Robert Altmann- Robert Altman

Robert Altmann
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Altmann im Jahr 1982
Geboren
Robert Bernard Altmann

( 1925-02-20 )20. Februar 1925
Ist gestorben 20. November 2006 (2006-11-20)(81 Jahre)
Beruf Filmemacher
aktive Jahre 1947–2006
Bekannt für M*A*S*H (1970)
McCabe & Mrs. Miller (1971)
The Long Goodbye (1973)
Nashville (1975)
3 Frauen (1977)
Der Spieler (1992)
Short Cuts (1993)
Gosford Park (2001)
Ehepartner
LaVonne Elmer
( M.  1946⁠-⁠1951)

Lotus Corelli
( M.  1954⁠-⁠1957)

( M.  1959)
Kinder 6
Militärkarriere
Service/ Filiale US Army Air Forces 1943-1947
Rang US-O2-Abzeichen.svg Oberleutnant
Einheit Dreizehnte Luftwaffe
307. Bombardierungsgruppe
Schlachten/Kriege Zweiter Weltkrieg
Auszeichnungen USAAF Wings.png Army Air Force Pilot Badge Air Force Presidential Unit Citation American Campaign Medal Asiatic-Pacific Campaign Medaille Siegesmedaille des Zweiten Weltkriegs Philippine Presidential Unit Citation
AF Presidential Unit Citation Ribbon.png
American Campaign Medal Ribbon.svg
Asien-Pazifik-Kampagne Medal Ribbon.svg
Siegesmedaille des Zweiten Weltkriegs Ribbon.svg
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Robert Bernard Altman ( / ɔː l t m ə n / ; 20. Februar 1925 - 20. November 2006) war ein US - amerikanischer Regisseur, Drehbuchautor und Produzent. Altman ist als fünfmaliger Nominierter für den Oscar für die beste Regie bekannt und eine bleibende Persönlichkeit aus der New Hollywood- Ära, vergleichbar mit Regisseuren wie Martin Scorsese , Woody Allen , Sidney Lumet und Francis Ford Coppola . Altman galt im Gegensatz zu den meisten Hollywood-Filmen als "Einzelgänger", wenn es darum ging, Filme mit einer sehr naturalistischen, aber stilisierten und satirischen Ästhetik zu machen. Er wird immer wieder als einer der größten und einflussreichsten Filmemacher des amerikanischen Kinos eingestuft.

Sein Stil des Filmemachens umfasste viele Genres, aber normalerweise mit einer „ subversiven “ Wendung, die sich typischerweise auf Satire und Humor stützte, um seine persönlichen Ansichten auszudrücken. Altman entwickelte sich einen Ruf als "Anti-Hollywood" und Nonkonformist sowohl in seinen Themen als auch in seinem Regiestil. Schauspieler haben besonders gerne unter seiner Regie gearbeitet, weil er sie zur Improvisation ermutigte und so ihre eigene Kreativität beflügelte.

Er bevorzugte große Besetzungen für seine Filme und entwickelte eine Mehrspur-Aufnahmetechnik, die überlappende Dialoge von mehreren Schauspielern erzeugte. Dies führte zu einem natürlicheren, dynamischeren und komplexeren Erlebnis für den Betrachter. Er nutzte auch hochmobile Kameraführungen und Zoomobjektive, um die Aktivität auf dem Bildschirm zu verbessern. Die Kritikerin Pauline Kael , die über seinen Regiestil schrieb, sagte, Altman könne "aus fast nichts ein Filmfeuerwerk machen". Zu Altmans bekanntesten Regieleistungen zählen M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) und Gosford Park (2001).

Im Jahr 2006 würdigte die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altmans Werk mit einem Academy Honorary Award . Trotz sieben Nominierungen gewann er nie einen Wettbewerbs-Oscar. Seine Filme M*A*S*H , McCabe & Mrs. Miller und Nashville wurden für das United States National Film Registry ausgewählt . Altman ist einer von drei Filmemachern, deren Filme den Goldenen Bären in Berlin , den Goldenen Löwen in Venedig und die Goldene Palme in Cannes gewonnen haben (die anderen beiden sind Henri-Georges Clouzot und Michelangelo Antonioni ).

Frühen Lebensjahren

Altman wurde am 20. Februar 1925 in Kansas City, Missouri , als Sohn von Helen (geb. Matthews), einer Mayflower- Nachfahrin aus Nebraska , und Bernard Clement Altman, einem wohlhabenden Versicherungskaufmann und Amateurspieler, der aus der Oberschicht stammte, geboren Familie. Altmans Vorfahren waren Deutsch, Englisch und Irisch; sein Großvater väterlicherseits, Frank Altman, Sr., hat die Schreibweise des Familiennamens von "Altmann" zu "Altman" anglisiert. Altman hatte eine katholische Erziehung, aber er verfolgte oder praktizierte die Religion als Erwachsener nicht weiter, obwohl er als "eine Art Katholik" und katholischer Direktor bezeichnet wurde. Er wurde an Jesuitenschulen , einschließlich der Rockhurst High School , in Kansas City erzogen . 1943 graduierte er an der Wentworth Military Academy in Lexington, Missouri .

Bald nach dem Abschluss, Altman die verbundenen United States Army Air Forces im Alter von 18. Während des Zweiten Weltkriegs flog Altman mehr als 50 Bombenangriffe als Co-Pilot eines B-24 Liberator mit der 307. Bomb Group in Borneo und die Niederländisch-Ostindien .

Nach seiner Entlassung 1947 zog Altman nach Kalifornien. Er arbeitete in der Werbung für eine Firma, die eine Tätowiermaschine erfunden hatte, um Hunde zu identifizieren. Er begann aus einer Laune heraus mit dem Filmemachen und verkaufte ein Drehbuch an RKO für den 1948er Film Bodyguard , den er zusammen mit George W. George schrieb. Altmans sofortiger Erfolg ermutigte ihn, nach New York City zu ziehen , wo er versuchte, eine Karriere als Schriftsteller zu machen. Nachdem er wenig Erfolg hatte, kehrte er 1949 nach Kansas City zurück; wo er eine Stelle als Regisseur und Autor von Industriefilmen für die Calvin Company annahm . Altman führte für die Calvin Company bei rund 65 Industrie- und Dokumentarfilmen Regie. Durch seine frühen Arbeiten an Industriefilmen experimentierte Altman mit Erzähltechniken und entwickelte seine charakteristische Verwendung von überlappenden Dialogen. Im Februar 2012 wurde ein früher Calvin-Film von Altman, Modern Football (1951), vom Filmemacher Gary Huggins gefunden.

