Rockmusik -Rock music

Felsen
Stilistische Ursprünge	Rock'n'Roll Rockabilly Blues Elektrischer Blues Volk Land Rhythmus und Blues Seele Jazz
Kulturelle Ursprünge	1950er und 1960er Jahre, USA und Großbritannien
Typische Instrumente	Elektrische Gitarre Bassgitarre Schlagzeug Tastaturen Klavier
Abgeleitete Formen	Neue Welle postprogressiv Progressiver Pop
Untergeordnetes Genre
Säuregestein alternativer Rock Arena-Rock Kunstrock Beat-Musik Christlicher Rock Todesfelsen experimenteller Rock Garagenfelsen Glam-Rock Hardrock Kernland-Felsen Heavy Metal ( Subgenres ) indie Rock okkulter Felsen Postpunk Post-Rock Power-Pop progressive Rock psychedelischer Rock Punkrock ( Subgenres ) Wurzeln rocken Soft Rock Stoner-Rock Surfmusik ( vollständige Liste )
Fusion-Genres
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Regionale Szenen
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Lokale Szenen
Schmutz Madchester Palm Desert-Szene San Francisco-Sound Trøndelag
Andere Themen
Album-Ära Rückschlag Verzerrung Ruhmeshalle Pop progressive Musik Beziehung zur Elektronik Rockband Begriffe aus der Rockmusik Rock-Oper Rockismus sozialer Einfluss
2023 in der Rockmusik

Rockmusik ist ein breites Genre populärer Musik , das in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten als „ Rock and Roll “ entstand und sich Mitte der 1960er und später, insbesondere in den Vereinigten Staaten, zu einer Reihe verschiedener Stile entwickelte Großbritannien. Es hat seine Wurzeln im Rock and Roll der 1940er und 1950er Jahre, einem Stil, der direkt aus den Genres Blues und Rhythm and Blues der afroamerikanischen Musik und der Country-Musik stammt . Rock stützte sich auch stark auf eine Reihe anderer Genres wie Electric Blues und Folk und integrierte Einflüsse aus Jazz , Klassik und anderen Musikstilen. Für die Instrumentierung hat sich Rock auf die E-Gitarre konzentriert , normalerweise als Teil einer Rockgruppe mit E-Bassgitarre , Schlagzeug und einem oder mehreren Sängern. Normalerweise ist Rock Song-basierte Musik mit a⁴
₄Taktart unter Verwendung einer Vers-Chorus-Form , aber das Genre ist extrem vielfältig geworden. Wie Popmusik betonen Texte oft die romantische Liebe, sprechen aber auch eine Vielzahl anderer Themen an, die häufig sozialer oder politischer Natur sind. Rock war von den 1950er bis 2010er Jahren das beliebteste Musikgenre in den Vereinigten Staaten und in weiten Teilen der westlichen Welt.

Rockmusiker begannen Mitte der 1960er Jahre, das Album vor der Single als die dominierende Form des Ausdrucks und Konsums von aufgenommener Musik voranzutreiben, wobei die Beatles an der Spitze dieser Entwicklung standen. Ihre Beiträge verliehen dem Genre eine kulturelle Legitimität im Mainstream und leiteten für die nächsten Jahrzehnte eine rockinformierte Album-Ära in der Musikindustrie ein. In der „ klassischen Rock “-Periode der späten 1960er Jahre waren eine Reihe unterschiedlicher Rockmusik-Subgenres entstanden, darunter Hybride wie Blues-Rock , Folk-Rock , Country-Rock , Southern-Rock , Raga-Rock und Jazz-Rock , von denen viele zur Entwicklung von beigetragen haben Psychedelic Rock , der von der gegenkulturellen Psychedelic- und Hippie-Szene beeinflusst wurde . Zu den neuen Genres, die auftauchten, gehörten Progressive Rock , der die künstlerischen Elemente erweiterte, Glam Rock , der Showmanier und visuellen Stil hervorhob, und das vielfältige und beständige Subgenre Heavy Metal , das Lautstärke, Kraft und Geschwindigkeit betonte. In der zweiten Hälfte der 1970er-Jahre reagierte der Punkrock darauf mit einer reduzierten, energischen Gesellschafts- und Politikkritik. Punk war in den 1980er Jahren ein Einfluss auf New Wave , Post-Punk und schließlich Alternative Rock . Ab den 1990er Jahren begann Alternative Rock die Rockmusik zu dominieren und in Form von Grunge , Britpop und Indie-Rock in den Mainstream einzudringen . Seitdem sind weitere Fusion-Subgenres entstanden, darunter Pop-Punk , Electronic Rock , Rap Rock und Rap Metal .

Im 21. Jahrhundert hat Rock seine Position als herausragendes populäres Musikgenre in der Weltkultur verloren, bleibt aber kommerziell erfolgreich. Viele neuere Bewegungen waren bewusste Versuche, die Geschichte des Rock neu zu überdenken, einschließlich des Garage-Rock / Post-Punk- Revivals in den 2000er Jahren. Der zunehmende Einfluss von Hip-Hop und elektronischer Tanzmusik zeigt sich in der Rockmusik, insbesondere in der Techno-Pop- Szene der frühen 2010er und dem Pop-Punk-Hip-Hop-Revival der 2020er Jahre.

Rock verkörperte und diente auch als Vehikel für kulturelle und soziale Bewegungen, was zu großen Subkulturen führte, darunter Mods und Rocker im Vereinigten Königreich, die Hippie- Bewegung und die breitere westliche Gegenkulturbewegung , die sich in den 1960er Jahren von San Francisco in den USA aus ausbreitete. Letzteres dauert bis heute an. In ähnlicher Weise brachte die Punkkultur der 1970er Jahre die Goth- , Punk- und Emo- Subkulturen hervor. In Anlehnung an die Volkstradition des Protestliedes wurde Rockmusik mit politischem Aktivismus sowie Veränderungen in der sozialen Einstellung zu Rasse, Geschlecht und Drogenkonsum in Verbindung gebracht und wird oft als Ausdruck der Revolte der Jugend gegen den Konsum und die Konformität der Erwachsenen angesehen . Gleichzeitig war es kommerziell sehr erfolgreich, was zu Anklagen wegen Ausverkaufs führte .

Eigenschaften

Der Sound des Rock konzentriert sich traditionell auf die verstärkte E-Gitarre, die in ihrer modernen Form in den 1950er Jahren mit der Popularität des Rock'n'Roll auftauchte. Es wurde auch stark von den Klängen elektrischer Bluesgitarristen beeinflusst . Der Sound einer E-Gitarre in der Rockmusik wird typischerweise von einer E-Bassgitarre unterstützt, die in der gleichen Zeit Pionierarbeit in der Jazzmusik leistete, und von Percussion, die von einem Schlagzeug erzeugt wird, das Schlagzeug und Becken kombiniert. Dieses Instrumenten-Trio wurde oft durch die Einbeziehung anderer Instrumente ergänzt, insbesondere Keyboards wie das Klavier, die Hammond-Orgel und der Synthesizer. Die grundlegende Rockinstrumentierung wurde von der grundlegenden Bluesband -Instrumentierung abgeleitet (prominente Leadgitarre, zweites Akkordinstrument, Bass und Schlagzeug). Eine Gruppe von Musikern, die Rockmusik spielen, wird als Rockband oder Rockgruppe bezeichnet. Darüber hinaus besteht es typischerweise aus drei (das Power Trio ) und fünf Mitgliedern. Klassischerweise hat eine Rockband die Form eines Quartetts , dessen Mitglieder eine oder mehrere Rollen übernehmen, darunter Sänger, Leadgitarrist, Rhythmusgitarrist, Bassgitarrist, Schlagzeuger und häufig Keyboarder oder andere Instrumentalisten.

Rockmusik ist traditionell auf einem Fundament aus einfachen synkopierten Rhythmen aufgebaut⁴
₄ Meter , mit einem sich wiederholenden Snare-Drum- Back-Beat auf den Schlägen zwei und vier. Melodien stammen oft aus älteren Musikmodi wie dem Dorian und Mixolydian sowie aus Dur- und Moll- Modi. Die Harmonien reichen vom gemeinsamen Dreiklang über parallele perfekte Quarten und Quinten bis hin zu dissonanten harmonischen Progressionen. Seit Ende der 1950er und insbesondere ab Mitte der 1960er Jahre verwendete die Rockmusik häufig die aus Blues und Volksmusik abgeleitete Strophe-Chorus-Struktur , aber es gab erhebliche Abweichungen von diesem Modell. Kritiker haben den Eklektizismus und die stilistische Vielfalt des Rock betont. Aufgrund ihrer komplexen Geschichte und ihrer Tendenz, Anleihen bei anderen musikalischen und kulturellen Formen zu machen, wurde argumentiert, dass "es unmöglich ist, Rockmusik an eine fest umrissene musikalische Definition zu binden". Nach Meinung des Musikjournalisten Robert Christgau rüttelt „der beste Rock die Tugenden der Volkskunst – Direktheit, Nützlichkeit, natürliches Publikum – mit Aufnahmen moderner Technologie und modernistischer Dissoziation in die Gegenwart “.

Im Gegensatz zu vielen früheren Stilen der populären Musik haben sich Rocktexte mit einer breiten Palette von Themen befasst, darunter romantische Liebe, Sex, Rebellion gegen das „Establishment “ , soziale Anliegen und Lebensstile. Diese Themen wurden aus einer Vielzahl von Quellen wie der Poptradition der Tin Pan Alley , Volksmusik und Rhythm and Blues geerbt. Christgau charakterisiert Rocktexte als ein „cooles Medium“ mit einfacher Diktion und wiederholten Refrains und behauptet, dass die primäre „Funktion“ des Rocks „sich auf Musik oder allgemeiner auf Geräusche bezieht “ . Die Vorherrschaft weißer, männlicher und oft bürgerlicher Musiker in der Rockmusik wurde oft festgestellt, und Rock wurde als Aneignung schwarzer Musikformen für ein junges, weißes und überwiegend männliches Publikum angesehen. Infolgedessen wurde auch gesehen, dass es die Anliegen dieser Gruppe sowohl im Stil als auch in den Texten artikuliert. Christgau, der 1972 schrieb, sagte trotz einiger Ausnahmen: "Rock'n'Roll impliziert normalerweise eine Identifizierung männlicher Sexualität und Aggression".

Seit Ende der 1960er Jahre der Begriff "Rock" gegenüber "Rock and Roll" bevorzugt verwendet wurde, wurde er normalerweise der Popmusik gegenübergestellt, mit der er viele Eigenschaften gemeinsam hat, von der er jedoch häufig durch eine Betonung distanziert wird auf Musikalität, Live-Performance und die Fokussierung auf ernsthafte und progressive Themen als Teil einer Ideologie der Authentizität , die häufig mit dem Bewusstsein für die Geschichte und Entwicklung des Genres verbunden ist. Laut Simon Frith war Rock „etwas mehr als Pop, etwas mehr als Rock and Roll“ und „[R]ock-Musiker verbanden einen Schwerpunkt auf Können und Technik mit dem romantischen Konzept von Kunst als künstlerischem Ausdruck, originell und aufrichtig“.

Im neuen Jahrtausend wurde der Begriff Rock gelegentlich als Oberbegriff verwendet, der Formen wie Popmusik, Reggae-Musik , Soul-Musik und sogar Hip-Hop umfasst , von denen er beeinflusst wurde, aber im Laufe seiner Geschichte oft kontrastiert wurde. Christgau hat den Begriff allgemein verwendet, um sich auf populäre und halbpopuläre Musik zu beziehen, die seiner Sensibilität als "Rock'n'Roller" gerecht wird, einschließlich einer Vorliebe für einen guten Beat, eine bedeutungsvolle Lyrik mit etwas Witz und das Thema Jugend halte eine „ewige Anziehungskraft“ so objektiv, „dass alle Jugendmusik an der Soziologie und dem Erfahrungsbericht teilhat “. In einem Artikel in Christgau's Record Guide: The '80s (1990) sagte er, diese Sensibilität sei in der Musik der Folk-Singer-Songwriterin Michelle Shocked , des Rappers LL Cool J und des Synth-Pop-Duos Pet Shop Boys offensichtlich – „alle Kinder trainieren ihre Identitäten“ – genauso wie in der Musik von Chuck Berry , den Ramones und den Replacements .

Ende der 1940er bis Mitte der 1960er Jahre

Rock'n'Roll

Die Grundlagen der Rockmusik liegen im Rock and Roll, der in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten entstand und sich schnell in weiten Teilen der Welt ausbreitete. Seine unmittelbaren Ursprünge lagen in einer Verschmelzung verschiedener schwarzer Musikgenres der damaligen Zeit, darunter Rhythm and Blues und Gospelmusik , mit Country und Western . Im Jahr 1951 begann der Discjockey Alan Freed aus Cleveland, Ohio, Rhythm and Blues-Musik (damals als „ Rennmusik “ bezeichnet) für ein gemischtrassiges Publikum zu spielen, und es wird ihm zugeschrieben, dass er zuerst den Ausdruck „Rock and Roll“ verwendet hat, um die Musik zu beschreiben.

Debatten umgibt die vielen Aufnahmen, die als "die erste Rock'n'Roll-Platte " vorgeschlagen wurden . Konkurrenten sind „ The House of Blue Lights “ von Ella Mae Morse und Freddie Slack (1946); Wynonie Harris ' „ Good Rocking Tonight “ (1948); Goree Carters „Rock Awhile“ (1949); Jimmy Prestons „ Rock the Joint “ (1949), der später von Bill Haley & His Comets 1952 gecovert wurde; und „ Rocket 88 “ von Jackie Brenston und seinen Delta Cats (eigentlich Ike Turner und seine Band The Kings of Rhythm ), aufgenommen von Sam Phillips für Sun Records im Jahr 1951. Vier Jahre später erschien Bill Haleys „ Rock Around the Clock“. " (1955) wurde der erste Rock'n'Roll-Song, der die Hauptverkaufs- und Airplay-Charts des Billboard- Magazins anführte, und öffnete weltweit die Tür für diese neue Welle der Populärkultur.

Es wurde auch argumentiert, dass " That's All Right (Mama) " (1954), Elvis Presleys erste Single für Sun Records in Memphis , die erste Rock'n'Roll-Platte sein könnte, aber gleichzeitig Big Joe Turner ' s „ Shake, Rattle & Roll “, später von Haley gecovert, stand bereits an der Spitze der Billboard R&B-Charts . Andere Künstler mit frühen Rock'n'Roll-Hits waren Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis und Gene Vincent . Bald war Rock 'n' Roll die treibende Kraft im amerikanischen Plattenverkauf, und Schlagersänger wie Eddie Fisher , Perry Como und Patti Page , die das vorangegangene Jahrzehnt der Popmusik dominiert hatten, fanden ihren Zugang zu den Pop-Charts erheblich eingeschränkt.

