Rhapsodie in Blau -Rhapsody in Blue

Rhapsodie in Blau
von George Gershwin
Ein Bild, das das ursprüngliche Blattcover für Rhapsody in Blue darstellt
Cover der Originalnoten von Rhapsody in Blue
ISWC T-070.126.537–3
Genre Orchesterjazz
Form Rhapsodie
Zusammengesetzt Januar 1924 ( 1924-01 )
Veröffentlicht 12. Juni 1924 Harms, Inc. ( 1924-06-12 )
Premiere
Datum 12. Februar 1924 ( 1924-02-12 )
Standort Aeolian Hall , New York City, USA
Dirigent Paul Whiteman
Darsteller George Gershwin (Klavier)
Ross Gorman (Klarinette)
Aufnahmen
Die Aufführung der Jazzband-Version von 1924 durch die United States Marine Band 2018 mit dem Pianisten Bramwell Tovey

Rhapsody in Blue ist eine 1924 von George Gershwin geschriebene Musikkompositionfür Soloklavier und Jazzband, die Elemente der klassischen Musik mit Jazz- beeinflussten Effekten kombiniert. Im Auftrag des Bandleaders Paul Whiteman wurde das Werk in einem Konzert mit dem Titel "An Experiment in Modern Music" am 12. Februar 1924 in der Aeolian Hall in New York City uraufgeführt. Whitemans Band spielte die Rhapsodie mit Gershwin am Klavier. Whitemans Arrangeur Ferde Grofé orchestrierte die Rhapsodie mehrmals, darunter die Originalbesetzung von 1924, die Orchesterbesetzung von 1926und die symphonische Besetzung von 1942.

Die Rhapsodie ist eine von Gershwins bekanntesten Kreationen und eine Schlüsselkomposition, die das Jazzzeitalter definierte . Gershwins Stück läutete eine neue Ära in der amerikanischen Musikgeschichte ein, begründete Gershwins Ruf als bedeutenden Komponisten und wurde schließlich zu einem der beliebtesten Konzertwerke überhaupt. Die American Heritage Magazin Setzungen , dass die berühmte Eröffnung Klarinette Glissando als sofort erkennbar zu Konzertpublikum wie hat sich Beethoven ‚s Fünfte .

Geschichte

Kommission

Bandleader Paul Whiteman (links) und Komponist George Gershwin (rechts)

Nach dem Erfolg eines experimentellen Klassik-Jazz-Konzerts mit der kanadischen Sängerin Éva Gauthier in New York City am 1. November 1923 beschloss Bandleader Paul Whiteman , ein ehrgeizigeres Kunststück zu wagen. Er bat den Komponisten George Gershwin , ein konzertähnliches Stück für ein reines Jazzkonzert zu Ehren von Lincolns Geburtstag in der Aeolian Hall zu schreiben . Whiteman war auf die Aufführung einer so ausgedehnten Komposition von Gershwin fixiert, nachdem er mit ihm in The Scandals of 1922 zusammengearbeitet hatte . Besonders beeindruckt hatte ihn Gershwins Einakter "Jazzoper" Blue Monday . Gershwin lehnte Whitemans Antrag zunächst mit der Begründung ab, dass er – da wahrscheinlich eine Überarbeitung der Partitur erforderlich sein würde – nicht genügend Zeit habe, das Werk zu komponieren.

Bald danach am Abend des 3. Januar, George Gershwin und Texter Buddy DeSylva waren zu spielen Billard im Ambassador Billiard Parlor am Broadway und 52nd Street in Manhattan. Ihr Spiel wurde von Ira Gershwin , Georges Bruder, unterbrochen , der die New-York Tribune vom 4. Januar gelesen hatte . Ein nicht signierter Artikel mit dem Titel "What Is American Music?" über ein bevorstehendes Whiteman-Konzert hatte Iras Aufmerksamkeit erregt. Der Artikel erklärte fälschlicherweise, dass George Gershwin bereits für Whitemans Konzert "an einem Jazzkonzert arbeitete".

Gershwin war von der Nachricht verwirrt, da er es höflich abgelehnt hatte, ein solches Werk für Whiteman zu komponieren. In einem Telefongespräch mit Whiteman am nächsten Morgen erfuhr Gershwin, dass Whitemans Erzrivale Vincent Lopez plante, die Idee seines experimentellen Konzerts zu stehlen und es keine Zeit zu verlieren gab. So wurde Gershwin schließlich von Whiteman überredet, das Stück zu komponieren.

Komposition

Nur noch fünf Wochen bis zur Uraufführung, machte sich Gershwin eilig daran, das Werk zu komponieren. Später behauptete er, dass während einer Zugfahrt nach Boston die thematischen Samen für Rhapsody in Blue in seinem Kopf zu keimen begannen. Er sagte dem Biografen Isaac Goldberg 1931:

Es war im Zug, mit seinen stählernen Rhythmen, seinem rasselnden [ sic ] Knall, der für einen Komponisten so oft so anregend ist ... Ich höre oft Musik mitten im Lärm. Und da hörte ich plötzlich – und sah sogar auf dem Papier – den kompletten Aufbau der Rhapsodie, von Anfang bis Ende. Mir kamen keine neuen Themen, aber ich arbeitete schon in Gedanken an dem thematischen Material und versuchte, die Komposition als Ganzes zu konzipieren. Ich hörte es als eine Art musikalisches Kaleidoskop Amerikas, unseres riesigen Schmelztiegels , unseres unverfälschten nationalen Peps , unseres großstädtischen Wahnsinns . Als ich Boston erreichte, hatte ich eine bestimmte Handlung des Stücks, die sich von seiner eigentlichen Substanz unterscheidet.

