Frauen in der Musik - Women in music

US-amerikanische Jazzsängerin und Songwriterin Billie Holiday in New York City im Jahr 1947
Bonnie Raitt ist eine US-amerikanische Sängerin, Gitarristin und Klavierspielerin. Als Gewinnerin von zehn Grammy- Preisen ist sie auch für ihr Slide-Gitarrenspiel bekannt .
Asha Bhosle ist eine indische Sängerin, die vor allem als Playback-Sängerin im Hindi-Kino bekannt ist. Im Jahr 2011 wurde sie offiziell vom Guinness-Buch der Rekorde als die am häufigsten aufgenommene Künstlerin der Musikgeschichte anerkannt.
Navneet Aditya Waiba - Nepalesische Volkssängerin. Der einzige Sänger, der authentische / originale Volksinstrumente verwendet und authentische, unverfälschte nepalesische Volkslieder singt.

Frauen in der Musik umfassen Frauen als Komponistinnen, Songwriterinnen, Instrumentaldarstellerinnen , Sängerinnen, Dirigenten, Musikwissenschaftlerinnen , Musikpädagoginnen , Musikkritikerinnen / Musikjournalistinnen und in anderen Musikberufen . Außerdem beschreibt es Musikbewegungen (zB Frauenmusik , das ist Musik, die von Frauen für Frauen geschrieben und aufgeführt wird), Veranstaltungen und Genres, die sich auf Frauen, Frauenfragen und Feminismus beziehen .

Während in den 2010er Jahren Frauen einen erheblichen Anteil an Popmusik- und Klassiksängern und einen erheblichen Anteil an Songwritern ausmachen (viele von ihnen sind Singer-Songwriter), gibt es nur wenige weibliche Plattenproduzenten, Rockkritiker und Rockinstrumentalisten. Bemerkenswerte Popkünstlerinnen wie Björk und Lady Gaga haben sich zu Sexismus und Geschlechterdiskriminierung in der Musikindustrie geäußert . Darüber hinaus gab eine kürzlich von Dr. Smith geleitete Studie bekannt, dass "...in den letzten sechs Jahren der Anteil von Frauen in der Musikindustrie noch geringer war". Obwohl es in der klassischen Musik eine große Anzahl von Komponistinnen vom Mittelalter bis heute gab, sind Komponistinnen im allgemein gespielten klassischen Musikrepertoire , musikgeschichtlichen Lehrbüchern und Musiklexika deutlich unterrepräsentiert ; in der Concise Oxford History of Music wird Clara Schumann beispielsweise als eine der wenigen weiblichen Komponisten erwähnt.

Frauen machen einen erheblichen Anteil der Instrumentalsolisten in der klassischen Musik aus und der Frauenanteil in Orchestern nimmt zu. Ein Artikel aus dem Jahr 2015 über Konzertsolisten in großen kanadischen Orchestern zeigte jedoch, dass 84 % der Solisten des Orchestre Symphonique de Montreal Männer waren. Im Spitzenorchester der Wiener Philharmoniker waren 2012 noch nur 6 % Frauen . Frauen sind als Instrumentalisten in populären Musikgenres wie Rock und Heavy Metal weniger verbreitet , obwohl es eine Reihe bemerkenswerter weiblicher Instrumentalistinnen und rein weiblicher Bands gab . Frauen sind in extremen Metal- Genres besonders unterrepräsentiert . Auch in den Bereichen Orchesterleitung, Musikkritik/Musikjournalismus, Musikproduktion und Tontechnik sind Frauen unterrepräsentiert . Während Frauen aus Komponieren im 19. Jahrhundert getroffen worden seien, und es gibt nur wenige Frauen Musikologen , wurde Frauen beteiligt Musikerziehung „in einem solchen Maße , dass Frauen dominiert [dieses Feld] während der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und bis weit ins 20. Jahrhundert ."