Rock'n'Roll wurde als Wegbereiter für eine Reihe unterschiedlicher Subgenres angesehen, darunter Rockabilly, das Rock'n'Roll mit "Hinterwäldler"-Country-Musik kombiniert, die normalerweise Mitte der 1950er Jahre von weißen Sängern wie Carl Perkins und Jerry Lee gespielt und aufgenommen wurde Lewis, Buddy Holly und mit dem größten kommerziellen Erfolg Elvis Presley. Hispanische und lateinamerikanische Bewegungen im Rock'n'Roll, die schließlich zum Erfolg von Latin Rock und Chicano Rock in den USA führen würden, begannen im Südwesten zu steigen ; mit Rock'n'Roll-Standardmusiker Ritchie Valens und sogar solchen aus anderen Heritage-Genres, wie Al Hurricane zusammen mit seinen Brüdern Tiny Morrie und Baby Gaby, als sie begannen, Rock'n'Roll mit Country- Western innerhalb der traditionellen New Mexico-Musik zu kombinieren . Andere Stile wie Doo Wop legten den Schwerpunkt auf mehrstimmige Gesangsharmonien und Hintergrundtexte (von denen das Genre später seinen Namen erhielt), die normalerweise mit leichter Instrumentierung unterstützt wurden und ihren Ursprung in afroamerikanischen Gesangsgruppen der 1930er und 1940er Jahre hatten. Acts wie die Crows , die Penguins , die El Dorados und die Turbans erzielten alle große Hits, und Gruppen wie die Platters mit Songs wie „ The Great Pretender “ (1955) und die Coasters mit humorvollen Songs wie „ Yakety Yak “ (1958 ), zählte zu den erfolgreichsten Rock'n'Roll-Acts dieser Zeit.

Die Ära sah auch die wachsende Popularität der E-Gitarre und die Entwicklung eines spezifischen Rock'n'Roll-Spielstils durch Exponenten wie Chuck Berry, Link Wray und Scotty Moore . Die Verwendung von Distortion , die von Western-Swing -Gitarristen wie Junior Barnard und Eldon Shamblin entwickelt wurde , wurde Mitte der 1950er Jahre von Chuck Berry populär gemacht. Die Verwendung von Powerchords , die im 19. Jahrhundert von Francisco Tárrega und Heitor Villa-Lobos und später in den frühen 1950er Jahren von Willie Johnson und Pat Hare entwickelt wurde , wurde Ende der 1950er Jahre von Link Wray populär gemacht.

Kommentatoren haben traditionell einen Niedergang des Rock'n'Roll in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren wahrgenommen. Bis 1959 der Tod von Buddy Holly, Big Bopper und Ritchie Valens bei einem Flugzeugabsturz, die Abreise von Elvis zur Armee, der Rücktritt von Little Richard, um Prediger zu werden, die Anklage gegen Jerry Lee Lewis und Chuck Berry und der Bruch von Der Payola- Skandal (der wichtige Persönlichkeiten wie Alan Freed in Bestechung und Korruption bei der Förderung einzelner Acts oder Songs verwickelte) vermittelte das Gefühl, dass die damals etablierte Rock'n'Roll-Ära zu Ende gegangen war.

Globale Verbreitung

Rock verbreitete sich schnell von seinen Ursprüngen in den USA, verbunden mit der raschen Amerikanisierung , die nach dem Zweiten Weltkrieg weltweit stattfand . Cliff Richard wird mit „ Move It “ einer der ersten Rock'n'Roll-Hits außerhalb Nordamerikas zugeschrieben , der den Sound des britischen Rock effektiv einläutet . Mehrere Künstler, vor allem Tommy Steele aus Großbritannien, hatten Erfolg mit Coverversionen großer amerikanischer Rock'n'Roll-Hits, bevor sich die Aufnahmen international verbreiten konnten, und übersetzten sie gegebenenfalls häufig in lokale Sprachen. Insbesondere Steele tourte von 1955 bis 1957 durch Großbritannien, Skandinavien, Australien, die UdSSR und Südafrika und beeinflusste die Globalisierung des Rock. In den späten 1950er Jahren war Rock ebenso wie in der von Amerika beeinflussten westlichen Welt in kommunistischen Staaten wie Jugoslawien und der UdSSR sowie in Regionen wie Südamerika beliebt.

In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren fanden amerikanische Bluesmusik- und Bluesrock- Künstler, die vom Aufstieg des Rock'n'Roll in den USA übertroffen worden waren, in Großbritannien neue Popularität und besuchten sie mit erfolgreichen Tourneen. Lonnie Donegans 1955er Hit „ Rock Island Line “ war ein großer Einfluss und trug dazu bei, den Trend der Skiffle- Musikgruppen im ganzen Land zu entwickeln, von denen viele, darunter John Lennons Quarrymen ( später The Beatles) , Rock spielten Während der Rock'n'Roll in den USA von leichtem Pop und Balladen dominiert wurde, entwickelten britische Rockgruppen in Clubs und lokalen Tänzen einen Stil, der stärker von Bluesrock-Pionieren beeinflusst war, und begannen, mit einer seltenen Intensität und Dynamik zu spielen gefunden in weißen amerikanischen Acts; dieser Einfluss würde die Zukunft der Rockmusik durch die britische Invasion prägen .

Pop-Rock und Instrumental-Rock

Der Begriff Pop wird seit dem frühen 20. Jahrhundert verwendet, um sich auf populäre Musik im Allgemeinen zu beziehen, aber ab Mitte der 1950er Jahre wurde er für ein bestimmtes Genre verwendet, das auf einen Jugendmarkt abzielte und oft als sanftere Alternative zu Rock und bezeichnet wurde rollen. Ab etwa 1967 wurde es zunehmend im Gegensatz zum Begriff Rockmusik verwendet, um eine Form zu beschreiben, die kommerzieller, vergänglicher und zugänglicher war. Im Gegensatz dazu wurde Rockmusik als auf erweiterte Werke, insbesondere Alben, konzentriert angesehen, oft mit bestimmten Subkulturen (wie der Gegenkultur der 1960er Jahre ) in Verbindung gebracht, auf künstlerische Werte und "Authentizität" gesetzt, auf Live-Performance und Instrumental- oder Gesangsmusik gesetzt Virtuosität und wurde oft als Zusammenfassung fortschrittlicher Entwicklungen angesehen, anstatt nur bestehende Trends widerzuspiegeln. Trotzdem war viel Pop- und Rockmusik in Klang, Instrumentierung und sogar lyrischem Inhalt sehr ähnlich.

Die Zeit der späten 1950er und frühen 1960er Jahre wurde traditionell als Ära der Pause für Rock'n'Roll angesehen. In jüngerer Zeit haben einige Autoren wichtige Innovationen und Trends in dieser Zeit hervorgehoben, ohne die zukünftige Entwicklungen nicht möglich gewesen wären. Während der frühe Rock'n'Roll, insbesondere durch das Aufkommen des Rockabilly, den größten kommerziellen Erfolg für männliche und weiße Künstler erlebte, wurde das Genre in dieser Ära von schwarzen und weiblichen Künstlern dominiert. Rock 'n' Roll war Ende der 1950er Jahre nicht verschwunden, und ein Teil seiner Energie kann in der Twist- Tanzverrücktheit der frühen 1960er Jahre gesehen werden, was hauptsächlich der Karriere von Chubby Checker zugute kam .

Ebenfalls bedeutsam war das Aufkommen der Soul-Musik als wichtige kommerzielle Kraft. Entwicklung aus Rhythm and Blues mit einer Wiedereinführung von Gospelmusik und Pop, angeführt von Pionieren wie Ray Charles und Sam Cooke ab Mitte der 1950er Jahre, von Figuren der frühen 1960er Jahre wie Marvin Gaye , James Brown , Aretha Franklin , Curtis Mayfield und Stevie Wonder dominierte die R&B-Charts und brach in die wichtigsten Pop-Charts ein, was dazu beitrug, ihre Aufhebung der Rassentrennung zu beschleunigen, während Motown und Stax/Volt Records zu wichtigen Kräften in der Plattenindustrie wurden. Einige Musikhistoriker haben auch auf wichtige und innovative technische Entwicklungen hingewiesen, die in dieser Zeit auf Rock and Roll bauten, einschließlich der elektronischen Behandlung von Sound durch solche Innovatoren wie Joe Meek und die aufwändigen Produktionsmethoden der Wall of Sound, die von Phil Spector verfolgt wurden .

Surfmusik

Der instrumentale Rock'n'Roll von Künstlern wie Duane Eddy , Link Wray und den Ventures wurde von Dick Dale entwickelt , der den unverwechselbaren "nassen" Hall , schnelles alternatives Picking und Einflüsse aus dem Nahen Osten und Mexiko hinzufügte. Er produzierte 1961 den regionalen Hit „ Let's Go Trippin' “ und startete den Surfmusik-Wahnsinn, gefolgt von Songs wie „ Misirlou “ (1962). Wie Dale und seine Del-Tones wurden die meisten frühen Surfbands in Südkalifornien gegründet, darunter die Bel-Airs , die Challengers und Eddie & the Showmen . Die Chantays erzielten 1963 mit „ Pipeline “ einen nationalen Top-Ten-Hit , und der wahrscheinlich bekannteste Surf-Song war 1963 „ Wipe Out “ von den Surfaris , der 1965 Platz 2 und Platz 10 der Billboard- Charts erreichte.

Surfmusik erreichte ihren größten kommerziellen Erfolg als Vokalmusik, insbesondere durch die Arbeit der Beach Boys , die 1961 in Südkalifornien gegründet wurden. Ihre frühen Alben enthielten sowohl instrumentalen Surfrock (darunter Coverversionen von Musik von Dick Dale) als auch Gesangssongs, die sich auf Rock and Roll und Doo Wop und die engen Harmonien von Vokal-Pop-Acts wie den Four Freshmen stützten . Der erste Chart-Hit der Beach Boys, „ Surfin' “, erreichte 1962 die Billboard Top 100 und trug dazu bei, dass der Surf-Musik-Wahn zu einem nationalen Phänomen wurde. Es wird oft argumentiert, dass der Surfmusik-Wahn und die Karrieren fast aller Surf-Acts durch die Ankunft der britischen Invasion von 1964 effektiv beendet wurden, weil die meisten Surfmusik-Hits zwischen 1961 und 1965 aufgenommen und veröffentlicht wurden.

Mitte der 1960er bis Anfang der 1990er Jahre

Britische Invasion

Ende 1962 begann die spätere britische Rockszene mit Beatgruppen wie den Beatles , Gerry & the Pacemakers und den Searchers aus Liverpool und Freddie and the Dreamers , Herman's Hermits und den Hollies aus Manchester. Sie stützten sich auf eine breite Palette amerikanischer Einflüsse, darunter Rock and Roll, Soul, Rhythm and Blues und Surfmusik der 1950er Jahre, interpretierten zunächst amerikanische Standardmelodien neu und spielten für Tänzer. Bands wie die Animals aus Newcastle und Them aus Belfast und insbesondere solche aus London wie die Rolling Stones und die Yardbirds wurden viel direkter von Rhythm and Blues und später von Bluesmusik beeinflusst. Bald komponierten diese Gruppen ihr eigenes Material, kombinierten US-amerikanische Musikformen und füllten es mit einem energiegeladenen Beat. Beat-Bands tendierten zu "hüpfenden, unwiderstehlichen Melodien", während frühe britische Blues -Acts zu weniger sexuell unschuldigen, aggressiveren Songs tendierten und oft eine Anti-Establishment-Haltung einnahmen. Es gab jedoch, besonders in den frühen Stadien, erhebliche musikalische Überschneidungen zwischen den beiden Tendenzen. Bis 1963 hatten Beat-Gruppen, angeführt von den Beatles, damit begonnen, nationale Erfolge in Großbritannien zu erzielen, denen bald die eher auf Rhythmus und Blues fokussierten Acts in die Charts folgten.

„ I Want to Hold Your Hand “ war der erste Nummer-eins-Hit der Beatles in den Billboard Hot 100 , sieben Wochen an der Spitze und insgesamt 15 Wochen in den Charts. Ihr erster Auftritt in der Ed Sullivan Show am 9. Februar 1964 mit geschätzten 73 Millionen Zuschauern (damals ein Rekord für eine amerikanische Fernsehsendung) gilt als Meilenstein in der amerikanischen Popkultur. In der Woche vom 4. April 1964 belegten die Beatles 12 Positionen in den Billboard Hot 100- Single-Charts, darunter die gesamten Top 5. Die Beatles wurden zur meistverkauften Rockband aller Zeiten und ihnen folgten zahlreiche britische Bands in die US-Charts. Während der nächsten zwei Jahre dominierten britische Acts ihre eigenen und die US-Charts mit Peter and Gordon , the Animals, Manfred Mann , Petula Clark , Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman’s Hermits, the Rolling Stones, the Troggs , and Donovan haben alle eine oder mehrere Nummer-eins-Singles. Andere große Acts, die Teil der Invasion waren, waren die Kinks und die Dave Clark Five .

Die britische Invasion half bei der Internationalisierung der Rock'n'Roll-Produktion und öffnete nachfolgenden britischen (und irischen) Künstlern die Tür zu internationalem Erfolg. In Amerika bedeutete es wohl das Ende der instrumentalen Surfmusik, der Gesangsmädchengruppen und (zeitweise) der Teenie-Idole , die in den späten 1950er und 1960er Jahren die amerikanischen Charts dominiert hatten. Es beeinträchtigte die Karrieren etablierter R&B-Acts wie Fats Domino und Chubby Checker und brachte sogar den Chart-Erfolg überlebender Rock'n'Roll-Acts, einschließlich Elvis, vorübergehend zum Erliegen. Die britische Invasion spielte auch eine wichtige Rolle beim Aufstieg eines eigenständigen Genres der Rockmusik und festigte den Vorrang der Rockgruppe, die auf Gitarren und Schlagzeug basierte und ihr eigenes Material als Singer-Songwriter produzierte. Nach dem Vorbild der Beatles -LP Rubber Soul aus dem Jahr 1965 veröffentlichten 1966 andere britische Rock-Acts Rockalben, die als künstlerische Statements gedacht waren, darunter The Rolling Stones ' Aftermath , der Beatles-eigene Revolver und The Who 's A Quick One , sowie amerikanische Acts in den Beach Boys ( Pet Sounds ) und Bob Dylan ( Blonde on Blonde ).