Gershwin begann am 7. Januar mit dem Komponieren, wie im Originalmanuskript für zwei Klaviere datiert. Während seiner Komposition betitelte er das Stück vorläufig als American Rhapsody . Der überarbeitete Titel Rhapsody in Blue wurde von Ira Gershwin nach seinem Besuch einer Galerieausstellung von James McNeill Whistler- Gemälden vorgeschlagen, die Titel wie Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket and Arrangement in Grey and Black trug . Nach einigen Wochen beendete Gershwin seine Komposition und übergab die Partitur an Ferde Grofé , Whitemans Arrangeur. Grofé beendete die Orchestrierung des Stücks am 4. Februar – nur acht Tage vor der Uraufführung.

Premiere

Die Rhapsody wurde 1923 an einem verschneiten Nachmittag in der Aeolian Hall in Manhattan uraufgeführt .

Rhapsody in Blue wurde an einem verschneiten Nachmittag am Dienstag, den 12. Februar 1924, in der Aeolian Hall in Manhattan uraufgeführt . Das mit Spannung erwartete Konzert von Paul Whiteman und seinem Palais Royal Orchestra mit dem Titel "An Experiment in Modern Music" zog ein "vollgepacktes Publikum" an. Das angeregte Publikum bestand aus „ vaudevillians , Konzertmanager gekommen , um einen Blick auf die Neuheit, haben Tin Pan Alleyites , Komponisten, Sinfonie- und Opernstars, Flapper , Kuchenesser, alles durcheinander wie Kraut und Rüben .“ Viele einflussreiche Persönlichkeiten der Ära waren anwesend, darunter Carl Van Vechten , Marguerite d'Alvarez , Victor Herbert , Walter Damrosch , Igor Strawinsky , Fritz Kreisler , Leopold Stokowski , John Philip Sousa und Willie "the Lion" Smith .

In einem Vortrag vor dem Konzert erklärte Whitemans Manager Hugh C. Ernst, der Zweck des Konzerts sei "rein lehrreich zu sein". Die ausgewählte Musik sollte exemplarisch für die "Melodien, Harmonien und Rhythmen stehen, die die pochenden emotionalen Ressourcen dieses jungen, unruhigen Zeitalters aufrütteln ". Das Konzertprogramm war lang mit 26 separaten Musiksätzen, die in 2 Teile und 11 Abschnitte unterteilt waren und Titel wie "True Form Of Jazz" und "Contrast - Legitimate Scoring vs. Jazzing" trugen. In dem Zeitplan des Programms war Gershwins Rhapsodie nur das vorletzte Stück und voran Elgar ‚s Pomp and Circumstance March No. 1 .

Viele der frühen Nummern des Programms überwältigten das Publikum angeblich, und das Belüftungssystem im Konzertsaal funktionierte nicht. Als Gershwin seinen unauffälligen Auftritt für die Rhapsodie machte, gingen einige Zuschauer schon zum Ausgang. Das Publikum war angeblich gereizt, ungeduldig und unruhig, bis das eindringliche Klarinetten- Glissando zu hören war , mit dem Rhapsody in Blue eröffnet wurde. Das unverwechselbare Glissando war ganz zufällig bei den Proben entstanden:

Als Witz auf Gershwin .... [Ross] Gorman [Whiteman virtuosen Klarinettisten] spielte die Öffnung Maßnahme mit einer spürbaren Glissando ‚Stretching‘ die Noten und das Hinzufügen , was er einen jazzigen betrachtet und Witz auf den Gang. Gershwin reagierte positiv auf Gormans Laune und bat ihn, den Eröffnungstakt auf diese Weise zu spielen.... und so viel " Wimmern " wie möglich hinzuzufügen .

Die Rhapsodie wurde dann von Whitemans Orchester, bestehend aus "dreiundzwanzig Musikern im Ensemble" mit George Gershwin am Klavier aufgeführt. Im charakteristischen Stil entschied sich Gershwin dafür, sein Klaviersolo teilweise zu improvisieren. Das Orchester wartete ängstlich auf Gershwins Nicken, das das Ende seines Klaviersolos und den Hinweis für das Ensemble signalisierte, wieder zu spielen. Da Gershwin einiges von dem, was er spielte, improvisierte, wurde der Soloklavierteil erst nach der Aufführung technisch geschrieben, und es bleibt unbekannt, wie die ursprüngliche Rhapsodie bei der Premiere klang.

Publikumsreaktion und Erfolg

Carl Van Vechten , Marguerite d'Alvarez und Victor Herbert gehörten zu den vielen prominenten Persönlichkeiten im Publikum.

