisation des Indus-Tals , scheinen überhaupt keine monumentalen Skulpturen gehabt zu haben, obwohl sie sehr raffinierte Figuren und Siegel hervorbrachten. Die Mississippi-Kultur scheint sich ihrer Verwendung mit kleinen Steinfiguren zu nähern, als sie zusammenbrach. Andere Kulturen, wie das alte Ägypten und die Kultur der Osterinsel , scheinen schon sehr früh enorme Ressourcen für sehr großformatige monumentale Skulpturen aufgewendet zu haben.

Medaille von John VIII Palaeologus , c. 1435, von Pisanello , die erste Porträtmedaille, ein Medium, das hauptsächlich zum Sammeln gemacht wurde.

Das Sammeln von Skulpturen, einschließlich früherer Perioden, reicht in Griechenland, China und Mesoamerika etwa 2.000 Jahre zurück, und viele Sammlungen waren halböffentlich zugänglich, lange bevor das moderne Museum erfunden wurde. Ab dem 20. Jahrhundert erweiterte sich das relativ begrenzte Themenspektrum der großen Skulptur erheblich, wobei abstrakte Themen und die Verwendung oder Darstellung jeglicher Art von Themen heute üblich waren. Heutzutage werden viele Skulpturen für die gelegentliche Ausstellung in Galerien und Museen hergestellt, und die Fähigkeit, die immer größeren Werke zu transportieren und zu lagern, ist ein Faktor bei ihrer Konstruktion. Kleine dekorative Figuren , meist in Keramik, sind heute genauso beliebt (obwohl sie von der modernen und zeitgenössischen Kunst seltsamerweise vernachlässigt werden ) wie im Rokoko oder im antiken Griechenland, als Tanagra-Figuren eine wichtige Industrie waren, oder in Ostasien und Präkolumbien Kunst . Kleine skulptierte Beschläge für Möbel und andere Gegenstände reichen bis weit in die Antike zurück, wie bei den Nimrud-Elfenbeinen , Begram-Elfenbeinen und Funden aus dem Grab des Tutanchamun .

Die Porträtskulptur begann in Ägypten, wo die Narmer -Palette einen Herrscher des 32. Jahrhunderts v . 2144–2124 v. Chr. Im alten Griechenland und Rom war das Aufstellen einer Porträtstatue an einem öffentlichen Ort fast die höchste Ehre und der Ehrgeiz der Elite, die auch auf einer Münze abgebildet werden durfte. In anderen Kulturen wie Ägypten und dem Nahen Osten waren öffentliche Statuen fast ausschließlich dem Herrscher vorbehalten, während andere wohlhabende Menschen nur in ihren Gräbern dargestellt wurden. In präkolumbianischen Kulturen sind Herrscher typischerweise die einzigen Personen, denen Porträts gegeben wurden, beginnend mit den kolossalen Köpfen der Olmeken vor etwa 3.000 Jahren. Die ostasiatische Porträtskulptur war völlig religiös, wobei führenden Geistlichen mit Statuen gedacht wurde, insbesondere den Gründern von Klöstern, aber nicht Herrschern oder Vorfahren. Die mediterrane Tradition lebte im Mittelalter zunächst nur für Grabfiguren und Münzen wieder auf, breitete sich aber in der Renaissance stark aus, die neue Formen wie die persönliche Porträtmedaille erfand .

Tiere sind neben der menschlichen Figur das früheste Motiv für Skulpturen und waren schon immer beliebte, manchmal realistische, aber oft imaginäre Monster. In China sind Tiere und Monster fast die einzigen traditionellen Motive für Steinskulpturen außerhalb von Gräbern und Tempeln. Das Reich der Pflanzen ist nur in Schmuck und dekorativen Reliefs wichtig, aber diese bilden fast alle großen Skulpturen der byzantinischen Kunst und der islamischen Kunst und sind in den meisten eurasischen Traditionen sehr wichtig, wo Motive wie die Palmette und die Weinranke nach Osten und übergegangen sind Westen seit über zwei Jahrtausenden.

Eine Form der Skulptur, die in vielen prähistorischen Kulturen auf der ganzen Welt zu finden ist, sind speziell vergrößerte Versionen gewöhnlicher Werkzeuge, Waffen oder Gefäße, die aus unpraktischen, kostbaren Materialien hergestellt wurden, entweder für irgendeine Form der zeremoniellen Verwendung oder Ausstellung oder als Opfergabe. Jade oder andere Arten von Grünstein wurden in China, Olmeken , Mexiko und im neolithischen Europa verwendet , und im frühen Mesopotamien wurden große Töpferformen aus Stein hergestellt. Bronze wurde in Europa und China für große Äxte und Klingen wie den Oxborough Dirk verwendet .

Materialien und Techniken

Sumerischer männlicher Anbeter, Alabaster mit Muschelaugen, 2750–2600 v

Die in der Skulptur verwendeten Materialien sind vielfältig und verändern sich im Laufe der Geschichte. Die klassischen Materialien mit hervorragender Haltbarkeit sind Metall, insbesondere Bronze , Stein und Keramik, während Holz, Knochen und Geweih weniger haltbare, aber billigere Optionen sind. Kostbare Materialien wie Gold , Silber , Jade und Elfenbein werden oft für kleine Luxusarbeiten verwendet, manchmal auch für größere, wie bei Chryselephantin- Statuen. Gebräuchlichere und weniger teure Materialien wurden für Skulpturen für einen breiteren Verbrauch verwendet, einschließlich Harthölzern (wie Eiche , Buchsbaum / Buchsbaum und Linde / Linde ); Terrakotta und andere Keramiken , Wachs (ein weit verbreitetes Material für Modelle zum Gießen und zur Aufnahme von Abdrücken von Rollsiegeln und gravierten Edelsteinen) und gegossene Metalle wie Zinn und Zink (Spelter). Aber eine Vielzahl anderer Materialien wurde als Teil von Skulpturen verwendet, sowohl in ethnografischen und antiken Werken als auch in modernen.

Skulpturen sind oft bemalt , verlieren aber häufig ihre Farbe mit der Zeit oder durch Restauratoren. Bei der Herstellung von Skulpturen wurden viele verschiedene Maltechniken verwendet, darunter Tempera , Ölmalerei , Vergoldung , Hausfarbe, Aerosol, Emaille und Sandstrahlen.

Viele Bildhauer suchen nach neuen Wegen und Materialien, um Kunst zu machen. Eine der berühmtesten Skulpturen von Pablo Picasso enthielt Fahrradteile . Alexander Calder und andere Modernisten verwendeten auf spektakuläre Weise lackierten Stahl . Seit den 1960er Jahren werden auch Acryl und andere Kunststoffe verwendet. Andy Goldsworthy stellt seine ungewöhnlich flüchtigen Skulpturen aus fast ausschließlich natürlichen Materialien in natürlichen Umgebungen her. Einige Skulpturen, wie Eisskulpturen , Sandskulpturen und Gasskulpturen , sind absichtlich kurzlebig. Neuere Bildhauer haben Buntglas , Werkzeuge, Maschinenteile, Hardware und Konsumverpackungen verwendet , um ihre Werke zu gestalten. Bildhauer verwenden manchmal gefundene Gegenstände , und die Steine ​​chinesischer Gelehrter werden seit vielen Jahrhunderten geschätzt.

Stein

Moderne Rekonstruktion des ursprünglichen gemalten Aussehens einer spätarchaischen griechischen Marmorfigur aus dem Tempel von Aphaea , basierend auf der Analyse von Pigmentspuren, c. 500 v. Chr

Steinbildhauerei ist eine uralte Tätigkeit, bei der Stücke aus rauem Naturstein durch kontrolliertes Entfernen von Steinen geformt werden . Aufgrund der Beständigkeit des Materials lassen sich Beweise dafür finden, dass selbst die frühesten Gesellschaften sich irgendeiner Form der Steinbearbeitung hingaben, obwohl nicht alle Gebiete der Welt über eine solche Fülle an gutem Stein zum Schnitzen verfügen wie Ägypten, Griechenland, Indien und der größte Teil Europas . Petroglyphen (auch Felsgravuren genannt) sind vielleicht die früheste Form: Bilder, die durch Entfernen eines Teils einer Felsoberfläche, die an Ort und Stelle verbleibt , durch Einschneiden, Picken, Schnitzen und Abschleifen entstehen. Die monumentale Skulptur umfasst große Werke und die architektonische Skulptur , die an Gebäuden befestigt ist. Hartsteinschnitzerei ist das Schnitzen von Halbedelsteinen wie Jade , Achat , Onyx , Bergkristall , Sard oder Karneol zu künstlerischen Zwecken und ein allgemeiner Begriff für ein auf diese Weise hergestelltes Objekt. Alabaster oder Mineralgips ist ein weiches Mineral, das sich für kleinere Arbeiten leicht schnitzen lässt und dennoch relativ haltbar ist. Gravierte Edelsteine ​​sind kleine geschnitzte Edelsteine, darunter Kameen , die ursprünglich als Siegelringe verwendet wurden .

Das Kopieren einer Originalstatue in Stein, was für antike griechische Statuen, die fast alle aus Kopien bekannt sind, sehr wichtig war, wurde traditionell durch " Zeigen " zusammen mit freihändigeren Methoden erreicht. Beim Zeigen wurde ein Gitter aus Fadenquadraten auf einem Holzrahmen, der das Original umgibt, aufgestellt und dann die Position auf dem Gitter und der Abstand zwischen Gitter und Statue einer Reihe einzelner Punkte gemessen und diese Informationen dann verwendet, um in den Block einzuritzen von dem die Kopie gemacht wird.

Metall

Ludwig Gies , Gusseisenplakette , 8 x 9,8 cm, Flüchtlinge , 1915

Bronze und verwandte Kupferlegierungen sind die ältesten und immer noch beliebtesten Metalle für Metallgussskulpturen ; Eine gegossene Bronzeskulptur wird oft einfach als "Bronze" bezeichnet. Gewöhnliche Bronzelegierungen haben die ungewöhnliche und wünschenswerte Eigenschaft, sich kurz vor dem Abbinden leicht auszudehnen und so die feinsten Details einer Form auszufüllen. Ihre Stärke und fehlende Sprödigkeit (Dehnbarkeit) ist ein Vorteil, wenn Figuren in Aktion geschaffen werden sollen, insbesondere im Vergleich zu verschiedenen Keramik- oder Steinmaterialien (siehe Marmorskulptur für mehrere Beispiele). Gold ist das weichste und edelste Metall und sehr wichtig für Schmuck ; bei Silber ist es weich genug, um mit Hämmern und anderen Werkzeugen bearbeitet sowie gegossen zu werden; Repoussé und Ziselierung gehören zu den Techniken der Gold- und Silberschmiedekunst .

Gießen ist eine Gruppe von Herstellungsverfahren, bei denen ein flüssiges Material (Bronze, Kupfer, Glas, Aluminium, Eisen) (normalerweise) in eine Form gegossen wird, die einen Hohlraum der gewünschten Form enthält, und dann erstarren gelassen wird. Der feste Guss wird dann ausgeworfen oder herausgebrochen, um den Vorgang abzuschließen, obwohl eine letzte Stufe der „Kaltbearbeitung“ auf den fertigen Guss folgen kann. Gießen kann verwendet werden, um heiße flüssige Metalle oder verschiedene Materialien zu formen, die nach dem Mischen von Komponenten (wie Epoxiden , Beton , Gips und Ton ) kalt aushärten . Gießen wird am häufigsten verwendet, um komplexe Formen herzustellen, die ansonsten mit anderen Verfahren schwierig oder unwirtschaftlich herzustellen wären. Der älteste erhaltene Abguss ist ein mesopotamischer Kupferfrosch aus dem Jahr 3200 v. Spezifische Techniken umfassen Wachsausschmelzguss , Gipsformguss und Sandguss .

Schweißen ist ein Prozess, bei dem verschiedene Metallteile miteinander verschmolzen werden, um unterschiedliche Formen und Designs zu erzeugen. Es gibt viele verschiedene Arten des Schweißens, wie z. B. das Autogenschweißen , das Stabschweißen , das MIG-Schweißen und das WIG-Schweißen . Autogenschweißen ist wahrscheinlich die gebräuchlichste Schweißmethode bei der Herstellung von Stahlskulpturen, da es am einfachsten zu verwenden ist, um den Stahl zu formen und saubere und weniger auffällige Verbindungen des Stahls herzustellen. Der Schlüssel zum Autogenschweißen besteht darin, jedes zu verbindende Metallstück gleichmäßig zu erhitzen, bis alle rot sind und glänzen. Sobald dieser Glanz auf jedem Stück ist, wird dieser Glanz bald zu einem „Pool“, in dem das Metall verflüssigt wird und der Schweißer die Pools zum Verbinden bringen muss, um das Metall zu verschmelzen. Nach dem Abkühlen ist die Stelle, an der die Pools verbunden sind, jetzt ein durchgehendes Stück Metall. Das Schmieden wird auch stark bei der Erstellung von Oxy-Fuel-Skulpturen verwendet. Beim Schmieden wird Metall bis zu einem bestimmten Punkt erhitzt, um es so weich zu machen, dass es in verschiedene Formen gebracht werden kann. Ein sehr häufiges Beispiel ist das Erhitzen des Endes einer Stahlstange und das Schlagen der rot erhitzten Spitze mit einem Hammer auf einem Amboss, um eine Spitze zu bilden. Zwischen den Hammerschlägen dreht der Schmieder die Stange und formt allmählich eine geschärfte Spitze aus dem stumpfen Ende einer Stahlstange.

