Ukiyo-e - Ukiyo-e

Gemälde einer fein gekleideten Japanerin im Stil des 16. Jahrhunderts. Farbdruck eines geschäftigen Theaters
Farbdruck eines bunt geschminkten japanischen Schauspielers, der mit ausgestreckten Fingern nach rechts zeigt. Farbdruck einer Nahaufnahme einer stark geschminkten mittelalterlichen Japanerin, die durch einen lichtdurchlässigen Kamm späht.
Farblandschaftsdruck einer Dreiergruppe, die nach links geht, Wälder und ein hoher Berg im Hintergrund. Farbdruck eines Vogels, der in der Nähe einiger Blumen fliegt
Ein Set aus drei Farbdrucken eines Samurai, der von einem gigantischen Skelett bedroht wird
Von links oben:

Ukiyo-e ist ein Genre der japanischen Kunst, das vom 17. bis 19. Jahrhundert blühte. Seine Künstler produzierten Holzschnitte und Gemälde zu Themen wie weibliche Schönheiten; Kabuki- Schauspieler und Sumoringer ; Szenen aus Geschichte und Volksmärchen; Reiseszenen und Landschaften; Flora und Fauna ; und Erotik . Der Begriff 'ukiyo-e' (浮世絵) bedeutet übersetzt "Bild [s] der schwebenden Welt".

1603 wurde die Stadt Edo ( Tokio ) Sitz des regierenden Tokugawa-Shogunats . Die Kaufmannsklassen , die am unteren Ende der Gesellschaftsordnung positioniert waren , profitierten am meisten vom schnellen Wirtschaftswachstum der Stadt und begannen, sich der Unterhaltung des Kabuki-Theaters, der Geisha und der Kurtisanen der Vergnügungsviertel hinzugeben und sie zu bevormunden ; der begriff ukiyo ("schwimmende welt") beschreibt diesen hedonistischen lebensstil. Gedruckte oder gemalte Ukiyo-e-Werke waren bei der Kaufmannsklasse beliebt, die reich genug geworden war, um es sich leisten zu können, ihre Häuser damit zu dekorieren.

Die frühesten Ukiyo-e-Werke entstanden in den 1670er Jahren mit Hishikawa Moronobus Gemälden und monochromen Drucken schöner Frauen. Farbdrucke wurden nach und nach eingeführt und wurden zunächst nur für Sonderaufträge verwendet. In den 1740er Jahren verwendeten Künstler wie Okumura Masanobu mehrere Holzschnitte, um Farbflächen zu drucken. In den 1760er Jahren, der Erfolg von Suzuki Harunobu ‚s ‚Brokat prints‘ immer führte zu Vollfarb - Produktionsstandard, mit zehn oder mehr Blöcken verwendet , um jeden Druck zu erstellen. Einige Ukiyo-e-Künstler spezialisierten sich auf die Herstellung von Gemälden, aber die meisten Werke waren Drucke. Künstler schnitzten selten ihre eigenen Holzstöcke für den Druck; vielmehr teilte sich die Produktion auf zwischen dem Künstler, der die Drucke entwarf, dem Schnitzer, der die Holzschnitte schnitt, dem Drucker, der die Holzschnitte einfärbte und auf Bütten drückte , und dem Verleger, der die Werke finanzierte, förderte und verteilte . Da der Druck von Hand erfolgte, konnten Drucker Effekte erzielen, die mit Maschinen nicht praktikabel waren, wie das Mischen oder die Abstufung von Farben auf dem Klischee.

Spezialisten haben die Porträts von Schönheiten und Schauspielern von Meistern wie Torii Kiyonaga , Utamaro und Sharaku geschätzt, die im späten 18. Jahrhundert entstanden. Das 19. Jahrhundert sah auch die Fortsetzung der Meister des Ukiyo-e Tradition, mit der Schaffung des Künstlers Hokusai ‚s Die große Welle vor Kanagawa , einer der bekanntesten Werke der japanischen Kunst und der Künstler Hiroshige ‘ s The Dreiundfünfzig Stationen des Tōkaidō . Nach dem Tod dieser beiden Meister und gegen die technologische und soziale Modernisierung, die der Meiji-Restauration von 1868 folgte, ging die Ukiyo-e-Produktion stark zurück. Im 20. Jahrhundert erlebte die japanische Druckgrafik jedoch eine Wiederbelebung: Das Genre shin-hanga ("neue Drucke") nutzte das westliche Interesse an Drucken traditioneller japanischer Szenen, und die sōsaku-hanga ("kreative Drucke") förderte individualistische Werke , geschnitzt und gedruckt von einem einzigen Künstler. Drucke seit dem späten 20. Jahrhundert werden in individualistischer Weise fortgeführt, oft mit Techniken, die aus dem Westen importiert wurden.

Ukiyo-e war von zentraler Bedeutung für die westliche Wahrnehmung der japanischen Kunst im späten 19. Jahrhundert, insbesondere der Landschaften von Hokusai und Hiroshige. Von den 1870er Jahren, Japonisme wurde einen herausragenden Trend und hatte einen starken Einfluss auf den frühen Impressionisten wie Edgar Degas , Édouard Manet und Claude Monet sowie Auswirkungen auf mit Post-Impressionisten wie Vincent van Gogh und Jugendstil - Künstler wie Henri de Toulouse-Lautrec .

Geschichte

Vorgeschichte

Die japanische Kunst seit der Heian-Zeit (794–1185) verfolgte zwei Hauptwege: die nativistische Yamato-e- Tradition, die sich auf japanische Themen konzentrierte, am besten bekannt durch die Werke der Tosa-Schule ; und chinesisch inspiriertes Kara-e in einer Vielzahl von Stilen, wie die monochromen Tuschemalereien von Sesshū Tōyō und seinen Schülern. Die Kanō- Malerschule umfasste Merkmale von beiden.

Seit der Antike fand die japanische Kunst in der Aristokratie, in Militärregierungen und religiösen Autoritäten Gönner. Bis ins 16. Jahrhundert war das Leben des einfachen Volkes kein Hauptthema der Malerei, und selbst wenn sie einbezogen wurden, handelte es sich bei den Werken um Luxusartikel, die für die herrschenden Samurai und reiche Kaufmannsschichten hergestellt wurden. Später erschienen Werke von und für Stadtbewohner, darunter preiswerte monochrome Gemälde weiblicher Schönheiten und Szenen aus den Theater- und Vergnügungsvierteln. Die Handarbeit dieser Shikomi-e begrenzte den Umfang ihrer Produktion, eine Grenze, die bald von Genres überwunden wurde, die sich dem massenproduzierten Holzschnitt zuwandten .

Eine bemalte Leinwand aus sechs Tafeln, die eine parkähnliche Umgebung darstellen, in der die Besucher die Landschaft genießen.
Maple Viewing at Takao (Mitte des 16. Jahrhunderts) von Kanō Hideyori ist eines der frühesten japanischen Gemälde, das das Leben des einfachen Volkes zeigt.

Während eines langen Bürgerkriegs im 16. Jahrhundert entwickelte sich eine Schicht politisch mächtiger Kaufleute. Diese machishū  [ ja ] , die Vorgänger der Edo - Zeit ist chōnin , verbanden sich mit dem Gericht und hatte Macht über lokale Gemeinschaften; ihr Mäzenatentum förderte eine Wiederbelebung der klassischen Künste im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert. Im frühen 17. Jahrhundert vereinte Tokugawa Ieyasu (1543–1616) das Land und wurde zum Shōgun mit der höchsten Macht über Japan ernannt. Er konsolidierte seine Regierung im Dorf Edo (dem heutigen Tokio) und verlangte von den Territorialherren , sich dort im Wechsel mit ihrem Gefolge zu versammeln . Die Nachfrage des wachsenden Kapitals zog viele männliche Arbeiter aus dem Land, so dass Männer fast siebzig Prozent der Bevölkerung ausmachten. Das Dorf wuchs während der Edo-Zeit (1603–1867) von 1800 auf über eine Million im 19. Jahrhundert.

Das zentralisierte Shogunat beendete die Macht der Machish und teilte die Bevölkerung in vier soziale Klassen ein , mit der herrschenden Samurai-Klasse an der Spitze und der Kaufmannsklasse an der Unterseite. Obwohl sie ihres politischen Einflusses beraubt waren, profitierten diejenigen der Kaufmannsklasse am meisten von der schnell wachsenden Wirtschaft der Edo-Zeit, und ihr verbessertes Grundstück ermöglichte die Freizeit, die viele in den Vergnügungsvierteln suchten – insbesondere Yoshiwara in Edo – und das Sammeln von Kunstwerken zum Dekorieren ihre Häuser, die in früheren Zeiten ihre finanziellen Mittel weit überstiegen. Die Erfahrung des Vergnügungsviertels war offen für diejenigen, die über genügend Reichtum, Manieren und Bildung verfügten.

Gemälde eines mittelalterlichen asiatischen Mannes, der in Pracht sitzt und gekleidet ist
Tokugawa Ieyasu gründete seine Regierung im frühen 17. Jahrhundert in Edo (dem heutigen Tokio).
Porträt von Tokugawa Ieyasu , Kanō-Schulmalerei , Kanō Tan'yū , 17. Jahrhundert

Der Holzschnitt in Japan geht auf den Hyakumantō Darani im Jahr 770 n. Chr. zurück. Bis zum 17. Jahrhundert war ein solcher Druck buddhistischen Siegeln und Bildern vorbehalten. Bewegliche Lettern erschienen um 1600, aber da das japanische Schriftsystem etwa 100.000 Type-Stücke erforderte, war das Handschnitzen von Text auf Holzblöcken effizienter. In Saga Domain kombinierten der Kalligraph Hon'ami Kōetsu und der Verleger Suminokura Soan  [ ja ] gedruckte Texte und Bilder in einer Adaption von The Tales of Ise (1608) und anderen literarischen Werken. Während der Kan'ei- Ära (1624–1643) waren illustrierte Volksmärchenbücher namens Tanrokubon ("orange-grüne Bücher") die ersten Bücher, die im Holzschnitt in Massenproduktion hergestellt wurden. Die Holzschnittbilder entwickelten sich weiter als Illustrationen zum Kanazōshi- Genre der Geschichten des hedonistischen Stadtlebens in der neuen Hauptstadt. Der Wiederaufbau von Edo nach dem Großen Brand von Meireki im Jahr 1657 führte zu einer Modernisierung der Stadt, und die Veröffentlichung illustrierter gedruckter Bücher florierte in der sich schnell entwickelnden Umgebung.