Am Ende der Rhapsodie gab es "stürmischen Applaus für Gershwins Komposition", und ganz unerwartet "war das Konzert in jeder Hinsicht außer der finanziellen ein Knockout". Das Konzert erlangte durch die Uraufführung der Rhapsodie schnell historische Bedeutung, und ihr Programm sollte "nicht nur ein historisches Dokument werden, das Eingang in ausländische Jazzmonographien findet, sondern auch eine Rarität".

Nach dem Erfolg der Premiere von Rhapsody folgten weitere Aufführungen. Die britische Erstaufführung von Rhapsody in Blue fand am 15. Juni 1925 im Savoy Hotel in London statt. Sie wurde in einer Live-Staffel von der BBC übertragen . Debroy Somers dirigierte die Savoy Orpheans mit Gershwin selbst am Klavier. Das Stück wurde im Vereinigten Königreich während der zweiten Europatournee des Paul Whiteman Orchestra, vor allem am 11. April 1926, in der Royal Albert Hall mit Gershwin im Publikum erneut gehört. Das Konzert in der Royal Albert Hall wurde von der Gramophone Company / HMV aufgenommen, jedoch nicht herausgegeben .

Bis Ende 1927 hatte Whitemans Band Rhapsody in Blue ungefähr 84 Mal gespielt, und die Aufnahme verkaufte sich eine Million Mal. Damit das ganze Stück auf zwei Seiten einer 12-Zoll-Schallplatte passt , musste die Rhapsodie schneller gespielt werden als bei einem Konzert üblich, was ihr ein eiliges Gefühl gab und etwas Rubato verloren ging. Whiteman übernahm das Stück später als Titelsong seiner Band und eröffnete seine Radioprogramme mit dem Slogan "Everything new but the Rhapsody in Blue ".

Kritische Antwort

Zeitgenössische Rezensionen

„Jazz ist im Grunde eine Art Rhythmus plus eine Art Instrumentierung. Aber uns scheint diese Art von Musik nur halb lebendig zu sein. Ihre herrliche Vitalität des Rhythmus und der instrumentalen Farbe wird durch melodische und harmonische Anämie der schädlichsten Art beeinträchtigt .... [Ich] erinnere mich an das ehrgeizigste Stück [von Whitemans Konzert], die Rhapsody , und weine über die Leblosigkeit ihrer Melodie und Harmonie, so abgeleitet, so abgestanden, so ausdruckslos."

Lawrence Gilman , New-York Tribune , Februar 1924

Im Gegensatz zur herzlichen Aufnahme durch das Konzertpublikum gaben professionelle Musikkritiker in der Presse der Rhapsodie entschieden gemischte Kritiken. Pitts Sanborn erklärte, dass die Rhapsodie "mit einem vielversprechenden, gut formulierten Thema beginnt", aber "bald in leere Passagen und bedeutungslose Wiederholungen mündet". Einige Bewertungen waren besonders negativ. Ein rechthaberischer Musikkritiker, Lawrence Gilman – ein Richard-Wagner- Enthusiast, der später eine vernichtende Rezension von Gershwins Porgy and Bess schreiben sollte – kritisierte die Rhapsodie in der New-York Tribune- Rezension vom Februar scharf als „abgeleitet“, „abgestanden“ und „ausdruckslos“. 13, 1924.

Andere Rezensenten waren positiver. Samuel Chotzinoff, Musikkritiker der New York World , räumte ein, dass Gershwins Komposition "aus dem Jazz eine ehrliche Frau gemacht habe", während Henrietta Strauss von The Nation meinte, dass Gershwin "ein neues Kapitel zu unserer Musikgeschichte hinzugefügt" habe. Olin Downes schrieb über das Konzert in der New York Times :

Diese Komposition zeugt von außergewöhnlichem Talent, zeigt sie doch einen jungen Komponisten mit weit über seinesgleichen hinausgehenden Zielen, der mit einer Form ringt, deren Meister er bei weitem nicht ist.... Trotzdem hat er sich in eine bedeutsame und im ganzen höchst originelle Form.... Sein erstes Thema... ist keine bloße Tanzmelodie... es ist eine Idee oder mehrere Ideen, die korreliert und in wechselnden und kontrastierenden Rhythmen kombiniert werden, die sofort intrigieren der Zuhörer. Das zweite Thema ist eher nach Art einiger Kollegen von Herrn Gershwin. Tuttis sind zu lang, Kadenzen sind zu lang, die Peroration am Ende verliert viel von der Wildheit und Pracht, die sie bei breiterer Vorbereitung hätte haben können, und trotzdem war das Publikum gerührt und mancher verhärtet Konzertbesucher begeistert von der Sensation, dass ein neues Talent seine Stimme findet.

Insgesamt wurde von professionellen Musikkritikern immer wieder kritisiert, dass Gershwins Stück im Wesentlichen formlos sei und er melodische Segmente willkürlich zusammengeklebt habe.