Glas

Glas kann durch eine Vielzahl von Arbeitstechniken für Skulpturen verwendet werden, obwohl die Verwendung von Glas für große Werke eine neuere Entwicklung ist. Es kann geschnitzt werden, wenn auch mit beträchtlichen Schwierigkeiten; Der Roman Lycurgus Cup ist so gut wie einzigartig. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, Glas zu formen : Heißguss kann erfolgen, indem geschmolzenes Glas in Formen gegossen wird, die durch Pressen von Formen in Sand, geschnitztem Graphit oder detaillierten Gips-/Silicaformen hergestellt wurden. Beim Ofenguss von Glas werden Glasstücke in einem Ofen erhitzt, bis sie flüssig sind und in eine darunter befindliche Form im Ofen fließen. Heißes Glas kann auch mit Handwerkzeugen entweder als feste Masse oder als Teil eines geblasenen Objekts geblasen und/oder heiß geformt werden . Neuere Techniken umfassen das Meißeln und Verbinden von Flachglas mit Polymersilikaten und UV-Licht.

Ein geschnitzter hölzerner Bodhisattva aus der chinesischen Song-Dynastie 960–1279, Shanghai Museum

Keramik

Keramik ist eines der ältesten Materialien für Skulpturen, und Ton ist das Medium, in dem viele in Metall gegossene Skulpturen ursprünglich zum Gießen modelliert wurden. Bildhauer bauen oft kleine Vorarbeiten, sogenannte Modelle, aus vergänglichen Materialien wie Gips , Wachs, ungebranntem Ton oder Plastilin . Viele Kulturen haben Töpferwaren hergestellt, die eine Funktion als Gefäß mit einer skulpturalen Form verbinden, und kleine Figuren waren oft so beliebt wie in der modernen westlichen Kultur. Stempel und Formen wurden von den meisten alten Zivilisationen verwendet, vom alten Rom und Mesopotamien bis nach China.

Holzschnitzen

Detail der Kreuzigung Jesu Christi, Spanisch, Holz und polychrom, 1793.

Die Holzschnitzerei ist sehr weit verbreitet, überlebt aber viel weniger gut als die anderen Hauptmaterialien, da sie anfällig für Fäulnis, Insektenschäden und Feuer ist. Es bildet daher ein wichtiges verborgenes Element in der Kunstgeschichte vieler Kulturen. Holzskulpturen im Freien halten in den meisten Teilen der Welt nicht lange an, so dass wir wenig Ahnung haben, wie sich die Tradition der Totempfähle entwickelt hat. Viele der wichtigsten Skulpturen insbesondere Chinas und Japans sind aus Holz, und die große Mehrheit der afrikanischen Skulpturen sowie der Skulpturen Ozeaniens und anderer Regionen.

Holz ist leicht, daher geeignet für Masken und andere Skulpturen, die getragen werden sollen, und kann sehr feine Details aufnehmen. Es ist auch viel einfacher zu bearbeiten als Stein. Es wurde sehr oft nach dem Schnitzen bemalt, aber die Farbe nutzt sich weniger gut ab als das Holz und fehlt oft in überlebenden Stücken. Bemaltes Holz wird technisch oft als „Holz und Polychromie “ bezeichnet. Typischerweise wird eine Schicht Gips oder Gips auf das Holz aufgetragen, und dann wird die Farbe darauf aufgetragen.

Sozialer Status der Bildhauer

Nürnberger Bildhauer Adam Kraft , Selbstbildnis aus der Lorenzkirche , 1490er Jahre

Weltweit waren Bildhauer in der Regel Handwerker, deren Werke unsigniert waren; In einigen Traditionen, zum Beispiel in China, wo die Skulptur nicht das Prestige der Literatenmalerei hatte , hat dies den Status der Skulptur selbst beeinflusst. Sogar im antiken Griechenland , wo Bildhauer wie Phidias berühmt wurden, scheinen sie den gleichen sozialen Status wie andere Handwerker und vielleicht nicht viel größere finanzielle Belohnungen behalten zu haben, obwohl einige ihre Werke signierten. Im Mittelalter signierten Künstler wie der Gislebertus aus dem 12. Jahrhundert manchmal ihre Werke und wurden von verschiedenen Städten gesucht, insbesondere ab dem Trecento in Italien, mit Persönlichkeiten wie Arnolfo di Cambio und Nicola Pisano und seinem Sohn Giovanni . Goldschmiede und Juweliere, die mit kostbaren Materialien handelten und oft auch als Bankiers fungierten, gehörten mächtigen Zünften an und hatten einen beachtlichen Status, oft in bürgerlichen Ämtern. Viele Bildhauer praktizierten auch in anderen Künsten; Andrea del Verrocchio malte auch, und Giovanni Pisano , Michelangelo und Jacopo Sansovino waren Architekten . Einige Bildhauer unterhielten große Werkstätten. Sogar in der Renaissance wurde die physische Natur der Arbeit von Leonardo da Vinci und anderen als Herabsetzung des Status der Skulptur in der Kunst wahrgenommen, obwohl der Ruf von Michelangelo diese lang gehegte Idee vielleicht zunichte gemacht hat.

Künstler der Hochrenaissance wie Michelangelo, Leone Leoni und Giambologna konnten nach einer Zeit scharfer Auseinandersetzungen über den relativen Status von Skulptur und Malerei reich und geadelt werden und in den Kreis der Fürsten eintreten. Viele dekorative Skulpturen an Gebäuden blieben ein Gewerbe, aber Bildhauer, die Einzelstücke herstellten, wurden auf einer Ebene mit Malern anerkannt. Ab dem 18. Jahrhundert oder früher zog die Bildhauerei auch bürgerliche Studenten an, wenn auch langsamer als die Malerei. Bildhauerinnen brauchten länger als Malerinnen und waren bis zum 20. Jahrhundert weniger prominent.

Anti-Skulptur-Bewegungen

Der Anikonismus entstand im Judentum , das figurative Skulpturen bis zum 19. Jahrhundert nicht akzeptierte, bevor es sich zum Christentum ausdehnte , das zunächst große Skulpturen akzeptierte. Im Christentum und Buddhismus erlangte die Skulptur eine große Bedeutung. Die christliche Ostorthodoxie hat monumentale Skulpturen nie akzeptiert, und der Islam hat fast alle figurativen Skulpturen konsequent abgelehnt, mit Ausnahme sehr kleiner Figuren in Reliefs und einiger Tierfiguren, die eine nützliche Funktion erfüllen, wie die berühmten Löwen, die einen Brunnen in der Alhambra stützen . Viele Formen des Protestantismus billigen auch keine religiöse Skulptur. Es gab viel Ikonoklasmus der Skulptur aus religiösen Motiven, von den frühen Christen und dem Beeldenstorm der protestantischen Reformation bis zur Zerstörung der Buddhas von Bamyan durch die Taliban im Jahr 2001 .

Geschichte

Prähistorische Perioden

Europa

Die Venus von Hohle Fels (auch als Venus von Schelklingen bekannt ; ist eine jungpaläolithische Venusfigur , die aus dem Elfenbein eines Mammutstoßzahns gehauen wurde und 2008 in der Nähe von Schelklingen , Deutschland , gefunden wurde . Sie wird auf die Zeit vor 35.000 bis 40.000 Jahren datiert und gehört zum frühen Aurignacien , ganz am Anfang des Jungpaläolithikums , das mit der vermuteten frühesten Präsenz des Homo sapiens in Europa ( Cro-Magnon ) in Verbindung gebracht wird , ist neben dem Löwenmensch das älteste unbestrittene Beispiel der Kunst des Jungpaläolithikums und der figurativen prähistorischen Kunst im Allgemeinen .

Die frühesten unbestrittenen Beispiele von Skulpturen gehören zur Aurignacien-Kultur , die in Europa und Südwestasien beheimatet war und zu Beginn des Jungpaläolithikums aktiv war . Die Menschen dieser Kultur stellten nicht nur einige der frühesten bekannten Höhlenkunstwerke her, sondern entwickelten auch fein gearbeitete Steinwerkzeuge, stellten Anhänger, Armbänder, Elfenbeinperlen und Knochenflöten sowie dreidimensionale Figuren her.

Der 30 cm große Löwenmensch , der im Hohlenstein-Stadel-Gebiet in Deutschland gefunden wurde, ist eine anthropomorphe Löwen-Mensch-Figur, die aus wolligem Mammut- Elfenbein geschnitzt ist. Es wurde auf etwa 35–40.000  BP datiert und ist damit zusammen mit der Venus vom Hohle Fels das älteste bekannte unbestrittene Beispiel einer Skulptur.

Viele erhaltene prähistorische Kunst sind kleine tragbare Skulpturen mit einer kleinen Gruppe weiblicher Venusfiguren wie der Venus von Willendorf (24–26.000  BP), die in ganz Mitteleuropa zu finden sind. Das schwimmende Rentier von vor etwa 13.000 Jahren ist eine der schönsten einer Reihe von magdalenianischen Schnitzereien in Knochen oder Geweihen von Tieren in der Kunst des Jungpaläolithikums , obwohl sie von gravierten Stücken, die manchmal als Skulpturen klassifiziert werden, zahlenmäßig unterlegen sind. Zwei der größten prähistorischen Skulpturen befinden sich in den Höhlen von Tuc d'Audobert in Frankreich, wo vor etwa 12.000 bis 17.000 Jahren ein meisterhafter Bildhauer ein spachtelartiges Steinwerkzeug und Finger verwendete, um ein großes Bisonpaar aus Lehm gegen einen Kalkstein zu modellieren Felsen.

Mit dem Beginn des Mesolithikums in Europa wurde die figurative Skulptur stark reduziert und blieb trotz einiger Werke wie dem Gundestrup-Kessel aus der europäischen Eisenzeit und dem bronzezeitlichen Trundholm bis zur Römerzeit ein weniger verbreitetes Element in der Kunst als die Reliefdekoration praktischer Gegenstände Sonnenwagen .

Alter Orient

Aus dem alten Nahen Osten stammen der überlebensgroße Urfa-Mann aus Stein aus der modernen Türkei von etwa 9.000 v. Chr. Und die 'Ain Ghazal-Statuen von etwa 7200 und 6500 v. Diese stammen aus dem modernen Jordanien , bestehen aus Kalkputz und Schilf und sind etwa halb so groß wie ihre Größe; Es gibt 15 Statuen, einige mit zwei Köpfen nebeneinander, und 15 Büsten. Kleine Tonfiguren von Menschen und Tieren werden an vielen Orten im Nahen Osten seit dem vorkeramischen Neolithikum gefunden und stellen den Beginn einer mehr oder weniger kontinuierlichen Tradition in der Region dar.

Alter Orient

Rollsiegel mit seinem Abdruck auf Ton; Serpopards und Adler, Uruk-Zeit, 4100–3000 v

Die von Uruk dominierte Zeit der Protoliterate in Mesopotamien sah die Produktion anspruchsvoller Werke wie die Warka-Vase und Rollsiegel . Die Guennol-Löwin ist eine herausragende kleine Kalksteinfigur aus Elam von etwa 3000–2800 v. Chr., teils Mensch, teils Löwin. Etwas später gibt es eine Reihe von großäugigen Priestern und Anbetern, meist aus Alabaster und bis zu 30 cm hoch, die den Tempelkultbildern der Gottheit beiwohnten, aber nur sehr wenige davon sind erhalten. Skulpturen aus der sumerischen und akkadischen Zeit hatten im Allgemeinen große, starrende Augen und lange Bärte an den Männern. Viele Meisterwerke wurden auch auf dem königlichen Friedhof von Ur (ca. 2650 v. Chr.) gefunden, darunter die beiden Figuren eines Widders in einem Dickicht , der Kupferbulle und ein Stierkopf auf einer der Leiern von Ur .

Aus den vielen nachfolgenden Perioden vor dem Aufstieg des neuassyrischen Reiches im 10. Jahrhundert v. Chr. Überlebt die mesopotamische Kunst in einer Reihe von Formen: Zylindersiegel , relativ kleine Figuren in der Runde und Reliefs in verschiedenen Größen, einschließlich billiger Plaketten aus geformt Töpferwaren für den Haushalt, einige religiös und einige anscheinend nicht. Das Burney-Relief ist eine ungewöhnlich kunstvolle und relativ große (20 x 15 Zoll, 50 x 37 cm) Terrakotta- Plakette einer nackten geflügelten Göttin mit den Füßen eines Raubvogels und begleitenden Eulen und Löwen. Es stammt aus dem 18. oder 19. Jahrhundert v. Chr. und kann auch geformt sein. Steinstelen , Votivgaben oder solche, die wahrscheinlich an Siege erinnern und Feste zeigen, werden auch von Tempeln gefunden, denen im Gegensatz zu offizielleren Inschriften fehlen, die sie erklären würden ; Die fragmentarische Stele der Geier ist ein frühes Beispiel für den beschrifteten Typ, und der assyrische schwarze Obelisk von Shalmanassar III ist ein großer und solider später.