Der Begriff "ukiyo" , der als "schwebende Welt" übersetzt werden kann, war homophon mit einem alten buddhistischen Begriff, der "diese Welt des Kummers und der Trauer" bedeutet. Der neuere Begriff wurde zeitweise verwendet, um unter anderem "erotisch" oder "stilvoll" zu bedeuten und den hedonistischen Zeitgeist für die unteren Schichten zu beschreiben. Asai Ryōi zelebrierte diesen Geist im Roman Ukiyo Monogatari („ Geschichten der schwebenden Welt “, um  1661 ):

"nur für den Augenblick leben, den Mond, den Schnee, die Kirschblüten und die Ahornblätter genießen, Lieder singen, Sake trinken und sich einfach im Schweben ablenken, unbekümmert von der Aussicht auf drohende Armut, heiter und sorglos, wie ein Kürbis, der von der Flussströmung mitgerissen wird: das nennen wir Ukiyo ."

Entstehung von Ukiyo-e (Ende 17. – Anfang 18. Jahrhundert)

Die ersten Ukiyo-e-Künstler kamen aus der Welt der japanischen Malerei . Die Yamato-e-Malerei des 17. Jahrhunderts hatte einen Stil umrissener Formen entwickelt, der es ermöglichte, Tinten auf eine nasse Oberfläche zu tropfen und in Richtung der Umrisse zu verteilen – diese Umrisse von Formen sollten der vorherrschende Stil des Ukiyo-e werden.

Ein Paravent, bemalt mit spielenden japanischen Figuren auf goldenem Hintergrund
Der Hikone-Bildschirm ist möglicherweise das älteste erhaltene Ukiyo-e-Werk aus dem Jahr c.  1624–44 .

Um 1661 wurden bemalte Hängerollen, bekannt als Portraits of Kanbun Beauties , immer beliebter. Die meist anonymen Gemälde der Kanbun-Ära (1661-73) markieren die Anfänge des Ukiyo-e als eigenständige Schule. Die Gemälde von Iwasa Matabei (1578–1650) haben eine große Affinität zu Ukiyo-e-Gemälden. Gelehrte sind sich nicht einig, ob Matabeis Arbeit selbst Ukiyo-e ist; Behauptungen, er sei der Begründer des Genres, sind unter japanischen Forschern besonders verbreitet. Manchmal wurde Matabei als der Künstler des unsignierten Hikone-Bildschirms zugeschrieben , einem Byōbu- Faltbildschirm, der möglicherweise eines der frühesten erhaltenen Ukiyo-e-Werke ist. Die Leinwand ist in einem raffinierten Kanō-Stil gehalten und zeigt das zeitgenössische Leben und nicht die vorgeschriebenen Themen der Malerschulen.

Eine schwarz-weiße Illustration eines Liebespaares in prächtiger Kleidung beim Spielen
Früher Holzschnitt, Hishikawa Moronobu , Ende der 1670er oder Anfang der 1680er Jahre

Als Reaktion auf die steigende Nachfrage nach Ukiyo-e-Werken produzierte Hishikawa Moronobu (1618–1694) die ersten Ukiyo-e-Holzschnitte. 1672 war Moronobus Erfolg so groß, dass er begann, seine Arbeit zu signieren – der erste Buchillustrator, der dies tat. Er war ein produktiver Illustrator, der in einer Vielzahl von Genres arbeitete und einen einflussreichen Stil für die Darstellung weiblicher Schönheiten entwickelte. Vor allem begann er, Illustrationen zu produzieren, nicht nur für Bücher, sondern als Einzelblattbilder, die alleinstehend oder als Teil einer Serie verwendet werden konnten. Die Hishikawa-Schule zog eine große Zahl von Anhängern sowie Nachahmern wie Sugimura Jihei an und signalisierte den Beginn der Popularisierung einer neuen Kunstform.

Torii Kiyonobu I und Kaigetsudō Ando wurden nach dem Tod des Meisters zu prominenten Nachahmern von Moronobus Stil, obwohl beide kein Mitglied der Hishikawa-Schule waren. Beide verzichteten auf Hintergrunddetails, um sich auf die menschliche Figur zu konzentrieren – Kabuki-Schauspieler in der yakusha-e von Kiyonobu und der Torii-Schule , die ihm folgte, und Kurtisanen in der bijin-ga von Ando und seiner Kaigetsudō-Schule . Ando und seine Anhänger produzierten ein stereotypes Frauenbild, dessen Design und Pose sich für eine effektive Massenproduktion eigneten, und seine Popularität führte zu einer Nachfrage nach Gemälden, die andere Künstler und Schulen nutzten. Die Kaigetsudō-Schule und ihre beliebte "Kaigetsudō-Schönheit" endeten nach Andos Exil wegen seiner Rolle im Ejima-Ikushima-Skandal von 1714.

Der aus Kyoto stammende Nishikawa Sukenobu (1671–1750) malte technisch raffinierte Bilder von Kurtisanen. Er gilt als Meister der erotischen Porträts und wurde 1722 von der Regierung verboten, obwohl man glaubt, dass er weiterhin Werke schuf, die unter verschiedenen Namen zirkulierten. Sukenobu verbrachte den größten Teil seiner Karriere in Edo, und sein Einfluss war beträchtlich sowohl in den Kantō und Kansai Regionen . Die Gemälde von Miyagawa Chōshun (1683–1752) zeigten das Leben des frühen 18. Jahrhunderts in zarten Farben. Chōshun machte keine Abdrücke. Die Miyagawa-Schule, die er im frühen 18. Chōshun erlaubte seinen Anhängern, einer Gruppe, zu der später Hokusai gehörte, größere Ausdrucksfreiheit .

Farbdrucke (Mitte 18. Jahrhundert)

Schon in den frühesten monochromen Drucken und Büchern wurde Farbe für besondere Aufträge von Hand hinzugefügt. Der Nachfrage nach Farbe im frühen 18. Jahrhundert wurde mit Tan-e- Drucken begegnet, die von Hand mit Orange und manchmal Grün oder Gelb getönt waren. Diese wurden in den 1720er Jahren mit einer Mode für rosa getönte Beni-e und später die lackähnliche Tinte des Urushi-e gefolgt . Im Jahr 1744 waren die Benizuri-e die ersten Erfolge im Farbdruck, bei denen mehrere Holzschnitte verwendet wurden – einer für jede Farbe, das früheste Beni- Pink und Gemüsegrün.

Die grafische Perspektive im westlichen Stil und die verstärkte Verwendung gedruckter Farben gehörten zu den Innovationen, die Okumura Masanobu behauptete.
Die Abendkühle bei der Ryōgoku-Brücke , c.  1745

Okumura Masanobu (1686–1764) war ein großer Selbstdarsteller und spielte während der rasanten technischen Entwicklung des Buchdrucks vom späten 17. bis Mitte des 18. Jahrhunderts eine wichtige Rolle. Er gründete 1707 einen Laden und kombinierte Elemente der führenden zeitgenössischen Schulen in einer Vielzahl von Genres, obwohl Masanobu selbst keiner Schule angehörte. Zu den Neuerungen in seinen romantisch-lyrischen Bildern gehörte die Einführung der geometrischen Perspektive im Uki-e- Genre in den 1740er Jahren; die langen, schmalen Hashira-e- Prints; und die Kombination von Grafik und Literatur in Drucken, die selbst verfasste Haiku- Gedichte enthielten .

Ukiyo-e erreichte im späten 18. Jahrhundert einen Höhepunkt mit dem Aufkommen von Vollfarbdrucken, die entwickelt wurden, nachdem Edo nach einer langen Depression unter Tanuma Okitsugu zu Wohlstand zurückgekehrt war . Diese beliebten Farbdrucke kam genannt zu werden nishiki-e oder „Brokat Bilder“, wie ihre brillanten Farben schien Ähnlichkeit mit importierten chinesischen Shuchiang zu tragen Brokate , die in der japanischen bekannt als Shokkō nishiki . Die ersten, die auftauchten, waren teure Kalenderdrucke, die mit mehreren Blöcken auf sehr feinem Papier mit schweren, deckenden Tinten gedruckt wurden. Diese Drucke hatten die Anzahl der Tage für jeden Monat im Design versteckt und wurden zu Neujahr als persönliche Grüße verschickt, die den Namen des Mäzens und nicht des Künstlers trugen. Die Blöcke für diese Drucke wurden später für die kommerzielle Produktion wiederverwendet, wobei der Name des Mäzens ausgelöscht und durch den des Künstlers ersetzt wurde.

Die zarten, romantischen Drucke von Suzuki Harunobu (1725-1770) gehörten zu den ersten, die ausdrucksstarke und komplexe Farbdesigns realisierten, die mit bis zu einem Dutzend separater Blöcke gedruckt wurden, um die verschiedenen Farben und Halbtöne zu verarbeiten. Seine zurückhaltenden, anmutigen Drucke beriefen sich auf den Klassizismus der Waka- Poesie und der Yamato-e- Malerei. Der produktive Harunobu war der dominierende Ukiyo-e-Künstler seiner Zeit. Der Erfolg von Harunobus farbenfrohem Nishiki-e ab 1765 führte zu einem starken Rückgang der Nachfrage nach den limitierten Paletten von Benizuri-e und Urushi-e sowie nach handkolorierten Drucken.

Nach Harunobus Tod im Jahr 1770 entwickelte sich ein Trend gegen den Idealismus der Drucke von Harunobu und der Torii-Schule. Katsukawa Shunshō (1726–1793) und seine Schule produzierten Porträts von Kabuki-Schauspielern mit größerer Treue zu den tatsächlichen Merkmalen der Schauspieler als dies der Trend gewesen war . Irgendwann Kollaborateure Koryūsai (1735 – ca.  1790 ) und Kitao Shigemasa (1739-1820) waren prominente Darstellungen von Frauen, die auch Ukiyo-e von der Dominanz von Harunobus Idealismus wegführten, indem sie sich auf zeitgenössische urbane Moden und gefeierte Kurtisanen aus der realen Welt konzentrierten Geisha . Koryūsai war vielleicht der produktivste Ukiyo-e-Künstler des 18. Jahrhunderts und produzierte eine größere Anzahl von Gemälden und Druckserien als jeder andere Vorgänger. Die von Shigemasa gegründete Kitao-Schule war eine der dominierenden Schulen der letzten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts.