Rückblickende Bewertungen

Jahre nach seiner Uraufführung spaltete Rhapsody in Blue die Musikkritiker vor allem aufgrund seiner wahrgenommenen melodischen Inkohärenz weiter. Constant Lambert , ein britischer Dirigent, war dem Werk gegenüber offen abweisend:

Der Komponist [George Gershwin] hat beim Versuch, ein Liszt-Konzert im Jazzstil zu schreiben , nur die nicht-barbarischen Elemente in der Tanzmusik verwendet, und das Ergebnis ist weder guter Jazz noch guter Liszt, und im wahrsten Sinne des Wortes ein gutes Konzert .

In einem Artikel in The Atlantic Monthly aus dem Jahr 1955 erklärte Leonard Bernstein , der dennoch zugab, dass er das Stück liebte:

Rhapsody in Blue ist keine wirkliche Komposition in dem Sinne, dass alles, was darin passiert, unvermeidlich oder sogar ziemlich unvermeidlich erscheinen muss. Sie können Teile davon ausschneiden, ohne das Ganze in irgendeiner Weise zu beeinflussen, außer um es kürzer zu machen. Sie können jeden dieser zusammengeklebten Abschnitte entfernen und das Stück geht immer noch so tapfer weiter wie zuvor. Sie können diese Abschnitte sogar untereinander austauschen und es wird kein Schaden angerichtet. Sie können Schnitte innerhalb eines Abschnitts vornehmen, neue Kadenzen hinzufügen oder ihn mit einer beliebigen Kombination von Instrumenten oder allein auf dem Klavier spielen; es kann ein Fünf-Minuten-Stück sein, ein Sechs-Minuten-Stück oder ein Zwölf-Minuten-Stück. Und tatsächlich werden all diese Dinge jeden Tag damit gemacht. Es ist immer noch die Rhapsody in Blue .

Orchestrierung

Ferde Grofé , Whitemans Chefarrangeur von 1920 bis 1932, schuf das erste Arrangement von Gershwins Rhapsody in Blue .

Da Gershwin 1924 nicht über ausreichende Kenntnisse der Orchestrierung verfügte, war Ferde Grofé – Whitemans Pianist und Chefarrangeur – eine Schlüsselfigur für den kometenhaften Erfolg der Rhapsodie, und Kritiker haben behauptet, dass Grofés Arrangements der Rhapsodie ihren Platz in der amerikanischen Kultur gesichert haben . Gershwins Biograf Isaac Goldberg bemerkte 1931, dass Grofé eine entscheidende Rolle beim Triumph der Uraufführung spielte:

In der Hitze der Veranstaltung wurde der Beitrag von Ferdie [ sic ] Grofé, dem Arrangeur im Whiteman-Team, der die Rhapsody in zehn Tagen aufgenommen hatte, übersehen oder ignoriert. Es stimmt, dass Gershwin einen nennenswerten Teil der Wertung angegeben hatte; dennoch war Grofés Beitrag nicht nur für die Komposition, sondern auch für die Jazzmusik der unmittelbaren Zukunft von größter Bedeutung.

Grofés Vertrautheit mit den Stärken der Whiteman-Band war ein Schlüsselfaktor für seine 1924-Scoring. Diese Orchestrierung wurde für Soloklavier und die 23 Musiker von Whiteman entwickelt. Für das Schilf Abschnitt, Ross Gorman (Reed I) spielte eine Oboe, ein Heckelphon , eine Klarinette in B , Sopraninosaxophon in E & B , ein Altsaxophon , eine E Sopran Klarinette und Alt und Baßklarinetten ; Donald Clark (Reed II) spielte ein Sopransaxophon in B , Alt- und Baritonsaxophon und Hale Byers (Reed III) spielte Sopransaxophon in B , Tenorsaxophon , Baritonsaxophon und eine Flöte .

Für die Blechbläser wurden zwei Trompeten in B von Henry Busse und Frank Siegrist gespielt; zwei Waldhörner in F gespielt von Arturo Cerino und Al Corrado; zwei Posaunen gespielt von Roy Maxon und James Casseday sowie eine Tuba und ein Kontrabass gespielt von Guss Helleburg bzw. Albert Armer.

Die Percussion-Sektion umfasste ein Schlagzeug , Pauken und ein Glockenspiel, gespielt von George Marsh; ein Klavier, das typischerweise von Ferde Grofé oder Henry Lange gespielt wird; ein Tenor - Banjo von Michael Pingatore, und eine Ergänzung der Violinen gespielt.

Dieses ursprüngliche Arrangement – ​​mit seinen einzigartigen instrumentalen Anforderungen – wurde aufgrund der Popularität und Brauchbarkeit der späteren Besetzungen bis zu seiner Wiederbelebung in Rekonstruktionen ab Mitte der 1980er Jahre weitgehend ignoriert. Nach der Uraufführung 1924 überarbeitete Grofé die Partitur und nahm 1926 und 1942 neue Orchestrierungen vor, jeweils für größere Orchester. Seine Bearbeitung für ein Theaterorchester wurde 1926 veröffentlicht. Diese Adaption wurde für ein eher standardisiertes „ Grubenorchesterorchestriert , das eine Flöte, eine Oboe, zwei Klarinetten, ein Fagott, drei Saxophone umfasste; zwei Waldhörner, zwei Trompeten und zwei Posaunen; sowie die gleiche Schlagzeug- und Streicherergänzung wie die spätere Version von 1942.

