Das kranke Kind (Munch) - The Sick Child (Munch)

Edvard Munch , Das kranke Kind , 1885–86. Die Originalversion. Nasjonalgalleriet, Oslo .

Das kranke Kind ( norwegisch : Det syke barn ) ist der Titel einer Gruppe von sechs Gemälden und einer Reihe von Lithographien , Kaltnadeln und Radierungen , die der norwegische Künstler Edvard Munch zwischen 1885 und 1926 angefertigt hat . Alle zeichnen einen Moment vor seinem Tod ältere Schwester Johanne Sophie (1862–1877) an Tuberkulose mit 15 Jahren kehrte Munch in seiner Kunst, über sechs vollendete Ölbilder und viele Studien in verschiedenen Medien, über einen Zeitraum von mehr als 40 Jahren immer wieder auf dieses zutiefst traumatische Ereignis zurück. In den Werken wird Sophie typischerweise auf ihrem Sterbebett gezeigt, begleitet von einer dunkelhaarigen, trauernden Frau, von der angenommen wird, dass sie ihre Tante Karen ist; die Studien zeigen sie oft in einem abgeschnittenen Kopfschuss. In allen gemalten Fassungen sitzt Sophie auf einem Stuhl, offensichtlich unter Schmerzen leidend, gestützt von einem großen weißen Kissen, und blickt auf einen unheilvollen Vorhang, der wahrscheinlich als Symbol des Todes gedacht ist. Sie wird mit gequältem Gesichtsausdruck gezeigt, wie sie eine traurige ältere Frau umklammert, die sie trösten zu wollen scheint, deren Kopf jedoch gesenkt ist, als ob sie es nicht ertragen kann, dem jüngeren Mädchen in die Augen zu sehen.

Im Laufe seiner Karriere kehrte Munch oft zurück und schuf mehrere Varianten seiner Gemälde. Das kranke Kind wurde für Munch, der als Kind beinahe selbst an Tuberkulose gestorben wäre, zu einem Mittel, um sowohl seine Verzweiflung als auch seine Schuldgefühle festzuhalten, dass er derjenige war, der überlebt hatte, und sich seinen Verlusten für seine verstorbene Schwester zu stellen. Er wurde von dem Bild besessen und schuf in den folgenden Jahrzehnten zahlreiche Versionen in unterschiedlichen Formaten. Die sechs gemalten Werke wurden über einen Zeitraum von mehr als 40 Jahren nach verschiedenen Vorbildern ausgeführt.

Die Serie wurde als „eine anschauliche Studie über die Verwüstungen einer degenerativen Krankheit “ beschrieben. Alle Gemälde und viele Nebenwerke gelten als bedeutend für Munchs uvre. Eine Lithographie aus dem Jahr 1896 in Schwarz, Gelb und Rot wurde 2001 bei Sotheby's für 250.000 US-Dollar verkauft.

Die Gemälde

Jedes Gemälde zeigt Sophie im Profil, wie sie auf ihrem Sterbebett liegt und offensichtlich Atembeschwerden hat, ein Symptom einer fortgeschrittenen, schweren Tuberkulose. Sie wird von ihrer Taille aufwärts von einem großen dicken weißen Kissen gestützt, das teilweise einen großen runden Spiegel verbirgt, der hinter ihr an der Wand hängt. Sie ist von einer schweren dunklen Decke bedeckt. Sie hat rotes Haar und wird als gebrechlich und mit kränklicher Blässe und leerem Blick dargestellt. Sie blickt zu ihrer Linken auf einen dunklen und unheilvollen Vorhang in voller Länge, den viele Kunsthistoriker als Symbol des Todes interpretieren.

Das kranke Kind , 1895. Kaltnadelradierung. Das einzige Werk der Serie, das eine andere Szene als die des Raums enthält. "Es kann sein, dass er das blühende Leben der Natur dem Sterben der Menschheit gegenüberstellen wollte", so das British Museum.

Eine dunkelhaarige und ältere Frau in einem schwarzen Kleid sitzt am Bett des Kindes und hält ihre Hand. Die Verbindung zwischen den beiden entsteht durch das Zusammenfügen ihrer Hände, die genau in der Mitte jedes Werkes positioniert sind. Ihr gemeinsamer Griff wird typischerweise mit einem solchen Pathos und einer solchen Intensität wiedergegeben, dass Kunsthistoriker glauben, dass die beiden Figuren nicht nur eine tiefe emotionale Bindung hatten, sondern dass es sich höchstwahrscheinlich um Blutsverwandte handelte. Wahrscheinlich handelt es sich bei der Frau um Sophies Tante Karen. Einige Kritiker haben beobachtet, dass die ältere Frau mehr verzweifelt ist als das Kind; in den Worten der Kritikerin Patricia Donahue: "Es ist fast so, als ob das Kind, das weiß, dass nichts mehr getan werden kann, einen Menschen tröstet, der das Ende seiner Ausdauer erreicht hat."