Die Eroberung ganz Mesopotamiens und vieler umliegender Gebiete durch die Assyrer schuf einen größeren und wohlhabenderen Staat, als die Region zuvor gekannt hatte, und eine sehr grandiose Kunst in Palästen und öffentlichen Plätzen, die zweifellos teilweise der Pracht der Kunst der Assyrer entsprechen sollte benachbartes ägyptisches Reich. Im Gegensatz zu früheren Staaten konnten die Assyrer leicht behauene Steine ​​aus dem Nordirak verwenden, und zwar in großen Mengen. Die Assyrer entwickelten einen Stil extrem großer Schemata mit sehr fein detaillierten narrativen Flachreliefs aus Stein für Paläste mit Kriegs- oder Jagdszenen; Das British Museum besitzt eine herausragende Sammlung, darunter die Löwenjagd von Ashurbanipal und die Reliefs von Lachish, die einen Feldzug zeigen. Sie produzierten nur sehr wenige Skulpturen in der Runde, mit Ausnahme der kolossalen Wächterfiguren des Lamassu mit menschlichem Kopf , die in Hochrelief auf zwei Seiten eines rechteckigen Blocks geformt sind, mit den Köpfen effektiv in der Runde (und auch fünf Beinen, so dass beide Ansichten scheinen vollständig zu sein). Noch bevor sie die Region dominierten, hatten sie die Tradition der Rollsiegel mit Designs fortgesetzt, die oft außergewöhnlich energisch und raffiniert sind.

Antikes Ägypten

Die monumentale Skulptur des alten Ägypten ist weltberühmt, aber raffinierte und filigrane kleine Werke gibt es in viel größerer Zahl. Die Ägypter verwendeten die charakteristische Technik des vertieften Reliefs , das sich gut für sehr helles Sonnenlicht eignet. Die Hauptfiguren in Reliefs halten sich an die gleiche Figurenkonvention wie in der Malerei, mit gespreizten Beinen (wo nicht sitzend) und Kopf von der Seite, aber dem Torso von vorne und einem Standardsatz von Proportionen, aus denen die Figur besteht, mit 18 "Fäuste", um vom Boden bis zum Haaransatz auf der Stirn zu gehen. Dies erscheint bereits in der Narmer-Palette aus der I. Dynastie. Allerdings wird dort wie anderswo die Konvention nicht für kleinere Figuren verwendet, die bei einer Aktivität wie Gefangenen und Leichen gezeigt werden. Andere Konventionen machen männliche Statuen dunkler als weibliche. Sehr konventionalisierte Porträtstatuen erscheinen bereits in der 2. Dynastie, vor 2.780 v. Chr., und mit Ausnahme der Kunst der Amarna-Zeit von Ahkenaten und einiger anderer Perioden wie der 12. Dynastie, die idealisierten Merkmale von Herrschern, wie andere ägyptische künstlerische Konventionen , änderte sich wenig bis nach der griechischen Eroberung.

Ägyptische Pharaonen wurden immer als Gottheiten angesehen, aber andere Gottheiten sind in großen Statuen viel seltener, außer wenn sie den Pharao als eine andere Gottheit darstellen; Die anderen Gottheiten werden jedoch häufig in Gemälden und Reliefs gezeigt. Die berühmte Reihe von vier kolossalen Statuen außerhalb des Haupttempels von Abu Simbel zeigt jeweils Ramses II , ein typisches Schema, wenn auch hier außergewöhnlich groß. Kleine Figuren von Gottheiten oder ihre tierischen Personifikationen sind weit verbreitet und finden sich in beliebten Materialien wie Töpferwaren. Die meisten größeren Skulpturen sind aus ägyptischen Tempeln oder Gräbern erhalten; Spätestens ab Dynastie IV (2680–2565 v. Chr.) wurde die Idee der Ka-Statue fest verankert. Diese wurden als Ruhestätte für den Ka- Anteil der Seele in Gräber gelegt, und so haben wir eine gute Anzahl weniger konventionalisierter Statuen von wohlhabenden Verwaltern und ihren Frauen, viele aus Holz, da Ägypten einer der wenigen Orte ist Welt, in der das Klima es Holz ermöglicht, über Jahrtausende zu überleben. Besonders naturalistisch wirken die sogenannten Reserveköpfe , schlichte haarlose Köpfe. Frühe Gräber enthielten auch kleine Modelle der Sklaven, Tiere, Gebäude und Gegenstände wie Boote, die der Verstorbene benötigte, um seinen Lebensstil im Jenseits fortzusetzen, und später Ushabti -Figuren.

Europa

Antikes Griechenland

Wagenlenker von Delphi , antike griechische Bronzeskulptur , 5. Jahrhundert v. Chr., Nahaufnahme Kopf Detail

Der erste unverwechselbare Stil der antiken griechischen Skulptur entwickelte sich in der Kykladenzeit der frühen Bronzezeit (3. Jahrtausend v. Chr.), In der Marmorfiguren, normalerweise weiblich und klein, in einem elegant vereinfachten geometrischen Stil dargestellt werden. Am typischsten ist eine stehende Pose mit vorgekreuzten Armen, aber andere Figuren werden in anderen Posen gezeigt, einschließlich einer komplizierten Figur eines Harfenisten, der auf einem Stuhl sitzt.

Die nachfolgenden minoischen und mykenischen Kulturen entwickelten die Skulptur unter dem Einfluss Syriens und anderer Länder weiter, aber erst in der späteren archaischen Zeit ab etwa 650 v. Chr. Entwickelten sich die Kouros . Dies sind große stehende Statuen nackter Jugendlicher, die in Tempeln und Gräbern gefunden wurden, mit der Kore als bekleidetem weiblichen Äquivalent mit kunstvoll gekleidetem Haar; beide haben das „ archaische Lächeln “. Sie scheinen eine Reihe von Funktionen erfüllt zu haben, vielleicht repräsentieren sie manchmal Gottheiten und manchmal die in einem Grab begrabene Person, wie bei den Kroisos Kouros . Sie sind eindeutig von ägyptischen und syrischen Stilen beeinflusst, aber die griechischen Künstler waren viel eher bereit, innerhalb des Stils zu experimentieren.

Während des 6. Jahrhunderts entwickelte sich die griechische Skulptur schnell, wurde naturalistischer und mit viel aktiveren und abwechslungsreicheren Figurenposen in narrativen Szenen, wenn auch immer noch innerhalb idealisierter Konventionen. Skulpturierte Giebel wurden zu Tempeln hinzugefügt , einschließlich des Parthenon in Athen, wo die Überreste des Giebels von etwa 520 mit runden Figuren glücklicherweise nach der persischen Plünderung 480 v. Chr. Als Füllung für neue Gebäude verwendet und ab den 1880er Jahren wiederhergestellt wurden frischer unverwitterter Zustand. Andere bedeutende Überreste architektonischer Skulpturen stammen aus Paestum in Italien, Korfu , Delphi und dem Aphaea-Tempel in Ägina (viele jetzt in München ). Die meisten griechischen Skulpturen enthielten ursprünglich zumindest etwas Farbe; Das Ny Carlsberg Glyptotek Museum in Kopenhagen, Dänemark, hat umfangreiche Recherchen und Nachbildungen der Originalfarben durchgeführt.

Klassisch
Hoch Klassisches Hochrelief aus den Elgin Marbles , die ursprünglich den Parthenon schmückten , c. 447–433 v. Chr

Es gibt weniger Originalreste aus der ersten Phase der klassischen Periode, die oft als strenger Stil bezeichnet wird ; Freistehende Statuen wurden nun meist aus Bronze gefertigt, die immer Schrottwert hatte. Der strenge Stil dauerte von etwa 500 bei Reliefs und bald nach 480 bei Statuen bis etwa 450. Die relativ starren Posen der Figuren entspannten sich, und asymmetrische Drehpositionen und schräge Ansichten wurden üblich und bewusst gesucht. Damit einher ging ein besseres Verständnis der Anatomie und des harmonischen Aufbaus plastischer Figuren sowie das Streben nach einer naturalistischen Darstellung als Ziel, das vorher nicht vorhanden war. Ausgrabungen im Tempel des Zeus in Olympia seit 1829 haben die größte Gruppe von Überresten von etwa 460 freigelegt, von denen sich viele im Louvre befinden .

Die "hochklassische" Periode dauerte nur wenige Jahrzehnte von etwa 450 bis 400, hatte jedoch einen bedeutsamen Einfluss auf die Kunst und behält trotz einer sehr begrenzten Anzahl von Originalüberbleibseln ein besonderes Prestige. Die bekanntesten Werke sind die Parthenon-Skulpturen , die traditionell (seit Plutarch ) von einem Team unter der Leitung des berühmtesten antiken griechischen Bildhauers Phidias ausgeführt wurden, der von etwa 465 bis 425 tätig war und zu seiner Zeit berühmter für seine kolossale Chryselephantin- Statue des Zeus war in Olympia (ca. 432), einem der Sieben Weltwunder der Antike , seine Athena Parthenos (438), das Kultbild des Parthenon , und Athena Promachos , eine kolossale Bronzefigur, die neben dem Parthenon stand; all diese sind verschollen, aber von vielen Darstellungen bekannt. Ihm wird auch der Schöpfer einiger lebensgroßer Bronzestatuen zugeschrieben, die nur aus späteren Kopien bekannt sind, deren Identifizierung umstritten ist, darunter der Ludovisi Hermes .

Der hochklassische Stil entwickelte weiterhin Realismus und Raffinesse in der menschlichen Figur und verbesserte die Darstellung von Vorhängen (Kleidung), um die Wirkung aktiver Posen zu verstärken. Die Mimik war meist sehr zurückhaltend, selbst in Kampfszenen. Die Komposition von Figurengruppen in Reliefs und auf Giebeln verband Komplexität und Harmonie in einer Weise, die die abendländische Kunst nachhaltig beeinflusste. Das Relief könnte in der Tat sehr hoch sein, wie in der Parthenon-Illustration unten, wo der größte Teil des Beins des Kriegers vollständig vom Hintergrund gelöst ist, ebenso wie die fehlenden Teile; Relief dieser Höhe machte Skulpturen anfälliger für Schäden. Der spätklassische Stil entwickelte die freistehende weibliche Aktstatue, angeblich eine Innovation von Praxiteles , und entwickelte immer komplexere und subtilere Posen, die aus verschiedenen Blickwinkeln interessant waren, sowie ausdrucksvollere Gesichter; beide Tendenzen sollten in hellenistischer Zeit viel weiter geführt werden.

Hellenistisch
Der pergamenische Stil der hellenistischen Zeit, vom Pergamonaltar , frühes 2. Jahrhundert

Die hellenistische Periode wird herkömmlicherweise mit dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. Datiert und endet entweder mit der endgültigen Eroberung des griechischen Kernlandes durch Rom im Jahr 146 v Schlacht von Actium im Jahr 31 v. Chr., die auch das Ende des republikanischen Roms markiert . Es ist daher viel länger als die vorherigen Perioden und umfasst mindestens zwei Hauptphasen: einen "pergamenischen" Stil des Experimentierens, Überschwangs und etwas Sentimentalität und Vulgarität und im 2. Jahrhundert v. Chr. eine klassizistische Rückkehr zu einer strengeren Einfachheit und Eleganz; Über solche Verallgemeinerungen hinaus ist die Datierung typischerweise sehr unsicher, insbesondere wenn nur spätere Kopien bekannt sind, was normalerweise der Fall ist. Der ursprüngliche pergamenische Stil wurde nicht besonders mit Pergamon in Verbindung gebracht, von dem er seinen Namen hat, aber die sehr wohlhabenden Könige dieses Staates gehörten zu den ersten, die klassische Skulpturen sammelten und auch kopierten, und gaben auch viele neue Arbeiten in Auftrag, darunter den berühmten Pergamonaltar dessen Skulpturen sich heute hauptsächlich in Berlin befinden und die den neuen Stil veranschaulichen, ebenso wie das Mausoleum von Halikarnassos (ein weiteres der Sieben Weltwunder), der berühmte Laokoon und seine Söhne in den Vatikanischen Museen , ein spätes Beispiel, und das bronzene Original von The Dying Gaul (oben abgebildet), von dem wir wissen, dass es Teil einer Gruppe war, die tatsächlich um 228 v. Chr. Für Pergamon in Auftrag gegeben wurde, von der auch das Ludovisi Gaul eine Kopie war. Die Gruppe namens Farnese Bull , möglicherweise ein Marmororiginal aus dem 2. Jahrhundert, ist noch größer und komplexer.

Kleine griechische Terrakottafiguren waren als Schmuck im Haus sehr beliebt

Die hellenistische Skulptur erweiterte das Spektrum der vertretenen Themen erheblich, teilweise aufgrund des größeren allgemeinen Wohlstands und des Aufkommens einer sehr wohlhabenden Klasse, die große mit Skulpturen geschmückte Häuser hatte, obwohl wir wissen, dass einige Beispiele von Themen am besten für das Haus geeignet zu sein scheinen , wie Kinder mit Tieren, wurden tatsächlich in Tempeln oder anderen öffentlichen Orten untergebracht. Für einen viel populäreren Heimdekorationsmarkt gab es Tanagra-Figuren und solche aus anderen Zentren, in denen kleine Keramikfiguren im industriellen Maßstab hergestellt wurden, einige religiös, andere aber mit Tieren und elegant gekleideten Damen. Bildhauer wurden technisch versierter darin, Gesichtsausdrücke darzustellen, die eine Vielzahl von Emotionen und Porträts von Personen vermitteln und verschiedene Altersgruppen und Rassen darstellen. Die Reliefs des Mausoleums sind in dieser Hinsicht eher untypisch; Die meisten Arbeiten waren freistehend, und Gruppenkompositionen mit mehreren Figuren, die in der Runde zu sehen waren, wie die Laokoon- und die Pergamongruppe, die den Sieg über die Gallier feierten, wurden populär, nachdem sie zuvor selten waren. Der Barberini-Faun , der einen ausgestreckt schlafenden Satyr zeigt, vermutlich nach einem Drink, ist ein Beispiel für die moralische Entspannung der Zeit und die Bereitschaft, große und teure Skulpturen von Motiven zu schaffen, die dem Heroischen nicht gerecht werden .