Paul Whiteman spielte erneut Rhapsody in Blue in dem von Grofé arrangierten Film King of Jazz (1930).

Die spätere Bearbeitung von Grofé aus dem Jahr 1942 war für ein komplettes Sinfonieorchester . Es wird für Klavier und ein Orchester hat , bestehend aus zwei Flöten, zwei Oboen, zwei Klarinetten in B und A , eine Baßklarinette , zwei bassoons zwei Altsaxophone in E , ein Tenorsax in B ; drei Waldhörner in F, drei Trompeten in B , drei Posaunen, eine Tuba; eine Perkussionssektion mit Pauken, einem hängenden Becken , einer kleinen Trommel , einer großen Trommel , einem Tam-Tam , einem Triangel , einem Glockenspiel und Becken ; ein Tenorbanjo; und Saiten . Seit Mitte des 20. Jahrhunderts war diese Version von 1942 das Arrangement, das normalerweise von klassischen Orchestern aufgeführt wurde, und wurde bis 1976 zu einem festen Bestandteil des Konzertrepertoires, als Michael Tilson Thomas zum ersten Mal die Originalversion der Jazzband aufnahm, wobei er Gershwins aktuelle Klavierrolle von 1925 mit ein komplettes Jazzorchester.

Grofés andere Arrangements von Gershwins Stück umfassen die für Whitemans Film King of Jazz aus dem Jahr 1930 und die Konzertband-Vertonung (spielbar ohne Klavier), die 1938 fertiggestellt und 1942 veröffentlicht wurde. Die Bedeutung der Saxophone in den späteren Orchestrierungen ist etwas reduziert, und die Auf den Banjo-Part kann verzichtet werden, da sein hauptsächlich rhythmischer Beitrag von den Innensaiten geleistet wird.

Gershwin selbst fertigte Versionen des Stücks für Soloklavier sowie zwei Klaviere an. Die Solofassung zeichnet sich dadurch aus, dass mehrere Teile des Stücks weggelassen wurden. Gershwins Absicht, schließlich eine eigene Orchestrierung zu machen, ist in der Korrespondenz des Verlegers Harms von 1936 bis 37 dokumentiert .

Bemerkenswerte Aufnahmen

Ende der 1930er Jahre Neuauflage der 1927 veröffentlichten elektrischen Veröffentlichung von Rhapsody in Blue als Victor 35822A von Paul Whiteman and His Concert Orchestra mit George Gershwin am Klavier. 1974 in die Grammy Hall of Fame aufgenommen .

Es gibt zwei Aufnahmen von George Gershwin, die gekürzte Versionen seiner Komposition mit dem Orchester von Paul Whiteman aufführen. Eine akustische Aufnahme vom 10. Juni 1924 von der Victor Talking Machine Company mit einer Dauer von 8 Minuten und 59 Sekunden und eine vom 21. April 1927 aufgenommene elektrische Aufnahme von Victor mit einer Dauer von 9 Minuten und 1 Sekunde (ungefähr die Hälfte der komplette Arbeit). Diese Version wurde von Nathaniel Shilkret nach einem Streit zwischen Gershwin und Whiteman durchgeführt. Zusätzlich zu den oben genannten zwei Versionen hielt eine Notenrolle von 1925 Gershwins Auftritt in einer Zwei-Klavier-Version fest.

Whitemans Orchester führte später eine verkürzte Version des Stücks im Film The King of Jazz von 1930 mit Roy Bargy am Soloklavier auf. Whiteman nahm das Stück für Decca am 23. Oktober 1938 auf einer 12-Zoll-Platte mit 78 U/min (29051) neu auf. Allerdings dauerte es bis zur Weltwirtschaftskrise, dass die erste vollständige Aufnahme der Komposition mit dem Pianisten Jesús María Sanromá und Arthur Fiedler dirigierte das Boston Pops Orchestra , wurde 1935 von RCA Victor herausgegeben . Fiedler und die Boston Pops machten 1959 eine weitere populäre Aufnahme des Werks in stereophonem Klang mit Earl Wild am Klavier für RCA Victor.

Während des Zweiten Weltkriegs entstand am 21. August 1945 eine Aufnahme des Pianisten Oscar Levant mit dem Philadelphia Orchestra unter der Leitung von Eugene Ormandy . Diese Aufnahme mit dem Titel Columbia Masterworks 251 wurde zu einem der meistverkauften Schallplatten dieses Jahres. Über ein Jahrzehnt später, 1958, nahmen die Hamburger Philharmoniker unter der Leitung von Hans-Jürgen Walther und mit David Haines am Klavier eine 8:16-Version für Somerset Records auf . Das Albumcover zeigte eine Fotografie de nuit des Chrysler Building – eines Wolkenkratzers im Art-déco- Stil – und der umliegenden Stadtlandschaft in Blau.