Laut Jessica Duchen, Musikjournalistin für The Independent aus London , werden Musikerinnen in der klassischen Musik „zu oft nach ihrem Aussehen beurteilt und nicht nach ihrem Talent“ und stehen unter dem Druck, „auf der Bühne und auf Fotos sexy auszusehen“. Duchen sagt, dass es zwar Musikerinnen gibt, die sich weigern, auf ihr Aussehen zu spielen, aber diejenigen, die es tun, dazu neigen, materiell erfolgreicher zu sein. Laut dem Radio 3 - Editors in Großbritannien, Edwina Wolstencroft hat die Musikindustrie seit langem offen für Frauen in der Leistung oder Unterhaltung Rollen zu haben, aber Frauen sind viel weniger wahrscheinlich Positionen der Autorität haben, wie das seinen Dirigent eines Orchesters , ein Beruf die als "eine der letzten gläsernen Decken der Musikindustrie " bezeichnet wird. Während es in der populären Musik viele Sängerinnen gibt, die Lieder aufnehmen, gibt es nur sehr wenige Frauen hinter der Audiokonsole, die als Musikproduzenten fungieren, die den Aufnahmeprozess leiten und verwalten. Eine der am häufigsten aufgenommenen Künstler ist eine Frau, Asha Bhosle , eine indische Sängerin, die am besten als Playback-Sängerin im Hindi-Kino bekannt ist.

Songwriter

Songwriterin, Sängerin und Multiinstrumentalistin Ani DiFranco hatte während ihrer Karriere viel künstlerische Freiheit, auch weil sie ihr eigenes Plattenlabel Righteous Babe gründete . Sie ist zu einer feministischen Ikone geworden und unterstützt viele soziale Anliegen.

[l]wie die meisten Aspekte des Musikgeschäfts [in den 1960er Jahren] war das Songwriting ein von Männern dominiertes Feld. Obwohl es viele Sängerinnen im Radio gab, wurden Frauen... in erster Linie als Konsumentinnen gesehen:... Singen war manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen, Lieder zu schreiben oder Platten zu produzieren, war einfach nicht getan ... [und Frauen] wurden nicht sozialisiert, um sich als Menschen zu sehen, die [Musik] machen.

Erika Abrams in Rebeat , 28. Januar 2015

Ein Songwriter ist eine Person, die die Texte , Melodien und Akkordfolgen für Lieder schreibt , typischerweise für ein populäres Musikgenre wie Pop, Rock oder Country-Musik . Ein Songwriter kann auch als Komponist bezeichnet werden, obwohl letzterer Begriff hauptsächlich für Personen aus dem klassischen Musikgenre verwendet wird.

19. Jahrhundert-Anfang des 20. Jahrhunderts

"Nur wenige der vielen Frauen [Songwriter] in Amerika haben ihre Musik im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert veröffentlicht und gehört." Laut Richard A. Reublin und Richard G. Beil "ist die fehlende Erwähnung von Frauen [Songwritern] eine eklatante und peinliche Auslassung in unserem musikalischen Erbe." "Frauen kämpften darum, Musik in der Männerwelt der Tin Pan Alley des 20. Jahrhunderts zu schreiben und zu veröffentlichen . Vor 1900 und sogar danach wurde erwartet, dass "Frauen Musik machen, keine Musik machen". Upton schrieb das Buch Women in Music , in dem er argumentierte, dass "Frauen aufgrund der "biologischen Veranlagung" von Frauen die angeborene Kreativität fehlte, um gute Musik zu komponieren. Später wurde akzeptiert, dass Frauen eine Rolle in der Musikausbildung spielen würden , und sie engagierten sich auf diesem Gebiet „in einem solchen Maße, dass Frauen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und bis weit ins 20. säkulare Musik, die in Amerika vor 1825 gedruckt wurde, zeigt nur etwa 70 Werke von Frauen." Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden bemerkenswerte Songwriterinnen, darunter Faustina Hasse Hodges , Susan Parkhurst, Augusta Browne und Marion Dix Sullivan . Um 1900 gab es viele mehr Frau en Songwritern, aber "viele waren immer noch gezwungen, Pseudonyme oder Initialen zu verwenden", um die Tatsache zu verbergen, dass sie Frauen waren.