Der Kopf der Frau ist vor Angst so gesenkt, dass sie Sophie nicht direkt ansehen kann. Aus diesem Grund ist ihr Gesicht verdeckt und der Betrachter kann nur ihren Kopf sehen. Eine Flasche wird links auf einen Schminktisch oder Spind gestellt. Rechts ist ein Glas auf einem vage beschriebenen Tisch zu sehen.

Die Gemälde variieren in ihrer Farbgebung. Weiß spielt vor allem im ersten Teil der Serie eine Darstellung des Vergessens. Später werden grüne und gelbe Figuren als ausdrucksstarke Darstellungen von Krankheit dargestellt, während in den meisten Werken die Rottöne das dramatischste und körperlichste Merkmal der Tuberkulose im Spätstadium darstellen: Bluthusten .

Stil

Jedes Stück der Serie ist stark von den Konventionen des deutschen Expressionismus beeinflusst , während viele in der Technik stark impressionistisch sind. Die gemalten Versionen sind aus dicken Schichten pastoser Farbe aufgebaut und zeigen typischerweise starke, breite vertikale Pinselstriche. Die Betonung der Vertikalen verleiht den Werken einen verschwommenen Eindruck und erhöht ihre emotionale Kraft, ein Effekt, den die Kunstkritikerin Michelle Facos so beschreibt, dass er dem Betrachter eine "Szene präsentiert, die aus nächster Nähe, aber verschwommen, wie durch Tränen oder den Schleier der Erinnerung betrachtet" wird ".

Versionen

Munch war erst 26 Jahre alt, als er das Gemälde von 1885–86 fertigstellte und unsicher genug über seine Fähigkeiten war, gab er ihm den vorläufigen Titel Studie . Munch vollendete sechs Gemälde mit dem Titel The Sick Child . Drei sind jetzt in Oslo (1885–86, 1925, 1927), die anderen in Göteborg (1896), Stockholm (1907) und London (1907). Nach seinem Durchbruch im Jahr 1892, als die Nachfrage nach seinen Arbeiten wuchs, erstellte er acht Studien in Kaltnadelradierung und Radierung.

Die Fertigstellung der ersten Version dauerte über ein Jahr. Munch fand es eine unglückliche und frustrierende Erfahrung, und die Leinwand wurde fast obsessiv bearbeitet und überarbeitet. Zwischen 1885 und 1886 malte, schrubbte und übermalte Munch das Bild, bevor er schließlich zu einem Bild kam, mit dem er zufrieden war. Er erwähnte die Werke oft in seinen Zeitschriften und Publikationen, und es kommt stark in seinem "Der Ursprung des Frieses des Lebens" ( Live Friesens tilblivelse ) vor. Später schrieb er, dass das Gemälde von 1885–86 ein so schwieriger Kampf war, dass seine Fertigstellung einen großen „Durchbruch“ in seiner Kunst bedeutete. Munch erklärte: "Ich habe als Impressionist angefangen , aber während der heftigen mentalen und vitalen Krämpfe der Bohême-Periode gab mir der Impressionismus keinen ausreichenden Ausdruck - ich musste einen Ausdruck finden für das, was mich bewegte ... Der erste Bruch mit dem Impressionismus war der Sick Kind – ich suchte Ausdruck ( Expressionismus ).“

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  Edvard Munch, The Sick Child , 1896. Der zweite Teil der Serie wurde fertiggestellt, als der Künstler in Paris, Konstmuseet , Göteborg lebte .

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  Edvard Munch, The Sick Child , 1907. 3. Reihe Öl auf Leinwand, 118 x 120 cm Thiel Gallery , Stockholm

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  Edvard Munch, Das kranke Kind , 1907. 4. in der Reihe. Öl auf Leinwand, 137 × 139 cm. Tate , London.