1973 wurde das Stück vom brasilianischen Jazz-Rock- Künstler Eumir Deodato auf seinem Album Deodato 2 aufgenommen . Die Single erreichte Billboard-Spitzenplätze Platz 41 Pop, Platz 10 Easy Listening. Ein Disco- Arrangement wurde 1978 vom französischen Pianisten Richard Clayderman aufgenommen und ist eines seiner Signature-Stücke.

In den späten 1970er Jahren wurde das Interesse an der ursprünglichen Anordnung wiederbelebt. Am 14. Februar 1973 wurde es erstmals seit dem Jazz-Zeitalter aufgeführt: Dirigent Kenneth Kiesler sicherte sich die erforderlichen Genehmigungen und leitete mit dem Pianisten Paul Verrette auf seinem Campus der University of New Hampshire . Rekonstruktionen davon wurden 1976 von Michael Tilson Thomas und der Columbia Jazz Band sowie von Maurice Peress mit Ivan Davis am Klavier als Teil einer Rekonstruktion des gesamten Konzerts von 1924 zum 60. Jahrestag aufgenommen. André Watts (1976), Marco Fumo (1974) und Sara Davis Buechner (2005) veröffentlichten Aufnahmen des Werkes für Soloklavier, ebenso wie Eric Himy (2004) in einer Version, die die ungekürzte Original- Kurzpartitur enthielt. Inzwischen haben auch Zweierteams wie José Iturbi und Amparo Iturbi sowie Katia und Marielle Labèque das Stück eingespielt. Michel Camilo nahm das Stück 2006 auf und gewann einen Latin Grammy Award .

Form und Analyse

Die ersten Takte von Gershwins Partitur für die Rhapsodie, die oft als "Glissando-Thema" bezeichnet wird.

Als Jazzkonzert ist Rhapsody in Blue für Soloklavier mit Orchester geschrieben. Eine Rhapsodie unterscheidet sich von einem Konzert dadurch, dass sie einen erweiterten Satz anstelle einzelner Sätze enthält. Rhapsodien enthalten oft Passagen improvisatorischer Natur – obwohl sie in einer Partitur ausgeschrieben sind – und haben eine unregelmäßige Form mit erhöhten Kontrasten und emotionalem Überschwang. Die Musik reicht von intensiv rhythmischen Klaviersoli bis hin zu langsamen, breiten und reich orchestrierten Abschnitten. Folglich kann die Rhapsodie "als eine Fantasie ohne strenge Formtreue angesehen werden".

Die Eröffnung von Rhapsody in Blue geschrieben wird als eine Klarinette Triller von einem legato gefolgt, 17 Noten in einer diatonischen Tonleiter. Während einer Probe übertrug Whitemans virtuoser Klarinettist Ross Gorman den oberen Teil der Tonleiter als fesselndes und posaunenartiges Glissando . Gershwin hörte es und bestand darauf, dass es in der Aufführung wiederholt wird. Der Effekt wird erzeugt, indem die Zungen- und Rachenmuskulatur die Resonanz der Mundhöhle verändert und so die kontinuierlich ansteigende Tonhöhe kontrolliert. Auch viele Klarinettisten öffnen beim Übergang vom letzten Konzert F zum obersten Konzert B nach und nach die linken Tonlöcher ihres Instruments . Dieser Effekt ist mittlerweile zur Standardaufführungspraxis des Werkes geworden.

Rhapsody in Blue bietet sowohl rhythmische Erfindung als auch melodische Inspiration und demonstriert Gershwins Fähigkeit, ein Stück mit groß angelegter harmonischer und melodischer Struktur zu schreiben. Das Stück zeichnet sich durch einen starken motivischen Bezug aus . Ein Großteil des motivischen Materials wird in den ersten 14 Takten eingeführt . Der Musikwissenschaftler David Schiff hat fünf Hauptthemen sowie ein sechstes "Tag" identifiziert. Von diesen erscheinen zwei in den ersten 14 Takten, und das Etikett erscheint in Takt 19. Zwei der verbleibenden drei Themen sind rhythmisch mit dem allerersten Thema in Takt 2 verbunden, das manchmal als „Glissando-Thema“ bezeichnet wird – nach dem Öffnen Glissando in der Klarinette Solo-oder „Ritornello Thema“. Das verbleibende Thema ist das "Zugthema", das nach dem Eröffnungsmaterial bei Probe 9 als erstes erscheint. Alle diese Themen basieren auf der Blues-Tonleiter , die tiefere Septimen und eine Mischung aus großen und kleinen Terzen umfasst. Jedes Thema erscheint sowohl in orchestrierter Form als auch als Klaviersolo. Es gibt erhebliche Unterschiede in der Art der Präsentation der einzelnen Themen.