In den 1770er Jahren produzierte Utagawa Toyoharu eine Reihe von Uki-e- Perspektivdrucken, die eine Beherrschung westlicher Perspektiventechniken demonstrierten, die seinen Vorgängern in diesem Genre entgangen waren. Toyoharus Werke trugen dazu bei, die Landschaft als Ukiyo-e-Thema zu bahnen und nicht nur als Hintergrund für menschliche Figuren. Im 19. Jahrhundert wurden perspektivische Techniken im westlichen Stil in die japanische Kunstkultur aufgenommen und in den raffinierten Landschaften von Künstlern wie Hokusai und Hiroshige eingesetzt , letzterem ein Mitglied der von Toyoharu gegründeten Utagawa-Schule . Diese Schule sollte zu einer der einflussreichsten werden und produzierte Werke in einer weitaus größeren Vielfalt von Genres als jede andere Schule.

Spitzenzeit (spätes 18. Jahrhundert)

Ein Farbdruck einer Nahaufnahme des Kopfes und des Oberkörpers einer fein gekleideten Japanerin.  Hinter ihr befindet sich ein Bambusschirm, auf dem ein ähnlicher Frauenkopf und Oberkörper abgebildet sind.
Zwei Schönheiten mit Bambus
Utamaro , c.  1795

Während das späte 18. Jahrhundert wirtschaftlich schwierige Zeiten erlebte, erlebte Ukiyo-e einen Höhepunkt in Quantität und Qualität der Werke, insbesondere während der Kansei- Ära (1789–1791). Das Ukiyo-e der Zeit der Kansei-Reformen führte zu einem Fokus auf Schönheit und Harmonie, der im nächsten Jahrhundert in Dekadenz und Disharmonie zerfiel, als die Reformen zusammenbrachen und die Spannungen anstiegen, was in der Meiji-Restauration von 1868 gipfelte .

Vor allem in den 1780er Jahren stellte Torii Kiyonaga (1752–1815) von der Torii-Schule traditionelle Ukiyo-e-Themen wie Schönheiten und Stadtszenen dar, die er auf große Blätter druckte, oft als horizontale Multiprint- Diptychen oder Triptychen . Seine Werke verzichteten auf die poetischen Traumlandschaften Harunobu und setzten stattdessen auf realistische Darstellungen idealisierter weiblicher Formen in modernster Kleidung und szenischer Kulisse. Er produzierte auch Porträts von Kabuki-Schauspielern in einem realistischen Stil, der Begleitmusiker und Chor einschloss.

Im Jahr 1790 trat ein Gesetz in Kraft, das den Verkauf von Drucken mit dem Gütesiegel einer Zensur vorschrieb. Die Zensur verschärfte sich in den folgenden Jahrzehnten und Übertreter konnten harte Strafen erhalten. Ab 1799 waren sogar Vorentwürfe genehmigungspflichtig. Eine Gruppe von Tätern der Utagawa-Schule, darunter Toyokuni, wurden 1801 in ihren Werken unterdrückt, und Utamaro wurde 1804 inhaftiert, weil er Drucke des politischen und militärischen Führers Toyotomi Hideyoshi aus dem 16. Jahrhundert angefertigt hatte .

Utamaro ( ca.  1753 –1806) machte sich in den 1790er Jahren mit seinen bijin ōkubi-e ("großköpfige Bilder schöner Frauen") einen Namen, die sich auf den Kopf und den Oberkörper konzentrierten, ein Stil, den andere zuvor bei Porträts von Kabuki-Schauspieler. Utamaro experimentierte mit Linien-, Farb- und Drucktechniken, um subtile Unterschiede in den Merkmalen, Ausdrücken und Hintergründen von Motiven aus einer Vielzahl von Klassen und Hintergründen hervorzuheben. Utamaros individuelle Schönheiten standen in scharfem Kontrast zu den stereotypen, idealisierten Bildern, die die Norm gewesen waren. Am Ende des Jahrzehnts, insbesondere nach dem Tod seines Gönners Tsutaya Jūzaburō im Jahr 1797, nahm Utamaros erstaunliche Leistung an Qualität ab, und er starb 1806.

Die Abdrücke des rätselhaften Sharaku , die 1794 plötzlich auftauchen und zehn Monate später ebenso plötzlich verschwinden, gehören zu den bekanntesten Ukiyo-e. Sharaku produzierte beeindruckende Porträts von Kabuki-Schauspielern, die seinen Drucken ein höheres Maß an Realismus einführten, der die Unterschiede zwischen dem Schauspieler und dem porträtierten Charakter hervorhob. Die ausdrucksstarken, verzerrten Gesichter, die er darstellte, standen in scharfem Kontrast zu den heiteren, maskenhaften Gesichtern, die bei Künstlern wie Harunobu oder Utamaro üblich sind. Von Tsutaya veröffentlicht, stieß Sharakus Werk auf Widerstand, und 1795 hörte sein Werk so mysteriös auf, wie es schien, und seine wahre Identität ist immer noch unbekannt. Utagawa Toyokuni (1769–1825) produzierte Kabuki-Porträts in einem Stil, der für die Edo-Stadtbewohner zugänglicher war, indem er dramatische Haltungen betonte und Sharakus Realismus vermeidete.

Ein konstant hohes Qualitätsniveau kennzeichnet das Ukiyo-e des späten 18. Jahrhunderts, aber die Werke von Utamaro und Sharaku stellen oft die anderen Meister dieser Zeit in den Schatten. Einer von Kiyonagas Anhängern, Eishi (1756–1829), gab seine Position als Maler für den Shōgun Tokugawa Ieharu auf, um sich dem Ukiyo-e-Design zu widmen. Er verlieh seinen Porträts anmutiger, schlanker Kurtisanen einen raffinierten Sinn und hinterließ eine Reihe bekannter Studenten. Mit feinem Strich entwarf Eishōsai Chōki (fl. 1786–1808) Porträts zarter Kurtisanen. Die Utagawa-Schule dominierte in der späten Edo-Zeit die Ukiyo-e-Produktion.

Edo war während der Edo-Zeit das Hauptzentrum der Ukiyo-e-Produktion. Ein weiteres wichtiges Zentrum entwickelte sich in der Kamigata- Region mit Gebieten in und um Kyoto und Osaka . Im Gegensatz zum Themenspektrum der Edo-Drucke handelte es sich bei Kamigata eher um Porträts von Kabuki-Schauspielern. Der Stil der Kamigata-Drucke unterschied sich bis zum Ende des 18. Die Farben sind in Kamigata-Drucken tendenziell weicher und Pigmente dicker als in denen von Edo. Im 19. Jahrhundert wurden viele der Drucke von Kabuki-Fans und anderen Amateuren entworfen.

Spätblüte: Flora, Fauna und Landschaften (19. Jahrhundert)

Die Tenpō-Reformen von 1841–1843 versuchten, äußerliche Darstellungen von Luxus, einschließlich der Darstellung von Kurtisanen und Schauspielern, zu unterdrücken. Infolgedessen entwarfen viele Ukiyo-e-Künstler Reiseszenen und Naturbilder, insbesondere Vögel und Blumen. Landschaften wurden seit Moronobu nur noch wenig beachtet und sie bildeten ein wichtiges Element in den Werken von Kiyonaga und Shunchō . Erst spät in der Edo - Zeit , dass Landschaft in seine eigenen als Genre kam, vor allem über die Arbeiten von Hokusai und Hiroshige Die Landschaft Genre dominiert westliche Wahrnehmung des Ukiyo-e gekommen ist, obwohl Ukiyo-e eine lange Geschichte hatte vorhergehende diese Meister der Spätzeit. Die japanische Landschaft unterschied sich von der westlichen Tradition dadurch, dass sie stärker auf Vorstellungskraft, Komposition und Atmosphäre als auf strikte Naturbeobachtung angewiesen war.

Der selbsternannte „verrückte Maler“ Hokusai (1760–1849) hatte eine lange und abwechslungsreiche Karriere. Sein Werk ist geprägt von einem Mangel an Sentimentalität, die dem Ukiyo-e gemein ist, und einem Fokus auf den von der westlichen Kunst beeinflussten Formalismus. Zu seinen Errungenschaften zählen seine Illustrationen von Takizawa Bakins Roman Crescent Moon  [ ja ] , seine Reihe von Skizzenbüchern, der Hokusai Manga , und seine Popularisierung des Landschaftsgenres mit 36 Ansichten des Berges Fuji , zu dem auch sein bekanntestes Druckwerk gehört , The Great Wave vor Kanagawa , eines der berühmtesten Werke der japanischen Kunst. Im Gegensatz zur Arbeit der älteren Meister waren Hokusais Farben kräftig, flach und abstrakt, und sein Thema waren nicht die Vergnügungsviertel, sondern das Leben und die Umgebung der einfachen Leute bei der Arbeit. Die etablierten Meister Eisen , Kuniyoshi und Kunisada folgten in den 1830er Jahren auch Hokusais Schritten in die Landschaftsdrucke und produzierten Drucke mit kühnen Kompositionen und eindrucksvollen Effekten.

Obwohl ihren bekannteren Vorfahren nicht oft die Aufmerksamkeit geschenkt wurde, brachte die Utagawa-Schule in dieser rückläufigen Zeit einige Meister hervor. Die produktive Kunisada (1786–1865) hatte in der Tradition der Porträtdrucke von Kurtisanen und Schauspielern nur wenige Rivalen. Einer dieser Rivalen war Eisen (1790–1848), der sich auch mit Landschaften auskannte. Kuniyoshi (1797–1861), vielleicht das letzte bedeutende Mitglied dieser späten Periode, versuchte sich an einer Vielzahl von Themen und Stilen, ähnlich wie es Hokusai getan hatte. Seine historischen Szenen von Kriegern in heftigen Kämpfen waren beliebt, insbesondere seine Heldenserien aus den Suikoden (1827-1830) und Chūshingura (1847). Er beherrschte Landschaften und satirische Szenen – letztere ein Gebiet, das in der diktatorischen Atmosphäre der Edo-Zeit selten erforscht wurde; dass Kuniyoshia es wagen konnte, solche Themen anzugehen, war ein Zeichen für die Schwächung des damaligen Shogunats.

Hiroshige (1797–1858) gilt als Hokusais größter Rivale an Statur. Er spezialisierte sich auf Bilder von Vögeln und Blumen sowie ruhigen Landschaften und ist vor allem für seine Reiseserien bekannt, wie The Fifty-three Stations of the Tōkaidō und The Sixty-nine Stations of the Kiso Kaidō , letztere eine Kooperation mit Eisen . . Seine Arbeit war realistischer, subtil koloriert und atmosphärisch als die von Hokusai; Natur und Jahreszeiten waren Schlüsselelemente: Nebel, Regen, Schnee und Mondlicht waren prominente Teile seiner Kompositionen. Hiroshige Anhänger, einschließlich angenommen Sohn Hiroshige II und Sohn-in-law Hiroshige III , getragen auf ihren Master-Stil der Landschaften in der Meiji - Zeit.