Karriere

1950er Jahre

Altmans erste Streifzüge in die TV-Regie waren in der DuMont- Dramaserie Pulse of the City (1953–1954) und einer Episode der Westernserie The Sheriff of Cochise von 1956 . 1956 wurde er von einem lokalen Geschäftsmann engagiert, um in Kansas City einen Spielfilm über Jugendkriminalität zu schreiben und zu drehen . Der Film mit dem Titel The Delinquents , der für 60.000 US-Dollar gedreht wurde, wurde von United Artists für 150.000 US-Dollar gekauft und 1957 veröffentlicht. Dieser jugendliche Exploitationsfilm war zwar primitiv, enthielt jedoch die Grundlagen von Altmans späterer Arbeit in seiner Verwendung von beiläufigen, naturalistischen Dialogen. Mit seinem Erfolg zog Altman zum letzten Mal von Kansas City nach Kalifornien. Er war Co-Regisseur von The James Dean Story (1957), einem Dokumentarfilm, der in die Kinos eilte, um aus dem kürzlichen Tod des Schauspielers Kapital zu schlagen und an seine aufstrebende Kult-Anhängerschaft zu vermarkten. Beide Werke erregten die Aufmerksamkeit von Alfred Hitchcock, der Altman als Regisseur für seine CBS- Anthologieserie Alfred Hitchcock Presents engagierte . Nach nur zwei Folgen trat Altman aufgrund von Differenzen mit einem Produzenten zurück, aber diese Bekanntheit ermöglichte ihm eine erfolgreiche TV-Karriere. Im Laufe des nächsten Jahrzehnts arbeitete Altman produktiv im Fernsehen (und fast ausschließlich in Seriendramen ) und leitete mehrere Episoden von Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theatre , Combat! , sowie einzelne Episoden mehrerer anderer bemerkenswerter Serien, darunter Hawaiian Eye , Maverick (die vierte Staffelfolge "Bolt From the Blue", die ebenfalls von Altman geschrieben wurde und mit Roger Moore in der Hauptrolle spielte ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn und Route 66 .

1960er Jahre

In den 1960er Jahren etablierte sich Altman aufgrund seiner Fähigkeit, mit einem begrenzten Budget schnell und effizient zu arbeiten, als TV-Regisseur. Obwohl er häufig aus TV-Projekten gefeuert wurde, weil er sich nicht an die Netzwerkmandate hielt, konnte Altman immer neue Aufträge gewinnen. 1964 beschlossen die Produzenten, "Once Upon a Savage Night", eine seiner Episoden des Kraft Suspense Theatre , als TV-Film unter dem Titel Nightmare in Chicago zu veröffentlichen .

Zwei Jahre später wurde Altman mit der Regie des Low-Budget-Raumfahrtfilms Countdown beauftragt , aber schon wenige Tage nach Projektabschluss entlassen, weil er sich geweigert hatte, den Film auf eine überschaubare Länge zu schneiden. Er führte keinen weiteren Film bis zu That Cold Day in the Park (1969), der eine kritische und an den Kinokassen katastrophale Katastrophe war.

Im Laufe des Jahrzehnts begann Altman, in seinen Werken politische Subtexte auszudrücken. Insbesondere äußerte er Antikriegsgefühle in Bezug auf den Vietnamkrieg . Aus diesem Grund würde Altmans Karriere etwas leiden, da er mit der Antikriegsbewegung in Verbindung gebracht wurde .

1970er

1969 wurde Altman das Drehbuch für MASH angeboten , eine Adaption eines wenig bekannten Romans aus der Zeit des Koreakrieges, der das Leben in den Streitkräften persifliert; mehr als ein Dutzend anderer Filmemacher hatten es weitergegeben. Altman hatte gezögert, die Produktion zu übernehmen, und die Dreharbeiten waren so turbulent, dass Elliott Gould und Donald Sutherland versuchten, Altman wegen seiner unorthodoxen Filmmethoden feuern zu lassen. Trotzdem wurde MASH nach seiner Veröffentlichung im Jahr 1970 weithin als Klassiker gefeiert. Es gewann die Palme d'Or bei den Filmfestspielen von Cannes 1970 und brachte fünf Oscar- Nominierungen ein. Es war Altmans umsatzstärkster Film, der in einer Zeit zunehmender Antikriegsstimmung in den Vereinigten Staaten veröffentlicht wurde. Das Filmarchiv der Akademie bewahrte MASH im Jahr 2000 auf.

Inzwischen als großes Talent anerkannt, erzielte Altman mit McCabe & Mrs. Miller (1971), einem revisionistischen Western, in dem die beißenden Lieder von Leonard Cohen eine düstere Vision der amerikanischen Grenze unterstreichen , kritische Erfolge ; The Long Goodbye (1973), eine umstrittene Adaption des Romans von Raymond Chandler (Drehbuch von Leigh Brackett ), gilt heute als wegweisender Einfluss auf das Neo-Noir- Subgenre; Thieves Like Us (1974), eine Adaption des Romans von Edward Anderson, der zuvor von Nicholas Ray als Sie leben bei Nacht (1949) gedreht wurde; California Split (1974), eine Glücksspielkomödie, die teilweise vor Ort in Reno, Nevada, gedreht wurde ; und Nashville (1975), das ein starkes politisches Thema gegen die Welt der Country-Musik hatte . Die Stars des Films schrieben ihre eigenen Songs; Keith Carradine gewann einen Oscar für das Lied " I'm Easy ". Obwohl seine Filme oft auf spaltende Bemerkungen stießen, blieben viele der prominenten Filmkritiker der Ära (einschließlich Pauline Kael , Vincent Canby und Roger Ebert ) seinem Regiestil während des gesamten Jahrzehnts unerschütterlich treu.

Das Publikum brauchte einige Zeit, um seine Filme zu schätzen, und er wollte die Studiobeamten nicht zufriedenstellen. 1970, nach der Veröffentlichung von MASH, gründete er Lion's Gate Films, um unabhängige Produktionsfreiheit zu haben. Altmans Unternehmen ist nicht zu verwechseln mit dem derzeitigen Lionsgate , einem kanadischen/US-amerikanischen Unterhaltungsunternehmen. Zu den Filmen, die er mit seiner Firma machte, gehörten Brewster McCloud , A Wedding , 3 Women und Quintet .

1980er Jahre

Altman mit Lillian Gish und Lily Tomlin bei der Preisverleihung in Nashville 1976

1980 führte er bei dem Musikfilm Popeye Regie . Produziert von Robert Evans und geschrieben von Jules Feiffer wurde der Film basiert auf dem Comic / Cartoon mit dem gleichen Namen und spielte Shelley Duvall und den Komiker Robin Williams in seinem Filmdebüt. Entworfen als Vehikel, um Altmans kommerzielle Schlagkraft nach einer Reihe von von der Kritik gefeierten, aber kommerziell erfolglosen Low-Budget-Filmen in den späten 1970er Jahren (einschließlich 3 Women , A Wedding und Quintet ) zu erhöhen , wurde die Produktion vor Ort in Malta gedreht . Es wurde bald durch starken Drogen- und Alkoholkonsum unter den meisten Darstellern und Crew, einschließlich des Regisseurs, heimgesucht; Altman soll mit Evans, Williams (der drohte, den Film zu verlassen) und dem Songwriter Harry Nilsson (der Mitte der Dreharbeiten abreiste und Van Dyke Parks verließ , um die Orchestrierungen zu beenden) aneinandergerieten . Obwohl der Film mit einem Budget von 20 Millionen US-Dollar weltweit 60 Millionen US-Dollar einspielte und der Film mit den zweithöchsten Einnahmen war, den Altman bis zu diesem Zeitpunkt inszeniert hatte, erfüllte er die Erwartungen des Studios nicht und wurde als Enttäuschung an den Kinokassen angesehen.

1981 verkaufte der Regisseur Lion's Gate an den Produzenten Jonathan Taplin, nachdem seine politische Satire Health (Anfang 1979 für eine Weihnachtsveröffentlichung gedreht) vom langjährigen Distributor 20th Century Fox nach lauen Test- und Festivalvorführungen im Laufe des Jahres 1980 auf Eis gelegt wurde. Der Weggang des langjährigen Altman-Partisanen Alan Ladd, Jr. von Fox spielte ebenfalls eine entscheidende Rolle bei der Verhinderung der Veröffentlichung des Films.