Garagenrock

Garage Rock war eine rohe Form der Rockmusik, die Mitte der 1960er Jahre besonders in Nordamerika verbreitet war und so genannt wurde, weil man davon ausging, dass sie in der Garage der Vorstadtfamilie geprobt wurde. Garage-Rock-Songs drehten sich oft um die Traumata des Highschool-Lebens, wobei Songs über "lügende Mädchen" und unfaire soziale Umstände besonders verbreitet waren. Die Texte und die Darbietung waren tendenziell aggressiver als damals üblich, oft mit knurrenden oder geschrienen Vocals, die sich in unzusammenhängendes Schreien auflösten. Sie reichten von roher Ein-Akkord-Musik (wie die Seeds ) bis hin zu fast studioreifer Musikerqualität (einschließlich der Knickerbockers , der Remains und der Fifth Estate ). Es gab auch regionale Unterschiede in vielen Teilen des Landes mit blühenden Szenen, insbesondere in Kalifornien und Texas. Die pazifischen Nordweststaaten Washington und Oregon hatten vielleicht den klarsten regionalen Klang.

Der Stil hatte sich bereits 1958 aus regionalen Szenen entwickelt. „Tall Cool One“ (1959) von den Wailers und „ Louie Louie “ von den Kingsmen (1963) sind Mainstream-Beispiele des Genres in seinen Gründungsstadien. Bis 1963 schlichen sich Garagenband-Singles in größerer Zahl in die nationalen Charts, darunter Paul Revere und die Raiders (Boise), die Trashmen (Minneapolis) und die Rivieras (South Bend, Indiana). Andere einflussreiche Garagenbands wie die Sonics (Tacoma, Washington) erreichten nie die Billboard Hot 100 .

Die britische Invasion hat Garagenbands stark beeinflusst, ihnen ein nationales Publikum verschafft, viele (oft Surf- oder Hot Rod -Gruppen) dazu veranlasst, einen britischen Einfluss anzunehmen, und viele weitere Gruppen zur Gründung ermutigt. Tausende von Garagenbands existierten während dieser Zeit in den USA und Kanada und Hunderte produzierten regionale Hits. Obwohl Dutzende von Bands bei großen oder großen regionalen Labels unter Vertrag genommen wurden, waren die meisten kommerzielle Misserfolge. Es ist allgemein anerkannt, dass Garage Rock um 1966 sowohl kommerziell als auch künstlerisch seinen Höhepunkt erreichte. 1968 verschwand der Stil weitgehend aus den nationalen Charts und auf lokaler Ebene, als Amateurmusiker vor dem College, der Arbeit oder dem Entwurf standen . Neue Stile hatten sich entwickelt, um Garage Rock zu ersetzen.

Bluesrock

Obwohl der erste Einfluss der britischen Invasion auf die amerikanische Popmusik durch Beat- und R&B-basierte Acts erfolgte, wurde der Impuls bald von einer zweiten Welle von Bands aufgegriffen, die sich direkter vom amerikanischen Blues inspirieren ließen , darunter die Rolling Stones und die Yardbirds . Britische Bluesmusiker der späten 1950er und frühen 1960er Jahre waren vom akustischen Spiel von Persönlichkeiten wie Lead Belly , der einen großen Einfluss auf den Skiffle-Wahn hatte, und Robert Johnson inspiriert worden . Zunehmend nahmen sie einen lauten, verstärkten Sound an, der sich oft auf die E-Gitarre konzentrierte und auf dem Chicago Blues basierte , insbesondere nach der Großbritannien-Tournee von Muddy Waters im Jahr 1958, die Cyril Davies und den Gitarristen Alexis Korner dazu veranlasste, die Band Blues Incorporated zu gründen . Die Band beteiligte und inspirierte viele der Persönlichkeiten des nachfolgenden britischen Blues- Booms, darunter Mitglieder der Rolling Stones und Cream , und kombinierte Blues-Standards und -Formen mit Rock-Instrumentierung und Betonung.

Der andere Schwerpunkt des britischen Blues war John Mayall ; Zu seiner Band, den Bluesbreakers , gehörten Eric Clapton (nach Claptons Abgang von den Yardbirds) und später Peter Green . Besonders bedeutsam war die Veröffentlichung des Albums Blues Breakers mit Eric Clapton (Beano) (1966), das als eine der wegweisenden britischen Blues-Aufnahmen gilt und dessen Sound sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten viel nachgeahmt wurde. Eric Clapton gründete die Supergroups Cream, Blind Faith und Derek and the Dominos , gefolgt von einer ausgedehnten Solokarriere, die dazu beitrug, Blues Rock in den Mainstream zu bringen. Green gründete zusammen mit Mick Fleetwood und John McVie , der Rhythmusgruppe des Bluesbreaker , Peter Green's Fleetwood Mac , der einige der größten kommerziellen Erfolge des Genres hatte. Ende der 1960er Jahre bewegte Jeff Beck , ebenfalls Absolvent der Yardbirds, mit seiner Band, der Jeff Beck Group, den Bluesrock in Richtung Heavy Rock . Der letzte Yardbirds-Gitarrist war Jimmy Page , der später The New Yardbirds gründete , die schnell zu Led Zeppelin wurden . Viele der Songs auf ihren ersten drei Alben und gelegentlich später in ihrer Karriere waren Erweiterungen traditioneller Blues-Songs.

In Amerika wurde der Bluesrock in den frühen 1960er Jahren von Gitarrist Lonnie Mack entwickelt , aber das Genre begann Mitte der 1960er Jahre, als Acts einen ähnlichen Sound wie britische Bluesmusiker entwickelten. Zu den wichtigsten Acts gehörten Paul Butterfield (dessen Band in Großbritannien wie Mayalls Bluesbreakers als Ausgangspunkt für viele erfolgreiche Musiker fungierte), Canned Heat , der frühe Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , die J. Geils Band und Jimi Hendrix mit seinen Power-Trios , die Jimi Hendrix Experience (die zwei britische Mitglieder umfasste und in Großbritannien gegründet wurde) und die Band of Gypsys , deren Gitarrenvirtuosität und Showmanier zu den am meisten nachgeahmten des Jahrzehnts gehören würden. Blues-Rock-Bands aus den Südstaaten, wie die Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd und ZZ Top , integrierten Country- Elemente in ihren Stil, um das unverwechselbare Genre Southern Rock zu produzieren .

Frühe Bluesrock-Bands ahmten oft Jazz nach und spielten lange, komplizierte Improvisationen, die später ein Hauptelement des Progressive Rock werden sollten. Ab etwa 1967 bewegten sich Bands wie Cream und Jimi Hendrix Experience weg von rein bluesbasierter Musik hin zu Psychedelia . In den 1970er Jahren war der Bluesrock schwerer und riffbasierter geworden, was durch die Arbeit von Led Zeppelin und Deep Purple veranschaulicht wurde , und die Grenzen zwischen Bluesrock und Hardrock "waren kaum sichtbar", als Bands begannen, Alben im Rockstil aufzunehmen. Das Genre wurde in den 1970er Jahren von Persönlichkeiten wie George Thorogood und Pat Travers weitergeführt , aber vor allem in der britischen Szene (mit Ausnahme vielleicht des Aufkommens von Gruppen wie Status Quo und Foghat , die sich einer Form von hochenergetischem und repetitivem Boogie Rock zuwandten ), konzentrierten sich Bands auf Heavy-Metal -Innovationen und Bluesrock begann, aus dem Mainstream herauszurutschen.

Schlager-Rock

In den 1960er Jahren war die Szene, die sich aus der Wiederbelebung der amerikanischen Volksmusik entwickelt hatte, zu einer großen Bewegung herangewachsen, die traditionelle Musik und neue Kompositionen in einem traditionellen Stil verwendete, normalerweise auf akustischen Instrumenten. In Amerika wurde das Genre von Persönlichkeiten wie Woody Guthrie und Pete Seeger entwickelt und oft mit progressiver oder Arbeiterpolitik gleichgesetzt . In den frühen sechziger Jahren waren Figuren wie Joan Baez und Bob Dylan als Singer-Songwriter in dieser Bewegung in den Vordergrund gerückt. Dylan hatte begonnen, mit Hits wie „ Blowin' in the Wind “ (1963) und „ Masters of War “ (1963), die „ Protestlieder “ einem breiteren Publikum zugänglich machten, ein Mainstream-Publikum zu erreichen, begann sich jedoch gegenseitig zu beeinflussen , Rock- und Volksmusik waren weitgehend getrennte Genres geblieben, oft mit sich gegenseitig ausschließendem Publikum.

Zu den frühen Versuchen, Elemente aus Folk und Rock zu kombinieren, gehörten Animals' " House of the Rising Sun " (1964), das der erste kommerziell erfolgreiche Folksong war, der mit Rock'n'Roll-Instrumentierung aufgenommen wurde, und das Beatles " I'm a Loser " . (1964), wohl der erste Beatles-Song, der direkt von Dylan beeinflusst wurde. Es wird allgemein angenommen, dass die Folk-Rock-Bewegung mit der Aufnahme von Dylans „ Mr. Tambourine Man “ durch die Byrds , die 1965 die Charts anführte, ihren Anfang nahm übernahm die Rock-Instrumentierung, darunter Schlagzeug und 12-saitige Rickenbacker- Gitarren, die zu einem wichtigen Element im Sound des Genres wurden. Später in diesem Jahr übernahm Dylan elektrische Instrumente, sehr zur Empörung vieler Folk-Puristen, und sein „ Like a Rolling Stone “ wurde zu einer US-Hit-Single. Laut Ritchie Unterberger beeinflusste Dylan (noch vor seiner Einführung elektrischer Instrumente) Rockmusiker wie die Beatles und demonstrierte "der Rockgeneration im Allgemeinen, dass ein Album eine große eigenständige Aussage ohne Hit-Singles sein kann", wie auf The Freewheelin ' Bob Dylan (1963).

Folk Rock nahm besonders in Kalifornien Fahrt auf, wo er Acts wie die Mamas & the Papas und Crosby, Stills und Nash dazu veranlasste , auf elektrische Instrumentierung umzusteigen, und in New York, wo er Interpreten hervorbrachte, darunter die Lovin' Spoonful und Simon and Garfunkel . wobei letzteres akustisches „ The Sounds of Silence “ (1965) mit Rockinstrumenten neu abgemischt wurde, um der erste von vielen Hits zu werden. Diese Acts beeinflussten direkt britische Künstler wie Donovan und Fairport Convention . 1969 gab Fairport Convention ihre Mischung aus amerikanischen Coverversionen und von Dylan beeinflussten Songs auf, um traditionelle englische Volksmusik auf elektrischen Instrumenten zu spielen. Dieser britische Folk-Rock wurde von Bands wie Pentangle , Steeleye Span und der Albion Band aufgegriffen , was wiederum irische Gruppen wie Horslips und schottische Acts wie die JSD Band , Spencer's Feat und später Five Hand Reel dazu veranlasste, ihre traditionelle Musik zu verwenden Anfang der 1970er Jahre eine Marke für Celtic Rock gründen.

Folk-Rock erreichte seinen Höhepunkt der kommerziellen Popularität in der Zeit von 1967 bis 1968, bevor sich viele Acts in verschiedene Richtungen bewegten, darunter Dylan und die Byrds, die begannen, Country-Rock zu entwickeln . Die Hybridisierung von Folk und Rock wurde jedoch als maßgeblicher Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik angesehen, indem sie Elemente der Psychedelia einbrachte und dazu beitrug, die Ideen des Singer-Songwriters, des Protestsongs und Konzepte von "Authentizität" zu entwickeln ".

Psychedelischer Rock

Die LSD -inspirierte Stimmung der psychedelischen Musik begann in der Folk-Szene. Die erste Gruppe, die sich als Psychedelic Rock bewarb, waren die 13th Floor Elevators aus Texas. Die Beatles stellten dem Publikum in dieser Zeit viele der Hauptelemente des psychedelischen Sounds vor, wie Gitarren-Feedback , die indische Sitar und Backmasking -Soundeffekte . Psychedelic Rock nahm in Kaliforniens aufstrebender Musikszene besonders Fahrt auf, als Gruppen ab 1965 den Wechsel der Byrds von Folk zu Folk Rock verfolgten . Der psychedelische Lebensstil, der sich um halluzinogene Drogen drehte, hatte sich bereits in San Francisco entwickelt und war besonders prominente Produkte der Szene Big Brother und die Holding Company , Grateful Dead und Jefferson Airplane . Der Leadgitarrist der Jimi Hendrix Experience , Jimi Hendrix , spielte ausgedehnte, verzerrte, mit Rückkopplungen gefüllte Jams, die zu einem Schlüsselmerkmal von Psychedelia wurden. Psychedelic Rock erreichte in den letzten Jahren des Jahrzehnts seinen Höhepunkt. 1967 veröffentlichten die Beatles ihr endgültiges psychedelisches Statement in Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , einschließlich des kontroversen Tracks " Lucy in the Sky with Diamonds ", die Rolling Stones antworteten später in diesem Jahr mit " Their Satanic Majesties Request" , und Pink Floyd debütierte mit "The Piper at the Gates of Dawn ". Zu den wichtigsten Aufnahmen gehörten „Surrealistic Pillow“ von Jefferson Airplane und „Strange Days“ von The Doors . Diese Trends erreichten ihren Höhepunkt beim Woodstock-Festival 1969 , bei dem die meisten großen psychedelischen Acts auftraten.

Sergeant Pepper galt später als das größte Album aller Zeiten und als Ausgangspunkt für die Album-Ära , in der Rockmusik vom Single-Format zu Alben überging und im Mainstream kulturelle Legitimität erlangte. Angeführt von den Beatles Mitte der 1960er Jahre machten Rockmusiker die LP zur dominierenden Form des Ausdrucks und Konsums von aufgenommener Musik und leiteten für die nächsten Jahrzehnte eine rockinformierte Album-Ära in der Musikindustrie ein.

Progressive Rock

Progressive Rock, ein Begriff, der manchmal synonym mit Art Rock verwendet wird , bewegte sich über etablierte musikalische Formeln hinaus, indem er mit verschiedenen Instrumenten, Songtypen und Formen experimentierte. Seit Mitte der 1960er Jahre leisteten Left Banke , die Beatles, die Rolling Stones und die Beach Boys Pionierarbeit bei der Einbeziehung von Cembali , Bläsern und Streichern in ihre Aufnahmen, um eine Form von Barockrock zu produzieren, die in Singles wie Procol zu hören ist Harums „ A Whiter Shade of Pale “ (1967) mit seiner von Bach inspirierten Einleitung. Die Moody Blues setzten auf ihrem Album Days of Future Passed (1967) ein komplettes Orchester ein und erzeugten anschließend mit Synthesizern orchestrale Klänge. Klassische Orchestrierung, Keyboards und Synthesizer waren eine häufige Ergänzung zum etablierten Rockformat von Gitarren, Bass und Schlagzeug im späteren Progressive Rock.