Niedergang (spätes 19. Jahrhundert)

Nach dem Tod von Hokusai und Hiroshige und der Meiji-Restauration von 1868 erlitt Ukiyo-e einen starken Rückgang in Quantität und Qualität. Die schnelle Verwestlichung der Meiji-Zeit , die darauf folgte, führte dazu, dass der Holzschnitt seine Dienste dem Journalismus zuwandte und der Konkurrenz durch die Fotografie ausgesetzt war. Praktizierende des reinen Ukiyo-e wurden seltener und der Geschmack wandte sich von einem Genre ab, das als Überbleibsel einer veralteten Ära galt. Künstler produzierten weiterhin gelegentlich bemerkenswerte Werke, aber in den 1890er Jahren war die Tradition im Sterben.

Mitte des 19. Jahrhunderts begannen aus Deutschland importierte synthetische Pigmente die traditionellen organischen zu ersetzen. Viele Drucke aus dieser Zeit verwendeten ausgiebig ein leuchtendes Rot und wurden aka-e ("rote Bilder") genannt. Künstler wie Yoshitoshi (1839–1892) führten in den 1860er Jahren einen Trend zu grausamen Szenen von Morden und Geistern, Monstern und übernatürlichen Wesen sowie legendären japanischen und chinesischen Helden. Seine Hundert Aspekte des Mondes (1885–1892) zeigen eine Vielzahl fantastischer und weltlicher Themen mit einem Mondmotiv. Kiyochika (1847-1915) ist bekannt für seine Druckgrafiken, die die rasante Modernisierung Tokios, wie die Einführung der Eisenbahn, dokumentieren, und seine Darstellungen von Japans Kriegen mit China und mit Russland . Früher Maler der Kanō-Schule, wandte sich Chikanobu (1838–1912) in den 1870er Jahren der Druckgrafik zu, insbesondere der kaiserlichen Familie und Szenen westlichen Einflusses auf das japanische Leben in der Meiji-Zeit.

Einführung in den Westen

Abgesehen von niederländischen Händlern, die seit Beginn der Edo-Zeit Handelsbeziehungen unterhielten, beachteten westliche Menschen die japanische Kunst vor der Mitte des 19. Jahrhunderts kaum und unterschieden sie kaum von anderer Kunst aus dem Osten. Der schwedische Naturforscher Carl Peter Thunberg verbrachte ein Jahr in der niederländischen Handelssiedlung Dejima in der Nähe von Nagasaki und war einer der ersten Westler, der japanische Drucke sammelte. Der Export von Ukiyo-e nahm danach langsam zu, und zu Beginn des 19. Jahrhunderts erregte die Sammlung des niederländischen Kaufmanns Isaac Titsingh die Aufmerksamkeit von Kunstkennern in Paris.

Schwarzweißfoto eines japanischen Gebäudes im traditionellen Stil
Der japanische Satsuma-Pavillon auf der Internationalen Ausstellung von 1867 in Paris

Die Ankunft des amerikanischen Commodore Matthew Perry in Edo im Jahr 1853 führte zur Konvention von Kanagawa im Jahr 1854, die Japan nach über zwei Jahrhunderten der Abgeschiedenheit für die Außenwelt öffnete . Ukiyo-e-Drucke gehörten zu den Gegenständen, die er in die Vereinigten Staaten mitbrachte. Solche Drucke waren in Paris mindestens seit den 1830er Jahren erschienen, und in den 1850er Jahren waren sie zahlreich; Die Rezeption war gemischt, und selbst wenn Ukiyo-e gelobt wurde, wurde sie im Allgemeinen als minderwertiger westlicher Werke angesehen, die die Beherrschung der naturalistischen Perspektive und Anatomie betonten. Japanische Kunst machte auf der Internationalen Ausstellung von 1867 in Paris auf sich aufmerksam und wurde in den 1870er und 1880er Jahren in Frankreich und England in Mode. Die Drucke von Hokusai und Hiroshige spielten eine herausragende Rolle bei der Gestaltung der westlichen Wahrnehmung japanischer Kunst. Zur Zeit ihrer Einführung im Westen war der Holzschnitt das am weitesten verbreitete Massenmedium in Japan, und die Japaner hielten ihn für wenig bleibenden Wert.

Zu den frühen europäischen Förderern und Gelehrten des Ukiyo-e und der japanischen Kunst gehörten der Schriftsteller Edmond de Goncourt und der Kunstkritiker Philippe Burty , der den Begriff „ Japonismus “ prägte . Geschäfte mit japanischen Waren wurden eröffnet, darunter 1862 douard Desoye und 1875 der Kunsthändler Siegfried Bing . Von 1888 bis 1891 veröffentlichte Bing die Zeitschrift Artistic Japan in englischer, französischer und deutscher Ausgabe und kuratierte eine Ukiyo-e-Ausstellung in der École des Beaux-Arts im Jahr 1890 von Künstlern wie Mary Cassatt besucht .

Cover des Notenbuches mit einer stilisierten Welle
Nicht nur die bildende Kunst , sondern auch Musik ließ sich von Ukiyo-e im Westen: Bezug aus der Orchesterpartitur von Debussy ‚s La mer (1905).

Der Amerikaner Ernest Fenollosa war der früheste westliche Anhänger der japanischen Kultur und tat viel, um die japanische Kunst zu fördern – Hokusais Werke wurden bei seiner Eröffnungsausstellung als erster Kurator des Japanese Art Museum of Fine Arts in Boston prominent vertreten , und 1898 in Tokio kuratierte er die erste Ukiyo-e-Ausstellung in Japan. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts trieb die Popularität von Ukiyo-e im Westen die Preise über die Mittel der meisten Sammler hinaus – einige, wie Degas , tauschten ihre eigenen Gemälde gegen solche Drucke ein. Tadamasa Hayashi war ein bekannter Pariser Händler mit angesehenem Geschmack, dessen Büro in Tokio für die Bewertung und den Export großer Mengen von Ukiyo-e-Drucken in den Westen in solchen Mengen verantwortlich war, dass japanische Kritiker ihm später vorwarfen, Japan seines nationalen Schatzes entzogen zu haben. Der Abfluss blieb zunächst in Japan unbemerkt, als japanische Künstler in die klassischen Maltechniken des Westens eintauchten.

Japanische Kunst und insbesondere Ukiyo-e-Drucke beeinflussten die westliche Kunst seit der Zeit der frühen Impressionisten . Frühe Maler-Sammler nahmen bereits in den 1860er Jahren japanische Themen und Kompositionstechniken in ihre Werke auf: Die gemusterten Tapeten und Teppiche in Manets Gemälden wurden von den gemusterten Kimonos in Ukiyo-e-Bildern inspiriert, und Whistler konzentrierte sich auf ephemere Elemente der Natur wie in Ukiyo-e-Landschaften. Van Gogh war ein leidenschaftlicher Sammler und malte Ölkopien von Drucken von Hiroshige und Eisen . Degas und Cassatt haben flüchtige, alltägliche Momente in japanisch beeinflussten Kompositionen und Perspektiven dargestellt. Die flache Perspektive und die unmodulierten Farben von ukiyo-e hatten einen besonderen Einfluss auf Grafikdesigner und Plakatmacher. Toulouse-Lautrecs Lithographien zeigten sein Interesse nicht nur an den flachen Farben und umrissenen Formen von Ukiyo-e, sondern auch an ihrem Thema: Performer und Prostituierte. Viele dieser Arbeiten signierte er mit seinen Initialen in einem Kreis, der die Siegel japanischer Drucke imitierte. Andere Künstler der Zeit, die von Ukiyo-e beeinflusst wurden, sind Monet , La Farge , Gauguin und Les Nabis- Mitglieder wie Bonnard und Vuillard . Der französische Komponist Claude Debussy ließ sich für seine Musik von den Drucken von Hokusai und Hiroshige inspirieren, am bekanntesten in La mer (1905). Imagistische Dichter wie Amy Lowell und Ezra Pound ließen sich von Ukiyo-e-Drucken inspirieren; Lowell veröffentlichte einen Gedichtband mit dem Titel Pictures of the Floating World (1919) zu orientalischen Themen oder in orientalischem Stil.

Nachkommende Traditionen (20. Jahrhundert)

Monochromatischer Druck eines Mannes in einem schweren Mantel, der vom Betrachter weg auf das Meer schaut
Fischer
Kanae Yamamoto , 1904

Das Reiseskizzenbuch wurde ab 1905 zu einem beliebten Genre, als die Meiji-Regierung Reisen innerhalb Japans förderte, damit die Bürger ihr Land besser kennen. Im Jahr 1915 führte der Verleger Shōzaburō Watanabe den Begriff shin-hanga ("neue Drucke") ein, um einen von ihm veröffentlichten Druckstil zu beschreiben, der traditionelle japanische Themen aufwies und sich an ein ausländisches und gehobenes japanisches Publikum richtete. Zu den prominenten Künstlern gehörten Goyō Hashiguchi , der wegen seiner Art, Frauen darzustellen , „Utamaro der Taishō-Zeit “ genannt wird; Shinsui Itō , der Frauenbilder modernere Sensibilitäten verlieh; und Hasui Kawase , der moderne Landschaften schuf. Watanabe veröffentlichte auch Werke nicht-japanischer Künstler, von denen ein früher Erfolg eine Reihe von Drucken mit indischen und japanischen Themen im Jahr 1916 des Engländers Charles W. Bartlett (1860-1940) war. Andere Verlage folgten Watanabes Erfolg, und einige Shin-Hanga- Künstler wie Goyō und Hiroshi Yoshida gründeten Studios, um ihre eigenen Werke zu veröffentlichen.