Aufgrund seines Rufs und der besonders turbulenten Ereignisse rund um die Produktion von Popeye konnte Altman in der Post-New-Hollywood- Blockbuster- Ära keine größere Finanzierung sicherstellen Kinostart", darunter das gefeierte Secret Honor und Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , eine kritisch antipodische Adaption eines Theaterstücks, das Altman am Broadway inszeniert hatte.

Im Jahr 1982 inszenierte Altman eine Produktion von Igor Strawinskys ‚s die Fortschritte der Rake an der University of Michigan , wo er gleichzeitig einen Kurs über seine Filme gelehrt. Kurz darauf kehrte er mit Studenten zurück, um Secret Honor zu filmen . 2008 erwarb die Bibliothek der University of Michigan das Archiv von Altman. Er war auch Co-Autor von John Andersons 1983er Hitsingle „ Black Sheep “.

Die Teenie-Komödie O.C. und Stiggs (1985), eine gescheiterte Rückkehr zum Hollywood-Filmschaffen, die rückblickend vom British Film Institute als "wahrscheinlich Altmans am wenigsten erfolgreicher Film" bezeichnet wurde, erhielt 1987 eine verspätete begrenzte kommerzielle Veröffentlichung, nachdem sie von MGM eingestellt worden war .

Von Altman und Sam Shepard für The Cannon Group aus Shepards für den Pulitzer-Preis nominiertem Stück adaptiert, zeigte Fool for Love (1985) den Dramatiker und Schauspieler neben Kim Basinger , Harry Dean Stanton und Randy Quaid ; es schnitt besser ab als die meisten seiner Filme aus dieser Zeit und verdiente im Inland 900.000 US-Dollar mit einem Budget von 2 Millionen US-Dollar und positiven Kritiken von Roger Ebert und Vincent Canby . Dennoch entzog sich ihm weiterhin eine breite Popularität beim Publikum.

Er fuhr fort , ein gewisses Maß an kritischer Gunst für seine Fernseh wieder mockumentary Tanner '88 (1988), eine Zusammenarbeit mit Garry Trudeau Satz im Milieu der Vereinigten Staaten Präsidentschafts - Kampagne, für die er eine verdiente Primetime Emmy Award .

1990er Jahre

1990 führte Altman bei Vincent & Theo Regie , einem Biopic über Vincent van Gogh , das als Fernsehminiserie für die Ausstrahlung im Vereinigten Königreich gedacht war. Eine Kinofassung des Films war in den Vereinigten Staaten ein bescheidener Erfolg und markierte einen bedeutenden Wendepunkt im kritischen Wiederaufleben des Regisseurs.

Altman bei den Filmfestspielen von Cannes 1992

Er belebte seine Karriere ernsthaft mit The Player (1992), einer Satire auf Hollywood. Der von dem einflussreichen David Brown ( The Sting , Jaws , Cocoon ) koproduzierte Film wurde für drei Oscars nominiert, darunter für die beste Regie . Obwohl er nicht den Oscar gewann, wurde er von den Filmfestspielen von Cannes , der BAFTA und dem New York Film Critics Circle als bester Regisseur ausgezeichnet .

Altman führte dann Regie bei Short Cuts (1993), einer ehrgeizigen Adaption mehrerer Kurzgeschichten von Raymond Carver , die mehrere Tage lang das Leben verschiedener Bürger von Los Angeles porträtierte. Die große Besetzung des Films und die Verflechtung vieler verschiedener Handlungsstränge waren seinen großbesetzten Filmen der 1970er Jahre ähnlich; 1993 gewann er den Goldenen Löwen bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig und eine weitere Oscar-Nominierung für die beste Regie.

Der Rest der 1990er Jahre sah für Altman nur begrenzten Erfolg. Seine Veröffentlichung Prêt-à-Porter (auch als Ready to Wear bekannt ) aus dem Jahr 1994 erntete erhebliche Pre-Release-Werbung, war aber ein kommerzieller und kritischer Flop, obwohl es mehrere Nominierungen für die Jahresendpreise erhielt, darunter zwei Golden Globe- Nominierungen und gewann den Auszeichnung des National Board of Review für die beste Darbietung eines Ensembles . 1996 führte Altman bei Kansas City Regie und drückte seine Liebe zum Jazz der 1930er Jahre durch eine komplizierte Entführungsgeschichte aus. Die Geschichte erhielt lauwarme bis positive Kritiken, machte aber an den Kinokassen so gut wie nichts, ebenso wie der Rechtsthriller The Gingerbread Man von 1998 .

Er schloss das Jahrzehnt mit einem guten Ton ab, mit Cookie's Fortune aus dem Jahr 1999 , einer skurrilen schwarzen Komödie über den Selbstmord einer wohlhabenden Witwe, seinem ersten Film seit fast 6 Jahren, der sein Budget wieder aufhob und der ihm allgemein positives Lob von Kritikern einbrachte. 1999 wurde er zum Fellow der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

2000er

Gosford Park (2001), ein großer Guss, britisches Landhaus Geheimnis Mord , wurde auf vielen Kritikerlisten der zehn besten Filme des Jahres enthält. Es gewann den Oscar für das beste Originaldrehbuch ( Julian Fellowes ) sowie sechs weitere Nominierungen, darunter zwei für Altman, als Beste Regie und Bester Film.

Die Zusammenarbeit mit unabhängigen Studios wie dem inzwischen geschlossenen Fine Line, Artisan (das in das heutige Lionsgate aufgenommen wurde ) und USA Films (jetzt Focus Features ) gab Altman den Vorteil, die Art von Filmen zu machen, die er immer ohne Studioeinmischung machen wollte . Eine Filmversion von Garrison Keillors öffentlicher Radioserie A Prairie Home Companion wurde im Juni 2006 veröffentlicht. Bis zu seinem Tod entwickelte Altman immer noch neue Projekte, darunter einen Film basierend auf Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

Im Jahr 2006 verlieh die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altman einen Oscar für sein Lebenswerk. Während seiner Dankesrede gab er bekannt, dass er vor etwa zehn oder elf Jahren eine Herztransplantation erhalten hatte. Der Direktor scherzte dann, dass die Akademie vielleicht voreilig gehandelt habe, als sie den Körper seiner Arbeit erkannte, da er das Gefühl hatte, dass er noch vier Jahrzehnte seines Lebens vor sich haben könnte.

Regiestil und -technik

Einzelgänger und Autor

Altmans Porträt, aufgenommen 1983

Nach seiner erfolgreichen Fernsehkarriere begann Altman im mittleren Alter seine neue Karriere in der Filmindustrie. Er verstand die kreativen Grenzen, die das Fernsehgenre auferlegte, und machte sich nun daran, Filme zu drehen und zu schreiben, die seine persönlichen Visionen über die amerikanische Gesellschaft und Hollywood zum Ausdruck bringen sollten. Seine Filme wurden später als „ auteuristische Angriffe“ und „idiosynkratische Variationen“ traditioneller Filme beschrieben, wobei er seine Beobachtungen typischerweise mit subtiler Komödie oder Satire ausdrückte.