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  Edvard Munch, Das kranke Kind , 1925. 5. in der Reihe. Öl auf Leinwand, 117 × 118 cm. Munch-Museum , Oslo

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  Edvard Munch, 1927. 6. in der Reihe

Die sechs lackierten Versionen sind:

• 1885–1886, Nasjonalgalleriet, Oslo . Impressionistisch und dominiert von kräftigen vertikalen Pinselstrichen, meist zusammengesetzt aus Weiß-, Grau- und Grüntönen. Kleine Flächen wurden später übermalt.
• 1896, Konstmuseet, Göteborg . Abgeschlossen, während Munch in Paris lebte. Hauptsächlich Grüntöne und eine reichhaltigere Palette, jedoch dünnere Pinselstriche.
• 1907, Thiel-Galerie , Stockholm. Ein Auftrag des schwedischen Finanziers und Kunstsammlers Ernest Thiel . Thiel ließ bei dem vielgefragten Munch auch ein Porträt des Bankier-Idols Friedrich Nietzsche in Auftrag geben , dessen Werk er später ins Schwedische übersetzte.
• 1907 Tate , London. Nachweis, dass diese Arbeit auch von Thiel in Auftrag gegeben wurde. Eine Zeit lang wurde dieses Gemälde glaubt in 1916. Die Arbeiten ausgeführt wurde , in dem gewesen Gemäldegalerie , Dresden bis 1928.
• 1925 oder früher. Munch-Museum , Oslo. Die Datierung des Gemäldes ist ungewiss; einige Kunsthistoriker haben bereits 1916 ein Fertigstellungsdatum vorgeschlagen. Das spätere Datum 1925 basiert auf dem Jahr seiner ersten erhaltenen Aufzeichnung; Aufnahme in Munchs Atelier.
• 1927 oder früher. Munch-Museum, Oslo.

Malmaterialien

Britische und norwegische Wissenschaftler haben das Gemälde im Nasjonalmuseet Oslo untersucht. Die Pigmentanalyse ergab eine umfangreiche Palette von Pigmenten wie Bleiweiß , Zinkweiß , künstliches Ultramarin , Zinnoberrot , Rotlack , Rotocker , Smaragdgrün , Chromgelb , Zinkgelb und Kobaltblau .

Themen

1930 schrieb Munch an den Direktor der Osloer Nationalgalerie und gab zu: "Was das kranke Kind angeht, es war die Zeit, die ich als das Zeitalter des Kissens betrachte. Sehr viele Maler malten kranke Kinder auf ihren Kissen." Munch bezog sich auf die damalige Prävalenz der Tuberkulose; zeitgenössische Darstellungen der Krankheit finden sich in den Werken von Hans Heyerdahl und Christian Krohg .

Rezeption

Als die Originalversion von 1885–86 erstmals auf der Herbstausstellung 1886 in Christiania ausgestellt wurde , wurde sie von den Zuschauern verspottet und löste bei Kritikern, die über seinen Einsatz impressionistischer Techniken, seine scheinbare Aufgabe der Linie, und die Tatsache, dass das Gemälde unvollendet schien. Als unbefriedigend empfanden viele, dass die Schlüsselstelle des Gemäldes – die gefalteten Hände der Frauen – nicht detailliert genug war, es keine Linien gibt, um ihre Finger zu beschreiben und das Mittelstück im Wesentlichen aus Farbklecksen besteht. Zur Verteidigung sagte Munch: "Ich male nicht, was ich sehe, sondern was ich sah."

Die Ausstellung wurde von dem Kritiker Andreas Aubert rezensiert, der schrieb: „In Munch steckt ein Genie. Aber es besteht auch die Gefahr, dass es vor die Hunde geht … Aus diesem Grund wünsche ich mir um Munchs Willen, dass seine Krankes Kind war abgelehnt worden ... In ihrer jetzigen Form ist diese 'Studie'(!) nur eine weggeworfene, halb ausradierte Skizze."

Über 40 Jahre später bezeichneten die Nationalsozialisten Munchs Gemälde als „ entartete Kunst “ und entfernten sie aus deutschen Museen. Die Werke, darunter die 1907 erschienene Version von Das kranke Kind aus der Dresdner Galerie , wurden zur Versteigerung nach Berlin gebracht. Der norwegische Kunsthändler Harald Holst Halvorsen erwarb mehrere, darunter The Sick Child , mit dem Ziel, sie nach Oslo zurückzubringen . Das Gemälde von 1907 wurde 1939 von Thomas Olsen gekauft und der Tate Gallery geschenkt .

Erbe

Am 15. Februar 2013 veröffentlichte Posten Norge vier norwegische Briefmarken , die Bilder aus Munchs Kunst anlässlich seines 150. Geburtstags wiedergeben. Für die Gestaltung der 15- Kronen- Marke wurde eine Nahaufnahme des Kinderkopfes aus einer der lithografischen Versionen verwendet .

Verweise

Anmerkungen

Quellen

Externe Links

• Das kranke Kind in der Tate: Bildunterschrift ; Katalogeintrag ; Illustrierter Begleiter
• " " Humbug" "Infantilt" "Uappetittlig " " ["Humbug" "Infantile" "Unappetitlich"]. Aftenposten (auf Norwegisch). 2013-09-03.
• Edvard Munch, Das kranke Kind , Nasjonalmuseet Oslo, bei ColourLex