Künstler der sōsaku-hanga- Bewegung ("kreative Drucke") übernahmen die Kontrolle über jeden Aspekt des Druckverfahrens – Design, Schnitzen und Drucken wurden von denselben Händen durchgeführt. Kanae Yamamoto (1882–1946), damals Student an der Tokyo School of Fine Arts , wird die Geburt dieses Ansatzes zugeschrieben. 1904 produzierte er Fisherman im Holzschnitt, eine Technik, die bis dahin vom japanischen Kunstbetrieb als altmodisch und wegen ihrer Verbindung mit der kommerziellen Massenproduktion verpönt war. Die Gründung des Japanischen Holzschnitt-Künstlerverbandes im Jahr 1918 markiert den Beginn dieses Ansatzes als Bewegung. Die Bewegung bevorzugte die Individualität ihrer Künstler und hat als solche keine dominierenden Themen oder Stile. Die Werke reichten von den völlig abstrakten Kshirō Onchi (1891–1955) bis hin zu den traditionellen figurativen Darstellungen japanischer Szenen von Un'ichi Hiratsuka (1895–1997). Diese Künstler produzierten Drucke nicht, um ein Massenpublikum zu erreichen, sondern als kreativen Selbstzweck und beschränkten ihre Druckmedien nicht auf den Holzschnitt des traditionellen Ukiyo-e.

Drucke aus dem späten 20. und 21. Jahrhundert haben sich aus den Anliegen früherer Bewegungen entwickelt, insbesondere der Betonung des individuellen Ausdrucks der sōsaku-hanga- Bewegung. Siebdruck , Radierung , Mezzotinta , Mixed Media und andere westliche Methoden haben sich dem traditionellen Holzschnitt unter den Techniken der Druckgrafiker angeschlossen.

Stil

Das chinesische Malhandbuch Jieziyuan Huazhuan ( Handbuch des Senfkorngartens ) wurde von vielen japanischen Künstlern verwendet und war ein wichtiges Element in der Ausbildung von Künstlern und der Entwicklung der Malerei der Edo-Zeit.
Farbdruck des Gesichts einer Japanerin.  Die Farben sind kräftig und flach und die Konturen sind schwarz umrandet.
Frau besucht den Schrein in der Nacht , Harunobu , 17. Jahrhundert. Fette, flache Linien definieren und enthalten Bereiche mit flacher Farbe.

Frühe Ukiyo-e-Künstler brachten ein ausgefeiltes Wissen und eine Ausbildung in den Kompositionsprinzipien der klassischen chinesischen Malerei mit ; nach und nach legten diese Künstler den offenkundigen chinesischen Einfluss ab, um eine einheimische japanische Sprache zu entwickeln. Die frühen Ukiyo-e-Künstler wurden in dem Sinne als "Primitives" bezeichnet, dass das Druckmedium eine neue Herausforderung war, an die sie diese jahrhundertealten Techniken adaptierten - ihre Bildgestaltungen gelten nicht als "primitiv". Viele Ukiyo-e-Künstler wurden von Lehrern der Kanō und anderer Malerschulen ausgebildet.

Ein charakteristisches Merkmal der meisten Ukiyo-e-Drucke ist eine gut definierte, kräftige, flache Linie. Die frühesten Drucke waren einfarbig, und diese Linien waren das einzige gedruckte Element; auch mit dem Aufkommen der Farbe dominierte diese charakteristische Linie weiterhin. In Ukiyo-e-Kompositionsformen sind die Formen in flachen Räumen angeordnet, wobei die Figuren typischerweise in einer einzigen Tiefenebene liegen. Auf vertikale und horizontale Beziehungen wurde ebenso geachtet wie auf Details wie Linien, Formen und Muster wie auf Kleidung. Kompositionen waren oft asymmetrisch, und der Blickwinkel erfolgte oft aus ungewöhnlichen Blickwinkeln, beispielsweise von oben. Bildelemente wurden oft beschnitten , was der Komposition ein spontanes Gefühl gab. Bei Farbdrucken sind die Konturen der meisten Farbbereiche scharf definiert, normalerweise durch die Linienführung. Die Ästhetik der flachen Bereiche der Farbkontraste mit den modulierten Farben in westlichen Traditionen zu erwarten und mit anderen prominenten zeitgenössischen Traditionen in der japanischen Kunst von der Oberschicht bevormundeten, wie in dem subtilen monochromen Tinte brushstrokes von Zenga Pinselmalerei oder Klangfarben der Kano - Schule der Malerei.

Foto einer Teeschale, dunkel, bescheiden und asymmetrisch
Wabi-Sabi- Ästhetik in einer Teeschale aus dem 16. Jahrhundert

Die farbenfrohen, pompösen und komplexen Muster, die Auseinandersetzung mit wechselnden Moden und die angespannten, dynamischen Posen und Kompositionen in Ukiyo-e stehen in starkem Kontrast zu vielen Konzepten der traditionellen japanischen Ästhetik . Unter diesen bevorzugt Wabi-Sabi Einfachheit, Asymmetrie und Unvollkommenheit, mit Beweisen für den Lauf der Zeit; und Shibui schätzt Subtilität, Demut und Zurückhaltung. Ukiyo-e kann mit ästhetischen Konzepten wie dem rassigen, urbanen Stil von iki weniger im Widerspruch stehen .

ukiyo-e zeigt eine ungewöhnliche Herangehensweise an die grafische Perspektive, die im Vergleich zu europäischen Gemälden derselben Zeit unterentwickelt erscheinen kann. Die geometrische Perspektive im westlichen Stil war in Japan bekannt – am prominentesten von den Akita-Ranga- Malern der 1770er Jahre praktiziert – wie auch chinesische Methoden, um mit einer Homogenität paralleler Linien ein Gefühl von Tiefe zu erzeugen. Die Techniken traten manchmal in Ukiyo-e-Werken zusammen auf, wobei die geometrische Perspektive im Hintergrund eine Illusion von Tiefe erzeugte und die ausdrucksstärkere chinesische Perspektive im Vordergrund. Die Techniken wurden höchstwahrscheinlich zuerst durch chinesische Gemälde im westlichen Stil und nicht direkt aus westlichen Werken erlernt. Lange nachdem sie sich mit diesen Techniken vertraut gemacht hatten, harmonierten Künstler sie weiterhin mit traditionellen Methoden entsprechend ihren kompositorischen und ausdrucksvollen Bedürfnissen. Andere Arten, die Tiefe anzuzeigen, waren die chinesische dreiteilige Kompositionsmethode, die in buddhistischen Bildern verwendet wird, bei der eine große Form im Vordergrund, eine kleinere im Mittelgrund und eine kleinere im Hintergrund platziert wird; Dies ist in Hokusais Great Wave zu sehen , mit einem großen Boot im Vordergrund, einem kleineren dahinter und einem kleinen Mt. Fuji dahinter.

Seit den frühen Ukiyo-e gab es eine Tendenz, Schönheiten in einer "schlangenförmigen Haltung" zu posieren, die der Kunsthistoriker Midori Wakakura  [ ja ] nannte, bei der sich die Körper der Probanden unnatürlich verdrehen, während sie sich hinter sich selbst befinden. Der Kunsthistoriker Motoaki Kōno  [ ja ] postulierte, dass dies seine Wurzeln im traditionellen Buyō- Tanz hatte; Haruo Suwa  [ ja ] konterte, dass die Posen eine künstlerische Freizügigkeit von Ukiyo-e-Künstlern seien, was dazu führte, dass eine scheinbar entspannte Pose unnatürliche oder unmögliche körperliche Extreme erreichte. Dies blieb auch dann der Fall, wenn realistische perspektivische Techniken auf andere Teile der Komposition angewendet wurden.

Themen und Genres

Typische Motive waren weibliche Schönheiten („ bijin-ga “), Kabuki-Schauspieler („ yakusha-e “) und Landschaften. Die abgebildeten Frauen waren meist Kurtisanen und Geishas in der Freizeit und förderten die Unterhaltungen, die in den Vergnügungsvierteln zu finden sind. Die Detailtreue, mit der Künstler Moden und Frisuren von Kurtisanen darstellten, ermöglicht eine zuverlässige Datierung der Drucke. Weniger Aufmerksamkeit wurde der Genauigkeit der körperlichen Merkmale der Frauen gewidmet, die der Bildmode des Tages folgten – die Gesichter stereotyp, die Körper in einer Generation groß und schlaksig und in einer anderen zierlich. Porträts von Prominenten waren sehr gefragt, insbesondere solche aus der Kabuki- und Sumo- Welt, zwei der beliebtesten Unterhaltungen dieser Zeit. Während die Landschaft für viele Westler das Ukiyo-e definiert, blühte die Landschaft relativ spät in der Geschichte des Ukiyo-e auf.

Farbdruck von zwei fein gekleideten Japanerinnen an einer Heizung.  Die Tapete und andere Gegenstände sind großflächig geprägt.
Porträts von Schönheiten waren eine tragende Säule von Ukiyo-e. Die Tapete und andere Elemente dieses Brokatdrucks sind großflächig geprägt .
Abendschnee auf dem Nurioke , Harunobu , 1766

Ukiyo-e-Drucke entstanden aus Buchillustrationen – viele von Moronobus frühesten einseitigen Drucken waren ursprünglich Seiten aus Büchern, die er illustriert hatte. E-hon- Illustrationsbücher waren beliebt und weiterhin ein wichtiges Medium für Ukiyo-e-Künstler. In der Spätzeit produzierte Hokusai die dreibändigen One Hundred Views of Mount Fuji und den 15-bändigen Hokusai Manga , letzterer ein Kompendium von über 4000 Skizzen zu einer Vielzahl realistischer und fantastischer Themen.

Traditionelle japanische Religionen betrachten Sex oder Pornografie nicht als moralische Korruption im Sinne der meisten abrahamitischen Glaubensrichtungen , und bis die sich ändernde Moral der Meiji-Ära zu ihrer Unterdrückung führte, waren erotische Shunga- Drucke ein wichtiges Genre. Während das Tokugawa-Regime Japan strengen Zensurgesetzen unterwarf, wurde Pornografie nicht als schwerwiegende Straftat angesehen und fand im Allgemeinen die Zustimmung der Zensur. Viele dieser Drucke zeigten in ihren expliziten Darstellungen von Schlafzimmerszenen, Voyeuren und überdimensionaler Anatomie ein hohes Maß an zeichnerischer und oft humorvoller Darstellung. Wie bei den Darstellungen von Kurtisanen waren diese Bilder eng mit Unterhaltungen der Vergnügungsviertel verbunden. Fast jeder Ukiyo-e-Meister hat irgendwann Shunga produziert. Es gibt keine Aufzeichnungen über die gesellschaftliche Akzeptanz des Shunga, obwohl Timon Screech postuliert, dass es ziemlich sicher einige Bedenken in dieser Angelegenheit gab und dass seine Akzeptanz von späteren Sammlern, insbesondere im Westen, übertrieben wurde.