Nach den Eroberungen von Alexander dominierte die hellenistische Kultur an den Höfen des größten Teils des Nahen Ostens und einiger Zentralasiens und wurde zunehmend von europäischen Eliten übernommen, insbesondere in Italien, wo griechische Kolonien ursprünglich den größten Teil des Südens kontrollierten. Hellenistische Kunst und Künstler verbreiteten sich sehr weit und waren besonders einflussreich in der expandierenden Römischen Republik und als sie in den östlichsten Ausläufern des hellenistischen Gebiets auf den Buddhismus trafen. Der massive sogenannte Alexander-Sarkophag, der in Sidon im modernen Libanon gefunden wurde, wurde dort wahrscheinlich zu Beginn der Periode von ausgewanderten griechischen Künstlern für einen hellenisierten persischen Gouverneur hergestellt. Der Reichtum dieser Zeit führte zu einer stark gestiegenen Produktion von Luxusformen kleiner Skulpturen, darunter gravierte Edelsteine ​​​​und Kameen, Schmuck sowie Gold- und Silberwaren.

Europa nach den Griechen

Römische Skulptur
Abschnitt der Trajanssäule , CE 113, mit Szenen aus den Dakerkriegen

Die frühe römische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der benachbarten Etrusker beeinflusst , die selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst wurden. Eine etruskische Spezialität waren nahezu lebensgroße Grabfiguren aus Terrakotta , die in dieser Zeit normalerweise auf einem Ellbogen in der Pose eines Diners auf einem Sarkophagdeckel lagen. Als die expandierende Römische Republik begann, griechisches Territorium zu erobern, zunächst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt mit Ausnahme des parthischen Fernen Ostens, wurde die offizielle und patrizische Skulptur weitgehend zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, aus dem spezifisch römische Elemente schwer zu erkennen sind zu entwirren, zumal so viele griechische Skulpturen nur noch in Kopien aus der Römerzeit erhalten sind. Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. waren "die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer" Griechen, die oft bei Eroberungen wie der von Korinth (146 v. Chr.) Versklavt waren, und Bildhauer waren weiterhin hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet werden. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder als Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken geschmückt.

Ein einheimischer italienischer Stil ist in den Grabdenkmälern zu sehen, die sehr oft Porträtbüsten von wohlhabenden Römern der Mittelklasse zeigten, und die Porträtmalerei ist wohl die Hauptstärke der römischen Skulptur. Es gibt keine Überbleibsel aus der Tradition der Ahnenmasken, die bei Prozessionen bei den Beerdigungen der großen Familien getragen und anderweitig im Haus ausgestellt wurden, aber viele der erhaltenen Büsten müssen Ahnenfiguren darstellen, vielleicht aus den großen Familiengräbern wie der Grabmal der Scipios oder die spätere Mausolea außerhalb der Stadt. Der berühmte Bronzekopf, der angeblich von Lucius Junius Brutus stammt, ist sehr unterschiedlich datiert, wird aber als ein sehr seltenes Überbleibsel des italischen Stils unter der Republik in dem bevorzugten Medium Bronze angesehen. Ähnlich strenge und energische Köpfe sind auf Münzen der späten Republik zu sehen, und in der Kaiserzeit waren Münzen sowie Büsten, die durch das Reich geschickt wurden, um in den Basiliken der Provinzstädte aufgestellt zu werden, die wichtigste visuelle Form der kaiserlichen Propaganda; Sogar Londinium hatte eine fast kolossale Statue von Nero , obwohl sie viel kleiner war als der 30 Meter hohe Koloss von Nero in Rom, der jetzt verloren ist.

Augustanischer Staat im griechisch-römischen Stil an der Ara Pacis , 13 v

Die Römer versuchten nicht generell, mit freistehenden griechischen Heldentaten aus Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten früh historische Reliefwerke, die in den großen römischen Triumphsäulen gipfelten , um die sich durchgehende narrative Reliefs winden, von denen jene zum Gedenken an Trajan (113 n. Chr.) und Marcus Aurelius (um 193) sind in Rom erhalten, wo der Ara Pacis ("Altar des Friedens", 13 v. Chr.) den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten Form darstellt. Unter anderen wichtigen Beispielen sind die früher wiederverwendeten Reliefs auf dem Konstantinsbogen und der Basis der Säule von Antoninus Pius (161), Campana-Reliefs waren billigere Keramikversionen von Marmorreliefs und die Vorliebe für Reliefs wurde von der Kaiserzeit an erweitert der Sarkophag. Alle Formen von Luxus-Kleinskulpturen wurden weiterhin gefördert, und die Qualität konnte extrem hoch sein, wie beim silbernen Warren Cup , dem gläsernen Lycurgus Cup und großen Kameen wie der Gemma Augustea , Gonzaga Cameo und der „ Great Cameo of France “. Für eine viel breitere Bevölkerungsschicht wurden geformte Reliefdekorationen von Keramikgefäßen und kleinen Figuren in großer Menge und oft beträchtlicher Qualität hergestellt.

Nachdem die römische Kunst im 3. Jahrhundert eine "barocke" Phase des späten 2. Jahrhunderts durchlaufen hatte, gab sie die Skulptur in der klassischen Tradition weitgehend auf oder war einfach nicht mehr in der Lage, Skulpturen in der klassischen Tradition zu produzieren, eine Veränderung, deren Ursachen noch viel diskutiert werden. Selbst die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten jetzt untersetzte, großäugige Figuren in einem schroffen Frontalstil, in einfachen Kompositionen, die Macht auf Kosten von Anmut betonten. Der Kontrast wird berühmt im Konstantinsbogen von 315 in Rom veranschaulicht, der Abschnitte im neuen Stil mit Rundungen im früheren vollständigen griechisch-römischen Stil kombiniert, die von anderswo übernommen wurden, und die vier Tetrarchen (um 305) aus der neuen Hauptstadt von Konstantinopel , jetzt in Venedig. Ernst Kitzinger fand in beiden Denkmälern die gleichen "stummeligen Proportionen, kantigen Bewegungen, eine Anordnung von Teilen durch Symmetrie und Wiederholung und eine Wiedergabe von Gesichtszügen und Faltenwürfen durch Einschnitte statt Modellierung ... Das Markenzeichen des Stils, wo immer es erscheint, besteht aus einem betonte Härte, Schwere und Kantigkeit – kurz gesagt, eine fast vollständige Absage an die klassische Tradition“.

Diese Stilrevolution ging kurz der Zeit voraus, in der das Christentum vom römischen Staat und der großen Mehrheit des Volkes angenommen wurde, was zum Ende großer religiöser Skulpturen führte, wobei große Statuen nur noch für Kaiser verwendet wurden. Reiche Christen gaben jedoch weiterhin Reliefs für Sarkophage in Auftrag, wie im Sarkophag von Junius Bassus , und sehr kleine Skulpturen, insbesondere aus Elfenbein, wurden von Christen fortgesetzt, die auf dem Stil des konsularischen Diptychons aufbauen .

Frühmittelalter und Byzanz
Silbernes Monster auf einem Chape , schottisch oder angelsächsisch, St. Ninian's Isle Treasure , c. 800?
Das Gero-Kreuz , c. 965–970, Köln, Deutschland. Das erste große Beispiel für die Wiederbelebung der Großplastik

Die frühen Christen waren gegen monumentale religiöse Skulpturen, obwohl sie die römischen Traditionen in Porträtbüsten und Sarkophagreliefs sowie kleineren Objekten wie dem konsularischen Diptychon fortsetzten. Solche Objekte, oft aus wertvollen Materialien, waren (soweit bekannt) auch die wichtigsten bildhauerischen Traditionen der barbarischen Zivilisationen der Völkerwanderungszeit , wie man an den Objekten sehen kann, die im Grabschatz von Sutton Hoo aus dem 6. Jahrhundert gefunden wurden , und an den Schmuckstücken der skythischen Kunst und die hybriden Produktionen im christlichen und tierischen Stil der Inselkunst . Der fortgesetzten byzantinischen Tradition folgend, belebte die karolingische Kunst die Elfenbeinschnitzerei wieder, oft in Tafeln für die Schatzbindungen großer illuminierter Manuskripte , sowie Krummstäbe und andere kleine Beschläge.

Obwohl die byzantinische Kunst hervorragende Elfenbeinreliefs und architektonische dekorative Schnitzereien hervorbrachte, kehrte sie nie zu monumentalen Skulpturen oder sogar vielen kleinen Skulpturen in der Runde zurück. Im Westen jedoch gab es während der karolingischen und ottonischen Zeit die Anfänge einer Produktion von Monumentalstatuen, in Höfen und großen Kirchen. Dies breitete sich allmählich aus; Ende des 10. und 11. Jahrhunderts gibt es Aufzeichnungen über mehrere anscheinend lebensgroße Skulpturen in angelsächsischen Kirchen, wahrscheinlich aus Edelmetall um einen Holzrahmen, wie die Goldene Madonna von Essen . Kein angelsächsisches Beispiel ist erhalten geblieben, und Überbleibsel großer nicht-architektonischer Skulpturen aus der Zeit vor 1.000 sind außergewöhnlich selten. Bei weitem das Schönste ist das Gero-Kreuz von 965–970, das ein Kruzifix ist , das offensichtlich die häufigste Art von Skulptur war; Karl der Große hatte um 800 in der Pfalzkapelle in Aachen eine solche aufgestellt. Diese erfreute sich immer größerer Beliebtheit, vor allem in Deutschland und Italien. Die Runensteine ​​der nordischen Welt, die piktischen Steine ​​Schottlands und möglicherweise die Hochkreuzreliefs des christlichen Großbritanniens waren nordische Bildhauertraditionen, die die Zeit der Christianisierung überbrückten.

Romanik
Der Braunschweiger Löwe , 1166, der erste große Hohlguss einer Figur seit der Antike, 1,78 Meter hoch und 2,79 Meter lang

Ab etwa 1000 gab es eine allgemeine Wiedergeburt der künstlerischen Produktion in ganz Europa, angeführt vom allgemeinen Wirtschaftswachstum in Produktion und Handel, und der neue Stil der romanischen Kunst war der erste mittelalterliche Stil, der in ganz Westeuropa verwendet wurde. Die neuen Kathedralen und Wallfahrtskirchen wurden zunehmend mit architektonischen Steinreliefs geschmückt, und es entwickelten sich neue Schwerpunkte für die Skulptur, wie das Tympanon über den Kirchentüren im 12. Jahrhundert und das bewohnte Kapitell mit Figuren und oft erzählenden Szenen. Herausragende Abteikirchen mit Skulpturen sind in Frankreich Vézelay und Moissac und in Spanien Silos .

Die romanische Kunst zeichnete sich sowohl in der Bildhauerei als auch in der Malerei durch einen sehr kraftvollen Stil aus. Die Säulenkapitelle waren nie aufregender als in dieser Zeit, als sie oft mit vollständigen Szenen mit mehreren Figuren geschnitzt wurden. Das große Holzkruzifix war gleich zu Beginn der Zeit eine deutsche Neuerung, ebenso freistehende Statuen der thronenden Madonna, aber das Hochrelief war vor allem die bildhauerische Mode der Zeit. Kompositionen hatten normalerweise wenig Tiefe und mussten flexibel sein, um sich in die Formen von Kapitellen und Kirchentypanen zu quetschen; Die Spannung zwischen einem eng umschließenden Rahmen, aus dem sich die Komposition manchmal löst, ist ein wiederkehrendes Thema in der romanischen Kunst. Figuren variierten noch oft in ihrer Größe im Verhältnis zu ihrer Bedeutung Porträtmalerei existierte kaum.

Objekte aus kostbaren Materialien wie Elfenbein und Metall hatten in dieser Zeit einen sehr hohen Stellenwert, viel mehr als monumentale Skulpturen – wir kennen die Namen von mehr Herstellern als Maler, Illuminatoren oder Architekten-Maurer. Metallarbeiten, einschließlich Verzierungen in Emaille , wurden sehr raffiniert, und viele spektakuläre Schreine zur Aufbewahrung von Reliquien sind erhalten geblieben, von denen der bekannteste der Schrein der Heiligen Drei Könige im Kölner Dom von Nikolaus von Verdun ist . Der bronzene Gloucester-Kerzenhalter und die Messingschrift von 1108–17, die sich jetzt in Lüttich befindet, sind hervorragende Beispiele, sehr unterschiedlich im Stil, des Metallgusses, die erstere sehr kompliziert und energisch, basierend auf Manuskriptmalerei, während die Schrift den maasanischen Stil am besten zeigt klassisch und majestätisch. Die Bronzetüren, eine Triumphsäule und andere Ausstattungen im Hildesheimer Dom , die Gniezno-Türen und die Türen der Basilica di San Zeno in Verona sind weitere bedeutende Überbleibsel. Das Aquamanile , ein Behälter für Wasser zum Waschen, scheint im 11. Jahrhundert in Europa eingeführt worden zu sein und nahm oft fantastische zoomorphe Formen an; überlebende Beispiele sind meist aus Messing. Viele Wachsabdrücke von beeindruckenden Siegeln sind auf Urkunden und Dokumenten erhalten, obwohl romanische Münzen im Allgemeinen nicht von großem ästhetischem Interesse sind.