Instrumentals waren üblich, während Lieder mit Texten manchmal konzeptionell, abstrakt oder auf Fantasy und Science-Fiction bezogen waren. The Pretty Things ' SF Sorrow (1968) und The Kinks' Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) führten das Format von Rockopern ein und öffneten die Tür zu Konzeptalben , die oft eine epische Geschichte erzählen oder anpacken ein großes übergreifendes Thema. King Crimsons Debütalbum In the Court of the Crimson King aus dem Jahr 1969 , das kraftvolle Gitarrenriffs und Mellotron mit Jazz und symphonischer Musik mischte , wird oft als Schlüsselaufnahme im Progressive Rock angesehen und trug zur weit verbreiteten Akzeptanz des Genres bei Anfang der 1970er Jahre unter bestehenden Bluesrock- und Psychedelic-Bands sowie neu gegründeten Acts. Die pulsierende Canterbury-Szene sah Acts, die Soft Machine von Psychedelia über Jazz-Einflüsse bis hin zu expansiverem Hard Rock folgten, darunter Caravan , Hatfield and the North , Gong und National Health .

Größeren kommerziellen Erfolg hatte Pink Floyd, die sich nach dem Weggang von Syd Barrett im Jahr 1968 ebenfalls von Psychedelia entfernten, wobei The Dark Side of the Moon (1973), das als Meisterwerk des Genres gilt, zu einem der meistverkauften wurde Alben aller Zeiten. Der Schwerpunkt lag auf instrumentaler Virtuosität, wobei Yes die Fähigkeiten von Gitarrist Steve Howe und Keyboarder Rick Wakeman demonstrierte , während Emerson, Lake & Palmer eine Supergroup waren, die einige der technisch anspruchsvollsten Werke des Genres produzierte. Jethro Tull und Genesis verfolgten beide sehr unterschiedliche, aber deutlich englische Musikrichtungen. Renaissance wurde 1969 von den Ex-Yardbirds Jim McCarty und Keith Relf gegründet und entwickelte sich zu einer High-Concept-Band mit der Drei-Oktaven-Stimme von Annie Haslam . Die meisten britischen Bands hingen von einer relativ kleinen Kult-Anhängerschaft ab, aber eine Handvoll, darunter Pink Floyd, Genesis und Jethro Tull, schafften es, zu Hause Top-Ten-Singles zu produzieren und den amerikanischen Markt zu durchbrechen. Die amerikanische Marke des Progressive Rock reichte von den eklektischen und innovativen Frank Zappa , Captain Beefheart und Blood, Sweat & Tears bis hin zu Pop-Rock-orientierten Bands wie Boston , Foreigner , Kansas , Journey und Styx . Neben den britischen Bands Supertramp und ELO zeigten diese alle einen Prog-Rock-Einfluss und zählten zu den kommerziell erfolgreichsten Acts der 1970er Jahre, läuteten jedoch die Ära des Pomp- oder Arena-Rock ein, die bis zu den Kosten komplexer Shows (oft mit Theateraufführungen) andauerte Inszenierung und Spezialeffekte) wurden in den 1990er Jahren durch wirtschaftlichere Rockfestivals als große Live-Veranstaltungsorte ersetzt.

Die instrumentale Ausrichtung des Genres führte zu Alben wie Mike Oldfields Tubular Bells (1973), der ersten Platte und weltweiten Hit für das Label Virgin Records , das zu einer tragenden Säule des Genres wurde. Instrumentalrock war in Kontinentaleuropa besonders bedeutend und ermöglichte es Bands wie Kraftwerk , Tangerine Dream , Can und Faust , die Sprachbarriere zu umgehen. Ihr Synthesizer-lastiger „ Krautrock “ sollte zusammen mit der Arbeit von Brian Eno (zeitweise Keyboarder bei Roxy Music ) einen großen Einfluss auf den späteren elektronischen Rock haben . Mit dem Aufkommen von Punkrock und technologischen Veränderungen Ende der 1970er Jahre wurde Progressive Rock zunehmend als anmaßend und übertrieben abgetan. Viele Bands lösten sich auf, aber einige, darunter Genesis, ELP, Yes und Pink Floyd, erzielten regelmäßig Top-Ten-Alben mit erfolgreichen begleitenden weltweiten Tourneen. Einige Bands, die nach dem Punk entstanden sind, wie Siouxsie and the Banshees , Ultravox und Simple Minds , zeigten den Einfluss von Progressive Rock sowie ihre eher bekannten Punk-Einflüsse.

Jazzrock

In den späten 1960er Jahren entwickelte sich Jazz-Rock als eigenständiges Subgenre aus den Blues-Rock-, Psychedelic- und Progressive-Rock-Szenen und mischte die Kraft des Rock mit der musikalischen Komplexität und den Improvisationselementen des Jazz. AllMusic erklärt, dass sich der Begriff Jazz-Rock "auf die lautesten, wildesten und elektrisiertesten Fusion-Bands aus dem Jazz-Camp beziehen kann, aber meistens beschreibt er Künstler, die von der Rock-Seite der Gleichung kommen". Jazz-Rock "... ist im Allgemeinen aus den künstlerisch ambitioniertesten Rock-Subgenres der späten 60er und frühen 70er Jahre hervorgegangen", einschließlich der Singer-Songwriter-Bewegung. Viele frühe US-amerikanische Rock'n'Roll-Musiker hatten im Jazz begonnen und einige dieser Elemente in die neue Musik übernommen. In Großbritannien waren das Subgenre des Bluesrock und viele seiner führenden Persönlichkeiten, wie Ginger Baker und Jack Bruce von der Eric Clapton -Band Cream , aus der britischen Jazzszene hervorgegangen . Das einzige Album der relativ obskuren New Yorker The Free Spirits mit Out of Sight and Sound (1966) wird oft als die erste echte Jazz-Rock-Aufnahme hervorgehoben. Die erste Gruppe von Bands, die das Label selbstbewusst nutzten, waren R&B-orientierte White-Rock-Bands, die jazzige Bläsersätze verwendeten, wie Electric Flag , Blood, Sweat & Tears und Chicago , um einige der kommerziell erfolgreichsten Acts der späteren zu werden 1960er und Anfang der 1970er Jahre.

Britische Acts, die im gleichen Zeitraum aus der Bluesszene hervorgingen, um sich die tonalen und improvisatorischen Aspekte des Jazz zunutze zu machen, waren unter anderem Nucleus und das Spin-off Colosseum von Graham Bond und John Mayall . Aus der Psychedelic-Rock- und Canterbury-Szene kam Soft Machine, die angeblich eine der künstlerisch erfolgreichsten Verschmelzungen der beiden Genres produzierte. Die vielleicht am meisten gefeierte Fusion kam von der Jazzseite der Gleichung, als Miles Davis , der besonders von Hendrix beeinflusst war, Rockinstrumente in seinen Sound für das Album Bitches Brew (1970) integrierte. Es war ein großer Einfluss auf nachfolgende Rock-beeinflusste Jazzkünstler, darunter Herbie Hancock , Chick Corea und Weather Report . Das Genre begann in den späten 1970er Jahren zu verblassen, als eine sanftere Form der Fusion sein Publikum eroberte, aber Acts wie Steely Dan , Frank Zappa und Joni Mitchell nahmen in dieser Zeit bedeutende Jazz-beeinflusste Alben auf, und es ist weiterhin eine großen Einfluss auf die Rockmusik.

Zunehmende Kommerzialisierung in den 1970er Jahren

Über die Entwicklungen in der Rockmusik Anfang der 1970er Jahre nachdenkend, schrieb Robert Christgau in Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981):

Das Jahrzehnt ist natürlich selbst ein willkürliches Schema – die Zeit vollzieht nicht nur alle zehn Jahre eine ordentliche Wendung in Richtung Zukunft. Aber wie viele künstliche Konzepte – sagen wir Geld – nimmt die Kategorie eine eigene Realität an, sobald die Leute herausgefunden haben, wie man sie in die Tat umsetzt. „Die 60er sind vorbei“, ein Slogan, den man erst seit etwa 1972 zu hören begann, mobilisierte all jene, die glauben wollten, dass der Idealismus passe sei, und sobald sie mobilisiert waren, war er es auch. In der Popmusik bedeutete die Umarmung der 70er sowohl einen elitären Rückzug aus der chaotischen Konzert- und Gegenkulturszene als auch eine gewinnbringende Suche nach dem kleinsten gemeinsamen Nenner im UKW-Radio und Album-Rock .

Rock erlebte in diesem Jahrzehnt eine stärkere Kommerzialisierung, verwandelte sich in eine Multimilliarden-Dollar-Industrie und verdoppelte seinen Markt , während er, wie Christgau feststellte, einen erheblichen "Verlust an kulturellem Prestige" erlitt. „Vielleicht wurden die Bee Gees populärer als die Beatles, aber sie waren nie populärer als Jesus “, sagte er. „Insofern die Musik irgendeine mythische Kraft behielt, war der Mythos selbstbezogen – es gab viele Songs über das Rock’n’Roll-Leben, aber nur sehr wenige darüber, wie Rock die Welt verändern könnte, außer als eine neue Marke von Schmerzmitteln … In In den 70er-Jahren übernahmen die Mächtigen die Macht, als Rockindustrielle aus der nationalen Stimmung Kapital schlugen, um starke Musik auf eine oft reaktionäre Art der Unterhaltung zu reduzieren – und die populäre Basis des Rock vom Publikum auf den Markt zu übertragen.

Roots-Rock

Roots Rock ist der Begriff, der heute verwendet wird, um eine Abkehr von dem zu beschreiben, was einige als die Exzesse der psychedelischen Szene betrachteten, hin zu einer grundlegenderen Form des Rock'n'Roll, die seine ursprünglichen Einflüsse, insbesondere Country- und Folk-Musik, einbezog und zur Entstehung von führte Country-Rock und Southern-Rock. 1966 ging Bob Dylan nach Nashville , um das Album Blonde on Blonde aufzunehmen . Dieses und nachfolgende Alben mit deutlicherem Country-Einfluss, wie etwa Nashville Skyline , gelten als die Schaffung des Genres Country Folk , ein Weg, der von einer Reihe weitgehend akustischer Folk-Musiker verfolgt wird. Andere Acts, die dem Back-to-Basics-Trend folgten, waren die kanadische Gruppe The Band und die in Kalifornien ansässige Creedence Clearwater Revival , die beide einfachen Rock'n'Roll mit Folk, Country und Blues mischten, um zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Bands zu gehören der späten 1960er Jahre. Dieselbe Bewegung markierte den Beginn der Aufnahmekarrieren kalifornischer Solokünstler wie Ry Cooder , Bonnie Raitt und Lowell George und beeinflusste die Arbeit etablierter Künstler wie Beggar's Banquet (1968) von den Rolling Stones und Let It Be von den Beatles ( 1970). Als er über diesen Trendwechsel in der Rockmusik der letzten Jahre nachdachte, schrieb Christgau in seiner Kolumne "Consumer Guide" vom Juni 1970, dass diese "neue Orthodoxie" und "kulturelle Verzögerung" improvisatorische, studioverzierte Produktionen zugunsten einer Betonung aufgab "strenge, sparsame Instrumentierung" und Songkomposition: "Seine Referenzen sind 50er-Rock, Country-Musik und Rhythm-and-Blues, und seine Hauptinspiration ist die Band."

1968 nahm Gram Parsons mit der International Submarine Band „Safe at Home“ auf , das wohl erste echte Country-Rock- Album. Später in diesem Jahr schloss er sich den Byrds für Sweetheart of the Rodeo (1968) an, das allgemein als eine der einflussreichsten Aufnahmen des Genres gilt. Die Byrds machten in derselben Richtung weiter, aber Parsons ging, um zusammen mit einem anderen Ex-Byrds-Mitglied, Chris Hillman , die Flying Burrito Brothers zu gründen, die dazu beitrugen, die Seriosität und die Parameter des Genres zu etablieren, bevor Parsons abreiste, um eine Solokarriere zu verfolgen. Zu den Bands in Kalifornien, die den Country-Rock übernahmen, gehörten Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , die Beau Brummels und die Nitty Gritty Dirt Band . Einige Künstler erlebten auch eine Renaissance, indem sie Country-Sounds übernahmen, darunter: die Everly Brothers; das einstige Teenie-Idol Rick Nelson, der Frontmann der Stone Canyon Band wurde; ehemaliger Monkee Mike Nesmith , der die First National Band gründete ; und Neil Young . Die Dillards waren ungewöhnlicherweise ein Country-Act, der sich in Richtung Rockmusik bewegte. Der größte kommerzielle Erfolg für Country Rock kam in den 1970er Jahren mit Künstlern wie den Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt und den Eagles (bestehend aus Mitgliedern der Burritos, Poco und Stone Canyon Band), die als einer der bekanntesten auftauchten erfolgreichsten Rock-Acts aller Zeiten und produzierten Alben, darunter Hotel California (1976).

Als Begründer des Southern Rock gilt normalerweise die Allman Brothers Band, die Anfang der 1970er Jahre einen unverwechselbaren Sound entwickelte, der größtenteils vom Blues Rock abgeleitet ist , aber Elemente aus Boogie , Soul und Country enthält. Der erfolgreichste Act, der ihnen folgte, war Lynyrd Skynyrd, der dazu beitrug, das Image des " Good ol' Boy " des Subgenres und die allgemeine Form des Gitarrenrocks der 1970er Jahre zu etablieren. Zu ihren Nachfolgern gehörten die Fusion/Progressive-Instrumentalisten Dixie Dregs , die eher Country-beeinflussten Outlaws , der Funk/R&B-Anhänger Wet Willie und (mit Elementen aus R&B und Gospel) die Ozark Mountain Daredevils . Nach dem Verlust der ursprünglichen Mitglieder der Allmans und Lynyrd Skynyrd begann das Genre in den späten 1970er Jahren an Popularität zu verlieren, wurde aber in den 1980er Jahren mit Acts wie .38 Special , Molly Hatchet und der Marshall Tucker Band aufrechterhalten .

Glam-Rock

Glam Rock entstand aus der englischen Psychedelic- und Art-Rock-Szene der späten 1960er Jahre und kann sowohl als Erweiterung als auch als Reaktion auf diese Trends angesehen werden. Musikalisch vielfältig, variiert zwischen dem einfachen Rock'n'Roll-Revivalismus von Figuren wie Alvin Stardust bis zum komplexen Artrock von Roxy Music und kann sowohl als Mode als auch als musikalisches Subgenre angesehen werden. Visuell war es eine Mischung aus verschiedenen Stilen, die vom Hollywood- Glamour der 1930er Jahre über den Pin-up-Sexappeal der 1950er Jahre, Kabaretttheater der Vorkriegszeit , viktorianische literarische und symbolistische Stile, Science-Fiction bis hin zu alter und okkulter Mystik und Mythologie reichten ; manifestiert sich in unverschämten Kleidern, Make-up, Frisuren und Stiefeln mit Plateausohlen. Glam ist am bekanntesten für seine sexuelle und geschlechtsspezifische Mehrdeutigkeit und Darstellungen von Androgynität , neben dem umfangreichen Einsatz von Theatralik. Es wurde durch die Showmanier und die Manipulation der Geschlechtsidentität von amerikanischen Acts wie den Cockettes und Alice Cooper vorweggenommen .