Seine Filme bezogen sich typischerweise auf politische, ideologische und persönliche Themen, und Altman war dafür bekannt, "seine eigene künstlerische Vision zu kompromittieren". Er wurde als "Anti-Hollywood" beschrieben und ignorierte oft den sozialen Druck, der andere in der Branche betraf, was es für ihn schwieriger machte, viele seiner Filme zu sehen. Er sagte, seine Unabhängigkeit als Filmemacher habe ihm insgesamt geholfen:

Ich glaube nicht, dass es einen lebenden Filmemacher gibt oder der jemals gelebt hat, der einen besseren Shake hatte als ich. Ich war noch nie ohne ein Projekt und es war immer ein Projekt meiner Wahl. Also ich weiß nicht, wie viel besser es sein könnte. Ich bin kein Mogul geworden, ich baue keine Burgen und ich habe kein großes persönliches Vermögen, aber ich konnte tun, was ich wollte, und ich habe es oft getan.

"Altman war ein echter Filmeinzelgänger", sagt Autor Ian Freer , weil er gegen die kommerzielle Konformität der Filmindustrie verstieß: "Er war die Geißel des Film-Establishments, und seine Arbeit warf im Allgemeinen einen scharfen, vernichtenden Blick über die Breite Amerikanische Kultur, oft explodierende Genres und Charakter-Archetypen; Altman war fasziniert von Menschen mit Unvollkommenheiten, Menschen wie sie wirklich sind, nicht wie die Filme einen glauben machen wollen." Regisseur Alan Rudolph bezeichnet seinen Filmstil während einer besonderen Hommage an Altman als "Altmanesque".

Mit seinem unabhängigen Regiestil erwarb er sich bei Drehbuchautoren und Filmschaffenden einen schlechten Ruf. Er gibt zu: "Ich habe einen schlechten Ruf bei Schriftstellern, der sich über die Jahre entwickelt hat: 'Oh, er macht nicht das, was du schreibst, bla bla bla." ... Ring Lardner war sehr sauer auf mich", weil er seinem Drehbuch nicht gefolgt war. Altman kam auch nicht gut mit Studiochefs zurecht, schlug einmal einem Manager auf die Nase und warf ihn in ein Schwimmbad, weil er darauf bestand, sechs Minuten aus einem Film zu schneiden, an dem er arbeitete.

Sein Ruf unter den Schauspielern war besser. Bei ihnen erstreckte sich seine Unabhängigkeit manchmal auf die Wahl der Schauspieler, was oft gegen den Konsens verstieß. Cher schreibt ihm zum Beispiel zu, dass er ihre Karriere sowohl mit dem Bühnenstück als auch mit dem Film Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982) gestartet hat . "Ohne Bob hätte ich nie eine Filmkarriere gemacht. Alle sagten ihm, er solle mich nicht besetzen. Jeder... Niemand würde mir eine Pause geben. Ich bin überzeugt, dass Bob der einzige war, der den Mut hatte, es zu tun." Andere, wie Julianne Moore , beschreiben die Zusammenarbeit mit ihm:

Wissen Sie, all das Gerede darüber, dass Bob so ein jähzorniger, schwieriger Mensch ist? Nun, er war nie so mit einem Schauspieler oder einer kreativen Person, die ich gesehen habe. Nie nie nie. Er sparte das alles für die Geldleute.

Regisseur Robert Dornhelm sagte, Altman „betrachtete den Film als reinen, künstlerischen Ort“. Bei Short Cuts (1993) zum Beispiel "bettete ihn der Verleiher an", ein paar Minuten von der Länge zu kürzen, um es kommerziell zu halten: "Bob dachte nur, der Antichrist versuche, seine Kunst zu zerstören. Sie waren wohlmeinende Leute." der wollte, dass er bekommt, was er verdient, was ein großer kommerzieller Erfolg war. Aber wenn es um die Kunst oder das Geld ging, war er bei der Kunst.“

Sally Kellerman , die Altmans eigenwillige Haltung bemerkt, blickt immer noch mit Bedauern zurück, dass sie die Chance auf eine Rolle in einem seiner Filme aufgegeben hat:

Ich hatte gerade die Dreharbeiten zu Last of the Red Hot Lovers beendet, als Bob mich eines Tages zu Hause anrief. "Sally, willst du nach dem nächsten in meinem Bild sein?" er hat gefragt. „Nur wenn es ein guter Teil ist“, sagte ich. Er hat aufgelegt.


Bob war so stur und arrogant wie ich damals, aber das Traurige daran ist, dass ich mich selbst betrogen habe, um mit jemandem zusammenzuarbeiten, den ich so sehr liebte, mit jemandem, der das Schauspielern sowohl lustig als auch einfach machte und seinen Schauspielern vertraute. Bob liebte Schauspieler. Stars würden sich anstellen, um für Bob Altman umsonst zu arbeiten.

Themen und Themen

Im Gegensatz zu Regisseuren, deren Arbeit in verschiedene Filmgenres passt , wie zum Beispiel Western, Musicals, Kriegsfilme oder Komödien, wurde Altmans Arbeit von verschiedenen Kritikern als "anti-genre" definiert. Dies liegt zum Teil an der satirischen und komödiantischen Natur vieler seiner Filme. Geraldine Chaplin , Tochter von Charlie Chaplin , verglich den Humor in seinen Filmen mit den Filmen ihres Vaters:

Sie sind auf die richtige Art lustig. Komisch auf eine kritische Weise – über die Welt und die Welt, in der wir leben. Sie waren beide auf ihre Art Genies. Sie verändern deine Realitätserfahrung. Sie haben ihre Welt und sie haben ihren Humor. Dieser Humor ist so selten.

Altman machte deutlich, dass er das "Storytelling" in seinen Filmen nicht mag, im Gegensatz zu den meisten Fernseh- und Mainstream-Filmen. Laut Altman-Biograf Mitchell Zuckoff "gefiel ihm das Wort 'Geschichte' nicht, da er glaubte, dass eine Verschwörung der Erforschung reinen (oder noch besser unreinen) menschlichen Verhaltens zweitrangig sein sollte." Zuckoff beschreibt die Absichten, die vielen von Altmans Filmen zugrunde liegen: „Er liebte die chaotische Natur des wirklichen Lebens, mit widersprüchlichen Perspektiven, überraschenden Wendungen, unerklärlichen Handlungen und mehrdeutigen Enden. Er liebte besonders viele Stimmen, manchmal argumentieren, manchmal zustimmend, idealerweise überlappen, a Cocktailparty oder eine Straßenszene, die er so erlebt hat. Julianne Moore , nachdem sie einige seiner Filme gesehen hat, schreibt Altmans Regiestil für ihre Entscheidung, Filmschauspielerin statt Bühnenschauspielerin zu werden, zu:

Ich habe es sehr stark gespürt. Und ich dachte: "Ich weiß nicht, wer dieser Typ ist, aber das ist es, was ich machen möchte. Ich möchte diese Art von Arbeit machen." Von da an habe ich seine Filme gesehen, wann immer ich konnte, und er war immer mein absoluter Lieblingsregisseur, für das, was er thematisch und emotional sagte und was er für Menschen empfand.

Der Filmautor Charles Derry schreibt, dass Altmans Filme "charakteristischerweise scharfsinnige Beobachtungen, erzählenden Austausch und Momente kristallklarer Offenbarung menschlicher Torheit enthalten". Da Altman ein scharfsinniger Beobachter der Gesellschaft war und sich "besonders an Menschen interessierte", bemerkt Derry, hatten viele seiner Filmfiguren "diese schlampige Unvollkommenheit, die mit dem Menschen wie er ist, mit dem gelebten Leben verbunden ist". Daher sind seine Filme oft eine indirekte Kritik an der amerikanischen Gesellschaft.