Naturszenen waren im Laufe der Geschichte ein wichtiger Bestandteil der asiatischen Kunst. Künstler haben die korrekte Form und Anatomie von Pflanzen und Tieren genau studiert, obwohl die Darstellungen der menschlichen Anatomie bis in die Neuzeit phantasievoller blieben. Ukiyo-e-Naturdrucke werden kachō-e genannt , was übersetzt "Blumen-und-Vogel-Bilder" bedeutet, obwohl das Genre für mehr als nur Blumen oder Vögel offen war und die Blumen und Vögel nicht unbedingt zusammen erschienen. Hokusais detaillierten, präzisen Naturdrucken wird zugeschrieben, dass sie Kachō-e als Genre etabliert haben.

Die Tenpō-Reformen der 1840er Jahre unterdrückten die Darstellung von Schauspielern und Kurtisanen. Neben Landschaften und Kachō-e wandten sich die Künstler der Darstellung historischer Szenen zu, etwa von antiken Kriegern oder Szenen aus Legenden, Literatur und Religion. Das 11. Jahrhundert Geschichte von Genji und aus dem 13. Jahrhundert Geschichte der Heike haben Quellen künstlerischer Inspiration überall in der japanischen Geschichte, darunter in Ukiyo-e. Bekannte Krieger und Schwertkämpfer wie Miyamoto Musashi (1584–1645) waren ebenso häufige Motive wie Darstellungen von Monstern, dem Übernatürlichen und Helden der japanischen und chinesischen Mythologie .

Vom 17. bis 19. Jahrhundert isolierte sich Japan vom Rest der Welt. Der Handel, vor allem mit den Holländern und Chinesen, war auf die Insel Dejima bei Nagasaki beschränkt . Ausgefallene Bilder namens Nagasaki-e wurden an Touristen von Ausländern und ihren Waren verkauft. Mitte des 19. Jahrhunderts wurde Yokohama nach 1859 die wichtigste ausländische Siedlung, aus der sich westliches Wissen in Japan verbreitete. Vor allem von 1858 bis 1862 dokumentierten Yokohama-e- Drucke mit unterschiedlichen Fakten und Phantasien die wachsende Gemeinschaft von Weltbewohnern, mit denen die Japaner jetzt in Kontakt kamen; Triptychen von Szenen von Westlern und ihrer Technik waren besonders beliebt.

Spezialisierte Drucke umfassten Surimono , Deluxe, limitierte Drucke für Kenner, von denen normalerweise ein fünfzeiliges Kyōka- Gedicht Teil des Designs war; und uchiwa-e bedruckte Handfächer , die oft unter der Handhabung leiden.

Produktion

Gemälde

Ukiyo-e-Künstler machten oft sowohl Drucke als auch Gemälde; einige haben sich auf das eine oder andere spezialisiert. Im Gegensatz zu früheren Traditionen bevorzugten Ukiyo-e-Maler helle, scharfe Farben und zeichneten oft Konturen mit Sumi- Tinte, ein Effekt, der der Linienführung in Drucken ähnelt. Uneingeschränkt durch die technischen Grenzen des Drucks stand dem Maler ein breiteres Spektrum an Techniken, Pigmenten und Oberflächen zur Verfügung. Künstler malten mit Pigmenten aus mineralischen oder organischen Substanzen wie Färberdistel , Bodenmuscheln, Blei und Zinnober und später mit aus dem Westen importierten synthetischen Farbstoffen wie Parisgrün und Preußischblau. Kakemono- Hängerollen aus Seide oder Papier , Makimono- Handrollen oder Byōbu- Faltwände waren die am häufigsten verwendeten Oberflächen.

Druckproduktion

Geschnitzter Holzschnitt zum Drucken
Tastenblock für Druck, Utagawa Yoshiiku , 1862

Ukiyo-e-Drucke waren die Arbeiten von Handwerkerteams in mehreren Werkstätten; Es war selten, dass Designer ihre eigenen Holzschnitte schnitten. Labour wurde in vier Gruppen eingeteilt: der Verleger, der die Drucke in Auftrag gab, förderte und verteilte; die Künstler, die das Designbild zur Verfügung gestellt haben; die Holzschnitzer, die die Holzschnitte für den Druck vorbereiteten; und die Drucker, die Abdrücke der Holzschnitte auf Papier machten. Normalerweise wurden auf dem fertigen Druck nur die Namen des Künstlers und des Verlegers genannt.

Ukiyo-e-Drucke wurden manuell auf handgeschöpftem Papier gedruckt und nicht wie im Westen durch mechanische Pressen. Der Künstler lieferte eine Tuschezeichnung auf dünnem Papier, die auf einen Block aus Kirschholz geklebt und mit Öl eingerieben wurde, bis die oberen Papierschichten abgezogen werden konnten, so dass eine durchscheinende Papierschicht übrig blieb, die der Blockschneider als Orientierungshilfe verwenden konnte . Der Blockschneider schnitt die nicht schwarzen Bereiche des Bildes ab und hinterließ erhabene Bereiche, die eingefärbt wurden, um einen Eindruck zu hinterlassen. Die Originalzeichnung wurde dabei zerstört.

Die Drucke wurden mit nach oben weisenden Blöcken erstellt, damit der Drucker den Druck für verschiedene Effekte variieren und beobachten konnte, wie das Papier die wasserbasierte Sumi- Tinte absorbierte und schnell in gleichmäßigen horizontalen Strichen aufgetragen wurde. Zu den Tricks des Druckers gehörte das Prägen des Bildes, das durch Drücken eines nicht eingefärbten Holzblocks auf das Papier erreicht wurde, um Effekte wie die Texturen von Kleidungsmustern oder Fischernetzen zu erzielen. Andere Effekte waren das Polieren des Papiers mit Achat , um die Farben aufzuhellen; Lackieren ; Überdrucken ; Bestäuben mit Metall oder Glimmer ; und Sprays, um fallenden Schnee zu imitieren.

Der Ukiyo-e-Druck war eine kommerzielle Kunstform, und der Verlag spielte eine wichtige Rolle. Das Veröffentlichen war hart umkämpft; über tausend Verleger sind aus der ganzen Zeit bekannt. Die Zahl erreichte in den 1840er und 1850er Jahren ihren Höhepunkt bei etwa 250 – 200 allein in Edo – und schrumpfte nach der Öffnung Japans langsam, bis zu Beginn des 20. Jahrhunderts etwa 40 übrig blieben. Die Verleger besaßen die Holzschnitte und die Urheberrechte und setzten die Urheberrechte ab dem späten 18. Jahrhundert durch die Bilderbuch- und Druckverlegergilde durch. Drucke, die mehrere Pressungen durchliefen, waren besonders profitabel, da der Verlag die Holzschnitte ohne weitere Zahlung an den Künstler oder Holzschnittschneider wiederverwenden konnte. Die Holzschnitte wurden auch gehandelt oder an andere Verlage oder Pfandhäuser verkauft. Verleger waren in der Regel auch Verkäufer und verkauften die Waren des anderen üblicherweise in ihren Geschäften. Neben dem Siegel des Künstlers haben die Verlage die Drucke mit eigenen Siegeln versehen – manche ein einfaches Logo, andere sehr aufwendig, mit einer Adresse oder anderen Informationen.

Ein Verlegersiegel in Form einer Blume in einem stilisierten Berg
Das Siegel des Verlegers von Tsutaya Jūzaburō , der in den 1790er Jahren Utamaro und Sharaku veröffentlichte

Druckdesigner durchliefen eine Ausbildung, bevor sie das Recht erhielten, eigene Drucke herzustellen, die sie mit ihrem eigenen Namen signieren konnten. Von jungen Designern könnte erwartet werden, dass sie einen Teil oder die gesamten Kosten für den Zuschnitt der Holzblöcke übernehmen. Als die Künstler berühmt wurden, übernahmen die Verlage in der Regel diese Kosten, und die Künstler konnten höhere Gebühren verlangen.

In vormodernen Japan konnten die Menschen durch zahlreiche Namen in ihrem Leben gehen, ihre Kindheit yōmyō persönlichen Namen unterscheiden sich von ihren zokumyō Namen als Erwachsener. Der Name einer Künstlerin bestand aus einem gasei -an Künstler Nachname-gefolgt von einem Azana persönlichen Kunstnamen. Das Gasei stammte am häufigsten aus der Schule, der der Künstler angehörte, wie Utagawa oder Torii, und die Azana nahm normalerweise ein chinesisches Zeichen aus dem Kunstnamen des Meisters – zum Beispiel nahmen viele Schüler von Toyokuni (豊国) das "kuni" () nach seinem Namen, darunter Kunisada (国貞) und Kuniyoshi (国芳). Die Namen der Künstler, die ihre Werke unterschrieben haben, können Verwirrung stiften, da sie manchmal im Laufe ihrer Karriere Namen änderten. Hokusai war ein Extremfall, der während seiner 70-jährigen Karriere über hundert Namen verwendete.

Die Drucke wurden massenvermarktet, und Mitte des 19. Jahrhunderts konnte die Gesamtauflage eines Drucks in die Tausende gehen. Einzelhändler und reisende Verkäufer bewarben sie zu Preisen, die für wohlhabende Städter erschwinglich waren. In einigen Fällen warben die Drucke mit Kimono-Designs des Druckkünstlers. Ab der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurden Drucke häufig als Teil einer Serie vermarktet, wobei jeder Druck mit dem Seriennamen und der Drucknummer in dieser Serie gestempelt wurde. Dies erwies sich als erfolgreiche Marketingtechnik, da Sammler jeden neuen Druck der Serie kauften, um ihre Sammlungen vollständig zu halten. Bis zum 19. Jahrhundert erreichten Serien wie Hiroshiges Dreiundfünfzig Stationen des Tōkaidō Dutzende von Drucken.

Farbdruckproduktion

Während der Farbdruck in Japan bis in die 1640er Jahre zurückreicht, verwendeten frühe Ukiyo-e-Drucke nur schwarze Tinte. Die Farbe wurde manchmal von Hand hinzugefügt, indem bei Tan-e- Drucken eine rote Bleitinte oder später bei Beni-e- Drucken eine rosa Disteltinte verwendet wurde . Der Farbdruck kam in den 1720er Jahren in Büchern und in den 1740er Jahren als Einzelblattdruck mit einem anderen Block und Druck für jede Farbe an. Frühe Farben waren auf Pink und Grün beschränkt; Techniken wurden in den folgenden zwei Jahrzehnten erweitert, um bis zu fünf Farben zu ermöglichen. Mitte der 1760er Jahre kamen vollfarbige Nishiki-e- Drucke aus zehn oder mehr Holzschnitten. Um die Blöcke für jede Farbe zu halten richtig ausgerichtet, Passermarken genannt kento wurden an einer Ecke und einem angrenzenden Seite angeordnet.