Die Ursprünge des Glam Rock sind mit Marc Bolan verbunden, der sein Folk-Duo in T. Rex umbenannte und Ende der 1960er Jahre mit elektrischen Instrumenten begann. Als Gründungsmoment wird oft sein Auftritt in der BBC-Musikshow Top of the Pops im März 1971 mit Glitzer und Satin genannt, um seinen zweiten britischen Top-10-Hit (und ersten britischen Nummer-1-Hit) „ Hot Love“ aufzuführen ". Ab 1971, bereits ein kleiner Star, entwickelte David Bowie seine Ziggy Stardust-Persönlichkeit, die Elemente von professionellem Make-up, Pantomime und Performance in seine Darbietung einbezog. Diesen Künstlern folgten bald Acts wie Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , Mud und Alvin Stardust . Obwohl sie in den Single-Charts im Vereinigten Königreich sehr erfolgreich waren, konnten nur sehr wenige dieser Musiker in den Vereinigten Staaten einen ernsthaften Eindruck hinterlassen. Bowie war die große Ausnahme, als er ein internationaler Superstar wurde und unter Acts wie Lou Reed , Iggy Pop , New York Dolls und Jobriath zur Übernahme von Glam-Stilen führte , die oft als "Glitter Rock" bekannt sind und einen dunkleren lyrischen Inhalt als ihre britischen Kollegen haben. In Großbritannien wurde der Begriff Glitzerrock am häufigsten verwendet, um sich auf die extreme Version von Glam zu beziehen, die von Gary Glitter und seinen Support-Musikern, der Glitter Band , verfolgt wurde, die zwischen 1972 und 1976 achtzehn Top-Ten-Singles in Großbritannien erreichten. Eine zweite Welle von Glam-Rock-Acts, darunter Suzi Quatro , Roy Wood 's Wizzard und Sparks , dominierten die britischen Single-Charts von etwa 1974 bis 1976. Bestehende Acts, von denen einige normalerweise nicht als zentral für das Genre angesehen werden, übernahmen ebenfalls Glam-Stile, darunter Rod Stewart , Elton John , Queen und zeitweise sogar die Rolling Stones. Es war auch ein direkter Einfluss auf Acts, die später an Bedeutung gewannen, darunter Kiss und Adam Ant , und weniger direkt auf die Entstehung von Gothic Rock und Glam Metal sowie auf Punkrock, was dazu beitrug, die Glam-Mode ab etwa 1976 zu beenden. Glam erlebte seitdem sporadische bescheidene Revivals durch Bands wie Chainsaw Kittens , The Darkness und im R&B-Crossover-Act Prince .

Chicano-Rock

Nach den frühen Erfolgen des Latin Rock in den 1960er Jahren hatten Chicano- Musiker wie Carlos Santana und Al Hurricane in den 1970er Jahren weiterhin erfolgreiche Karrieren. Santana eröffnete das Jahrzehnt erfolgreich mit seiner 1970er Single „ Black Magic Woman “ auf dem Abraxas- Album. Sein drittes Album Santana III brachte die Single "No One to Depend On" hervor, und sein viertes Album Caravanserai experimentierte mit seinem Sound für gemischten Empfang. Später veröffentlichte er eine Reihe von vier Alben, die alle Goldstatus erreichten: Welcome , Borboletta , Amigos und Festivál . Al Hurricane mischte seine Rockmusik weiterhin mit Musik aus New Mexico , obwohl er auch stärker mit Jazzmusik experimentierte , was zu mehreren erfolgreichen Singles führte, insbesondere auf seinem Vestido Mojado- Album, darunter das gleichnamige "Vestido Mojado" sowie " „Por Una Mujer Casada“ und „Puño de Tierra“; Seine Brüder hatten erfolgreiche Musik-Singles in New Mexico in "La Del Moño Colorado" von Tiny Morrie und "La Cumbia De San Antone" von Baby Gaby. Al Hurricane Jr. begann in den 1970er Jahren mit seiner Wiedergabe von „Flor De Las Flores“ aus dem Jahr 1976 seine erfolgreiche Karriere als Rockmusiker in New Mexico. Los Lobos gewann zu dieser Zeit mit ihrem ersten Album Los Lobos del Este de Los Angeles im Jahr 1977 an Popularität.

Soft Rock, Hard Rock und früher Heavy Metal

Ab den späten 1960er Jahren wurde es üblich, Mainstream-Rockmusik in Soft- und Hardrock zu unterteilen. Soft Rock wurde oft vom Folk Rock abgeleitet, wobei akustische Instrumente verwendet wurden und mehr Wert auf Melodie und Harmonien gelegt wurde. Zu den wichtigsten Künstlern gehörten Carole King , Cat Stevens und James Taylor . Es erreichte seinen kommerziellen Höhepunkt Mitte bis Ende der 1970er Jahre mit Acts wie Billy Joel , America und dem reformierten Fleetwood Mac , dessen Rumours (1977) das meistverkaufte Album des Jahrzehnts war. Hardrock hingegen leitete sich häufiger vom Bluesrock ab und wurde lauter und intensiver gespielt. Es betonte oft die E-Gitarre, sowohl als Rhythmusinstrument mit einfachen, sich wiederholenden Riffs als auch als Solo-Lead-Instrument, und wurde eher mit Verzerrung und anderen Effekten verwendet . Zu den wichtigsten Acts gehörten britische Invasionsbands wie die Kinks sowie Künstler der psychedelischen Ära wie Cream, Jimi Hendrix und die Jeff Beck Group . Zu den Hardrock-beeinflussten Bands, die Ende der 1970er international erfolgreich waren, gehörten Queen, Thin Lizzy , Aerosmith , AC/DC und Van Halen .

Ab Ende der 1960er Jahre wurde der Begriff "Heavy Metal" verwendet, um einen mit noch mehr Volumen und Intensität gespielten Hardrock zu beschreiben, zunächst als Adjektiv und Anfang der 1970er Jahre als Substantiv. Der Begriff wurde erstmals in der Musik in Steppenwolfs „ Born to Be Wild “ (1967) verwendet und begann, mit Pionierbands wie San Franciscos Blue Cheer , Clevelands James Gang und Michigans Grand Funk Railroad in Verbindung gebracht zu werden . Bis 1970 hatten drei britische Schlüsselbands die charakteristischen Sounds und Stile entwickelt, die das Subgenre prägen sollten. Led Zeppelin fügte ihrem mit Riffs beladenen Bluesrock Elemente der Fantasie hinzu, Deep Purple brachte symphonische und mittelalterliche Interessen aus ihrer Progressive-Rock-Phase ein und Black Sabbath führte Facetten der Gothic- und Modal-Harmonie ein , was dazu beitrug, einen "dunkleren" Sound zu erzeugen. Diese Elemente wurden von einer „zweiten Generation“ von Heavy-Metal-Bands bis Ende der 1970er Jahre aufgegriffen, darunter: Judas Priest , UFO , Motörhead und Rainbow aus Großbritannien; Kiss , Ted Nugent und Blue Öyster Cult aus den USA; Rush aus Kanada und Scorpions aus Deutschland, die alle die wachsende Popularität des Subgenres markieren. Trotz eines Mangels an Airplay und sehr geringer Präsenz in den Single-Charts baute Heavy Metal Ende der 1970er Jahre eine beträchtliche Anhängerschaft auf, insbesondere unter jugendlichen Männern der Arbeiterklasse in Nordamerika und Europa. In den 1980er Jahren erlebten Bands wie Bon Jovi , Guns N' Roses , Duran Duran , Skid Row und Def Leppard Mainstream-Erfolge mit Hard Rock und einer Fusion von Hard Rock mit Pop. In den 1990er Jahren erlebte Hard Rock einen leichten Rückgang der Popularität, abgesehen von einigen großen Hits wie Guns N' Roses' November Rain . Aber in den frühen 2000er Jahren verzeichnete Bon Jovis It's My Life einen enormen Anstieg der Popularität von Rock und Poprock und trug dazu bei, die Genres einer neueren Fangemeinde vorzustellen.

Christlicher Rock

Rock, hauptsächlich das Heavy-Metal-Genre, wurde von einigen christlichen Führern kritisiert, die ihn als unmoralisch, antichristlich und sogar satanisch verurteilt haben. Der christliche Rock begann sich jedoch in den späten 1960er Jahren zu entwickeln, insbesondere aus der Jesus-Bewegung, die in Südkalifornien begann, und entstand in den 1970er Jahren mit Künstlern wie Larry Norman , der normalerweise als der erste große „Star“ des christlichen Rock angesehen wird, als Subgenre. Das Genre war vor allem in den Vereinigten Staaten ein Phänomen. Viele christliche Rockkünstler haben Verbindungen zur zeitgenössischen christlichen Musikszene . Ab den 1980er Jahren hatten christliche Popkünstler einige Mainstream-Erfolge. Während diese Künstler in christlichen Gemeinden weitgehend akzeptabel waren, war die Übernahme von Heavy-Rock- und Glam-Metal-Stilen durch Bands wie Stryper , die in den 1980er Jahren beachtliche Mainstream-Erfolge erzielten, umstrittener. Ab den 1990er Jahren gab es eine zunehmende Zahl von Acts, die versuchten, das Label der christlichen Band zu vermeiden, und es vorzogen, als Gruppen angesehen zu werden, die auch Christen waren, einschließlich POD .

Heartland-Rock

In der zweiten Hälfte der 1970er Jahre entwickelte sich an der amerikanischen Arbeiterklasse orientierter Heartland Rock, der sich durch einen geradlinigen Musikstil und eine Beschäftigung mit dem Leben gewöhnlicher amerikanischer Arbeiter auszeichnet . Der Begriff Heartland Rock wurde zuerst verwendet, um Arena-Rockgruppen aus dem Mittleren Westen wie Kansas , REO Speedwagon und Styx zu beschreiben, die jedoch mit einer sozial engagierteren Form des Roots Rock in Verbindung gebracht wurden, der direkter von Folk, Country und Rock'n'Roll beeinflusst wurde. Es wurde als Gegenstück zum Westküsten-Country-Rock und dem Southern Rock des amerikanischen Südens als Gegenstück zum amerikanischen Mittleren Westen und Rust Belt angesehen. Angeführt von Persönlichkeiten, die ursprünglich mit Punk und New Wave identifiziert worden waren, wurde sie am stärksten von Acts wie Bob Dylan, den Byrds, Creedence Clearwater Revival und Van Morrison sowie dem Basic Rock der 1960er Garage und den Rolling Stones beeinflusst.

Der kommerzielle Erfolg der Singer-Songwriter Bruce Springsteen , Bob Seger und Tom Petty , zusammen mit weniger bekannten Acts wie Southside Johnny and the Asbury Jukes und Joe Grushecky and the Houserockers , war teilweise eine Reaktion auf den postindustriellen Niedergang der Städte im Osten und Mittleren Westen, die sich neben einer Form des Rock'n'Roll-Revivalismus oft mit Fragen der sozialen Desintegration und Isolation beschäftigen. Das Genre erreichte seinen kommerziellen, künstlerischen und einflussreichen Höhepunkt Mitte der 1980er Jahre, als Springsteens Born in the USA (1984) weltweit die Charts anführte und eine Reihe von Top-Ten-Singles hervorbrachte, zusammen mit der Ankunft von Künstlern wie John Mellencamp , Steve Frühere und sanftere Singer-Songwriter wie Bruce Hornsby . Es kann auch als Einfluss auf so unterschiedliche Künstler wie Billy Joel , Kid Rock und die Killers gehört werden .

Heartland Rock verschwand als anerkanntes Genre in den frühen 1990er Jahren, als Rockmusik im Allgemeinen und Themen der Arbeiterklasse und der weißen Arbeiterklasse im Besonderen den Einfluss beim jüngeren Publikum verloren und die Künstler des Heartland sich persönlicheren Werken zuwandten. Viele Heartland-Rock-Künstler nehmen auch heute noch mit kritischem und kommerziellem Erfolg auf, insbesondere Bruce Springsteen, Tom Petty und John Mellencamp, obwohl ihre Werke persönlicher und experimenteller geworden sind und nicht mehr so ​​​​leicht in ein einziges Genre passen. Neuere Künstler, deren Musik vielleicht als Heartland Rock bezeichnet worden wäre, wenn sie in den 1970er oder 1980er Jahren veröffentlicht worden wäre, wie Bottle Rockets aus Missouri und Uncle Tupelo aus Illinois , werden oft als Alt-Country bezeichnet .

Punk Rock

Punkrock wurde zwischen 1974 und 1976 in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich entwickelt. Verwurzelt im Garagenrock und anderen Formen dessen, was heute als Protopunk-Musik bekannt ist, mieden Punkrockbands die wahrgenommenen Exzesse des Mainstream-Rocks der 1970er Jahre. Sie schufen schnelle, scharfkantige Musik, typischerweise mit kurzen Liedern, abgespeckter Instrumentierung und oft politischen, gegen das Establishment gerichteten Texten. Punk vertritt eine Do-it-yourself-Ethik , bei der viele Bands ihre Aufnahmen selbst produzieren und über informelle Kanäle vertreiben.

Ende 1976 wurden Acts wie die Ramones und Patti Smith in New York City und die Sex Pistols and the Clash in London als Avantgarde einer neuen Musikbewegung anerkannt. Im folgenden Jahr verbreitete sich Punkrock auf der ganzen Welt. Punk wurde schnell zu einem großen kulturellen Phänomen in Großbritannien. Das Live-TV-Gefecht der Sex Pistols mit Bill Grundy am 1. Dezember 1976 war der Wendepunkt in der Verwandlung des britischen Punks in ein großes Medienphänomen, selbst als einige Geschäfte sich weigerten, die Platten zu lagern, und Radio-Airplay schwer zu bekommen war. Im Mai 1977 erreichten die Sex Pistols mit einem Song, der sich auf Königin Elizabeth II ., „ God Save the Queen “, während ihres Silberjubiläums bezog, neue Höhepunkte der Kontroversen (und Platz zwei der Single-Charts) . Punk verwurzelte sich größtenteils in lokalen Szenen, die eine Verbindung mit dem Mainstream eher ablehnten. Es entstand eine damit verbundene Punk-Subkultur , die Ausdruck jugendlicher Rebellion war und sich durch ausgeprägte Kleidungsstile und eine Vielzahl antiautoritärer Ideologien auszeichnete .

Zu Beginn der 1980er Jahre wurden schnellere, aggressivere Stile wie Hardcore und Oi! war zur vorherrschenden Form des Punkrocks geworden. Dies hat zu mehreren weiterentwickelten Hardcore-Punk-Stämmen geführt, wie D-Beat (ein verzerrungslastiges Subgenre, das von der britischen Band Discharge beeinflusst wurde ), Anarcho-Punk (wie Crass ), Grindcore (wie Napalm Death ) und Crust Punk . Musiker, die sich mit Punk identifizierten oder von ihm inspiriert waren, verfolgten auch eine breite Palette anderer Variationen, die New Wave , Post-Punk und die alternative Rockbewegung hervorbrachten .