Das Cloisters Cross ist ein ungewöhnlich großes Kruzifix aus Elfenbein mit komplexen Schnitzereien, darunter viele Figuren von Propheten und anderen, das einem der relativ wenigen Künstler zugeschrieben wurde, dessen Name bekannt ist, Meister Hugo , der auch Manuskripte illuminierte. Wie viele Stücke war es ursprünglich teilweise gefärbt. Die Lewis-Schachfiguren sind gut erhaltene Beispiele für kleines Elfenbein, von denen viele Stücke oder Fragmente von Krummstäben , Plaketten, Brustkreuzen und ähnlichen Objekten übrig geblieben sind.

gotisch
Französische Jungfrau und Kind aus Elfenbein, Ende 13. Jahrhundert, 25 cm hoch, gebogen, um sich der Form des Elfenbeinstoßzahns anzupassen

Die Gotik ist im Wesentlichen durch die gotische Architektur bestimmt und passt weder in ihrem Anfang noch in ihrem Ende ganz zur Stilentwicklung der Bildhauerei. An den Fassaden großer Kirchen, insbesondere im Bereich der Türen, befanden sich weiterhin große Typanen, aber auch Reihen von skulpturalen Figuren, die sich um sie herum ausbreiteten. Die Statuen auf dem westlichen (königlichen) Portal der Kathedrale von Chartres (um 1145) zeigen eine elegante, aber übertriebene säulenartige Verlängerung, aber die auf dem südlichen Querschiffportal von 1215 bis 1220 zeigen einen naturalistischeren Stil und eine zunehmende Distanzierung von der dahinter liegenden Wand , und ein gewisses Bewusstsein für die klassische Tradition. Diese Trends wurden einige Jahre später im Westportal der Kathedrale von Reims fortgesetzt, wo die Figuren fast rund sind, wie es üblich wurde, als sich die Gotik in ganz Europa ausbreitete.

In Italien entwickelten Nicola Pisano (1258–1278) und sein Sohn Giovanni einen Stil, der oft als Proto-Renaissance bezeichnet wird, mit unverkennbarem Einfluss römischer Sarkophage und raffinierten und überfüllten Kompositionen, einschließlich eines sympathischen Umgangs mit Nacktheit, in Relieftafeln auf ihrer Kanzel von Der Dom von Siena (1265–68) , die Fontana Maggiore in Perugia und Giovannis Kanzel in Pistoia von 1301. Eine weitere Wiederbelebung des klassischen Stils ist im internationalen gotischen Werk von Claus Sluter und seinen Anhängern in Burgund und Flandern um 1400 zu sehen. Spätgotische Skulptur setzte sich im Norden fort, mit einer Mode für sehr große, aus Holz geschnitzte Altarbilder mit zunehmend virtuoser Schnitzerei und einer großen Anzahl aufgeregter, ausdrucksstarker Figuren; Die meisten überlebenden Beispiele befinden sich in Deutschland, nach viel Bildersturm anderswo. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss und andere führten den Stil bis weit ins 16. Jahrhundert fort und nahmen allmählich italienische Renaissanceeinflüsse auf.

Lebensgroße Grabfiguren aus Stein oder Alabaster wurden bei den Reichen beliebt, und es entstanden prächtige mehrstöckige Gräber, wobei die Scaliger-Gräber von Verona so groß waren, dass sie aus der Kirche verlegt werden mussten. Im 15. Jahrhundert gab es eine Industrie, die Nottinghamer Alabaster -Altarreliefs in Gruppen von Tafeln in weite Teile Europas für sparsame Gemeinden exportierte, die sich keine steinernen Altaraufsätze leisten konnten. Kleine Schnitzereien für einen hauptsächlich laienhaften und oft weiblichen Markt wurden in Paris und einigen anderen Zentren zu einer beträchtlichen Industrie. Zu den Arten von Elfenbein gehörten kleine Andachtspolyptychen , einzelne Figuren, insbesondere der Jungfrau , Spiegelkästen, Kämme und kunstvolle Schatullen mit Szenen aus Romanzen , die als Verlobungsgeschenke verwendet wurden. Die sehr Reichen sammelten extravagant kunstvolle, juwelenbesetzte und emaillierte Metallarbeiten, sowohl weltliche als auch religiöse, wie die heilige Dornenreliquie des Duc de Berry , bis ihnen das Geld ausging, als sie wieder gegen Bargeld eingeschmolzen wurden.

Renaissance

Michelangelo , Das Grab von Papst Julius II ., c. 1545, mit Statuen von Rachel und Lea links und rechts von seinem Moses

Die eigentliche Renaissance-Skulptur wird oft mit dem berühmten Wettbewerb für die Türen des Florentiner Baptisteriums im Jahr 1403 begonnen, von dem die vom Gewinner Lorenzo Ghiberti und Filippo Brunelleschi eingereichten Versuchsmodelle erhalten sind. Ghibertis Türen sind noch vorhanden, wurden aber zweifellos von seinem zweiten Paar für den anderen Eingang, den sogenannten Toren des Paradieses , in den Schatten gestellt, die ihn von 1425 bis 1452 führten, und sind blendend selbstbewusste klassizistische Kompositionen mit unterschiedlichen Relieftiefen, die umfangreiche Hintergründe ermöglichen . In den vergangenen Jahren hatte sich Ghibertis früher Assistent Donatello mit wegweisenden Statuen entwickelt, darunter seine Davids in Marmor (1408–09) und Bronze (1440er Jahre) und seine Reiterstatue von Gattamelata sowie Reliefs. Eine führende Persönlichkeit in der späteren Zeit war Andrea del Verrocchio , am besten bekannt für seine Reiterstatue von Bartolomeo Colleoni in Venedig; sein Schüler Leonardo da Vinci entwarf 1482 eine Pferdeskulptur The Horse for Milan , es gelang ihm jedoch nur, ein 7,3 m langes Tonmodell herzustellen, das 1499 von französischen Bogenschützen zerstört wurde, und seine anderen ehrgeizigen skulpturalen Pläne wurden nie fertiggestellt.

Die Zeit war geprägt von einer starken Zunahme der Förderung der Skulptur durch den Staat für öffentliche Kunst und durch die Reichen für ihre Häuser; Besonders in Italien bleibt die öffentliche Skulptur ein entscheidendes Element im Erscheinungsbild historischer Stadtzentren. Die Kirchenskulptur bewegte sich hauptsächlich nach innen, ebenso wie öffentliche Denkmäler im Freien üblich wurden. Porträtskulpturen, meist in Büsten, wurden in Italien um 1450 populär, wobei sich der Neapolitaner Francesco Laurana auf junge Frauen in meditativen Posen spezialisierte, während Antonio Rossellino und andere häufiger Männer mit knubbeligen Gesichtern, aber auch kleine Kinder darstellten. Die von Pisanello erfundene Porträtmedaille zeigte auch oft Frauen; Reliefplaketten waren eine weitere neue kleine Form der Skulptur aus Metallguss.

Michelangelo war von etwa 1500 bis 1520 ein aktiver Bildhauer, und seine großen Meisterwerke, darunter David , Pietà , Moses und Stücke für das Grab von Papst Julius II und die Medici-Kapelle , konnten von nachfolgenden Bildhauern nicht ignoriert werden. Sein ikonischer David (1504) hat eine Kontrapost- Pose, die der klassischen Skulptur entlehnt ist. Es unterscheidet sich von früheren Darstellungen des Themas darin, dass David vor seinem Kampf mit Goliath und nicht nach der Niederlage des Riesen dargestellt wird. Anstatt als Sieger gezeigt zu werden, wie es Donatello und Verocchio getan hatten, sieht David angespannt und kampfbereit aus.

Manierist

Adriaen de Vries , Merkur und Psyche Nördliche manieristische Bronze in Lebensgröße, hergestellt 1593 für Rudolf II., Kaiser des Heiligen Römischen Reiches .

Wie in der Malerei war die Skulptur des frühen italienischen Manierismus größtenteils ein Versuch, einen originellen Stil zu finden, der die Errungenschaften der Hochrenaissance übertreffen würde , was in der Bildhauerei im Wesentlichen Michelangelo bedeutete, und ein Großteil des Kampfes, dies zu erreichen, wurde in zu erfüllenden Aufträgen ausgetragen andere Orte auf der Piazza della Signoria in Florenz, neben Michelangelos David . Baccio Bandinelli übernahm das Projekt von Herkules und Cacus vom Meister selbst, aber es war kaum populärer als heute und wurde von Benvenuto Cellini böswillig mit "einem Sack Melonen" verglichen, obwohl es anscheinend eine lang anhaltende Wirkung hatte erstmalige Einführung von Relieftafeln auf dem Sockel von Statuen. Wie andere Werke von ihm und anderen Manieristen entfernt es weit mehr vom ursprünglichen Block, als Michelangelo es getan hätte. Cellinis bronzener Perseus mit Medusenhaupt ist sicherlich ein Meisterwerk, gestaltet mit acht Blickwinkeln, ein weiteres manieristisches Merkmal, aber im Vergleich zu den Davids von Michelangelo und Donatello durchaus manieriert. Ursprünglich ein Goldschmied, war sein berühmter Gold- und Emailsalzkeller (1543) seine erste Skulptur und zeigt sein Talent von seiner besten Seite. Wie diese Beispiele zeigen, erweiterte die Zeit das Spektrum weltlicher Themen für große Werke über Porträts hinaus, wobei mythologische Figuren besonders bevorzugt wurden; zuvor waren diese meist in kleinen Werken zu finden.

Kleine Bronzefiguren für Sammlerschränke , oft mythologische Motive mit Akten, waren eine beliebte Renaissanceform, in der sich Giambologna , ursprünglich Flämisch , aber in Florenz ansässig, in der späteren Hälfte des Jahrhunderts auszeichnete und auch lebensgroße Skulpturen schuf, von denen sich zwei der anschlossen Sammlung auf der Piazza della Signoria. Er und seine Anhänger entwarfen elegante längliche Beispiele der figura serpentinata , oft aus zwei ineinander verschlungenen Figuren, die aus allen Blickwinkeln interessant waren.

Barock und Rokoko

In der barocken Bildhauerei gewannen Figurengruppen eine neue Bedeutung, und es gab eine dynamische Bewegung und Energie menschlicher Formen – sie drehten sich spiralförmig um einen leeren zentralen Wirbel oder griffen nach außen in den umgebenden Raum. Die barocke Skulptur hatte oft mehrere ideale Betrachtungswinkel und spiegelte eine allgemeine Fortsetzung der Renaissance-Bewegung weg vom Relief hin zur runden Skulptur wider, die dazu bestimmt war, in der Mitte eines großen Raums platziert zu werden – kunstvolle Brunnen wie Berninis Fontana dei Quattro Fiumi (Rom, 1651) oder die in den Gärten von Versailles waren eine barocke Spezialität. Der Barockstil war perfekt für die Bildhauerei geeignet, wobei Gian Lorenzo Bernini die dominierende Figur der Zeit in Werken wie The Ecstasy of St Theresa (1647–1652) war. Viele barocke Skulpturen fügten außerskulpturale Elemente hinzu, zum Beispiel verdeckte Beleuchtung oder Wasserfontänen, oder verschmolzen Skulptur und Architektur, um ein transformatives Erlebnis für den Betrachter zu schaffen. Die Künstler sahen sich in der klassischen Tradition, bewunderten jedoch die hellenistische und spätere römische Skulptur und nicht die der "klassischeren" Perioden, wie sie heute zu sehen sind.

Die protestantische Reformation brachte die religiöse Skulptur in weiten Teilen Nordeuropas fast vollständig zum Erliegen, und obwohl die weltliche Skulptur, insbesondere für Porträtbüsten und Grabdenkmäler , fortgesetzt wurde, hat das niederländische Goldene Zeitalter keine bedeutende skulpturale Komponente außerhalb der Goldschmiedekunst. Teilweise als direkte Reaktion war die Bildhauerei im römischen Katholizismus ebenso prominent wie im späten Mittelalter. Statuen von Herrschern und Adel wurden immer beliebter. Im 18. Jahrhundert wurden viele Skulpturen nach barocken Linien fortgesetzt – der Trevi-Brunnen wurde erst 1762 fertiggestellt . Der Rokoko- Stil war besser für kleinere Werke geeignet und fand wohl seine ideale skulpturale Form im frühen europäischen Porzellan und Innendekorationsschemata in Holz oder Gips wie z wie die in französischen Innenräumen und österreichischen und bayerischen Wallfahrtskirchen .