Foto einer Schüssel mit tiefblauem Pulver
Preußischblau war im 19. Jahrhundert ein bedeutender synthetischer Farbstoff.

Drucker verwendeten zunächst natürliche Farbfarbstoffe aus mineralischen oder pflanzlichen Quellen. Die Farbstoffe hatten eine durchscheinende Qualität, die es ermöglichte, eine Vielzahl von Farben aus primären roten, blauen und gelben Pigmenten zu mischen . Im 18. Jahrhundert wurde Preußischblau populär und war in den Landschaften von Hokusai und Hiroshige besonders prominent, ebenso wie Bokashi , wo der Drucker Farbabstufungen erzeugte oder eine Farbe in eine andere mischte. Billigere und konsistentere synthetische Anilinfarbstoffe kamen 1864 aus dem Westen. Die Farben waren härter und heller als herkömmliche Pigmente. Die Meiji-Regierung förderte ihren Einsatz als Teil einer umfassenderen Politik der Verwestlichung.

Kritik und Geschichtsschreibung

Zeitgenössische Aufzeichnungen von Ukiyo-e-Künstlern sind selten. Das bedeutendste ist das Ukiyo-e Ruikō ( „Verschiedene Gedanken über Ukiyo-e“ ), eine Sammlung von Kommentaren und Künstlerbiografien. Ōta Nanpo erstellte um 1790 die erste, nicht mehr erhaltene Fassung. Das Werk wurde während der Edo-Ära nicht gedruckt, sondern zirkulierte in handkopierten Auflagen, die zahlreichen Ergänzungen und Änderungen unterworfen waren; über 120 Varianten des Ukiyo-e Ruikō sind bekannt.

Vor dem Zweiten Weltkrieg betonte die vorherrschende Ansicht von Ukiyo-e die zentrale Bedeutung von Drucken; Dieser Standpunkt schreibt die Gründung von Ukiyo-e Moronobu zu. Nach dem Krieg wandte sich das Denken der Bedeutung der Ukiyo-e-Malerei zu und stellte direkte Verbindungen zu Yamato-e- Gemälden des 17. Jahrhunderts her ; dieser Standpunkt sieht Matabei als Urheber des Genres und wird besonders in Japan bevorzugt. Diese Ansicht war in den 1930er Jahren unter japanischen Forschern weit verbreitet, aber die damalige militaristische Regierung unterdrückte sie, um eine Trennung zwischen den mit dem Hof ​​​​verbundenen Yamato-e- Rollengemälden und den Drucken des manchmal antiautoritären Kaufmanns hervorzuheben Klasse.

Der amerikanische Gelehrte der japanischen Kunst Ernest Fenollosa war der erste, der eine umfassende kritische Geschichte des Ukiyo-e fertigstellte.

Die frühesten umfassenden historischen und kritischen Werke über Ukiyo-e kamen aus dem Westen. Ernest Fenollosa war ab 1878 Professor für Philosophie an der Imperial University in Tokio und ab 1886 Kommissar für Schöne Künste bei der japanischen Regierung. Seine Masters of Ukioye von 1896 war der erste umfassende Überblick und bereitete die Bühne für die meisten späteren Arbeiten mit einem Ansatz zur Geschichte in Bezug auf Epochen: Beginnend mit Matabei in einem primitiven Zeitalter, entwickelte es sich zu einem goldenen Zeitalter des späten 18. Laurence Binyon , der Hüter der orientalischen Drucke und Zeichnungen im British Museum, schrieb 1908 einen Bericht in Malerei im Fernen Osten , der dem von Fenollosa ähnelte, aber Utamaro und Sharaku unter die Meister stellte. Arthur Davison Ficke gebaut auf die Werken von Fenollosa und Binyon mit umfassendem Chats auf dem japanischen Druck in 1915. James A. Michener ‚s The Floating Welt im Jahr 1954 im Großen und Ganzen der Chronologien der früheren Werke folgen, während Einstufungen in Perioden fallen und die Anerkennung der frühere Künstler nicht als Primitiven, sondern als vollendete Meister, die aus früheren Maltraditionen hervorgegangen sind. Für Michener und seinen ehemaligen Mitarbeiter Richard Lane begann Ukiyo-e eher mit Moronobu als mit Matabei. Lanes Masters of the Japanese Print von 1962 behielt den Ansatz der Periodeneinteilung bei, während er Ukiyo-e fest in die Genealogie der japanischen Kunst einordnete. Das Buch erkennt Künstler wie Yoshitoshi und Kiyochika als späte Meister an.

Seiichirō Takahashi  [ ja ] s Traditional Woodblock Prints of Japan von 1964 ordnete Ukiyo-e-Künstler in drei Perioden ein: Die erste war eine primitive Periode, die Harunobu einschloss, gefolgt von einem goldenen Zeitalter von Kiyonaga, Utamaro und Sharaku, und dann einem Abschluss Periode des Niedergangs nach der in den 1790er Jahren beginnenden Verkündung strenger Prunkgesetze, die diktierten, was in Kunstwerken dargestellt werden durfte. Das Buch erkennt jedoch eine größere Anzahl von Meistern aus dieser letzten Periode als frühere Werke an und betrachtet die Ukiyo-e-Malerei als eine Wiederbelebung der Yamato-e- Malerei. Tadashi Kobayashi  [ ja ] verfeinerte Takahashis Analyse weiter, indem er den Niedergang als zeitgleich mit den verzweifelten Versuchen des Shogunats identifizierte, durch die Verabschiedung drakonischer Gesetze an der Macht zu bleiben, während sein Einfluss auf das Land weiter zusammenbrach und in der Meiji-Restauration in gipfelte 1868.

Das Ukiyo-e-Stipendium konzentriert sich tendenziell auf die Katalogisierung von Künstlern, ein Ansatz, dem die Strenge und Originalität fehlt, die in anderen Bereichen auf die Kunstanalyse angewendet werden. Solche Kataloge sind zahlreich, konzentrieren sich jedoch überwiegend auf eine Gruppe anerkannter Genies. Zu den frühen, grundlegenden Bewertungen von Ukiyo-e und seinen Künstlern wurde wenig originelle Forschung hinzugefügt, insbesondere in Bezug auf relativ kleinere Künstler. Während der kommerzielle Charakter von Ukiyo-e immer anerkannt wurde, beruhte die Bewertung von Künstlern und ihren Werken auf den ästhetischen Vorlieben von Kennern und schenkte dem zeitgenössischen kommerziellen Erfolg wenig Beachtung.

Standards für die Aufnahme in den Ukiyo-e-Kanon entwickelten sich in der frühen Literatur schnell. Utamaro war besonders umstritten und wurde von Fenollosa und anderen als degeneriertes Symbol für den Niedergang von Ukiyo-e angesehen; Seitdem hat sich Utamaro als einer der größten Meister der Form allgemein durchgesetzt. Künstler des 19. Jahrhunderts wie Yoshitoshi wurden ignoriert oder an den Rand gedrängt und erregten erst gegen Ende des 20. Jahrhunderts wissenschaftliche Aufmerksamkeit. Werke über Utagawa-Künstler der späten Ära wie Kunisada und Kuniyoshi haben einen Teil der zeitgenössischen Wertschätzung dieser Künstler wiederbelebt. Viele Spätwerke untersuchen die gesellschaftlichen oder anderen Bedingungen der Kunst und kümmern sich nicht um Bewertungen, die sie in eine Phase des Niedergangs bringen würden.

Der Schriftsteller Jun'ichirō Tanizaki kritisierte die überlegene Haltung der Westler, die einen höheren Ästhetizismus beanspruchten, indem sie behaupteten, Ukiyo-e entdeckt zu haben. Er behauptete, dass Ukiyo-e lediglich die am leichtesten zu verstehende Form japanischer Kunst aus der Perspektive der westlichen Werte sei und dass Japaner aller sozialen Schichten Ukiyo-e genossen, aber die konfuzianische Moral der Zeit hinderte sie daran, frei darüber zu diskutieren. gesellschaftliche Sitten, die durch die Zurschaustellung der Entdeckung durch den Westen verletzt wurden.

Schwarzweißer Comicstrip auf Japanisch
Tagosaku nach Mokube no Tokyo Kenbutsu (田吾作と杢兵衛の東京見物, Tagosaku und Mokube Sightseeing in Tokyo ) , 1902

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts haben Manga- Historiker – japanische Comics und Cartoons – Erzählungen entwickelt, die die Kunstform mit der japanischen Kunst vor dem 20. Jahrhundert verbinden. Besonderes Gewicht fällt auf den Hokusai Manga als Vorläufer, obwohl Hokusais Buch weder erzählerisch ist noch der Begriff "Manga" von Hokusai stammt. Im Englischen und anderen Sprachen wird das Wort "Manga" im restriktiven Sinne von "japanischen Comics" oder "japanischen Comics" verwendet, während es im Japanischen alle Formen von Comics, Cartoons und Karikaturen bezeichnet.

Sammlung und Konservierung

Die herrschenden Klassen beschränkten den Raum, der den Wohnungen der unteren sozialen Klassen zugestanden wurde, streng; Die relativ geringe Größe der Ukiyo-e-Werke war ideal zum Aufhängen in diesen Häusern. Nur wenige Aufzeichnungen über die Gönner von Ukiyo-e-Gemälden sind erhalten. Sie wurden zu erheblich höheren Preisen verkauft als Drucke – bis zu vielen Tausend Mal mehr – und mussten daher von den wohlhabenden, wahrscheinlich Kaufleuten und vielleicht einigen aus der Samurai-Klasse gekauft worden sein. Drucke aus der Spätzeit sind die zahlreichsten erhaltenen Exemplare, da sie im 19. Ukiyo-e wurde weitgehend mit Edo in Verbindung gebracht, und Besucher von Edo kauften oft als Souvenirs, was sie Azuma-e nannten . Geschäfte, die sie verkauften, könnten sich auf Produkte wie Handventilatoren spezialisiert haben oder eine vielfältige Auswahl anbieten.