Carrie Jacobs-Bond war die „herausragende Komponistin des späten 19. Jahrhunderts und bis weit in die Mitte des 20. Jahrhunderts... Maude Nugent (1877–1958) schrieb 1896 "Sweet Rosie O'Grady". Sie schrieb auch "Down at Rosie Reilly's Flat", "My Irish Daisy" und "Mary From Tipperary". Charlotte Blake (1885–1979) war Mitarbeiterin der Whitney Warner Publishing Co. in Detroit, Michigan. Anfangs stellte das Unternehmen sie als "C. Blake" in Rechnung, um ihr Geschlecht zu verbergen, aber 1906 wurde in Anzeigen ihr voller Name verwendet. Caro Roma (1866–1937) war das geschlechtszweideutige Pseudonym von Carrie Northly . Sie war „eine der bekanntesten und beliebtesten Komponistinnen Amerikas der Tin Pan Alley-Ära“. Zu ihren Songs gehören "Can't Yo' Heah Me Calling", "Faded Rose", "The Angelus", "Thinking of Thee" und "Resignation". Ungefähr 95 % der Songwriter in der britischen Musikhalle während des frühen 20. Jahrhunderts waren Männer; jedoch waren etwa 30% der Sängerinnen Frauen.

Jazz im 20. Jahrhundert

Lil Hardin Armstrong (1898–1971) war eine bemerkenswerte Jazz-Songwriterin.

Während Jazz- Songwriting seit langem ein von Männern dominiertes Feld war, gab es einige bemerkenswerte Jazz-Songwriterinnen . In den 1930er Jahren schrieb Ann Ronell (1905–1993) mehrere Hits. Sie ist bekannt für ihren Hit-Song „ Willow Weep for Me “ von 1932 und den Disney-Song „Wer hat Angst vor dem großen bösen Wolf?“ von 1933. Irene Higginbotham (1918–1988) schrieb fast 50 Lieder, ihr bekanntestes war „Good Morning Heartache“. Dorothy Fields (1905–1974) schrieb die Texte für über 400 Lieder, von denen einige von Duke Ellington gespielt wurden . Sie schrieb gemeinsam mit Jerome Kern " The Way You Look Tonight " , das 1936 den Oscar für den besten Song gewann. Zusammen mit Jimmy McHugh schrieb sie mehrere Jazz-Standards , wie „ Exactly Like You “, „ On the Sunny Side of the Street “ und „ I Can't Give You Anything but Love “. Lil Hardin Armstrong (1898–1971) spielte Klavier in King Olivers Creole Jazz Band. Ihr bekanntestes Lied "Struttin' with Some Barbecue" wurde 500 Mal aufgenommen. Ihre anderen bemerkenswerten Songs sind "Doin' the Suzie Q", "Just for a Thrill" und "Bad Boy". Während Billie Holiday (1915–1959) vor allem als Sängerin bekannt ist, schrieb sie gemeinsam mit Arthur Herzog, Jr.God Bless the Child “ und „ Don't Explain “ und schrieb den Blues-Song „ Fine and Mellow “.

Jazzmusik war eine treibende Kraft, um Frauen im frühen 20. Jahrhundert bei der Befreiung zu helfen. Jazzmusik trug auch dazu bei, den Weg für mehr Arbeitsplätze für Frauen zu ebnen. Diese Zunahme einer stark von Männern dominierten Karriere bis in die 1920er Jahre ermöglichte es mehr Frauen, eine Karriere in der darstellenden Kunst zu machen. Als Gegenleistung für diese Steigerung wurde Showboat , das erste Jazz-Broadway-Musical, produziert. Showboat spricht über die Not der Familie in Mississippi und die Familienzusammenführung. Jazzmusik beeinflusste im frühen 20. Viele der Frauen in der Jazzmusik zu dieser Zeit trugen dazu bei, das Genre zu beeinflussen, und viele Jazzmusikerinnen waren Farbige. Diese Faktoren trugen dazu bei, das Jazzmusikgenre zu dem zu machen, was es heute ist.