Für viele von Altmans Filmen ist der satirische Inhalt offensichtlich: MASH (1970) zum Beispiel ist eine satirische schwarze Komödie, die während des Koreakrieges spielt; McCabe & Mrs. Miller (1971) ist eine Satire auf Western; Autor Matthew Kennedy stellt fest, dass Nashville (1975) eine "brillante Satire von Amerika unmittelbar vor der Zweihundertjahrfeier" ist; A Wedding (1978) ist eine Satire auf amerikanische Hochzeitsrituale und Heuchelei; Altman selbst sagte, The Player (1992) sei "eine sehr milde Satire" über die Hollywood-Filmindustrie, und Vincent Canby stimmte zu und erklärte, dass " The Player als Satire kitzelt. Es zieht kein Blut." Die Satire seiner Filme führte manchmal zu ihrem Scheitern an den Kinokassen, wenn deren satirische Natur vom Verleiher nicht verstanden wurde. Altman macht das Scheitern der Kinokassen von The Long Goodbye (1973), einer Detektivgeschichte, auf die fehlerhafte Vermarktung des Films als Thriller zurückzuführen:

Als das Bild geöffnet wurde, war es ein großer, großer Flop. ... Ich ging zu David Picker und sagte: "Das kannst du nicht machen. Kein Wunder, dass das verdammte Bild versagt. Es macht den falschen Eindruck. Du lässt es wie einen Thriller aussehen und ist es nicht, es ist eine Satire.

In ähnlicher Weise macht Altman das Scheitern von OC & Stiggs auch darauf zurückzuführen, dass es als typischer "Teenagerfilm" vermarktet wird und nicht als "Satire auf einen Teenagerfilm", sagte er.

Improvisationsdialog

Altman bevorzugte Geschichten, die die Wechselbeziehungen zwischen mehreren Charakteren ausdrücken, und interessierte sich mehr für die Motivation der Charaktere als für komplizierte Handlungen. Daher skizzierte er für den Film eher nur eine grundlegende Handlung, die das Drehbuch als "Blaupause" für die Handlung bezeichnete. Indem er seine Schauspieler ermutigte, Dialoge zu improvisieren, wurde Altman so als "Schauspieler-Regisseur" bekannt, ein Ruf, der viele bemerkenswerte Schauspieler anzog, um als Teil seiner großen Besetzungen zu arbeiten. Darsteller arbeiten gerne mit Altman zusammen, weil "er ihnen die Freiheit gibt, ihre Charaktere zu entwickeln und oft das Drehbuch durch Improvisation und Zusammenarbeit zu ändern", bemerkt Derry. Richard Baskin sagt: "Bob war ziemlich außergewöhnlich in seiner Art, die Leute tun zu lassen, was sie taten. Er vertraute Ihnen, was Sie taten, und deshalb würden Sie für ihn töten."

Geraldine Chaplin , die in Nashville agierte , erinnert sich an eine ihrer ersten Probensitzungen:

Er sagte: "Haben Sie Ihre Skripte mitgebracht?" Wir sagten ja. Er sagte: "Nun, wirf sie weg. Du brauchst sie nicht. Du musst wissen, wer du bist und wo du bist und mit wem du zusammen bist." ... Es war, als würde man jede Sekunde mit vollem Haus auf der Bühne stehen. All die Zirkusvorstellungen, die du in deinem Körper hattest, würdest du nur für ihn tun.

Altman ließ seine Schauspieler regelmäßig während der Proben oder manchmal während der eigentlichen Dreharbeiten durch Improvisation eine Figur entwickeln. Eine solche Improvisation war im Film aufgrund der hohen Kosten der Filmproduktion ungewöhnlich, die eine sorgfältige Planung, genaue Drehbücher und Proben erfordert, bevor der kostspielige Film belichtet wird. Trotzdem zog es Altman vor, die Improvisation als Werkzeug zu verwenden, um seinen Schauspielern bei der Entwicklung ihres Charakters zu helfen. Altman sagte: "Wenn wir einmal mit den Dreharbeiten beginnen, ist das eine sehr feste Sache. Improvisation wird missverstanden. Wir lassen die Leute nicht einfach los." Obwohl er versuchte zu vermeiden, jeden Schritt eines Schauspielers zu diktieren, zog er es vor, ihm die Kontrolle zu geben:

Wenn ich einen Film caste, ist der Großteil meiner kreativen Arbeit erledigt. Ich muss da sein, um den Schalter einzuschalten und ihnen als Vaterfigur Mut zu machen, aber sie machen die ganze Arbeit. ... Alles, was ich versuche, ist, es dem Schauspieler leicht zu machen, denn wenn man einmal mit den Dreharbeiten beginnt, ist der Schauspieler der Künstler. ... Ich muss ihnen Selbstvertrauen geben und dafür sorgen, dass sie einen gewissen Schutz haben, damit sie kreativ sein können. ... Ich habe sie tun lassen, wofür sie in erster Linie Schauspieler wurden: zu kreieren.

Carol Burnett erinnert sich, dass Altman zugab, dass viele der Ideen in seinen Filmen von den Schauspielern stammten. "Das hört man nie von einem Regisseur. Das war wirklich erstaunlich", sagte sie. Andere, wie Jennifer Jason Leigh , wurden kreativ getrieben:

Er würde dich aus purer Notwendigkeit dazu inspirieren, dir Dinge auszudenken, von denen du nicht wusstest, dass du dazu fähig bist, von denen du nicht wusstest, dass du sie in dir hast. Er war so aufrichtig schelmisch und so verdammt lustig.

Er arbeitete gerne mit vielen der gleichen Darsteller zusammen, darunter Shelley Duvall und Bert Remsen (je 7 Filme); Paul Dooley (6 Filme); Michael Murphy (5 Filme); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin und John Schuck (jeweils 4 Filme); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman und Keith Carradine (je 3 Filme). Krin Gabbard fügt hinzu, dass Altman gerne Schauspieler benutzte, "die als Improvisatoren aufblühen", wie Elliott Gould , der in drei seiner Filme, MASH , The Long Goodbye und California Split , mitspielte . Gould erinnert sich, dass er und sein Co-Star Donald Sutherland bei den Dreharbeiten zu MASH , seinem ersten Schauspieljob bei Altman, nicht dachten, dass Altman wusste, was er tat. Jahre später schrieb er: "Im Nachhinein denke ich, dass Donald und ich zwei elitäre, arrogante Schauspieler waren, die Altmans Genie nicht wirklich verstanden haben." Andere in der Besetzung schätzten Altmans Regiestil sofort. René Auberjonois erklärt:

Wir dachten, so seien Filme. Dass sie eine so freudige Erfahrung waren. Wenn Sie irgendeine Art von Karriere gemacht haben, haben Sie schnell gesehen, dass die meisten Regisseure Schauspielern nicht wirklich vertrauen, nicht wirklich Schauspieler sehen wollen. Das war der Unterschied zu Bob Altman. Er liebte Schauspieler und wollte Schauspielerei sehen.