Neue Welle

Obwohl Punkrock ein bedeutendes soziales und musikalisches Phänomen war, erzielte er weniger Plattenverkäufe (die von kleinen Speziallabels wie Stiff Records vertrieben wurden ) oder amerikanisches Radio-Airplay (da die Radioszene weiterhin von Mainstream-Formaten wie z als Disco- und Album-orientierter Rock ). Punkrock hatte Anhänger aus der Kunst- und Hochschulwelt angezogen, und bald begannen Bands mit einem gebildeteren, künstlerischeren Ansatz, wie Talking Heads und Devo , die Punkszene zu infiltrieren. In einigen Kreisen wurde die Beschreibung "New Wave" verwendet, um diese weniger offenkundigen Punkbands zu unterscheiden. Plattenmanager, die von der Punkbewegung größtenteils verwirrt waren, erkannten das Potenzial der zugänglicheren New-Wave-Acts und begannen aggressiv, jede Band zu unterzeichnen und zu vermarkten, die eine entfernte Verbindung zu Punk oder New Wave behaupten konnte. Viele dieser Bands, wie die Cars und die Go-Go's, können als Popbands angesehen werden, die als New Wave vermarktet werden; andere bestehende Acts, darunter die Police , die Pretenders und Elvis Costello , nutzten die New-Wave-Bewegung als Sprungbrett für relativ lange und bei der Kritik erfolgreiche Karrieren, während „Skinny Tie“-Bands, beispielhaft dargestellt durch den Knack oder den fotogenen Blondie , als Punk-Acts begannen und bewegte sich in kommerzielleres Gebiet.

Zwischen 1979 und 1985 ging die britische New Wave, beeinflusst von Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie und Gary Numan , in Richtung solcher New Romantics wie Spandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk Talk and the Eurythmics , wobei manchmal der Synthesizer verwendet wird, um alle anderen Instrumente zu ersetzen. Diese Periode fiel mit dem Aufstieg von MTV zusammen und führte zu einer großen Aufmerksamkeit für diese Art von Synthie-Pop, wodurch das entstand, was als zweite britische Invasion bezeichnet wurde . Einige traditionellere Rockbands passten sich dem Videozeitalter an und profitierten von MTVs Airplay , am offensichtlichsten Dire Straits , deren „ Money for Nothing “ sich sanft über den Sender lustig machte, obwohl es ihnen geholfen hatte, internationale Stars zu werden, aber im Allgemeinen, Gitarrenorientierter Rock wurde kommerziell in den Schatten gestellt.

Postpunk

Wenn Hardcore die reduzierte Ästhetik des Punk am direktesten verfolgte und New Wave seinen kommerziellen Flügel repräsentierte, tauchte Post-Punk in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren als seine künstlerischere und herausforderndere Seite auf. Haupteinflüsse neben Punkbands waren Velvet Underground , Frank Zappa und Captain Beefheart sowie die New Yorker No-Wave -Szene, die einen Schwerpunkt auf Performance legte, darunter Bands wie James Chance and the Contortions , DNA und Sonic Youth . Zu den frühen Mitwirkenden des Genres gehörten die US-Bands Pere Ubu , Devo, The Residents und Talking Heads .

Zur ersten Welle des britischen Post-Punk gehörten Gang of Four , Siouxsie and the Banshees und Joy Division , die weniger Wert auf die Kunst legten als ihre US-Pendants und mehr auf die dunklen emotionalen Qualitäten ihrer Musik. Bands wie Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , the Cure und die Sisters of Mercy bewegten sich zunehmend in diese Richtung, um den Gothic Rock zu begründen, der Anfang der 1980er Jahre zur Grundlage einer großen Subkultur geworden war. Ähnliches emotionales Territorium wurde von australischen Acts wie The Birthday Party und Nick Cave verfolgt . Mitglieder von Bauhaus und Joy Division erkundeten stilistisches Neuland als Love and Rockets bzw. New Order . Eine weitere frühe Post-Punk-Bewegung war die Industrial-Musik, die von den britischen Bands Throbbing Gristle und Cabaret Voltaire sowie Suicide aus New York entwickelt wurde und eine Vielzahl elektronischer und Sampling-Techniken verwendete, die den Sound der industriellen Produktion nachahmten und sich zu einer Vielzahl von entwickeln würden Formen postindustrieller Musik in den 1980er Jahren.

Die zweite Generation britischer Post-Punk-Bands, die in den frühen 1980er Jahren ihren Durchbruch feierte, darunter The Fall , The Pop Group , The Mekons , Echo and the Bunnymen und The Teardrop Explodes , entfernte sich tendenziell von dunklen Klanglandschaften. Die wohl erfolgreichste Band, die aus dem Post-Punk hervorgegangen ist, war U2 aus Irland , die Elemente religiöser Bilder zusammen mit politischen Kommentaren in ihre oft hymnische Musik einbaute und Ende der 1980er Jahre zu einer der größten Bands der Welt wurde. Obwohl viele Post-Punk-Bands weiterhin Aufnahmen machten und auftraten, ging es Mitte der 1980er Jahre als Bewegung zurück, als sich Acts auflösten oder wegzogen, um andere musikalische Bereiche zu erkunden, aber es hat weiterhin die Entwicklung der Rockmusik beeinflusst und wurde als solche angesehen ein wichtiges Element bei der Entstehung der alternativen Rockbewegung.

Entstehung des Alternative Rock

Der Begriff Alternative Rock wurde in den frühen 1980er Jahren geprägt, um Rockkünstler zu beschreiben, die nicht in die damaligen Mainstream-Genres passten. Bands, die als "alternativ" bezeichnet wurden, hatten keinen einheitlichen Stil, wurden aber alle als von der Mainstream-Musik verschieden angesehen. Alternative Bands waren durch ihre kollektive Verschuldung mit Punkrock verbunden, über Hardcore, New Wave oder die Post-Punk-Bewegungen. Wichtige alternative Rockbands der 1980er Jahre in den USA waren REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth und die Pixies , und in Großbritannien The Cure , New Order , The Jesus and Mary Chain und The Smiths . Künstler waren größtenteils auf unabhängige Plattenlabels beschränkt und bauten eine umfangreiche Underground-Musikszene auf, die auf College-Radio , Fanzines, Tourneen und Mundpropaganda basierte. Sie lehnten den vorherrschenden Synth-Pop der frühen 1980er Jahre ab und markierten eine Rückkehr zum gruppenbasierten Gitarrenrock.

Nur wenige dieser frühen Bands erreichten Mainstream-Erfolge, obwohl Ausnahmen von dieser Regel REM, The Smiths und The Cure sind. Trotz eines allgemeinen Mangels an spektakulären Albumverkäufen übten die ursprünglichen Alternative-Rock-Bands einen erheblichen Einfluss auf die Generation von Musikern aus, die in den 1980er Jahren erwachsen wurden und schließlich in den 1990er Jahren zum Mainstream-Erfolg aufbrachen. Zu den alternativen Rockstilen in den USA in den 1980er Jahren gehörten Jangle Pop , der mit den frühen Aufnahmen von REM in Verbindung gebracht wurde, die die klingenden Gitarren des Pop und Rock der Mitte der 1960er Jahre enthielten, und College Rock, mit dem alternative Bands beschrieben wurden, die im College-Circuit begannen und College-Radio, darunter Acts wie 10.000 Maniacs und die Feelies . In Großbritannien war Gothic Rock in den frühen 1980er Jahren vorherrschend, aber am Ende des Jahrzehnts Indie oder Dream Pop wie Primal Scream , Bogshed , Half Man Half Biscuit und The Wedding Present und sogenannte Shoegaze- Bands wie My Bloody Valentine , Slowdive , Ride und Lush machten mit. Besonders lebhaft war die Madchester- Szene, die Bands wie Happy Mondays , Inspiral Carpets und die Stone Roses hervorbrachte . Das nächste Jahrzehnt würde den Erfolg von Grunge in den USA und Britpop in Großbritannien bringen und Alternative Rock in den Mainstream bringen.

Anfang der 1990er bis Ende der 2000er Jahre

Schmutz

Unzufrieden mit kommerzialisiertem und hochproduziertem Pop und Rock Mitte der 1980er Jahre formten Bands im Bundesstaat Washington (insbesondere in der Gegend von Seattle ) einen neuen Rockstil, der sich stark von der Mainstream-Musik der damaligen Zeit abhob. Das sich entwickelnde Genre wurde als "Grunge" bekannt, ein Begriff, der den schmutzigen Klang der Musik und das ungepflegte Aussehen der meisten Musiker beschreibt, die aktiv gegen die übergepflegten Bilder anderer Künstler rebellierten. Grunge verschmolz Elemente von Hardcore-Punk und Heavy Metal zu einem einzigen Sound und machte starken Gebrauch von Gitarrenverzerrung , Fuzz und Feedback . Die Texte waren typischerweise apathisch und angsterfüllt und betrafen oft Themen wie soziale Entfremdung und Gefangenschaft, obwohl sie auch für ihren dunklen Humor und Parodien auf kommerziellen Rock bekannt waren.

Bands wie Green River , Soundgarden , Melvins und Skin Yard leisteten Pionierarbeit in diesem Genre, wobei Mudhoney Ende des Jahrzehnts zu den erfolgreichsten wurde. Grunge blieb bis 1991 weitgehend ein lokales Phänomen, als Nirvanas Album Nevermind mit dem hymnischen Song „ Smells Like Teen Spirit “ ein großer Erfolg wurde. Nevermind war melodischer als seine Vorgänger. Durch die Unterzeichnung bei Geffen Records war die Band eine der ersten, die traditionelle Unternehmensförderungs- und Marketingmechanismen wie ein MTV-Video, In-Store-Displays und den Einsatz von Radio-"Beratern" einsetzte, die das Airplay bei Major förderten Mainstream-Rockstationen. In den Jahren 1991 und 1992 gehörten andere Grunge-Alben wie „ Ten“ von Pearl Jam , „Badmotorfinger“ von Soundgarden und „ Dirt “ von Alice in Chains zusammen mit dem Album „ Temple of the Dog“ mit Mitgliedern von Pearl Jam und Soundgarden zu den 100 meistverkauften Alben. Große Plattenlabels nahmen die meisten der verbleibenden Grunge-Bands in Seattle unter Vertrag, während ein zweiter Zustrom von Acts in der Hoffnung auf Erfolg in die Stadt zog. Mit dem Tod von Kurt Cobain und der anschließenden Auflösung von Nirvana im Jahr 1994, Tourproblemen für Pearl Jam und dem Abgang von Alice in Chains-Leadsängerin Layne Staley im Jahr 1998 begann das Genre jedoch zu sinken, teilweise überschattet von Britpop und kommerzieller klingender Post-Grunge .

Britpop

Britpop entstand aus der britischen Alternative-Rock-Szene der frühen 1990er Jahre und war geprägt von Bands, die besonders von der britischen Gitarrenmusik der 1960er und 1970er Jahre beeinflusst waren. Die Smiths waren ein großer Einfluss, ebenso wie Bands der Madchester- Szene, die sich Anfang der 1990er Jahre aufgelöst hatten. Die Bewegung wurde teilweise als Reaktion auf verschiedene in den USA ansässige musikalische und kulturelle Trends in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren, insbesondere das Grunge- Phänomen, und als Bekräftigung einer britischen Rockidentität angesehen. Britpop war stilistisch abwechslungsreich, verwendete jedoch häufig eingängige Melodien und Hooks, neben Texten mit besonders britischen Bedenken und der Übernahme der Ikonographie der britischen Invasion der 1960er Jahre, einschließlich der Symbole der britischen Identität, die zuvor von den Mods verwendet wurden. Es wurde um 1993 mit Veröffentlichungen von Gruppen wie Suede und Blur gestartet , denen sich bald andere anschlossen, darunter Oasis , Pulp , Supergrass und Elastica , die eine Reihe erfolgreicher Alben und Singles produzierten. Für eine Weile wurde der Wettbewerb zwischen Blur und Oasis von der populären Presse in den "Battle of Britpop" eingebaut, der zunächst von Blur gewonnen wurde, aber mit Oasis, der einen größeren langfristigen und internationalen Erfolg erzielte und spätere Britpop-Bands wie Ocean Color direkt beeinflusste Szene und Kula Shaker . Britpop-Gruppen brachten britischen Alternative Rock in den Mainstream und bildeten das Rückgrat einer größeren britischen Kulturbewegung namens Cool Britannia . Obwohl ihre populäreren Bands, insbesondere Blur und Oasis, ihren kommerziellen Erfolg im Ausland ausweiten konnten, insbesondere in den Vereinigten Staaten, war die Bewegung bis zum Ende des Jahrzehnts weitgehend auseinandergefallen.

Postgrunge

Der Begriff Post-Grunge wurde für die Generation von Bands geprägt, die dem Aufstieg in den Mainstream und der anschließenden Pause der Seattle-Grunge-Bands folgten. Post-Grunge-Bands ahmten ihre Einstellungen und Musik nach, jedoch mit einem radiofreundlicheren, kommerziell orientierten Sound. Oft arbeiteten sie sich durch die großen Labels und brachten vielfältige Einflüsse aus Jangle Pop, Pop-Punk, Alternative Metal oder Hard Rock mit ein. Der Begriff Post-Grunge sollte ursprünglich abwertend sein und darauf hindeuten, dass sie einfach musikalisch abgeleitet oder eine zynische Antwort auf eine "authentische" Rockbewegung waren. Ursprünglich wurden Grunge-Bands, die entstanden, als Grunge Mainstream war, und im Verdacht standen, den Grunge-Sound nachzuahmen, abwertend als Post-Grunge bezeichnet. Ab 1994 trug die neue Band des ehemaligen Nirvana-Schlagzeugers Dave Grohl , die Foo Fighters , dazu bei, das Genre bekannt zu machen und seine Parameter zu definieren.

Einige Post-Grunge-Bands, wie Candlebox , kamen aus Seattle, aber das Subgenre war gekennzeichnet durch eine Ausweitung der geografischen Basis des Grunge, mit Bands wie Audioslave aus Los Angeles und Collective Soul aus Georgia und über die USA hinaus bis zu Australiens Silverchair und Großbritanniens Bush , die alle Post-Grunge als eines der kommerziell rentabelsten Subgenres der späten 1990er Jahre zementierten. Obwohl männliche Bands Post-Grunge dominierten, wurde das als Post-Grunge bezeichnete Album Jagged Little Pill der Solokünstlerin Alanis Morissette aus dem Jahr 1995 ebenfalls ein Multi-Platin-Hit. Post-Grunge veränderte sich Ende der 1990er Jahre, als Post-Grunge-Bands wie Creed und Nickelback auftauchten. Bands wie Creed und Nickelback brachten Post-Grunge mit beachtlichem kommerziellen Erfolg ins 21. Jahrhundert, wobei sie den größten Teil der Angst und Wut der ursprünglichen Bewegung zugunsten konventionellerer Hymnen, Erzählungen und romantischer Lieder hinter sich ließen, und ihnen folgten neuere Acts wie Shinedown , Seether , 3 Doors Down und Puddle of Mudd .