Der Ukiyo-e-Druckmarkt war stark diversifiziert, da er an ein heterogenes Publikum verkauft wurde, von Tagelöhnern bis hin zu wohlhabenden Kaufleuten. Über Produktions- und Konsumgewohnheiten sind nur wenige konkrete Informationen bekannt. In Edo wurden detaillierte Aufzeichnungen über eine Vielzahl von Kurtisanen, Schauspielern und Sumoringern geführt, aber solche Aufzeichnungen, die sich auf Ukiyo-e beziehen, sind nicht vorhanden oder haben es vielleicht jemals gegeben. Um zu bestimmen, was man über die Demografie des Ukiyo-e-Konsums versteht, waren indirekte Mittel erforderlich.

Die Bestimmung, zu welchen Preisen Drucke verkauft werden, ist eine Herausforderung für Experten, da die Aufzeichnungen über harte Zahlen dürftig sind und die Produktionsqualität, die Größe, das Angebot und die Nachfrage sowie die Methoden sehr unterschiedlich waren, was Veränderungen wie die Einführung von Vollfarben mit sich brachte Drucken. Wie teuer Preise in Betracht gezogen werden können, ist auch schwer zu bestimmen, da die sozialen und wirtschaftlichen Bedingungen während des gesamten Zeitraums im Wandel waren. Im 19. Jahrhundert sind Aufzeichnungen über Drucke von nur 16 Monaten bis 100 Mon. für Deluxe-Ausgaben erhalten geblieben. Jun'ichi Ōkubo weist darauf hin, dass die Preise von Mon in den 1920er und 1930er Jahren für Standarddrucke wahrscheinlich üblich waren. Als lockerer Vergleich wurde eine Schüssel Soba- Nudeln im frühen 19. Jahrhundert typischerweise für 16 Mon verkauft .

Farbdruckillustration einer kauernden japanischen Frau.  Das Bild kombiniert zwei Fotos desselben Bildes.  Die rechte Seite des Fotos ist verblasst.
ukiyo-e-Drucke sind lichtempfindlich. Die linke Hälfte zeigt diesen Druck im Jahr 1989, die rechte zeigt denselben Druck nach seiner Ausstellung bis 2001.
Utagawa Yoshitaki , 19. Jahrhundert

Die Farbstoffe in Ukiyo-e-Drucken sind anfällig für Ausbleichen, wenn sie selbst schwachem Licht ausgesetzt werden; dies macht eine Langzeitanzeige unerwünscht. Das Papier, auf das sie gedruckt werden, verschlechtert sich, wenn es mit sauren Materialien in Kontakt kommt , daher müssen Aufbewahrungsboxen, Ordner und Passepartouts pH-neutral oder alkalisch sein . Drucke sollten regelmäßig auf behandlungsbedürftige Probleme untersucht und bei einer relativen Luftfeuchtigkeit von 70 % oder weniger gelagert werden , um Verfärbungen durch Pilze zu vermeiden.

Das Papier und die Pigmente in Ukiyo-e-Gemälden reagieren empfindlich auf Licht und jahreszeitliche Veränderungen der Luftfeuchtigkeit. Die Halterungen müssen flexibel sein, da die Platten bei starken Feuchtigkeitsschwankungen reißen können. In der Edo-Ära wurden die Blätter auf langfaserigem Papier aufgezogen und in schlichten Paulownia- Holzkisten hochgerollt aufbewahrt, die in einer anderen lackierten Holzkiste untergebracht waren. In Museen sind die Ausstellungszeiten stark begrenzt, um eine Verschlechterung durch Lichteinwirkung und Umweltverschmutzung zu vermeiden . Die Luftfeuchtigkeit, in der die Rollen aufbewahrt werden, liegt im Allgemeinen zwischen 50 und 60 Prozent, da Rollen, die in einer zu trockenen Atmosphäre aufbewahrt werden, brüchig werden.

Da Ukiyo-e-Drucke in Massenproduktion hergestellt wurden, stellt ihr Sammeln andere Überlegungen als das Sammeln von Gemälden. Es gibt große Unterschiede in Zustand, Seltenheit, Kosten und Qualität der erhaltenen Drucke. Drucke haben Flecke, stockig , Wurmlöcher, Risse, Falten oder dogmarks können sich die Farben verblassen, oder sie retuschiert wurde. Schnitzer haben möglicherweise die Farben oder die Zusammensetzung von Drucken verändert, die mehrere Auflagen durchlaufen haben. Beim Schneiden nach dem Drucken wurde das Papier möglicherweise am Rand beschnitten. Der Wert von Drucken hängt von einer Vielzahl von Faktoren ab, darunter der Ruf des Künstlers, der Druckzustand, die Seltenheit und ob es sich um eine Originalpressung handelt – selbst hochwertige spätere Drucke erzielen einen Bruchteil des Wertes eines Originals.

Ukiyo-e-Drucke durchliefen oft mehrere Auflagen, manchmal mit Änderungen an den Blöcken in späteren Ausgaben. Es kursieren auch Editionen aus nachgeschnittenen Holzschnitten, wie legitime spätere Reproduktionen sowie Raubkopien und andere Fälschungen. Takamizawa Enji (1870–1927), ein Hersteller von Ukiyo-e-Reproduktionen, entwickelte eine Methode zum Nachschneiden von Holzschnitten, um frische Farben auf verblasste Originale zu drucken, über die er Tabakasche verwendete, um die frische Tinte gealtert erscheinen zu lassen. Diese aufgefrischten Drucke verkaufte er als Originaldrucke weiter. Unter den betrogenen Sammlern befand sich der amerikanische Architekt Frank Lloyd Wright , der1500 Takamizawa druckt mit ihm aus Japan in die USA, von denen er einige verkauft hatte, bevor die Wahrheit ans Licht kam.

Ukiyo-e-Künstler werden im japanischen Stil bezeichnet, wobei der Nachname dem persönlichen Namen vorangestellt ist, und bekannte Künstler wie Utamaro und Hokusai nur mit ihrem persönlichen Namen. Händler bezeichnen Ukiyo-e-Drucke normalerweise mit den Namen der Standardgrößen , am häufigsten der 34,5 x 22,5 Zentimeter (13,6 Zoll × 8,9 Zoll ) Aiban , der 22,5 x 19 Zentimeter (8,9 Zoll × 7,5 Zoll ) chūban und das 38 mal 23 Zentimeter große ōban – genaue Größen variieren, und das Papier wurde nach dem Drucken oft beschnitten.

Viele der größten hochwertigen Ukiyo-e-Sammlungen liegen außerhalb Japans. Exemplare gelangten in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in die Sammlung der französischen Nationalbibliothek . Das British Museum begann 1860 mit einer Sammlung, die Ende des 2070 000 Artikel. Das größte, übertreffende100 000 Objekte, befindet sich im Museum of Fine Arts, Boston , begann, als Ernest Fenollosa 1912 seine Sammlung schenkte. Die erste Ausstellung von Ukiyo-e-Drucken in Japan wurde wahrscheinlich 1925 von Kōjirō Matsukata präsentiert , der seine Sammlung in Paris anhäufte während des Ersten Weltkriegs und schenkte es später dem National Museum of Modern Art in Tokio . Die größte Sammlung von Ukiyo-e in Japan ist die100 000 Stücke im Japan Ukiyo-e Museum in der Stadt Matsumoto .

Anmerkungen

Verweise

Literaturverzeichnis

Fachzeitschriften

  • Fitzhugh, Elisabeth West (1979). „Eine Pigmentzählung von Ukiyo-E-Gemälden in der Freer Gallery of Art“. Ars Orientalis . Freer Gallery of Art, Smithsonian Institution und Department of the History of Art, University of Michigan. 11 : 27–38. JSTOR  4629295 .
  • Fleming, Stuart (November–Dezember 1985). „Ukiyo-e-Malerei: Eine Kunsttradition unter Stress“. Archäologie . Archäologisches Institut von Amerika . 38 (6): 60–61, 75. JSTOR  41730275 .
  • Hickman, Geld L. (1978). "Ansichten der schwimmenden Welt". MFA-Bulletin . Museum der Schönen Künste, Boston . 76 : 4–33. JSTOR  4171617 .
  • Meech-Pekarik, Julia (1982). „Frühe Sammler japanischer Drucke und das Metropolitan Museum of Art“. Zeitschrift des Metropolitan Museums . University of Chicago Press . 17 : 93–118. doi : 10.2307/1512790 . JSTOR  1512790 . S2CID  193121981 .
  • Kita, Sandy (September 1984). „Eine Illustration des Ise Monogatari: Matabei und die zwei Welten von Ukiyo“. Das Bulletin des Cleveland Museum of Art . Cleveland-Kunstmuseum . 71 (7): 252–267. JSTOR  25159874 .
  • Singer, Robert T. (März–April 1986). „Japanische Malerei der Edo-Zeit“. Archäologie . Archäologisches Institut von Amerika . 39 (2): 64–67. JSTOR  41731745 .
  • Tanaka, Hidemichi (1999). „Sharaku ist Hokusai: Über Kriegerdrucke und Shunrôs (Hokusai) Schauspielerdrucke“. Artibus und Historiae . IRSA sc 20 (39): 157–190. doi : 10.2307/1483579 . JSTOR  1483579 .
  • Thompson, Sarah (Winter–Frühling 1986). „Die Welt der japanischen Drucke“. Philadelphia Museum of Art Bulletin . Philadelphia-Kunstmuseum . 82 (349/350, Die Welt der japanischen Drucke): 1, 3–47. JSTOR  3795440 .
  • Toishi, Kenzō (1979). „Das Rollbild“. Ars Orientalis . Freer Gallery of Art, Smithsonian Institution und Department of the History of Art, University of Michigan. 11 : 15–25. JSTOR  4629294 .
  • Watanabe, Toshio (1984). „Das westliche Bild der japanischen Kunst in der späten Edo-Zeit“. Moderne Asienwissenschaften . Cambridge University Press . 18 (4): 667–684. doi : 10.1017/s0026749x00016371 . JSTOR  312343 .
  • Weisberg, Gabriel P. (April 1975). „Aspekte des Japonismus“. Das Bulletin des Cleveland Museum of Art . Cleveland-Kunstmuseum . 62 (4): 120–130. JSTOR  25152585 .
  • Weisberg, Gabriel P.; Rakusin, Muriel; Rakusin, Stanley (Frühjahr 1986). „Über das Verständnis des künstlerischen Japan“. Die Zeitschrift für dekorative und Propagandakünste . Das Kuratorium der Florida International University im Namen der Wolfsonian-FIU. 1 : 6–19. doi : 10.2307/1503900 . JSTOR  1503900 .

Bücher

Netz

Weiterlesen

Siehe auch

Externe Links