Viele Frauen beeinflussten die Jazzmusik, indem sie Jazzmusik produzierten, komponierten und aufführten. Eine Frau, die in der Jazzmusik einflussreich war, war Bessie Smith, auch bekannt als die Kaiserin des Blues. Sie lebte von 1894 bis 1937. Sie wurde in die Rock'n'Roll Hall of Fame aufgenommen und 1989 wurde Smith mit einem Grammy Lifetime Achievement Award ausgezeichnet. Eine weitere Frau, die in der Jazzbranche Geschichte geschrieben hat, ist Dolly Jones. Sie war die erste Jazz-Trompeterin, die aufgenommen wurde. Viele Frauen werden in diesem Genre nicht so anerkannt wie ihre männlichen Kollegen. Frauen wie Sweet Emma Barrett, die im Original Tuxedo Orchestra auftraten, tourten im In- und Ausland. Einer von Barretts Hits ist "A Good Man is Hard to Find". Mehr Frauen wie Billie Pierce, Lovie Austin, Jeanette Kimball, Mary Lou Williams, Alice Coltrane und Hazel Scott hatten alle Einfluss auf das Jazzgenre. Diese Frauen haben sich vor allem dadurch einen Namen gemacht, dass sie Frauen in einem sehr männerdominierten Genre waren.

Viele dieser Frauen, die in der Jazzwelt bekannt sind, werden aufgrund ihrer männlichen Konkurrenten nicht so anerkannt, wie sie es verdienen. Frauen waren nicht nur als Jazzsänger einflussreich, sondern es gibt so viele Jazzmusiker, die auch nicht ihre Anerkennung finden. Eine Frau war Ingrid Monson, die darauf aufmerksam machte, dass Frauen, als sie anfingen, Klavier zu spielen, auch in der Musikindustrie mehr gesellschaftliche Akzeptanz fanden. Normalerweise spielten Frauen in einer reinen Frauen-Jazzgruppe, aber wenn sie in die "professionelle Jazzwelt" eintraten, waren sie sofort ein Hit. Eine Frau namens Valaida Snow war auch als "Königin der Trompete" bekannt. Eine andere Frau, Nona Gendryx, war eine Jazzsängerin, die auch viele Instrumente spielte und die Chance bekam, mit vielen talentierten Hip-Hop-Künstlern wie Prince zusammenzuarbeiten. Es gibt viele so versierte Frauen, deren Namen wir nicht kennen..

Diese Frauen hatten viel Erfolg, aber für einige war es nur von kurzer Dauer. Diese Frauen wurden berühmt, als Männer in den Zweiten Weltkrieg eingezogen wurden. Als diese Männer jedoch aus dem Einsatz nach Hause kamen, sahen sich die Jazzmusikerinnen, die Frauen waren, mit schweren Härten konfrontiert. Probleme wie sexuelle Belästigung und harsche Kritik von ihren anderen Bandmitgliedern und anderen Jazzmusikern wurden gesehen.