Pop-Punk

Die Ursprünge des Pop-Punk der 1990er-Jahre sind in den eher songorientierten Bands der 1970er-Punk-Bewegung wie Buzzcocks und The Clash , kommerziell erfolgreichen New-Wave-Acts wie The Jam und The Undertones und den eher Hardcore-beeinflussten Elementen der Alternative zu sehen Rock in den 1980er Jahren. Pop-Punk neigt dazu, Power-Pop-Melodien und Akkordwechsel mit schnellen Punk-Tempos und lauten Gitarren zu verwenden. Punkmusik war Anfang der 1990er Jahre die Inspiration für einige in Kalifornien ansässige Bands unabhängiger Labels, darunter Rancid , Pennywise , Weezer und Green Day . 1994 wechselte Green Day zu einem großen Label und produzierte das Album Dookie , das ein neues, überwiegend jugendliches Publikum fand und sich als überraschender Diamantenverkaufserfolg erwies, was zu einer Reihe von Hitsingles führte, darunter zwei Nummer-eins-Hits in den USA. Bald darauf folgte das gleichnamige Debüt von Weezer , das drei Top-Ten-Singles in den USA hervorbrachte. Dieser Erfolg öffnete die Tür für die Multi-Platin-Verkäufe der Metallic-Punk-Band The Offspring with Smash (1994). Diese erste Pop-Punk-Welle erreichte ihren kommerziellen Höhepunkt mit Green Days Nimrod (1997) und The Offsprings Americana (1998).

Eine zweite Pop-Punk-Welle wurde von Blink-182 mit ihrem bahnbrechenden Album Enema of the State (1999) angeführt , gefolgt von Bands wie Good Charlotte , Simple Plan und Sum 41 , die sich in ihren Videos des Humors bedienten und hatten einen radiofreundlicheren Ton für ihre Musik, während sie die Geschwindigkeit, etwas von der Attitüde und sogar den Look des Punks der 1970er Jahre beibehalten. Spätere Pop-Punk-Bands, darunter All Time Low , die All-American Rejects und Fall Out Boy , hatten einen Sound, der als näher am Hardcore der 1980er beschrieben wurde, erzielten aber dennoch kommerziellen Erfolg.

Indie Rock

In den 1980er Jahren wurden die Begriffe Indie-Rock und Alternative-Rock synonym verwendet. Mitte der 1990er Jahre, als Elemente der Bewegung das Mainstream-Interesse zu erregen begannen, insbesondere Grunge und dann Britpop, Post-Grunge und Pop-Punk, begann der Begriff Alternative an Bedeutung zu verlieren. Jene Bands, die den weniger kommerziellen Konturen der Szene folgten, wurden zunehmend mit dem Label Indie bezeichnet. Sie versuchten charakteristischerweise, die Kontrolle über ihre Karriere zu behalten, indem sie Alben auf ihren eigenen oder kleinen unabhängigen Labels veröffentlichten, während sie sich für die Werbung auf Tourneen, Mundpropaganda und Airplay bei unabhängigen oder College-Radiosendern verließen. Die Indie-Rock-Bewegung, die mehr durch ein Ethos als durch einen musikalischen Ansatz verbunden ist, umfasste eine breite Palette von Stilen, von scharfkantigen, vom Grunge beeinflussten Bands wie Cranberries und Superchunk über experimentelle Do-it-yourself-Bands wie Pavement bis hin zu Punk- Volkssänger wie Ani DiFranco . Es wurde festgestellt, dass Indie-Rock im Vergleich zu früheren Rock-Genres einen relativ hohen Anteil an weiblichen Künstlern aufweist, eine Tendenz, die durch die Entwicklung der feministisch geprägten Riot-Grrrl -Musik veranschaulicht wird. Viele Länder haben eine umfangreiche lokale Indie- Szene entwickelt, die mit Bands aufblüht, die genug Popularität haben, um innerhalb des jeweiligen Landes zu überleben, aber außerhalb praktisch unbekannt sind.

Ende der 1990er Jahre wurden viele erkennbare Subgenres, von denen die meisten ihren Ursprung in der alternativen Bewegung der späten 1980er Jahre hatten, unter dem Dach von Indie zusammengefasst. Lo-Fi vermied ausgefeilte Aufnahmetechniken zugunsten eines Do-it-yourself-Ethos und wurde von Beck , Sebadoh und Pavement angeführt . Die Arbeit von Talk Talk und Slint hat dazu beigetragen, sowohl den Post Rock zu inspirieren, einen experimentellen Stil, der von Jazz und elektronischer Musik beeinflusst ist , der von Bark Psychosis entwickelt und von Acts wie Tortoise , Stereolab und Laika aufgegriffen wurde , und der zu einer Verdichtung und Komplexität führte , gitarrenbasierter Math Rock, entwickelt von Acts wie Polvo und Chavez . Space Rock blickte auf progressive Wurzeln zurück, mit Drone-lastigen und minimalistischen Acts wie Spacemen 3 , den beiden Bands, die aus seiner Aufspaltung entstanden sind, Spectrum und Spiritualized , und späteren Gruppen wie Flying Saucer Attack , Godspeed You! Black Emperor und Quickspace . Im Gegensatz dazu betonte Sadcore Schmerz und Leid durch den melodischen Einsatz akustischer und elektronischer Instrumente in der Musik von Bands wie American Music Club und Red House Painters , während das Revival des Barock-Pop mit einer Betonung der Melodie auf Lo-Fi und experimentelle Musik reagierte und klassische Instrumentierung, mit Künstlern wie Arcade Fire , Belle and Sebastian und Rufus Wainwright .

Alternative Metal, Rap-Rock und Nu-Metal

Alternative Metal entstand in den späten 1980er Jahren aus der Hardcore-Szene des Alternative Rock in den USA, gewann aber ein breiteres Publikum, nachdem Grunge Anfang der 1990er Jahre in den Mainstream einbrach. Frühe Alternative-Metal-Bands mischten eine Vielzahl von Genres mit Hardcore- und Heavy-Metal-Sensibilitäten, wobei Acts wie Jane's Addiction und Primus Progressive Rock verwendeten, Soundgarden und Corrosion of Conformity Garagen-Punk verwendeten, Jesus Lizard und Helmet Noise Rock mischten , Ministry und Nine Inch Nails beeinflusst von Industrial Music , Monster Magnet bewegen sich in Richtung Psychedelia , Pantera , Sepultura und White Zombie kreieren Groove Metal , während Biohazard , Limp Bizkit und Faith No More sich Hip Hop und Rap zuwenden .

Hip Hop hatte Anfang der 1980er Jahre durch Rock-Acts Aufmerksamkeit erlangt, darunter The Clash mit „ The Magnificent Seven “ (1980) und Blondie mit „ Rapture “ (1980). Zu den frühen Crossover-Acts gehörten Run DMC und die Beastie Boys . Der Detroiter Rapper Esham wurde bekannt für seinen „Acid Rap“-Stil, der Rap mit einem Sound verschmolz, der oft auf Rock und Heavy Metal basierte. Zu den Rappern, die Rocksongs sampelten, gehörten Ice-T , die Fat Boys , LL Cool J , Public Enemy und Whodini . Die Mischung aus Thrash Metal und Rap wurde von Anthrax auf ihrer komödienbeeinflussten Single „ I'm the Man “ von 1987 entwickelt.

1990 brachen Faith No More mit ihrer Single „ Epic “ in den Mainstream ein, die oft als die erste wirklich erfolgreiche Kombination von Heavy Metal mit Rap angesehen wird. Dies ebnete den Weg für den Erfolg bestehender Bands wie 24-7 Spyz und Living Color und neuer Acts wie Rage Against the Machine und Red Hot Chili Peppers , die alle neben anderen Einflüssen Rock und Hip-Hop verschmolzen. Zu den ersten Künstlern, die als Rap-Rock im Mainstream Erfolg hatten, gehörten 311 , Bloodhound Gang und Kid Rock . Ein metallischerer Sound – Nu Metal  – wurde von Bands wie Limp Bizkit , Korn und Slipknot verfolgt . Später im Jahrzehnt brachte dieser Stil, der eine Mischung aus Grunge, Punk, Metal, Rap und Turntable Scratching enthielt , eine Welle erfolgreicher Bands wie Linkin Park , POD und Staind hervor , die oft als Rap-Metal oder Nu-Metal klassifiziert wurden, die ersten davon sind die meistverkauften Band des Genres.

2001 erreichte der Nu-Metal seinen Höhepunkt mit Alben wie Stainds Break the Cycle , PODs Satellite , Slipknots Iowa und Linkin Parks Hybrid Theory . Es entstanden auch neue Bands wie Disturbed , Godsmack und Papa Roach , deren Major-Label-Debüt Infest ein Platin-Hit wurde. Korns lang erwartetes fünftes Album Untouchables und Papa Roachs zweites Album Lovehatetragedy verkauften sich nicht so gut wie ihre vorherigen Veröffentlichungen, während Nu-Metal-Bands seltener auf Rockradiosendern gespielt wurden und MTV begann, sich auf Pop-Punk und Emo zu konzentrieren . Seitdem haben viele Bands zu einem konventionelleren Hardrock-, Heavy-Metal- oder elektronischen Musiksound gewechselt.

Post-Britpop

Ab etwa 1997, als die Unzufriedenheit mit dem Konzept von Cool Britannia zunahm und sich Britpop als Bewegung aufzulösen begann, begannen aufstrebende Bands, das Britpop-Label zu meiden, während sie weiterhin davon abgeleitete Musik produzierten. Viele dieser Bands tendierten dazu, Elemente des britischen Traditional Rock (oder British Trad Rock), insbesondere der Beatles, Rolling Stones und Small Faces , mit amerikanischen Einflüssen, einschließlich Post-Grunge, zu mischen . Die Themen ihrer Musik, die aus ganz Großbritannien stammten (mit mehreren wichtigen Bands aus Nordengland, Schottland, Wales und Nordirland), konzentrierten sich tendenziell weniger engstirnig auf das britische, englische und Londoner Leben und waren eher introspektiv als zuvor der Fall mit Britpop auf seinem Höhepunkt. Neben einer größeren Bereitschaft, mit der amerikanischen Presse und den Fans in Kontakt zu treten, hat dies einigen von ihnen möglicherweise zu internationalem Erfolg verholfen. Zu mehreren alternativen Bands, die Mitte der 1990er Jahre einigen Erfolg hatten, aber bis Ende der 1990er Jahre keinen großen kommerziellen Erfolg hatten, gehörten The Verve und Radiohead . Nach dem Niedergang von Britpop begannen sie, mehr kritische und populäre Aufmerksamkeit zu erlangen. Das Album Urban Hymns (1997) von The Verve war ein weltweiter Hit, und Radiohead erzielte mit ihrem experimentellen dritten Album OK Computer (1997) sowie dem Nachfolger Kid A (2000) nahezu universelle Kritikerlob .

Post-Britpop-Bands wurden als Vertreter des Rockstars als gewöhnliche Person angesehen, und ihre zunehmend melodische Musik wurde als langweilig oder abgeleitet kritisiert. Post-Britpop-Bands wie Travis von The Man Who (1999), Stereophonics von Performance and Cocktails (1999), Feeder von Echo Park (2001) und insbesondere Coldplay von ihrem Debütalbum Parachutes (2000) erzielten viel größere internationale Erfolge als die meisten anderen der Britpop-Gruppen, die ihnen vorausgegangen waren, und gehörten zu den kommerziell erfolgreichsten Acts der späten 1990er und frühen 2000er Jahre, die wohl eine Startrampe für das anschließende Garage-Rock- Revival und Post-Punk-Revival boten , das auch als Reaktion gesehen wurde zu ihrer introspektiven Art von Rock.

Post-Hardcore und Emo

Post-Hardcore entwickelte sich Anfang bis Mitte der 1980er Jahre in den USA, insbesondere in den Gebieten von Chicago und Washington, DC, mit Bands, die von der Do-it-yourself-Ethik und der gitarrenlastigen Musik des Hardcore-Punks inspiriert, aber beeinflusst waren durch Post-Punk, wobei längere Songformate, komplexere musikalische Strukturen und manchmal melodischere Gesangsstile übernommen wurden.

Emo tauchte auch aus der Hardcore-Szene in Washington, DC der 1980er Jahre auf, ursprünglich als "Emocore", der als Begriff zur Beschreibung von Bands verwendet wurde, die ausdrucksstarken Gesang gegenüber dem üblicheren aggressiven, bellenden Stil bevorzugten. Die frühe Emo-Szene agierte als Underground, mit kurzlebigen Bands, die Vinylplatten in kleiner Auflage auf winzigen Independent-Labels veröffentlichten. Emo brach in den frühen 2000er Jahren mit dem Platin-Erfolg von Jimmy Eat World's Bleed American (2001) und Dashboard Confessional 's The Places You Have Come to Fear the Most (2003) in die Mainstream-Kultur ein. Das neue Emo hatte einen viel Mainstream-Sound als in den 1990er Jahren und eine weitaus größere Anziehungskraft bei Jugendlichen als seine früheren Inkarnationen. Gleichzeitig erweiterte sich die Verwendung des Begriffs Emo über das Musikgenre hinaus und wurde mit Mode, einer Frisur und jeder Musik, die Emotionen ausdrückte, in Verbindung gebracht. Bis 2003 hatten Post-Hardcore-Bands auch die Aufmerksamkeit großer Labels auf sich gezogen und begannen, Mainstream-Erfolge in den Album-Charts zu genießen. Einige dieser Bands wurden als aggressivere Ableger des Emo angesehen und erhielten das oft vage Label Screamo .

Garage Rock und Post-Punk-Revivals

In den frühen 2000er Jahren tauchte eine neue Gruppe von Bands im Mainstream auf, die eine abgespeckte und auf die Grundlagen zurückgehende Version des Gitarrenrocks spielten. Sie wurden unterschiedlich als Teil eines Garagenrock-, Post-Punk- oder New-Wave-Revivals charakterisiert . Da die Bands aus der ganzen Welt kamen, verschiedene Einflüsse zitierten (von traditionellem Blues über New Wave bis Grunge) und unterschiedliche Kleidungsstile annahmen, wurde ihre Einheit als Genre bestritten. In den 1980er und 1990er Jahren gab es Versuche, Garage Rock und Elemente des Punk wiederzubeleben, und bis zum Jahr 2000 waren in mehreren Ländern Szenen entstanden.