Neo-klassisch

Der neoklassizistische Stil , der im späten 18. Jahrhundert ankam, legte großen Wert auf die Skulptur. Jean-Antoine Houdon ist ein Beispiel für die durchdringende Porträtskulptur, die dieser Stil hervorbringen könnte, und Antonio Canovas Akte sind der idealistische Aspekt dieser Bewegung. Die neoklassizistische Zeit war eines der großen Zeitalter der öffentlichen Skulptur, obwohl ihre "klassischen" Prototypen eher römische Kopien hellenistischer Skulpturen waren. In der Bildhauerei sind die bekanntesten Vertreter der Italiener Antonio Canova , der Engländer John Flaxman und der Däne Bertel Thorvaldsen . Die europäische neoklassizistische Art setzte sich auch in den Vereinigten Staaten durch, wo ihr Höhepunkt etwas später stattfand und in den Skulpturen von Hiram Powers veranschaulicht wird .

Asien

Griechisch-buddhistische Skulptur und Asien

Eine der ersten Darstellungen des Buddha , 1.–2. Jahrhundert n. Chr., Gandhara

Die griechisch-buddhistische Kunst ist die künstlerische Manifestation des griechisch-buddhistischen , eines kulturellen Synkretismus zwischen der klassischen griechischen Kultur und dem Buddhismus , der sich über einen Zeitraum von fast 1000 Jahren in Zentralasien zwischen den Eroberungen Alexanders des Großen im 4. Jahrhundert v , und die islamischen Eroberungen des 7. Jahrhunderts n. Chr. Die griechisch-buddhistische Kunst zeichnet sich durch den starken idealistischen Realismus der hellenistischen Kunst und die ersten Darstellungen des Buddha in menschlicher Gestalt aus, die dazu beigetragen haben, den künstlerischen (und insbesondere skulpturalen) Kanon buddhistischer Kunst auf dem gesamten asiatischen Kontinent bis in die Gegenwart zu definieren. Obwohl die Datierung ungewiss ist, scheint es, dass stark hellenistische Stile noch mehrere Jahrhunderte im Osten verweilten, nachdem sie bis ins 5. Jahrhundert n. Chr. Im Mittelmeerraum zurückgegangen waren. Einige Aspekte der griechischen Kunst wurden übernommen, während andere sich nicht über das griechisch-buddhistische Gebiet hinaus ausbreiteten; insbesondere die stehende Figur, oft mit entspannter Pose und einem gebeugten Bein, und die fliegenden Amoretten oder Siege, die als Apsaras in ganz Asien populär wurden . Griechische Laubdekoration war ebenfalls einflussreich, wobei indische Versionen der korinthischen Hauptstadt auftauchten.

Die Ursprünge der griechisch-buddhistischen Kunst liegen im hellenistischen griechisch-baktrischen Königreich (250–130 v. Chr.) im heutigen Afghanistan , von dem aus die hellenistische Kultur mit der Gründung des kleinen indisch -griechischen Königreichs ( 180–10 v. Chr.). Unter den Indo-Griechen und dann den Kushans blühte die Interaktion zwischen griechischer und buddhistischer Kultur in der Gegend von Gandhara im heutigen Nordpakistan auf, bevor sie sich weiter nach Indien ausbreitete und die Kunst von Mathura und dann die hinduistische Kunst des Gupta-Reiches beeinflusste , die sich auf den Rest Südostasiens erstrecken sollte. Der Einfluss der griechisch-buddhistischen Kunst breitete sich auch nach Norden in Richtung Zentralasien aus und beeinflusste stark die Kunst des Tarim-Beckens und der Dunhuang-Höhlen und schließlich die geformten Figuren in China, Korea und Japan.

China

Sitzender Bodhisattva Guanyin , Holz und Pigment, 11. Jahrhundert, Nördliche Song-Dynastie .

Chinesische Ritualbronzen aus der Shang- und der westlichen Zhou-Dynastie stammen aus einem Zeitraum von über tausend Jahren von ca. 1500 v. Chr. und haben einen anhaltenden Einfluss auf die chinesische Kunst ausgeübt . Sie sind mit kompliziert gemusterten und zoomorphen Dekorationen gegossen, vermeiden jedoch die menschliche Figur, im Gegensatz zu den riesigen Figuren, die erst kürzlich in Sanxingdui entdeckt wurden . Die spektakuläre Terrakotta-Armee wurde für das Grab von Qin Shi Huang , dem ersten Kaiser eines vereinten Chinas von 221 bis 210 v nach dem Tod wie zu Lebzeiten und ersetzt die tatsächlichen Opfer sehr früher Perioden. Kleinere Figuren aus Keramik oder Holz wurden viele Jahrhunderte später in Gräbern platziert und erreichten einen Höhepunkt der Qualität in Grabfiguren der Tang-Dynastie . Die Tradition ungewöhnlich großer Keramikfiguren hielt in China an, über Tang- sancai- Grabfiguren bis hin zu späteren buddhistischen Statuen wie dem nahezu lebensgroßen Satz von Yixian-Luohans aus glasierter Keramik und späteren Figuren für Tempel und Gräber. Diese ersetzten frühere Äquivalente aus Holz.

Einheimische chinesische Religionen verwenden normalerweise keine Kultbilder von Gottheiten oder stellen sie gar dar, und große religiöse Skulpturen sind fast ausschließlich buddhistisch, stammen hauptsächlich aus dem 4. bis 14. Jahrhundert und verwenden zunächst griechisch-buddhistische Modelle, die über die Seidenstraße ankommen . Der Buddhismus ist auch der Kontext aller großen Porträtskulpturen; ganz im Gegensatz zu manch anderen Gebieten galten im mittelalterlichen China sogar gemalte Kaiserbilder als privat. Kaiserliche Gräber haben spektakuläre Zugangswege, gesäumt von echten und mythologischen Tieren in einem Maßstab, der dem Ägyptens entspricht, und kleinere Versionen schmücken Tempel und Paläste.

Kleine buddhistische Figuren und Gruppen wurden in sehr hoher Qualität in einer Reihe von Medien hergestellt, ebenso wie Reliefdekorationen aller Art von Objekten, insbesondere in Metallarbeiten und Jade . In früheren Zeiten wurden in Pilgerhöhlenanlagen und als Außenfelsreliefs große Mengen an Skulpturen aus dem lebendigen Felsen geschnitten . Diese wurden meist ursprünglich bemalt. Im bemerkenswerten Gegensatz zu Literatenmalern wurden Bildhauer aller Art als Handwerker angesehen, und es sind nur sehr wenige Namen bekannt. Ab der Ming-Dynastie wurden Statuetten religiöser und weltlicher Figuren aus chinesischem Porzellan und anderen Medien hergestellt, die zu einem wichtigen Exportartikel wurden.

Japan

Nara Daibutsu , c. 752, Nara , Japan

Gegen Ende der langen neolithischen Jōmon-Periode wurden einige Keramikgefäße mit extravaganten Erweiterungen am Rand, die nur als skulptural bezeichnet werden können, "flammenumrandet", und es wurden sehr stilisierte Keramik- Dogū- Figuren hergestellt, viele davon mit der charakteristischen "Schneebrille". Augen. Während der Kofun-Zeit des 3. bis 6. Jahrhunderts n. Chr. Wurden Haniwa- Terrakottafiguren von Menschen und Tieren in einem vereinfachten Stil außerhalb wichtiger Gräber errichtet. Die Ankunft des Buddhismus im 6. Jahrhundert brachte raffinierte Traditionen in der Bildhauerei mit sich, chinesische Stile, die über Korea vermittelt wurden. Der Hōryū-ji aus dem 7. Jahrhundert und sein Inhalt sind intakter geblieben als jeder ostasiatische buddhistische Tempel seiner Zeit, mit Werken, darunter eine Shaka-Dreifaltigkeit von 623 in Bronze, die den historischen Buddha zeigt, der von zwei Bodhisattvas und den Wächterkönigen flankiert wird Vier Richtungen .

Jōchō gilt als einer der größten buddhistischen Bildhauer nicht nur in der Heian-Zeit , sondern auch in der Geschichte der buddhistischen Statuen in Japan. Jōchō definierte die Körperform von Buddha-Statuen neu, indem er die Technik des „yosegi zukuri“ (寄木造り) perfektionierte, die eine Kombination aus mehreren Hölzern ist. Der friedliche Ausdruck und die anmutige Figur der Buddha-Statue, die er herstellte, vervollständigten einen japanischen Skulpturenstil von Buddha-Statuen namens "Jōchō yō" (Jōchō-Stil, 定朝様) und bestimmten den Stil japanischer buddhistischer Statuen der späteren Zeit. Seine Leistung erhöhte den sozialen Status von Busshi (buddhistischer Bildhauer) in Japan dramatisch.

In der Kamakura-Zeit gründete der Minamoto-Clan das Kamakura-Shogunat und die Samurai -Klasse regierte Japan zum ersten Mal praktisch. Jochos Nachfolger, Bildhauer der Kei-Schule buddhistischer Statuen, schufen realistische und dynamische Statuen, die dem Geschmack der Samurai entsprachen, und die japanische buddhistische Skulptur erreichte ihren Höhepunkt. Unkei , Kaikei und Tankei waren berühmt, und sie stellten viele neue Buddha-Statuen in vielen Tempeln wie Kofuku-ji her , wo viele Buddha-Statuen in Kriegen und Bränden verloren gegangen waren.

Fast alle nachfolgenden bedeutenden großen Skulpturen in Japan waren buddhistisch, mit einigen shintoistischen Äquivalenten, und nachdem der Buddhismus in Japan im 15. Jahrhundert zurückgegangen war, wurde die monumentale Skulptur weitgehend architektonische Dekoration und weniger bedeutend. Die bildhauerische Arbeit in der dekorativen Kunst wurde jedoch zu einem bemerkenswerten Niveau technischer Errungenschaft und Verfeinerung in kleinen Objekten wie Inro und Netsuke in vielen Materialien und Metall- Tosogu oder japanischen Schwerthalterungen entwickelt . Im 19. Jahrhundert gab es Exportindustrien von kleinen Bronzeskulpturen von extremer Virtuosität, Elfenbein- und Porzellanfiguren und anderen Arten von Kleinskulpturen, die zunehmend die technische Leistung betonten.

Indischer Subkontinent

Hinduistisches Gupta- Terrakotta- Relief, 5. Jahrhundert n. Chr., Von Krishna , der den Pferdedämon Keshi tötet

Die erste bekannte Skulptur auf dem indischen Subkontinent stammt aus der Industal-Zivilisation (3300–1700 v. Chr.), die an Orten in Mohenjo-daro und Harappa im heutigen Pakistan gefunden wurde . Dazu gehören die berühmte kleine bronzene Tänzerin und der sogenannte Priesterkönig . Solche Figuren aus Bronze und Stein sind jedoch selten und zahlenmäßig weit unterlegen von Keramikfiguren und Steinsiegeln, oft von Tieren oder Gottheiten, die sehr fein dargestellt sind. Nach dem Zusammenbruch der Industal-Zivilisation gibt es bis zur buddhistischen Ära nur wenige Aufzeichnungen über Skulpturen, abgesehen von einem Hort von Kupferfiguren aus (etwas umstrittenem) c. 1500 v. Chr. von Daimabad . So scheint die große Tradition der indischen Monumentalskulptur aus Stein im Vergleich zu anderen Kulturen und der Entwicklung der indischen Zivilisation relativ spät zu beginnen, mit der Herrschaft von Asoka von 270 bis 232 v. Chr. Und den Säulen von Ashoka , die er um Indien herum errichtete. mit seinen Edikten und gekrönt von berühmten Tierskulpturen, hauptsächlich Löwen, von denen sechs erhalten sind. Von frühbuddhistischen Pilgerstupas, vor allem von Sanchi , sind große Mengen figurativer Skulpturen, meist in Reliefform, erhalten geblieben ; Diese entwickelten sich wahrscheinlich aus einer Tradition, Holz zu verwenden, die auch den Hinduismus umfasste .

Die hinduistischen, jainistischen und buddhistischen Skulpturen aus rosa Sandstein von Mathura aus dem 1. bis 3. Jahrhundert n. Chr. Spiegelten sowohl einheimische indische Traditionen als auch die westlichen Einflüsse wider, die durch die griechisch-buddhistische Kunst von Gandhara erhalten wurden, und bildeten effektiv die Grundlage für die nachfolgende indische religiöse Skulptur. Der Stil wurde unter dem Gupta-Reich (ca. 320–550) in den meisten Teilen Indiens entwickelt und verbreitet, das eine "klassische" Periode für indische Skulpturen bleibt und die früheren Ellora-Höhlen abdeckt , obwohl die Elephanta-Höhlen wahrscheinlich etwas später sind. Spätere großformatige Skulpturen bleiben fast ausschließlich religiös und im Allgemeinen eher konservativ und kehren oft zu einfachen frontalen Stehposen für Gottheiten zurück, obwohl die begleitenden Geister wie Apsaras und Yakshi oft sinnlich geschwungene Posen haben. Das Schnitzen ist oft sehr detailliert, mit einer komplizierten Rückseite hinter der Hauptfigur in Hochrelief. Zu den berühmten Bronzen der Chola- Dynastie (ca. 850–1250) aus Südindien, von denen viele entworfen wurden, um in Prozessionen getragen zu werden, gehört die ikonische Form von Shiva als Nataraja mit den massiven Granitschnitzereien von Mahabalipuram aus der früheren Pallava- Dynastie.