Pop in den 1960er Jahren

In der Popmusikszene der 1960er Jahre war das Songwriting "[l]wie die meisten Aspekte des Musikgeschäfts [in den 1960er Jahren] ein von Männern dominiertes Feld. Obwohl es viele Sängerinnen im Radio gab, waren Frauen ... wurden in erster Linie als Konsumenten gesehen: ... Singen war manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen, Songs zu schreiben oder Platten zu produzieren, wurde einfach nicht gemacht." Junge Frauen „wurden nicht sozialisiert, um sich als Menschen zu sehen, die [Musik] machen“. Carole King „hatte eine erfolgreiche Songwriting-Partnerschaft mit Ehemann Gerry Goffin und schrieb Hits wie „ The Loco-Motion “, „ Will You Love Me Tomorrow “, „ Up on the Roof “ und „ Natural Woman “. erste weibliche Empfängerin des Gershwin-Preises 2013 für Popular Song .“ Ellie Greenwich und ihr Ehemann Jeff Barry schrieben „ Then He Kissed Me “, „Be My Baby“ und „ River Deep, Mountain High “. Laura Nyro schrieb „ Wedding Bell Blues “. „Eli Kommen“ und „ And When I die “. sie erklärte : „ich bin nicht in herkömmlichen Einschränkungen interessiert , wenn es um mein Songwriting .... ich kann eine gewisse bringen feministische Perspektive auf mein Songwriting.“ in den 1960er Jahren, Sowohl Carole King als auch ihr Ehemann Gerry Goffin zeigten den Wandel der amerikanischen Musik sowie das Aufkommen neuer romantischer und sexueller Muster Sozialstandards: In den späten 1940er und 1950er Jahren junge Leute begannen schon in sehr jungen Jahren, sich in Ehen und Erwachsenenpflichten einzuleben. Allerdings Carole King das Datum, Ehe, Sex - Sequenz durch , dass Sex nach der Ehe demonstriert und die herkömmlichen Praxis der Datierung in Frage gestellt, fesselnd nicht. Sie förderte die Lässigkeit der Beziehungen zwischen Menschen und betonte mit ihrem Song You've Got a Friend den Trend, dass Menschen des anderen Geschlechts "Freunde werden" .

Lotti Golden, Lower East Side um 1968 Text
Lotti Golden, Lower East Side c. 1968

1960er: Neue Welle weiblicher Singer-Songwriter

In den späten 1960er Jahren brach eine neue Welle von Singer-Songwriterinnen aus den Grenzen des Pop aus und schrieb persönlichere Lieder im konfessionellen Stil von Poeten wie Anne Sexton und Sylvia Plath. Die Künstler, die diese Bewegung anführen , wurden in Newsweek , Juli 1969, „The Girls: Letting Go“ vorgestellt: „Was ihnen gemeinsam ist – für Joni Mitchell und Lotti Golden , für Laura Nyro , Melanie , Janis Ian und für Elyse Weinberg sind die personalisierte Lieder, die sie schreiben, wie eine Reise der Selbstfindung." Während ihrer Innovation waren diese Frauen auch mit vielen Kämpfen wie Diskriminierung konfrontiert. In einer von Männern dominierten Verlagswelt wollen Songwriterinnen wie Joni Mitchell außerhalb der Kategorien von Rasse und Geschlecht gesehen werden und in die Kategorie der reinen Artistik einsteigen. In ihrem 1994 Interview mit Alice Echol , Joni Mitchell lehnte Feminismus , sondern äußerte ihre Feindseligkeit gegenüber Diskriminierung aufgrund des Geschlechts Ausgrenzung und unentgeltlicher Sexualisierung. Die Interviewerin Alice Echol ordnet Joni MitchellsUnzufriedenheit mit dem feministischen Etikett in den Kontext ihrer künstlerischen Tätigkeit ein “. Songwriterinnen wollen als gute Musikerinnen angesehen werden, ohne dass ihre Talente aufgrund ihres Geschlechts an den Rand gedrängt werden. Außerdem Grace Slick ein ehemaliges Model, wurde in Rock and Roll Geschichte für ihre Rolle in San Francisco aufkeimenden psychedelischen Musikszene in Mitte der 1960er Jahre.“In weithin bekannt The Guardian , 26. Januar 2017, Autor Laura Barton beschreibt die radikale Verschiebung in Thema Materie – Politik, Drogen, Enttäuschung, die Isolation des reisenden Künstlers und das urbane Leben.Die gebürtige New Yorkerin Lotti Golden schilderte in ihrem Atlantik-Debütalbum Motor-Cycle ihr Leben in New Yorks East Village in der Gegenkultur der späten 60er Jahre Themen wie Geschlechtsidentität (The Space Queens-Silky is Sad) und exzessiver Drogenkonsum (Gonna Fay's) Die Frauen in dem Newsweek-Artikel von 1969 leiteten ein neues Zeitalter der Singer-Songwriterin ein und informierten Generationen von Singer-Songwriterinnen.