Den kommerziellen Durchbruch aus diesen Szenen schafften vier Bands: The Strokes , die mit ihrem Debütalbum Is This It (2001) aus der New Yorker Clubszene hervorgingen; die White Stripes aus Detroit mit ihrem dritten Album White Blood Cells (2001); die Hives aus Schweden nach ihrem Compilation-Album Your New Favourite Band (2001); und die Vines aus Australien mit Highly Evolved (2002). Sie wurden von den Medien als "The"-Bands getauft und als "Retter des Rock'n' Roll" bezeichnet, was zu Vorwürfen des Hypes führte. Eine zweite Welle von Bands, die durch die Bewegung internationale Anerkennung erlangten, waren der Black Rebel Motorcycle Club , die Killers , Interpol und Kings of Leon aus den USA, die Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Kaiser Chiefs und Franz Ferdinand aus Großbritannien, Jet aus Australien und die Datsuns und die D4 aus Neuseeland.

Digitaler elektronischer Rock

In den 2000er Jahren, als Computertechnologie zugänglicher wurde und Musiksoftware fortschrittlicher wurde, wurde es möglich, qualitativ hochwertige Musik mit kaum mehr als einem einzigen Laptop-Computer zu erstellen. Dies führte zu einem massiven Anstieg der Menge an selbst produzierter elektronischer Musik, die der breiten Öffentlichkeit über das expandierende Internet und neue Formen der Aufführung wie Laptronica und Live-Codierung zur Verfügung steht . Diese Techniken wurden auch von bestehenden Bands und durch die Entwicklung von Genres verwendet, die Rock mit digitalen Techniken und Sounds mischten, darunter Indie Electronic , Electroclash , Dance-Punk und New Rave .

2010er–2020er Jahre

Rückgang der Mainstream-Dominanz

In den 2010er Jahren verlor die Rockmusik ihre Position als wichtigstes populäres Musikgenre und teilte sich nun mit elektronischem Tanz und Hip-Hop , von denen letzteres sie bis 2017 als das meistkonsumierte Musikgenre in den Vereinigten Staaten übertroffen hatte. Der Aufstieg des Streamings und das Aufkommen der Technologie, die die Herangehensweise an das Musikschaffen veränderte, wurden als Hauptfaktoren genannt. Ken Partridge von Genius schlug vor, dass Hip-Hop populärer wurde, weil es ein transformativeres Genre ist und sich nicht auf vergangene Klänge verlassen muss und dass es einen direkten Zusammenhang mit dem Niedergang der Rockmusik und den sich ändernden sozialen Einstellungen in den 2010er Jahren gibt. Bill Flanagan verglich 2016 in einem Meinungsartikel für die New York Times den Zustand des Rock in dieser Zeit mit dem Zustand des Jazz in den frühen 1980er Jahren, „verlangsamt und blickt zurück“. Vice schlägt vor, dass dieser Rückgang der Popularität dem Genre tatsächlich zugute kommen könnte, indem es Außenseiter mit „etwas zu beweisen und nichts zu gewinnen“ anzieht.

Die Rockbands, die in den 2010er Jahren Chart-Erfolge hatten, wurden hauptsächlich mit den Trends in Verbindung gebracht, die in den 2000er Jahren populär waren, anstatt neue Szenen widerzuspiegeln. Außerhalb der Charts war die Kommerzialisierung von Rockfestivals ein Hauptthema des Jahrzehnts, wobei sowohl globale Megafestivals wie Coachella , Glastonbury und Roskilde als auch kleinere lokale Festivals expandierten.

In den frühen 2020er Jahren, der COVID-19-Pandemie , brachte das Virus weltweit extreme Veränderungen in die Rockszene. Einschränkungen wie Quarantäneregeln führten zu weit verbreiteten Absagen und Verschiebungen von Konzerten, Tourneen, Festivals, Albumveröffentlichungen, Preisverleihungen und Wettbewerben. Einige Künstler griffen auf Online-Auftritte zurück, um ihre Karriere aktiv zu halten. Bei einem Konzert des dänischen Rockmusikers Mads Langer wurde ein weiteres Schema zur Umgehung der Quarantäne-Beschränkungen angewandt : Die Zuschauer verfolgten die Aufführung aus dem Inneren ihres Autos, ähnlich wie in einem Autokino . Musikalisch führte die Pandemie zu einer Flut von Neuerscheinungen aus den langsameren, weniger energischen und akustischeren Subgenres der Rockmusik. Die Branche sammelte Mittel, um sich selbst zu helfen, beispielsweise durch Crew Nation, einen von Livenation organisierten Hilfsfonds für Live-Musik-Crews .

Pop-Punk und Post-Punk-Revivals

Zu Beginn der 2020er Jahre veröffentlichten Aufnahmekünstler sowohl in der Pop- als auch in der Rap-Musik beliebte Pop-Punk-Aufnahmen, von denen viele von Blink-182-Schlagzeuger Travis Barker produziert oder assistiert wurden . Zu diesen Acts, die eine kommerzielle Wiederbelebung des Genres darstellten, gehörten Machine Gun Kelly , Willow Smith , Trippie Redd , Halsey , Yungblud und Olivia Rodrigo . Die Popularität der Social-Media-Plattform TikTok trug dazu bei, bei jungen Zuhörern während der Pandemie Nostalgie für den angstgetriebenen Musikstil zu wecken. Zu den erfolgreichsten dieser Veröffentlichungen gehören Machine Gun Kellys 2020er Album Tickets to My Downfall , das die Billboard 200 anführte, und Rodrigos Nummer-eins-Hit-Single „ Good 4 U “ (2021).

Mitte bis Ende der 2010er und Anfang der 2020er Jahre entstand eine neue Welle von Post-Punk-Bands aus Großbritannien und Irland. Die Gruppen in dieser Szene wurden 2019 von NME und The Quietus mit dem Begriff „Crank Wave“ und 2021 vom NPR- Autor Matthew Perpetua als „Post- Brexit New Wave“ beschrieben . Künstler, die als Teil des Stils identifiziert wurden Dazu gehören Black Midi , Wet Leg , Squid , Black Country, New Road , Dry Cleaning , Shame , Sleaford Mods , Fontaines DC , The Murder Capital , Idles und Yard Act . Post-Punk-Künstler, die in den 2010er und frühen 2020er Jahren aus anderen Ländern als Großbritannien bekannt wurden, waren Parquet Courts , Protomartyr and Geese (USA), Preoccupations (Kanada), Iceage (Dänemark) und Viagra Boys (Schweden).

Sozialer Einfluss

Verschiedene Subgenres des Rock wurden von einer großen Anzahl von Subkulturen übernommen und wurden zu einem zentralen Element ihrer Identität . In den 1950er bzw. 1960er Jahren übernahmen britische Jugendliche die Subkulturen Teddy Boy und Rocker , die sich um US-Rock'n'Roll drehten. Die Gegenkultur der 1960er Jahre war eng mit Psychedelic Rock verbunden . Die Punk-Subkultur Mitte/Ende der 1970er Jahre begann in den USA, erhielt jedoch von der britischen Designerin Vivienne Westwood einen unverwechselbaren Look, der sich weltweit verbreitete. Aus der Punkszene wuchsen die Subkulturen Goth und Emo , die beide unverwechselbare visuelle Stile präsentierten.

Als sich eine internationale Rockkultur entwickelte, verdrängte sie das Kino als Hauptquelle des Modeeinflusses. Paradoxerweise haben Anhänger der Rockmusik der Modewelt oft misstraut, die als das Erheben des Bildes über die Substanz angesehen wurde. Rockmode wurde als Kombination von Elementen verschiedener Kulturen und Epochen angesehen und drückte unterschiedliche Ansichten zu Sexualität und Geschlecht aus, und Rockmusik im Allgemeinen wurde dafür bemerkt und kritisiert, dass sie eine größere sexuelle Freiheit ermöglicht. Rock wurde auch mit verschiedenen Formen des Drogenkonsums in Verbindung gebracht, einschließlich der Amphetamine , die von Mods Anfang bis Mitte der 1960er Jahre über LSD , Meskalin , Haschisch und andere halluzinogene Drogen in Verbindung mit psychedelischem Rock Mitte bis Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre eingenommen wurden ; und manchmal zu Cannabis , Kokain und Heroin, die alle in Liedern gepriesen wurden.

Dem Rock wurde eine veränderte Einstellung zur Rasse zugeschrieben, indem er die afroamerikanische Kultur für das weiße Publikum geöffnet hat . Gleichzeitig wurde dem Rock vorgeworfen, sich diese Kultur angeeignet und ausgebeutet zu haben. Während die Rockmusik viele Einflüsse aufgenommen und das westliche Publikum mit verschiedenen Musiktraditionen bekannt gemacht hat, wurde die globale Verbreitung der Rockmusik als eine Form des kulturellen Imperialismus interpretiert . Rockmusik erbte die Volkstradition des Protestliedes und machte politische Statements zu Themen wie Krieg, Religion, Armut, Bürgerrechte, Gerechtigkeit und Umwelt. Politischer Aktivismus erreichte mit der Single „ Do They Know It’s Christmas ? ähnliche Veranstaltungen), um den beteiligten Rockstars eine Bühne für Selbstdarstellung und gesteigerte Gewinne zu bieten.

Seit ihrer frühen Entwicklung wurde Rockmusik mit Rebellion gegen soziale und politische Normen in Verbindung gebracht, am offensichtlichsten in der Ablehnung einer von Erwachsenen dominierten Kultur durch den frühen Rock'n'Roll, der Ablehnung von Konsumismus und Konformität durch die Gegenkultur und der Ablehnung aller Formen sozialer Konvention durch Punk. Es kann jedoch auch als Mittel zur kommerziellen Nutzung solcher Ideen und zur Ablenkung der Jugend von politischen Aktionen angesehen werden.

Rolle der Frau

Professionelle Instrumentalistinnen sind in Rock-Genres wie Heavy Metal ungewöhnlich, obwohl Bands wie Within Temptation Frauen als Leadsänger mit Männern als Instrumentenspieler vorgestellt haben. Laut Schaap und Berkers „ist das Spielen in einer Band weitgehend eine männliche homosoziale Aktivität, das heißt, das Spielen in einer Band zu lernen, ist weitgehend eine Peer-basierte ... Erfahrung, die durch bestehende geschlechtergetrennte Freundschaftsnetzwerke geprägt ist. Sie stellen das fest Rockmusik „wird oft als eine Form der männlichen Rebellion gegenüber der weiblichen Schlafzimmerkultur definiert.“ (Die Theorie der „Schlafzimmerkultur“ argumentiert, dass die Gesellschaft Mädchen beeinflusst, sich nicht an Verbrechen und Abweichungen zu beteiligen, indem sie sie praktisch in ihrem Schlafzimmer einsperrt; Es wurde von einer Soziologin namens Angela McRobbie identifiziert.) In der Popmusik gab es eine geschlechtsspezifische „Unterscheidung zwischen öffentlicher (männlicher) und privater (weiblicher) Beteiligung“ in der Musik.“ Mehrere Gelehrte haben argumentiert, dass Männer Frauen aus Bands oder von Bands ausschließen die Proben, Aufnahmen, Auftritte und andere soziale Aktivitäten der Bands". usiker". Dass es selten gemischtgeschlechtliche Bands gibt, liegt unter anderem daran, dass „Bands als engmaschige Einheiten agieren, in denen homosoziale Solidarität – soziale Bindungen zwischen Menschen gleichen Geschlechts … – eine entscheidende Rolle spielen“. In der Rockmusikszene der 1960er Jahre war "Singen manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen ... war einfach nicht getan".

"Die Rebellion der Rockmusik war größtenteils eine männliche Rebellion; die Frauen - in den 1950er und 60er Jahren oft Mädchen im Teenageralter - im Rock sangen normalerweise Lieder als Personen, die völlig von ihren Macho-Freunden abhängig waren ...". Philip Auslander sagt: "Obwohl es Ende der 1960er Jahre viele Frauen im Rock gab, traten die meisten nur als Sängerinnen auf, eine traditionell weibliche Position in der Popmusik." Obwohl einige Frauen Instrumente in amerikanischen Garage-Rock-Bands spielten, die nur aus Frauen bestehen , erzielte keine dieser Bands mehr als regionalen Erfolg. Sie lieferten also "keine brauchbaren Vorlagen für die anhaltende Teilnahme von Frauen am Rock". In Bezug auf die Geschlechterzusammensetzung von Heavy-Metal-Bands wurde gesagt, dass „[h]eavy metal-Darsteller fast ausschließlich männlich sind“ „…zumindest bis Mitte der 1980er“ abgesehen von „…Ausnahmen wie Girlschool ". "... jetzt [in den 2010er Jahren] haben vielleicht mehr denn je starke Metal-Frauen ihre Herzöge aufgestellt und sich an die Arbeit gemacht", "sie haben [sich] einen beachtlichen Platz erkämpft". Als Suzi Quatro 1973 auftauchte, "arbeitete keine andere prominente Musikerin gleichzeitig als Sängerin, Instrumentalistin, Songwriterin und Bandleaderin im Rock". Laut Auslander trat sie "die männliche Tür im Rock'n'Roll ein und bewies, dass eine Musikerin ...  und das ist ein Punkt, über den ich mir große Sorgen mache ... genauso gut, wenn nicht sogar besser als die Jungs spielen könnte".

Eine reine Frauenband ist eine Musikgruppe in Genres wie Rock und Blues, die ausschließlich aus Musikerinnen besteht . Dies unterscheidet sich von einer Mädchengruppe, in der die weiblichen Mitglieder ausschließlich Sängerinnen sind, obwohl diese Terminologie nicht allgemein befolgt wird.

Siehe auch

• Liste der Rock-Genres
• Liste der Mainstream-Rock-Künstler

Anmerkungen

Verweise

Weiter lesen und hören

• Bogdanov, V.; Woodstra, C.; Erlewine, ST, Hrsg. (2002). All Music Guide to Rock: der endgültige Leitfaden für Rock, Pop und Soul (3. Aufl.). Milwaukee, WI: Backbeat-Bücher. ISBN 0-87930-653-X.
• Christgau, Robert (1992). "BE: Ein Dutzend Momente in der Vorgeschichte des Rock and Roll" . Details .
• Gilliland, John (1969). "Crammer: Ein lebendiger Nachhilfekurs zur Rockgeschichte und einigen anderen Dingen" (Audio) . Pop-Chroniken . Bibliotheken der Universität von Nordtexas .
• Robinson, Richard. Pop, Rock und Soul . New York: Pyramid Books, 1972. ISBN  0-0515-2660-3 .
• Schäfer, J., Hrsg. (2003). Kontinuum Enzyklopädie der Popmusik der Welt: Band II: Aufführung und Produktion . New York: Kontinuum. ISBN 0-8264-6322-3.
• Szatmary, David P. Rockin 'in Time: eine Sozialgeschichte des Rock-and-Roll . Dritte Aufl. Upper Saddle River NJ: Prentice-Hall, 1996. xvi, 320 S., Abb., meist mit s/w-Fotos. ISBN  0-13-440678-8 .

Externe Links

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