Südostasien

Khmer- Sturz aus dem 9. Jahrhundert

Die Skulpturen der Region sind in der Regel durch ein hohes Maß an Verzierungen gekennzeichnet, wie in den großen Denkmälern der hinduistischen und buddhistischen Khmer-Skulptur (9. bis 13. Jahrhundert) in Angkor Wat und anderswo, dem riesigen buddhistischen Komplex aus dem 9 Java und die hinduistischen Denkmäler von Bali . Beide enthalten viele Reliefs sowie Figuren in der Runde; Borobudur hat 2.672 Relieftafeln, 504 Buddha-Statuen, viele davon halb verborgen in durchbrochenen Stupas und viele große Wächterfiguren.

In Thailand und Laos bestand die Skulptur hauptsächlich aus Buddha-Bildern , oft vergoldet, sowohl groß für Tempel und Klöster als auch kleine Figuren für Privathäuser. Die traditionelle Bildhauerei in Myanmar entstand vor der Bagan-Periode . Wie überall in der Region sind die meisten Holzskulpturen aus der Bagan- und Ava-Zeit verloren gegangen.

Traditionelle anitistische Skulpturen aus den Philippinen werden von anitistischen Designs dominiert, die das verwendete Medium und die beteiligte Kultur widerspiegeln, während sie durch die Umgebung hervorgehoben werden, in der solche Skulpturen normalerweise platziert werden. Christliche und islamische Skulpturen von den Philippinen haben unterschiedliche Motive im Vergleich zu anderen christlichen und islamischen Skulpturen anderswo. In späteren Perioden überwog der chinesische Einfluss in Vietnam, Laos und Kambodscha, und mehr Holzskulpturen aus der ganzen Region sind erhalten.

Islam

Elfenbein mit Farbspuren, 11.–12. Jahrhundert, Ägypten

Der Islam ist bekanntermaßen anikonisch , daher besteht die überwiegende Mehrheit der Skulpturen aus arabesken Dekorationen in Reliefs oder durchbrochenen Arbeiten, die auf pflanzlichen Motiven basieren, aber zu geometrisch abstrakten Formen neigen. In der sehr frühen Mshatta-Fassade (740er Jahre), die sich heute hauptsächlich in Berlin befindet, befinden sich Tiere in den dichten Arabesken in Hochreliefs, und Tier- und Menschenfiguren in meist niedrigem Relief finden sich in Verbindung mit Dekorationen auf vielen späteren Stücken in verschiedenen Materialien, einschließlich Metallarbeiten, Elfenbein und Keramik.

Tierfiguren in der Runde waren oft akzeptabel für Arbeiten, die im privaten Kontext verwendet wurden, wenn das Objekt eindeutig praktisch war, so enthält die mittelalterliche islamische Kunst viele Metalltiere, die Aquamaniles, Räuchergefäße oder Stützen für Brunnen sind, wie in den steinernen Löwen, die den berühmten stützen in der Alhambra und gipfelt in der größten bekannten mittelalterlichen islamischen Tierfigur, dem Greif von Pisa . Auf die gleiche Weise können luxuriöse Hartsteinschnitzereien wie Dolchgriffe und Tassen als Tiere geformt werden, insbesondere in der Mogulkunst . Der Grad der Akzeptanz solcher Lockerungen strenger islamischer Regeln variiert zwischen Perioden und Regionen, wobei das islamische Spanien , Persien und Indien häufig zu Lockerungen führen, und ist typischerweise in höfischen Kontexten am höchsten.

Afrika

Maske aus Gabun
Zwei Chiwara c. Ende des 19. Anfang des 20. Jahrhunderts, Art Institute of Chicago . Weibliche (links) und männliche vertikale Stile

Historisch gesehen wurden, mit Ausnahme einiger monumentaler ägyptischer Skulpturen, die meisten afrikanischen Skulpturen aus Holz und anderen organischen Materialien geschaffen, die nicht früher als vor ein paar Jahrhunderten überlebt haben. ältere Keramikfiguren werden aus einer Reihe von Gebieten gefunden. Masken sind wichtige Elemente in der Kunst vieler Völker, zusammen mit menschlichen Figuren, oft stark stilisiert. Es gibt eine große Vielfalt an Stilen, die je nach Verwendung des Objekts oft innerhalb desselben Herkunftskontexts variieren, aber breite regionale Trends sind offensichtlich; Skulpturen sind am häufigsten unter "Gruppen sesshafter Kultivierender in den Gebieten, die von den Flüssen Niger und Kongo entwässert werden " in Westafrika. Direkte Bilder von Gottheiten sind relativ selten, aber insbesondere Masken werden oder wurden oft für religiöse Zeremonien hergestellt; heute werden viele als "Flughafenkunst" für Touristen hergestellt. Afrikanische Masken hatten einen Einfluss auf die europäische Kunst der Moderne , die von ihrer mangelnden Sorge um eine naturalistische Darstellung inspiriert war.

Das nubische Königreich Kush im modernen Sudan stand in engem und oft feindlichem Kontakt mit Ägypten und produzierte monumentale Skulpturen, die größtenteils von Stilen im Norden abgeleitet waren. In Westafrika stammen die frühesten bekannten Skulpturen aus der Nok-Kultur , die zwischen 500 v. Chr. Und 500 n. Chr. Im modernen Nigeria gedieh, mit Tonfiguren, die typischerweise längliche Körper und eckige Formen haben. Spätere westafrikanische Kulturen entwickelten Bronzeguss für Reliefs, um Paläste wie die berühmten Benin-Bronzen zu schmücken , und sehr schöne naturalistische Königsköpfe aus der Umgebung der Yoruba -Stadt Ife aus Terrakotta und Metall aus dem 12.–14. Jahrhundert. Akan-Goldgewichte sind eine Form kleiner Metallskulpturen, die zwischen 1400 und 1900 hergestellt wurden, von denen einige anscheinend Sprichwörter darstellen und daher ein in der afrikanischen Skulptur seltenes narratives Element aufweisen. Zu den königlichen Insignien gehörten beeindruckende goldene Skulpturelemente.

Viele westafrikanische Figuren werden in religiösen Ritualen verwendet und sind oft mit Materialien überzogen, die für zeremonielle Opfergaben auf sie gelegt werden. Die Mande sprechenden Völker der gleichen Region stellen Holzstücke mit breiten, flachen Oberflächen her und Arme und Beine sind wie Zylinder geformt. In Zentralafrika sind die Hauptunterscheidungsmerkmale jedoch herzförmige Gesichter, die nach innen gewölbt sind und Muster aus Kreisen und Punkten aufweisen.

Populationen in den afrikanischen Großen Seen sind nicht für ihre Skulpturen bekannt. Ein Stil aus der Region sind jedoch Stangenskulpturen, die in menschliche Formen geschnitzt und mit geometrischen Formen verziert sind, während die Spitzen mit Figuren von Tieren, Menschen und verschiedenen Objekten geschnitzt sind. Diese Stangen werden dann neben Gräbern aufgestellt und mit dem Tod und der Welt der Vorfahren in Verbindung gebracht. Die aus Great Zimbabwe bekannte Kultur hinterließ beeindruckendere Gebäude als Skulpturen, aber die acht Speckstein -Simbabwe-Vögel scheinen eine besondere Bedeutung gehabt zu haben und wurden auf Monolithen montiert . Moderne simbabwische Bildhauer aus Speckstein haben beachtliche internationale Erfolge erzielt . Die ältesten bekannten Tonfiguren des südlichen Afrikas stammen aus der Zeit von 400 bis 600 n. Chr. und haben zylindrische Köpfe mit einer Mischung aus menschlichen und tierischen Merkmalen.

Äthiopien und Eritrea

Die Entstehung von Skulpturen in Äthiopien und Eritrea lässt sich bis in die Antike mit den Königreichen Dʿmt und Aksum zurückverfolgen . Die christliche Kunst wurde in Äthiopien mit der Bekehrung vom Heidentum zum Christentum im 4. Jahrhundert n. Chr. Während der Regierungszeit von König Ezana von Axum etabliert . Christliche Bilder schmückten Kirchen während der assumitischen Zeit und späterer Epochen. Zum Beispiel wurden in Lalibela lebensgroße Heilige in die Kirche von Bet Golgatha geschnitzt; Traditionell wurden diese während der Herrschaft des Zagwe -Herrschers Gebre Mesqel Lalibela im 12. Jahrhundert hergestellt, aber sie wurden eher im 15. Jahrhundert während der Salomonischen Dynastie hergestellt . Die Kirche des Heiligen Georg, Lalibela , eines von mehreren Beispielen für Felsenarchitektur in Lalibela mit komplizierten Schnitzereien, wurde jedoch im 10. bis 13. Jahrhundert erbaut, wie die Archäologie beweist.

Sudan

Im alten Sudan erstreckt sich die Entwicklung der Bildhauerei von den einfachen Töpferwaren der Kerma -Kultur , beginnend um 2500 v Aksum in Äthiopien). Neben Töpferwaren stellte die Kerma-Kultur auch Möbel her, die Skulpturen enthielten, wie z. B. goldene Rinderhufe als Bettbeine. Die Skulptur während des Königreichs Kush umfasste Statuen in voller Größe (insbesondere von Königen und Königinnen), kleinere Figuren (die am häufigsten königliche Diener darstellen) und Steinreliefs, die von der zeitgenössischen altägyptischen Bildhauertradition beeinflusst waren.

Die Amerikaner

Die Bildhauerei im heutigen Lateinamerika entwickelte sich in zwei getrennten und unterschiedlichen Gebieten, Mesoamerika im Norden und Peru im Süden. In beiden Gebieten bestand die Skulptur ursprünglich aus Stein und später aus Terrakotta und Metall, als die Zivilisationen in diesen Gebieten technologisch kompetenter wurden. Die mesoamerikanische Region produzierte monumentalere Skulpturen, von den massiven blockartigen Werken der Olmeken- und Toltekenkulturen bis zu den großartigen Flachreliefs , die die Maya- und Aztekenkulturen charakterisieren . In der Andenregion waren Skulpturen normalerweise klein, zeigen aber oft hervorragende Fähigkeiten.

Präkolumbianisch

Nordamerika

St. James- Tafel, von Retabeln in der Cristo Rey Church, Santa Fe, New Mexico , c. 1760

In Nordamerika wurde Holz für Totempfähle , Masken, Utensilien, Kriegskanus und eine Vielzahl anderer Verwendungszwecke geformt, mit deutlichen Unterschieden zwischen verschiedenen Kulturen und Regionen. Die am weitesten entwickelten Stile sind die der pazifischen Nordwestküste , wo sich eine Gruppe kunstvoller und stark stilisierter formaler Stile entwickelte, die die Grundlage einer Tradition bilden, die bis heute andauert. Neben den berühmten Totempfählen wurden bemalte und geschnitzte Hausfassaden durch innen und außen geschnitzte Pfosten sowie Leichenfiguren und andere Gegenstände ergänzt. Bei den Inuit des hohen Nordens werden traditionelle Schnitzstile in Elfenbein und Speckstein noch immer fortgeführt.

Die Ankunft der europäischen katholischen Kultur passte die lokalen Fähigkeiten bereitwillig an den vorherrschenden Barockstil an und produzierte enorm kunstvolle Retablos und andere meist kirchliche Skulpturen in einer Vielzahl von hybriden Stilen. Das berühmteste solcher Beispiele in Kanada ist der Altarbereich der Notre-Dame-Basilika in Montreal, Quebec, der von bäuerlichen Arbeitern geschnitzt wurde . Später folgten Künstler, die in der westlichen akademischen Tradition ausgebildet wurden, europäischen Stilen, bis sie Ende des 19. Jahrhunderts wieder auf indigene Einflüsse zurückgriffen, insbesondere auf den mexikanischen barocken Groteskenstil, der als Churrigueresque bekannt ist . Aborigine-Völker adaptierten auch Kirchenskulpturen in Variationen der Carpenter Gothic ; Ein berühmtes Beispiel ist die Kirche des Heiligen Kreuzes in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia .

Die Geschichte der Bildhauerei in den Vereinigten Staaten nach der Ankunft der Europäer spiegelt die Gründung des Landes im 18. Jahrhundert in römisch- republikanischen Bürgerwerten und protestantischem Christentum wider . Im Vergleich zu den von den Spaniern kolonisierten Gebieten hatte die Bildhauerei in den britischen Kolonien einen äußerst langsamen Start, fast keinen Platz in Kirchen, und wurde nur durch die Notwendigkeit, die Nationalität nach der Unabhängigkeit zu behaupten, vorangetrieben. Die amerikanische Skulptur des mittleren bis späten 19. Jahrhunderts war oft klassisch, oft romantisch, zeigte aber eine Vorliebe für einen dramatischen, narrativen, fast journalistischen Realismus. Öffentliche Gebäude im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts boten häufig einen architektonischen Rahmen für Skulpturen, insbesondere für Reliefs. In den 1930er Jahren wurde der internationale Architektur- und Designstil sowie Art Deco, der durch die Arbeit von Paul Manship und Lee Lawrie und anderen gekennzeichnet war, populär. In den 1950er Jahren wurde die traditionelle Bildhauerausbildung fast vollständig durch eine vom Bauhaus beeinflusste Beschäftigung mit abstraktem Design ersetzt. Die minimalistische Skulptur ersetzte die Figur in öffentlichen Einrichtungen und Architekten hörten fast vollständig auf, Skulpturen in oder auf ihren Entwürfen zu verwenden. Moderne Bildhauer (21. Jahrhundert) verwenden sowohl klassische als auch abstrakt inspirierte Designs. Ab den 1980er Jahren gab es eine Rückkehr zur figurativen Skulptur im öffentlichen Raum; Bis zum Jahr 2000 waren viele der neuen öffentlichen Stücke in den Vereinigten Staaten figurativ gestaltet.