Musiktheater

Im Musiktheater „sind weiblich Songwritern selten in einer Branche , von den Männern auf dem kreativen Ende dominiert. Arbeit von männlichen Songwritern mehr wird oft erzeugt, und es war nur [im Jahr 2015] , dass ein rein weibliches Autorenteam Geschichte, indem den Gewinner Tony Auszeichnung für das beste Ergebnis ." 2015 gewann zum ersten Mal ein rein weibliches Autorenteam aus Lisa Kron (Bestes Buch) und Jeanine Tesori und Kron (Bester Originalscore) den Tony Award für den besten Score für Fun Home , obwohl die Arbeit männlicher Songwriter weiterhin öfter produziert. Im Jahr 2013 war Cyndi Lauper die "erste weibliche Komponistin, die den [Tony for] Best Score ohne männlichen Mitarbeiter gewann" für das Schreiben von Musik und Texten für Kinky Boots . Bemerkenswerte Songwriterinnen im Musiktheater sind die Singer-Songwriterin und Schauspielerin Lauren Pritchard , die Songbird schrieb ; Zoe Sarnak, die A Lasting Impression und The Years Between schrieb ; und Katie Thompson, die "Frauenfiguren sehen möchte, die kompliziert und stark und verletzlich sind". Thompson erklärte, dass in der Musiktheaterindustrie "wenn man als Frau für etwas kämpft, insbesondere für eine künstlerische Sache, man entweder als Schlampe wahrgenommen wird oder als 'emotional' wahrgenommen wird", ein Label, das anderen ermöglicht dich zu entlassen. Das Ungleichgewicht der Geschlechter im Musiktheater besteht bis weit in das 21. Jahrhundert hinein, wobei Frauen nur 3 % der Blasmusikkomponisten und 12 % der Chorkomponisten ausmachen. Trotz des Stigmas und des Mangels an Frauen im Musiktheater haben über fünfzig Frauen internationale künstlerische Anerkennung für das Komponieren von abendfüllenden Musikpartituren an Broadway- und Off-Broadway-Theatern erhalten.

Abbey Lincoln (1930–2010), war eine US - amerikanische Jazzsängerin , Songwriterin und Schauspielerin, die ihre eigenen Kompositionen schrieb und aufführte. Sie war in den 1960er Jahren Bürgerrechtlerin.

Schwarze Frauen

Laut LaShonda Katrice Barnett , einer College- und Universitätslehrerin und Autorin eines Buches über schwarze Songwriterinnen, von den „über 380 Mitgliedern der Songwriters Hall of Fame , nur zwei sind schwarze Frauen ( Sylvia Moy und Valerie Simpson )“.

Bemerkenswerte Songwriter

Im Folgenden finden Sie eine Auswahl der bemerkenswerten Songwritern nach Rolling Stone ' ' s 100 Greatest Songwriters von All Time . Viele dieser Personen sind Singer-Songwriter, die auch für ihre Gesangs- und/oder Instrumentalspielfähigkeiten berühmt sind, aber hier werden sie wegen ihrer Leistungen im Songwriting aufgeführt:

Komponisten

Komponistin und Pianistin Clara Schumann des 19. Jahrhunderts

Die amerikanische Musikwissenschaftlerin Marcia Citron hat gefragt: "Warum ist Musik, die von Frauen komponiert wurde, so marginal für das 'klassische' Standardrepertoire?" Citron "untersucht die Praktiken und Einstellungen, die dazu geführt haben, dass Komponistinnen aus dem erhaltenen ' Kanon ' aufgeführter Musikwerke ausgeschlossen wurden." Sie argumentiert, dass Komponistinnen im 19. Jahrhundert in der Regel Kunstlieder für die Aufführung in kleinen Konzerten schrieben und nicht Symphonien, die für die Aufführung mit einem Orchester in einem großen Saal gedacht waren, wobei letztere Werke als das wichtigste Genre für Komponisten angesehen wurden; da Komponistinnen nicht viele Sinfonien schrieben, galten sie als nicht nennenswert als Komponistinnen.

Laut Abbey Philips "hatten es Musikerinnen sehr schwer, durchzubrechen und die Anerkennung zu bekommen, die sie verdienen". Während des Mittelalters wurde die meiste Kunstmusik für liturgische (religiöse) Zwecke geschaffen und aufgrund der Ansichten über die Rollen der Frauen, die von religiösen Führern innehatten, komponierten nur wenige Frauen diese Art von Musik, darunter die Nonne Hildegard von Bingen zu den Ausnahmen. Die meisten musikgeschichtlichen Lehrbücher an Universitäten behandeln fast ausschließlich die Rolle männlicher Komponisten. Auch gehören nur sehr wenige Werke von Komponistinnen zum Standardrepertoire der klassischen Musik. In der Concise Oxford History of Music wird Clara Schumann als einzige Komponistin erwähnt. Philips stellt fest, dass „während des 20.

Mittelalter

Hildegard von Bingen (1098–1179) war eine deutsche Benediktiner Äbtissin , Komponistin, Schriftstellerin, Philosophin und Visionärin . Eines ihrer Werke als Komponistin, das Ordo Virtutum , ist ein frühes Beispiel für liturgisches Drama und ein frühes Moralstück . Einige Autoren haben in diesem Stück über einen entfernten Ursprung der Oper spekuliert, jedoch ohne Beweise. Neunundsechzig Musikkompositionen, jede mit ihrem eigenen poetischen Originaltext, sind erhalten geblieben. Dies ist eines der größten Repertoires unter den mittelalterlichen Komponisten. Hildegard komponierte viele liturgische Lieder, die in einem Zyklus namens Symphonia armoniae celestium revelationum zusammengefasst wurden. Die Lieder der Symphonien sind nach Hildegards eigenem Text vertont und reichen von Antiphonen, Hymnen und Sequenzen bis hin zu Responsorien. Ihre Musik wird als monophon beschrieben , mit aufsteigenden Melodien, die die Grenzen des traditionelleren gregorianischen Gesangs sprengten .

Renaissance-Ära

Maddalena Casulana (1544–1590) war eine italienische Komponistin, Lautenistin und Sängerin. Ihr erstes Werk stammt aus dem Jahr 1566: vier Madrigale in einer Sammlung, Il Desiderio , die sie in Florenz produzierte . Zwei Jahre später veröffentlichte sie in Venedig ihr erstes Buch mit vierstimmigen Madrigalen, Il primo libro di madrigali , das erste gedruckte, veröffentlichte Werk einer Frau in der westlichen Musikgeschichte. Sie stand Isabella de' Medici nahe und widmete ihr einen Teil ihrer Musik. 1570, 1583 und 1586 veröffentlichte sie weitere Madrigalbücher. In der Widmung zu ihrem ersten Madrigalbuch zeigt sie ihre Gefühle als Komponistin zu einer Zeit, in der dies selten war: Fehler der Männer, dass sie allein die Gaben des Intellekts und der Kunstfertigkeit besitzen und dass solche Gaben niemals Frauen gegeben werden." Ihr Stil ist kontrapunktisch und chromatisch und ihre Melodielinien sind singbar und aufmerksam auf den Text. Andere Komponisten der Zeit, wie Philippe de Monte , hielten sie hoch.