Im Gegensatz zu Fernsehen und traditionellen Filmen vermied Altman auch "konventionelles Geschichtenerzählen" und würde sich dafür entscheiden, die "geschäftige Verwirrung des wirklichen Lebens" zu zeigen, beobachtet Albert Lindauer. Unter den verschiedenen Techniken, um diesen Effekt zu erzielen, enthalten seine Filme oft "eine Fülle von Klängen und Bildern, von riesigen Besetzungen oder verrückten Charakteren, mehrere oder gar keine Handlung, ... und das Vertrauen auf Improvisation". Einige Monate vor seinem Tod versuchte Altman, die Motive seines Filmstils zusammenzufassen:

Ich vergleiche diese Arbeit eher mit Malerei als mit Theater oder Literatur. Geschichten interessieren mich nicht. Grundsätzlich interessiere ich mich mehr für das Verhalten. Ich leite nicht, ich schaue zu. Ich muss begeistert sein, wenn ich erwarte, dass das Publikum begeistert ist. Denn was ich wirklich von einem Schauspieler sehen möchte, habe ich noch nie zuvor gesehen, also kann ich ihnen nicht sagen, was es ist. Ich versuche, die Schauspieler zu ermutigen, sich nicht abzuwechseln. Konversation als Konversation behandeln. Ich meine, das ist der Job, denke ich. Es geht darum, einen Komfortbereich zu schaffen, damit ein Schauspieler über das hinausgehen kann, was er für möglich gehalten hat.

Klangtechniken

Altman war einer der wenigen Filmemacher, die bei den Dreharbeiten "voll auf die Möglichkeiten des Tons geachtet" haben. Er versuchte, selbst bei großen Besetzungen natürliche Gesprächsgeräusche zu reproduzieren, indem er versteckte Mikrofone mit Schauspielern verkabelte und sie dann mit mehreren Soundtracks übereinander aufnahm. Während der Dreharbeiten trug er ein Headset, um wichtige Dialoge zu hören, ohne sie zu betonen. Dies erzeugte für die Zuschauer ein "dichtes Audioerlebnis", das es ihnen ermöglichte, mehrere Dialogfetzen zu hören, als würden sie verschiedenen privaten Gesprächen zuhören. Altman erkannte, dass, obwohl große Besetzungen einem Film kommerziell schaden, "ich gerne eine Menge Dinge sehe, die vor sich gehen."

Altman verwendete zum ersten Mal überlappende Soundtracks in MASH (1970), einer Tontechnik, die der Filmautor Michael Barson als "damals atemberaubende Innovation" bezeichnet. Er habe es entwickelt, sagte Altman, um die Zuschauer zu zwingen, aufmerksam zu sein und sich auf den Film einzulassen, als wären sie ein aktiver Teilnehmer. Laut einigen Kritikern findet sich eine der extremeren Anwendungen der Technik in McCabe und Mrs. Miller (1971), die ebenfalls zu seinen besten Filmen zählen.

Ensemblebesetzungen

Überlappende Dialoge zwischen großen Gruppen von Schauspielern erhöhen die Komplexität von Altmans Filmen, und sie wurden oft als willkürlich oder unzusammenhängend beim ersten Anschauen kritisiert. Einige seiner Kritiker änderten ihre Meinung, nachdem sie sie wiedergesehen hatten. Der britische Filmkritiker David Thomson gab Nashville (1975) eine schlechte Kritik, nachdem er es das erste Mal gesehen hatte, schrieb aber später: "Aber wenn ich zurück zu Nashville und einigen der früheren Filme ging, ... zielstrebig Nashville ist. ... Das Mosaik oder die Mischung erlaubt eine Freiheit und eine menschliche Eigenart, die Renoir vielleicht bewundert hätte." Während der Dreharbeiten ließen sich die Schauspieler inspirieren und Co-Star Ronee Blakley war vom ultimativen Erfolg des Films überzeugt:

Ja, ich dachte, es würde großartig werden, die ganze Arbeit war so gut, jeder Schauspieler war inspiriert und Altmans Team war äußerst kompetent und er war ein seltenes Genie, das weiß, was funktioniert und was nicht Moment passiert es.

Thomson erkannte diese Aspekte später als Teil von Altmans Stil, beginnend mit MASH (1970): „ MASH begann, den entscheidenden Altman-Stil von überlappenden, verschwommenen Tönen und Bildern zu entwickeln, die beim Zoomen so glitschig waren, dass es keinen Sinn für Komposition gab macht Nashville so fesselnd." Altman erklärte, dass ihm solche überlappenden Dialoge in seinen Filmen näher an der Realität seien, insbesondere bei großen Gruppen: "Wenn Sie vierzehn Leute an einem Esstisch haben, scheint es mir ziemlich unwahrscheinlich, dass es nur zwei von ihnen sein werden." reden." Pauline Kael schreibt, Altman, "der Meister großer Ensembles, lockerer Action und überlappender Stimmen, demonstriert, dass ... er aus so gut wie nichts ein Filmfeuerwerk machen kann."

Fotografie

Altmans unverwechselbarer Regiestil hat sich auch auf seine Vorlieben für die Kameraführung übertragen. Darunter auch seine Verwendung von Breitbildkompositionen, die die vielen Menschen oder Aktivitäten, die gleichzeitig auf dem Bildschirm stattfinden, festhalten sollen. Für einige Filme wie McCabe und Mrs. Miller schuf er mit dem Kameramann Vilmos Zsigmond eine kraftvolle visuelle Atmosphäre , wie Szenen mit flüssiger Kameraführung, Zoomobjektiven und einem rauchigen Effekt mit speziellen Nebelfiltern. Regisseur Stanley Kubrick sagte Altman, dass "die Kameraarbeit wunderbar war" und fragte: "Wie hast du das gemacht?"

In Nashville verwendete Altman Sets mit auffälligen Farben von Rot, Weiß und Blau. Für The Long Goodbye bestand er darauf, dass Zsigmond die Kamera mobil hält, indem er sie an sich bewegenden Objekten anbringt. Zsigmond sagt, dass Altman in diesem Film "etwas anderes machen wollte" und sagte ihm, er "wollte, dass sich die Kamera bewegt – die ganze Zeit. Oben, unten. Hinein und aus. Von Seite zu Seite." Kameramann Roger Deakins über seine Verwendung von Zoomobjektiven kommentierte: „Ich würde es ziemlich aufregend finden, einen Film mit einem Zoomobjektiv zu drehen, wenn es diese beobachtende, umherziehende Art wäre, für die Robert Altman bekannt war Kamera an einem Auslegerarm und schweben über die Szene und wählen diese Aufnahmen aus, während er weitergeht – eine ganz nette Art zu arbeiten."

Zsigmond erinnert sich auch daran, dass die Zusammenarbeit mit Altman Spaß gemacht hat:

Wir haben es eher genossen, Dinge "improvisiert" zu machen. Altman ist ein großartiger Improvisator. In den ersten Tagen des Drehs "kreierte" er im Handumdrehen verschiedene Ansätze. Er zeigte mir, wie er wollte, dass sich die Kamera bewegt – immer in Bewegung. Was Spaß gemacht hat. Die Schauspieler liebten es und ich war immer wieder herausgefordert, Wege zu finden, um das zu drehen, was Altman sich ausgedacht hat.

Vilmos Zsigmonds Kinematographie in McCabe und Mrs. Miller erhielt eine Nominierung für die British Academy Film Awards .