Auf dem Weg zur modernen Kunst

19.–frühes 20. Jahrhundert, frühe Moderne und fortschreitender Realismus

Edgar Degas , Little Dancer of Fourteen Years , 1922 aus einer Mixed-Media -Skulptur gegossen, die c modelliert wurde. 1879–80, Bronze, teilweise getönt, mit Baumwolle

Der moderne Klassizismus kontrastierte in vielerlei Hinsicht mit der klassischen Skulptur des 19 Leighton ). Im Laufe des Jahrhunderts wurden verschiedene Richtungen in der klassischen Tradition eingeschlagen, aber das Studium des lebendigen Modells und der Tradition nach der Renaissance war für sie immer noch von grundlegender Bedeutung. Auguste Rodin war der bekannteste europäische Bildhauer des frühen 20. Jahrhunderts. Er wird oft als bildhauerischer Impressionist angesehen , ebenso wie seine Schüler, darunter Camille Claudel und Hugo Rheinhold , die versuchen, einen flüchtigen Moment des gewöhnlichen Lebens zu modellieren. Der moderne Klassizismus zeigte ein geringeres Interesse am Naturalismus und ein größeres Interesse an formaler Stilisierung. Größere Aufmerksamkeit wurde den Rhythmen von Volumen und Räumen geschenkt – ebenso wie den kontrastierenden Qualitäten der Oberfläche (offen, geschlossen, planar, gebrochen usw.), während weniger Aufmerksamkeit dem Geschichtenerzählen und überzeugenden Details der Anatomie oder des Kostüms geschenkt wurde . Der psychologischen Wirkung wurde größere Aufmerksamkeit geschenkt als dem physischen Realismus, und Einflüsse früherer Stile weltweit wurden verwendet.

Zu den frühen Meistern des modernen Klassizismus gehörten: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . Im Laufe des Jahrhunderts wurde der moderne Klassizismus als nationaler Stil der beiden großen europäischen totalitären Imperien übernommen: Nazideutschland und Sowjetrussland , die die Arbeit früherer Künstler wie Kolbe und Wilhelm Lehmbruck in Deutschland und Matveyev in Russland kooptierten . In den 70 Jahren der UdSSR wurden neue Generationen von Bildhauern innerhalb ihres Systems ausgebildet und ausgewählt, und es entwickelte sich ein eigener Stil, der sozialistische Realismus , der zur Betonung des Melodrams und Naturalismus des 19. Jahrhunderts zurückkehrte.

Die klassische Ausbildung wurde 1970 aus der Kunsterziehung in Westeuropa (und Amerika) verwurzelt und die klassischen Varianten des 20. Jahrhunderts wurden in der Geschichte der Moderne an den Rand gedrängt. Aber der Klassizismus blieb bis 1990 die Grundlage der Kunstausbildung an den sowjetischen Akademien und bildete eine Grundlage für ausdrucksstarke figurative Kunst in ganz Osteuropa und Teilen des Nahen Ostens. Bis zum Jahr 2000 behält die europäische klassische Tradition eine breite Anziehungskraft auf die Öffentlichkeit, wartet jedoch auf eine Bildungstradition, um ihre zeitgenössische Entwicklung wiederzubeleben.

Einige der modernen Klassik wurden entweder dekorativer/art deco ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ) oder abstrakter stilisiert oder expressiver (und gotisch) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ) – oder gedreht eher zur Renaissance ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) oder gleich geblieben ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernismus

Gaston Lachaise , Schwebende Figur 1927, Bronze, Nr. 5 aus einer Auflage von 7, National Gallery of Australia

Modernistische Skulpturbewegungen umfassen unter anderem Kubismus , geometrische Abstraktion , De Stijl , Suprematismus , Konstruktivismus , Dadaismus , Surrealismus , Futurismus , Formalismus , abstrakter Expressionismus , Pop-Art , Minimalismus , Land Art und Installationskunst .

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (basierend auf einem kleineren Modell von 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Israel Museum , Jerusalem .

In den frühen Tagen des 20. Jahrhunderts revolutionierte Pablo Picasso die Bildhauerkunst, als er begann, seine Konstruktionen zu schaffen , die durch die Kombination unterschiedlicher Objekte und Materialien zu einer konstruierten Skulptur entstanden; das skulpturale Äquivalent der Collage in der zweidimensionalen Kunst. Das Aufkommen des Surrealismus führte dazu, dass gelegentlich Dinge als "Skulptur" bezeichnet wurden, die es früher nicht gewesen wären, wie z. B. "unfreiwillige Skulptur" in mehreren Bedeutungen, einschließlich Coulage . In späteren Jahren wurde Picasso ein produktiver Töpfer , der mit seinem Interesse an historischer Keramik aus der ganzen Welt zu einer Wiederbelebung der Keramikkunst führte , mit Persönlichkeiten wie George E. Ohr und später Peter Voulkos , Kenneth Price und Robert Arneson . Marcel Duchamp begründete die Verwendung des „ gefundenen Objekts “ (französisch: objet trouvé) oder Readymade mit Stücken wie Fountain (1917).

Ebenso ebnete das Werk von Constantin Brâncuși zu Beginn des Jahrhunderts den Weg für die spätere abstrakte Skulptur. In Auflehnung gegen den Naturalismus von Rodin und seinen Zeitgenossen des späten 19. Jahrhunderts destillierte Brâncuși Motive bis auf ihre Essenz herunter, wie die elegant raffinierten Formen seiner Bird in Space- Serie (1924) veranschaulichen.

Brâncușis Wirkung mit seinem Vokabular von Reduktion und Abstraktion ist in den 1930er und 1940er Jahren zu sehen und wird von Künstlern wie Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miró , Julio González , Pablo Serrano , Jacques Lipchitz und veranschaulicht In den 1940er Jahren wurde die abstrakte Skulptur von Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely und Frederick Kiesler, die Pioniere der kinetischen Kunst waren , beeinflusst und erweitert .

Modernistische Bildhauer verpassten weitgehend den enormen Boom der öffentlichen Kunst, der sich aus der Nachfrage nach Kriegsdenkmälern für die beiden Weltkriege ergab, aber ab den 1950er Jahren fühlten sich die Öffentlichkeit und die Auftraggeber mit modernistischer Skulptur wohler und große öffentliche Aufträge, sowohl abstrakt als auch figurativ, wurden üblich . Picasso wurde beauftragt, ein Modell für eine riesige, 15 m hohe öffentliche Skulptur anzufertigen , den sogenannten Chicago Picasso (1967). Sein Design war mehrdeutig und etwas umstritten, und was die Figur darstellt, ist nicht klar; es könnte ein Vogel, ein Pferd, eine Frau oder eine völlig abstrakte Form sein.

In den späten 1950er und 1960er Jahren begannen abstrakte Bildhauer mit einer breiten Palette neuer Materialien und unterschiedlichen Herangehensweisen an ihre Arbeit zu experimentieren. Surrealistische Bilder, anthropomorphe Abstraktion, neue Materialien und Kombinationen aus neuen Energiequellen und verschiedenen Oberflächen und Objekten wurden charakteristisch für viele neue modernistische Skulpturen. Kooperationsprojekte mit Landschaftsgestaltern, Architekten und Landschaftsarchitekten erweiterten das Außengelände und die kontextuelle Einbindung. Künstler wie Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois , Philip Pavia und Louise Nevelson prägten das Aussehen der modernen Skulptur.

In den 1960er Jahren dominierten der abstrakte Expressionismus , die geometrische Abstraktion und der Minimalismus , der die Skulptur auf ihre wesentlichsten und grundlegendsten Merkmale reduziert. Einige Werke dieser Zeit sind: die Cubi-Werke von David Smith und die geschweißten Stahlarbeiten von Sir Anthony Caro sowie geschweißte Skulpturen von einer Vielzahl von Bildhauern, die großformatigen Arbeiten von John Chamberlain und Werke im Maßstab von Umweltinstallationen von Mark di Suvero . Andere Minimalisten sind Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre und John Safer , die dem Thema der Reinheit der Linie Bewegung und Monumentalität hinzufügten.

In den 1960er und 1970er Jahren wurden figurative Skulpturen von Künstlern der Moderne in stilisierten Formen von Künstlern wie Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham in einem klassischen artikulierten Stil und Fernando Botero geschaffen, der seine Malerei in Übergröße brachte Figuren“ zu monumentalen Skulpturen.

Galerie modernistischer Skulpturen

Zeitgenössische Bewegungen

Christo und Jeanne-Claude , Umbrellas 1991, Japan
Device to Root Out Evil (1997) Skulptur von Dennis Oppenheim in
Palma de Mallorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Ortsspezifische und umweltbezogene Kunstwerke werden von Künstlern vertreten: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , George Rickey und Christo und Jeanne-Claude führten die zeitgenössische abstrakte Skulptur in neue Richtungen. Im Rahmen der Projektgruppe „ Land Art in the American West “ schufen Künstler auf weitläufigen Geländen Umweltskulpturen . Diese Land-Art- oder „Earth-Art“-Skulpturen im Umweltmaßstab werden von Künstlern wie Robert Smithson , Michael Heizer und James Turrell ( Roden Crater ) veranschaulicht. Pioniere der postminimalistischen Skulptur waren unter anderem Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman und Dennis Oppenheim .

Auch in den 1960er und 1970er Jahren erforschten so unterschiedliche Künstler wie Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson und John DeAndrea Abstraktion, Bilder und Figuration durch Videokunst , Umwelt und Licht Skulptur und Installationskunst auf neue Weise.

Konzeptkunst ist Kunst, bei der die in die Arbeit einbezogenen Konzepte oder Ideen Vorrang vor traditionellen ästhetischen und materiellen Bedenken haben. Zu den Werken gehören One and Three Chairs , 1965, von Joseph Kosuth , und An Oak Tree von Michael Craig-Martin , sowie die von Joseph Beuys , James Turrell und Jacek Tylicki .

Minimalismus

Postminimalismus

Zeitgenössische Genres

Spiral Jetty von Robert Smithson , im Jahr 2005

Einige moderne Skulpturformen werden heute im Freien praktiziert, als Umweltkunst und Umweltskulptur , oft vor den Augen der Zuschauer. Auch Lichtskulpturen , Streetart-Skulpturen und ortsspezifische Kunst nutzen oft die Umgebung. Eisskulptur ist eine Form der vergänglichen Skulptur, die Eis als Rohmaterial verwendet. Es ist in China, Japan, Kanada, Schweden und Russland beliebt. Eisskulpturen sind in einigen Küchen, insbesondere in Asien, dekorativ. Kinetische Skulpturen sind Skulpturen, die sich bewegen sollen, zu denen auch Mobiles gehören . Schneeskulpturen werden normalerweise aus einem einzigen Schneeblock geschnitzt, der auf jeder Seite etwa 1,8 bis 4,6 m (6 bis 15 Fuß) groß ist und etwa 20 bis 30 Tonnen wiegt. Der Schnee wird dicht in eine Form gepackt, nachdem er künstlich erzeugt oder nach einem Schneefall vom Boden gesammelt wurde. Klangskulpturen kommen in Form von Indoor-Klanginstallationen, Outdoor-Installationen wie Äolischen Harfen, Automaten oder mehr oder weniger in der Nähe konventioneller Musikinstrumente vor. Klangskulpturen sind oft ortsspezifisch. Kunstspielzeug ist seit den späten 1990er Jahren zu einem weiteren Format für zeitgenössische Künstler geworden, wie z. B. die von Takashi Murakami und Kid Robot hergestellten, von Michael Lau entworfenen oder von Michael Leavitt (Künstler) handgefertigten .

Erhaltung

Sichtbarer Schaden durch sauren Regen an einer Skulptur

Skulpturen sind empfindlich gegenüber Umgebungsbedingungen wie Temperatur , Feuchtigkeit und Einwirkung von Licht und ultraviolettem Licht . Saurer Regen kann auch Schäden an bestimmten Baumaterialien und historischen Denkmälern verursachen. Dies entsteht, wenn Schwefelsäure im Regen mit den Kalziumverbindungen in den Steinen (Kalkstein, Sandstein, Marmor und Granit) chemisch zu Gips reagiert , der dann abplatzt. Starke Luftverschmutzung verursacht auch Schäden an historischen Denkmälern.

Zu jeder Zeit waren viele zeitgenössische Skulpturen normalerweise an öffentlichen Orten ausgestellt; Diebstahl war kein Problem, da Teile sofort erkennbar waren. Im frühen 21. Jahrhundert stieg der Wert von Metall so stark an, dass der Diebstahl massiver Bronzeskulpturen für den Wert des Metalls zu einem Problem wurde; Skulpturen im Wert von Millionen, die für den relativ geringen Wert des Metalls, einen winzigen Bruchteil des Wertes des Kunstwerks, gestohlen und eingeschmolzen wurden.

Form

Kulturell

Methode

Anwendung

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

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