Die harmonische Struktur der Rhapsodie ist schwieriger zu analysieren. Das Stück beginnt und endet in B -Dur , moduliert aber sehr früh in Richtung Subdominante und kehrt am Ende ziemlich abrupt zu B -Dur zurück . Die Öffnung moduliert "nach unten", wie sie waren, durch den Schlüssel B , E , A , D , G , B, E, und schließlich zu einem großen. Die Modulation durch den Quintenzirkel in umgekehrter Richtung kehrt klassische Tonverhältnisse um, gibt sie aber nicht auf. Der gesamte Mittelteil befindet sich hauptsächlich in C-Dur, mit Streifzügen nach G-Dur (dem Dominantenverhältnis). Solche Modulationen treten frei auf, wenn auch nicht immer mit harmonischer Richtung. Gershwin verwendet häufig eine rekursive harmonische Abfolge kleiner Terzen, um die Illusion von Bewegung zu erwecken, obwohl eine Passage tatsächlich von Anfang bis Ende die Tonart nicht ändert. Die Modulation durch Terzen ist ein gemeinsames Merkmal der Tin Pan Alley- Musik.

Die Einflüsse des Jazz und anderer zeitgenössischer Stilrichtungen sind in Rhapsody in Blue präsent . Ragtime- Rhythmen sind reichlich vorhanden, ebenso wie der kubanische „ Clave “-Rhythmus, der auch als Tanzrhythmus im Charleston Jazz Dance dient. Gershwins eigene Absicht war es, den Glauben zu korrigieren, dass Jazz streng im Takt gespielt werden müsse, damit man dazu tanzen könne. Die Tempi der Rhapsodie variieren stark, und an vielen Stellen wird Rubato fast extrem verwendet . Der deutlichste Einfluss des Jazz ist die Verwendung von Blue Notes , und die Erforschung ihrer Halbton-Beziehung spielt eine Schlüsselrolle in der Rhapsodie. Die Verwendung sogenannter "volkssprachlicher" Instrumente wie Akkordeon , Banjo und Saxophone im Orchester trägt zu seinem Jazz- oder Populärstil bei, und die beiden letzteren dieser Instrumente sind Teil von Grofés "Standard" -Orchesterbesetzung geblieben.

Gershwin integrierte mehrere verschiedene Klavierstile in seine Arbeit. Er verwendete die Techniken des Stride-Pianos , des Novelty-Pianos , des Comic-Pianos und des Song-Plugger- Piano-Stils. Der rhythmische und improvisatorische Stil des Stride Pianos zeigt sich im Abschnitt "agitato e misterioso", der vier Takte nach Probe 33 beginnt, sowie in anderen Abschnitten, von denen viele das Orchester beinhalten. Neuartiges Klavier ist bei Probe 9 mit der Enthüllung des Zugthemas zu hören. Das Zögern und der unbeschwerte Stil des komischen Klaviers, ein Varieté- Ansatz für das Klavier, der von Chico Marx und Jimmy Durante bekannt wurde , werden bei Probe 22 deutlich.

Erbe und Einfluss

Kultureller Zeitgeist

Gerswhins Arbeit wurde von Schriftstellern und Wissenschaftlern als Verkörperung des Zeitgeists des Jazzzeitalters mit seinen Flappern und Speakeasies zitiert.  Oben: Gönner und ein Flapper warten auf die Eröffnung einer Flüsterkneipe im Jahr 1921.
Gerswhin Arbeiten wurden von Schriftstellern und Gelehrten zitiert als Verkörperung des Jazz Age ‚s Zeitgeist mit seiner flappers und speakeasies . Oben: Gönner und ein Flapper warten auf die Eröffnung einer Flüsterkneipe im Jahr 1921.

Laut dem Kritiker Orrin Howard vom Los Angeles Philharmonic Orchestra hinterließ Gershwins Rhapsodie „einen unauslöschlichen Eindruck in der Geschichte der amerikanischen Musik, in der Bruderschaft ernsthafter Komponisten und Interpreten – von denen viele bei der Uraufführung anwesend waren – und in Gershwin selbst, für seine begeisterter Empfang ermutigte ihn zu anderen und ernsthafteren Projekten."

Howard Setzungen , dass das Erbe der Arbeit am besten als Verkörperung der kulturellen verstanden Zeitgeist des Jazz Age :

Beginnend mit diesem unvergleichlichen, extravaganten Klarinettensolo ist Rhapsody immer noch unwiderstehlich, mit seiner synkopierten rhythmischen Lebendigkeit, seinem verlassenen, frechen Flair, das mehr über die Goldenen Zwanziger sagt, als tausend Worte könnten, und seiner echten melodischen Schönheit, die ein tiefes, jazziges Blau färbt die abgeflachten Septimen und Terzen, die ihren Ursprung in den afroamerikanischen Sklavenliedern hatten .

Obwohl Gershwins Rhapsodie „keineswegs ein definitives Beispiel für Jazz im Jazzzeitalter war“, sind sich Musikhistoriker wie James Ciment und Floyd Levin ähnlich einig, dass es die Schlüsselkomposition ist, die den Geist der Zeit verkörpert.

Bereits 1927 meinte der Schriftsteller F. Scott Fitzgerald , dass Rhapsody in Blue den jugendlichen Zeitgeist des Jazz-Zeitalters idealisierte. In den folgenden Jahrzehnten wurden sowohl die letztere Ära als auch Fitzgeralds verwandte literarische Werke von Kritikern und Gelehrten oft kulturell mit Gershwins Komposition verbunden. 1941 meinte der Sozialhistoriker Peter Quennell , Fitzgeralds Roman Der große Gatsby verkörpere „die Traurigkeit und die ferne Unbeschwertheit einer Gershwin-Melodie“. Dementsprechend wurde Rhapsody in Blue als dramatisches Leitmotiv für die Figur von Jay Gatsby in dem Film The Great Gatsby von 2013 verwendet , einer filmischen Adaption von Fitzgeralds Roman von 1925.