Musiknoten

Bei der Verwendung von Musik in seinen Filmen war Altman dafür bekannt, sehr wählerisch zu sein und wählte oft Musik aus, die er persönlich mochte. Regisseur Paul Thomas Anderson , der mit ihm zusammengearbeitet hat, merkt an, dass „Altmans Umgang mit Musik immer wichtig ist“, und fügt hinzu: „Bob liebte seine Musik, nicht wahr? Mein Gott, er liebte seine Musik“. Da er zum Beispiel ein "großer Fan" von Leonard Cohens Musik war und sagte, er würde "einfach bekifft und das Zeug spielen", verwendete er die ganze Zeit drei seiner Lieder in McCabe und Mrs. Miller (1971), und eine weitere für die letzte Szene in A Wedding (1978).

Für Nashville (1975) ließ Altman zahlreiche neue Country-Songs von seiner Besetzung schreiben, um eine realistische Atmosphäre zu schaffen. Er integrierte eine "eindringlich wiederholte Melodie" in The Long Goodbye (1973) und beschäftigte Harry Nilsson und Van Dyke Parks , um Popeye (1980) zu vertonen .

Eine Reihe von Musikexperten haben über Altmans Verwendung von Musik geschrieben, darunter Richard R. Ness, der in einem Artikel über die Partituren vieler von Altmans Filmen schrieb, der als wertvolle Quelle für das Verständnis von Altmans Filmtechnik angesehen wird. In ähnlicher Weise schrieb Krin Gabbard, Professor für Filmwissenschaft, eine Analyse von Altmans Verwendung von Jazzmusik in Short Cuts (1993) und stellte fest, dass nur wenige Kritiker die "Bedeutung der Musik" im Film berücksichtigt haben.

Jazz war auch in Kansas City (1996) von Bedeutung. In diesem Film gilt die Musik als Grundlage der Geschichte. Altman sagt, dass "die ganze Idee nicht zu spezifisch in Bezug auf die Geschichte war", sondern der Film selbst "eher eine Art Jazz" sein sollte. Altmans Technik, das Thema eines Films zu einer Form von Musik zu machen, wurde als "ein Experiment angesehen, das noch niemand zuvor versucht hat", wobei Altman zugab, dass es riskant war. "Ich wusste nicht, ob es funktionieren würde. ... Wenn die Leute es 'verstehen', dann neigen sie dazu, es wirklich zu mögen."

Beeinflussen

Zu den von Altman beeinflussten Regisseuren zählen Paul Thomas Anderson , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green und Michael Winterbottom . Kritiker haben festgestellt, dass die Arbeiten von Paul Thomas Anderson, Boogie Nights (1997), Magnolia (1999) und Inherent Vice (2014) virtuelle Coverversionen von Altman sind. „Ich habe Bob gestohlen, so gut ich konnte“, gab Anderson zu, der ihm später There Will Be Blood (2007) widmete .

Filmografie

Als Regisseur

Jahr Titel Schriftsteller Produzent Verteilung
1957 Die Delinquenten Jawohl Jawohl Vereinigte Künstler
1968 Countdown Nein Nein Warner Bros.
1969 Dieser kalte Tag im Park Nein Nein Commonwealth United Entertainment
1970 MAISCHE Nein Nein 20th Century Fox
1970 Brewster McCloud Nein Nein Metro Goldwyn Mayer
1971 McCabe & Frau Miller Jawohl Nein Warner Bros.
1972 Bilder Jawohl Nein Kolumbien Bilder
1973 Der lange Abschied Nein Nein Vereinigte Künstler
1974 Diebe wie wir Jawohl Nein
1974 Kalifornien Split Nein Jawohl Kolumbien Bilder
1975 Nashville Nein Jawohl Paramount Pictures
1976 Buffalo Bill and the Indians oder
Sitting Bulls Geschichtsunterricht
Jawohl Jawohl Vereinigte Künstler
1977 3 Frauen Jawohl Jawohl 20th Century Fox
1978 Eine Hochzeit Jawohl Jawohl
1979 Quintett Jawohl Jawohl
Ein perfektes Paar Jawohl Jawohl
1980 Gesundheit Jawohl Jawohl
Popeye Jawohl Nein Paramount Pictures
1982 Komm zurück zu den Fünf
und Groschen, Jimmy Dean, Jimmy Dean
Nein Nein Cinecom Bilder
1983 Streamer Nein Jawohl Vereinigte Künstler
1984 Geheime Ehre Nein Jawohl Cinecom Bilder
1985 Narr für Liebe Nein Nein Kanonengruppe
OC und Stiggs Nein Jawohl Metro Goldwyn Mayer
1987 Jenseits der Therapie Jawohl Nein Neue Welt Bilder
1990 Vincent & Theo Nein Nein Metro Goldwyn Mayer
1992 Der Spieler Nein Nein Fine-Line-Funktionen
1993 Abkürzungen Jawohl Nein
1994 Prêt-à-Porter Jawohl Jawohl Miramax-Filme
1996 Kansas City Jawohl Jawohl Fine-Line-Funktionen
1998 Der Lebkuchenmann Jawohl Nein PolyGram-Unterhaltung
1999 Cookies Vermögen Nein Jawohl Oktober Filme
2000 Dr. T & die Frauen Nein Jawohl Handwerkliche Unterhaltung
2001 Gosford Park Nein Jawohl Fokusfunktionen
2003 Das Unternehmen Nein Jawohl Klassiker von Sony Pictures
2006 Ein Begleiter in der Prärie Nein Jawohl New Line-Kino

Auszeichnungen und Ehrungen

Altman erhielt verschiedene Auszeichnungen und Nominierungen, darunter sieben Oscar- Nominierungen mit dem Ehren-Oscar im Jahr 2006. Er erhielt sieben Nominierungen für den British Academy Film Award und gewann zweimal für The Player (1992) und Gosford Park (2001). Er erhielt den Primetime Emmy Award für herausragende Regie für eine Dramaserie für Tanner '88 (1988). Außerdem erhielt er fünf Golden Globe Award nominiert die Gewinner Golden Globe Award für die beste Regie für Gosford Park . Außerdem erhielt er verschiedene Auszeichnungen von Filmfestivals, darunter die prestigeträchtige Palme d'Or der Filmfestspiele von Cannes für M*A*S*H und den Cannes Film Festival Award für die beste Regie für The Player . Er hat auch das empfangene Berlin International Film Festival 's Golden Bear , und das Filmfestival von Venedig ' s Golden Lion . 1994 erhielt er den Lifetime Achievement Award der Directors Guild of America .

Persönliches Leben

Familie

Altman war dreimal verheiratet: Seine erste Frau war LaVonne Elmer. Sie waren von 1947 bis 1949 verheiratet und hatten eine Tochter, Christine. Seine zweite Frau war Lotus Corelli. Sie waren von 1950 bis 1955 verheiratet und hatten zwei Söhne, Michael und Stephen. Mit vierzehn schrieb Michael den Text zu " Suicide Is Painless ", dem Titelsong zu Altmans Film MASH . Stephen ist ein Produktionsdesigner, der oft mit seinem Vater zusammengearbeitet hat. Altmans dritte Frau war Kathryn Reed. Sie waren von 1957 bis zu seinem Tod im Jahr 2006 verheiratet. Sie hatten zwei Söhne, Robert und Matthew. Altman wurde der Stiefvater von Konni Reed, als er Kathryn heiratete.

Kathryn Altman, die 2016 starb, war Co-Autorin eines Buches über Altman, das 2014 veröffentlicht wurde. Sie hatte 2014 als Beraterin und Sprecherin für den Dokumentarfilm Altman gedient und bei vielen retrospektiven Vorführungen der Filme ihres Mannes gesprochen.

Häuser

In den 1960er Jahren lebte Altman jahrelang im Mandeville Canyon in Brentwood, Kalifornien . Er lebte während der 1970er Jahre in Malibu , verkaufte aber 1981 dieses Haus und die Produktionsfirma Lion's Gate. "Ich hatte keine Wahl", sagte er der New York Times . "Niemand ging ans Telefon" nach dem Flop von Popeye . Er verlegte seinen Familien- und Geschäftssitz nach New York City, zog aber schließlich zurück nach Malibu, wo er bis zu seinem Tod lebte.

Politische Sichten

Im November 2000 behauptete Altman, dass er nach Paris ziehen würde, wenn George W. Bush gewählt würde, scherzte jedoch, dass er Paris, Texas gemeint hatte , als es geschah. Er bemerkte, dass "der Staat besser dran wäre, wenn er (Bush) raus wäre." Altman war ein ausgesprochener Marihuanakonsument und war Mitglied des NORML- Beirats. Er war auch Atheist und Antikriegsaktivist. Er war einer von zahlreichen Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, darunter der Linguist Noam Chomsky und die Schauspielerin Susan Sarandon , die die Erklärung „ Nicht in unserem Namen “ gegen die Invasion des Irak 2003 unterzeichneten . Julian Fellowes glaubt, dass Altmans Anti-Kriegs- und Anti-Bush-Haltung ihn den Oscar für die beste Regie für Gosford Park gekostet hat .

Altman verachtete die Fernsehserie M*A*S*H, die seinem Film von 1970 folgte, und bezeichnete sie als Antithese zu dem, worum es in seinem Film ging, und zitierte ihre Antikriegsbotschaften als "rassistisch". Im DVD-Kommentar von 2001 zu MASH erklärte er klar die Gründe, aus denen er die Serie missbilligte.

Tod und Vermächtnis

Altman starb am 20. November 2006 im Alter von 81 Jahren im Cedars-Sinai Medical Center in Los Angeles. Nach Angaben seiner Produktionsfirma in New York, Sandcastle 5 Productions, starb er an den Folgen einer Leukämie .

Der Filmregisseur Paul Thomas Anderson widmete Altman seinen Film There Will Be Blood aus dem Jahr 2007 . Anderson hatte aus Versicherungsgründen als Standby-Regisseur bei A Prairie Home Companion gearbeitet, falls der kranke 80-jährige Altman nicht in der Lage sein sollte, die Dreharbeiten zu beenden.

Während einer Feier zu Ehren von Altman einige Monate nach seinem Tod wurde er als "leidenschaftlicher Filmemacher" und Autor beschrieben, der Konventionen ablehnte und das schuf, was Regisseur Alan Rudolph als "Altmanesque" -Filmstil bezeichnete. Er bevorzugte große Besetzungen von Schauspielern, natürliche, sich überschneidende Gespräche und ermutigte seine Schauspieler, zu improvisieren und ihre angeborene Kreativität auszudrücken, aber ohne Angst zu haben, zu versagen. Lily Tomlin verglich ihn mit „einem großartigen, gütigen Patriarchen, der immer auf dich als Schauspieler aufpasste“ und fügte hinzu, dass „du keine Angst hast, mit ihm Risiken einzugehen“.

Altmans Handabdrücke außerhalb des Palais des Festivals et des Congrès in Cannes , Frankreich

Viele seiner Filme werden als "saure Satiren und gegenkulturelle Charakterstudien, die das moderne Kino neu definiert und belebt haben" beschrieben. Obwohl seine Filme die meisten Filmgenres umfassten, wie Western, Musicals, Kriegsfilme oder Komödien, galt er als "Anti-Genre" und seine Filme waren "offentlich subversiv". Er war dafür bekannt, dass er die "Gefälschte" hasste, die er in den meisten Mainstream-Filmen sah, und "er wollte sie durch Satire explodieren lassen".

Schauspieler Tim Robbins , der in einer Reihe von Altmans Filmen mitspielte, beschreibt einige der einzigartigen Aspekte seiner Regiemethode:

Er hat an seinen Sets eine einzigartige und wundervolle Welt geschaffen, ... wo der schelmische Vater die "Kinderdarsteller" entfesselt, um zu spielen. Wo Ihre Fantasie gefördert, genährt, ausgelacht, umarmt und altmanisiert wurde. Eine süße Anarchie, die viele von uns seit dem Schulhof nicht mehr gespürt hatten, entfesselt von Bobs wildem Herzen.

Altmans persönliche Archive befinden sich an der University of Michigan , die etwa 900 Kisten mit persönlichen Papieren, Skripten, Rechts-, Geschäfts- und Finanzunterlagen, Fotografien, Requisiten und zugehörigem Material umfassen. Altman hatte an der Universität Secret Honor gedreht und dort mehrere Opern inszeniert.

Seit 2009 wird der Robert Altman Award bei den jährlichen Independent Spirit Awards an Regisseur, Casting Director und Ensemble-Besetzung von Filmen verliehen .

2014 erschien mit Altman ein abendfüllender Dokumentarfilm , der sein Leben und Werk mit Filmausschnitten und Interviews beleuchtet.

Siehe auch

Fußnoten

Verweise

Literaturverzeichnis

Weiterlesen

  • Caso, Frank (2015). Robert Altman im amerikanischen Getreide . London: Reaktion Bücher. ISBN 978-1-78023-522-6.
  • Der Kommentar des Regisseurs zur McCabe & Mrs. Miller- DVD deckt, obwohl er sich auf diesen Film konzentriert, in gewissem Maße auch Altmans allgemeine Methodik als Regisseur ab.
  • Judith M. Kass. Robert Altman: American Innovator frühe (1978) Einschätzung der Arbeit des Regisseurs und seines Interesses am Glücksspiel. Ein Teil von Leonard Maltin ‚s Popular Library Filmemacher Serie.
  • Die englische Band Maxïmo Park hat einen Song namens "Robert Altman", eine B-Seite zu ihrer Single " Our Velocity ".
  • The Criterion Collection hat mehrere von Altmans Filmen auf DVD veröffentlicht (Short Cuts, 3 Women, Tanner '88, Secret Honor), die Audiokommentare und Videointerviews mit ihm enthalten, die seinen Regiestil beleuchten.
  • Warren, Charles (2006). Crouse, Jeffey (Hrsg.). „Cavell, Altman und Cassavetes“. Film International . Sonderausgabe von Stanley Cavell. vol. 4 Nr. 22. S. 14–20.
  • Rick Armstrong, "Robert Altman: Critical Essays" Schauspieler, Historiker, Filmwissenschaftler und Kulturtheoretiker reflektieren Altman und seine fünf Jahrzehnte währende Karriere ... (McFarland, 18. Februar 2011)
  • Mitchell Zuckoff, Robert Altman: Die mündliche Biographie. New York: Alfred A. Knopf, 2009. ISBN  978-0-307-26768-9
  • Beschreibung und Details zum Short Cuts Soundtrack für detailliertere Informationen zu diesem Titel.
  • Helene Keyssar, Robert Altmans Amerika. Oxford, 1991

Externe Links

Videos