Verschiedene Schriftsteller, wie der amerikanische Dramatiker und Journalist Terry Teachout , haben Gershwin aufgrund seines Versuchs, seinen Hintergrund aus der Unterschicht zu überwinden, seines abrupten kometenhaften Erfolgs und seines frühen Todes in seinen Dreißigern selbst mit dem Charakter von Gatsby verglichen.

Musikalisches Porträt von New York City

Rhapsody in Blue wurde als musikalisches Porträt des Jazz Age New York City interpretiert.
Rhapsody in Blue wurde als musikalisches Porträt des Jazz Age New York City interpretiert .

Rhapsody in Blue wurde als musikalisches Porträt des New York City des frühen 20. Jahrhunderts interpretiert. Der Kulturwissenschaftler Darryn King schrieb im Wall Street Journal, dass "Gershwins Verschmelzung von Jazz- und klassischen Traditionen den florierenden Schmelztiegel des Jazz Age New York einfängt ."

Ebenso meinte der Musikhistoriker Vince Giordano , dass "die Synkope , die blauen Noten, die Ragtime- und Jazz-Rhythmen, die Gershwin 1924 schrieb, wirklich ein Gefühl von New York City in dieser erstaunlichen Ära waren. Der Rhythmus der Stadt scheint dort drin zu sein." ." Pianist Lang Lang wiederholt dieses Gefühl: "Wenn ich Rhapsody in Blue höre , sehe ich irgendwie das Empire State Building . Ich sehe die Skyline von New York in Midtown Manhattan und ich sehe bereits die Coffeeshops [in] Times Square ."

Dementsprechend wurde die Komposition in diesem Zusammenhang in einem New Yorker Segment für den Walt Disney Pictures Animationsfilm Fantasia 2000 von 1999 verwendet , in dem das Stück als lyrischer Rahmen für ein stilisiertes Animationsset im Stil des berühmten Illustrators Al Hirschfeld verwendet wird . Es wurde auch in der Eröffnungssequenz von Woody Allens Film Manhattan von 1979 verwendet . Der Film dient als "ein filmischer Liebesbrief an die Stadt, der seine Eröffnungsmontage typischer New Yorker Szenen auf Gershwins berühmtes Jazzkonzert setzt".

Einfluss auf Komponisten

Gershwins Rhapsodie hat eine Reihe von Komponisten beeinflusst. 1955 diente Rhapsody in Blue als Inspiration für eine Komposition des bekannten Akkordeonisten/Komponisten John Serry Sr., die 1957 als American Rhapsody veröffentlicht wurde . Brian Wilson , der Anführer von The Beach Boys , sagte bei mehreren Gelegenheiten, dass Rhapsody in Blue eines seiner Lieblingsstücke ist. Er hörte es zum ersten Mal, als er zwei Jahre alt war, und erinnert sich, dass er es "liebte". Laut Biograf Peter Ames Carlin war es ein Einfluss auf sein Smile- Album. Rhapsody in Blue inspirierte auch eine Zusammenarbeit zwischen dem blinden und gelehrten britischen Pianisten Derek Paravicini und dem Komponisten Matthew King an einem neuen Konzert namens Blue, das 2011 im South Bank Centre in London uraufgeführt wurde.

Andere Verwendung

Rhapsody in Blue wurde gleichzeitig von 84 Pianisten bei der Eröffnungsfeier der Olympischen Sommerspiele 1984 in Los Angeles gespielt. Die Pianisten Herbie Hancock und Lang Lang spielten Rhapsody in Blue bei den 50. Grammy Awards am 10. Februar 2008. Seit 1980 wird das Stück von United Airlines in ihren Werbespots, in Sicherheitsvideos vor dem Flug und im unterirdischen Gang von Terminal 1 verwendet am Internationalen Flughafen Chicago O'Hare . In den 1980er und frühen 1990er Jahren spielte es auch unter der Geschäftsreiseprognose auf The Weather Channel, als United das Segment sponserte.

Erhaltungsstatus

Am 22. September 2013 wurde die Veröffentlichung einer musikwissenschaftlich- kritischen Ausgabe der vollständigen Orchesterpartitur angekündigt . Die Familie Gershwin arbeitet in Zusammenarbeit mit der Library of Congress und der University of Michigan daran, diese Partituren der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Obwohl das gesamte Gershwin-Projekt 40 Jahre dauern kann, wird die Rhapsody in Blue- Ausgabe ein früher Band sein.

Rhapsody in Blue trat in den öffentlichen Bereich auf 1. Januar 2020 , obwohl einzelne Aufnahmen unter dem Copyright bleiben.

Verweise

Anmerkungen

Zitate

Literaturverzeichnis

Druckquellen

Online-Quellen

Externe Links