Caterina Assandra (1590-1618) war ein italienischer Komponist und Benediktiner - Nonne . Sie wurde als Organistin berühmt und veröffentlichte verschiedene Werke. Assandra komponierte eine Reihe von Motetten und Orgelstücken. Sie studierte Kontrapunkt bei Benedetto Re, einem der führenden Lehrer an der Kathedrale von Pavia . Sie komponierte 1609 in Mailand eine Sammlung von Motetten im neuen Concertato- Stil , 1611 eine imitierende achtstimmige Salve Regina und 1618 eine Motette , Audite verbum Dominum, für vier Stimmen. Sie komponierte traditionelle Stücke und innovativere Werke. Zu den letzteren gehört Duo seraphim. Ihre Motette O Salutaris hodie, enthalten in Motetti op. 2, war eines der ersten Stücke, das die Violone enthielt , ein Streichinstrument.

Barockzeit

Der Lautenspieler von Orazio Gentileschi , vermutlich ein Porträt von Francesca Caccini

Francesca Caccini (1587–1641) war eine italienische Komponistin, Sängerin, Lautenistin , Dichterin und Musiklehrerin. Ihr Gesang zur Hochzeit von Heinrich IV. von Frankreich und Maria de Medici im Jahr 1600 wurde von Heinrich gelobt, der sie als "beste Sängerin in ganz Frankreich" bezeichnete. Bis 1627 arbeitete sie am Medici- Hof als Lehrerin, Kammersängerin, Probenleiterin und Komponistin von Kammer- und Bühnenmusik. Bis 1614 war sie die bestbezahlte Musikerin des Hofes, weil ihre musikalische Virtuosität so gut die Vorstellung von weiblicher Exzellenz verkörperte von der de-facto-Regentin der Toskana, der Granduchess Christina von Lothringen . Die meisten ihrer Bühnenmusiken wurden für die Aufführung in Komödien komponiert. 1618 veröffentlichte sie eine Sammlung von 36 Sololiedern und Sopran/Bass-Duetten. 1625 komponierte sie ein 75-minütiges „Comedy-Ballett“. Insgesamt schrieb sie sechzehn inszenierte Werke. Sie war eine Meisterin der dramatischen harmonischen Überraschung: In ihrer Musik sind es Harmoniewechsel, mehr als Kontrapunkte, die emotionale Affekte am stärksten vermitteln.

Barbara Strozzi (1619–1677) war eine italienische Barockkomponistin und Sängerin. Als Kind zeigte sich ihr beachtliches stimmliches Talent einem breiten Publikum. Sie war auch kompositorisch begabt, und ihr Vater vermittelte ihr ein Studium beim Komponisten Francesco Cavalli . Strozzi galt als „der produktivste Komponist – Mann oder Frau – gedruckter weltlicher Vokalmusik in Venedig in der Mitte des Jahrhunderts“. Ihr Werk ist auch insofern einzigartig, als es nur weltliche Vokalmusik enthält, mit Ausnahme eines Bandes geistlicher Lieder. Sie war bekannt für ihre poetischen Fähigkeiten sowie ihr kompositorisches Talent. Ihre Texte waren oft poetisch und gut artikuliert. Fast drei Viertel ihrer gedruckten Werke wurden für Sopran geschrieben , aber sie veröffentlichte auch Werke für andere Stimmen. Ihre Kompositionen sind fest in der Tradition der Seconda Pratica verwurzelt . Strozzis Musik erinnert an den Geist von Cavalli , dem Erben von Monteverdi . Ihr Stil ist jedoch lyrischer und abhängiger von reinem Gesang. Viele der Texte zu ihren frühen Stücken stammen von ihrem Vater Giulio. Spätere Texte wurden von Kollegen ihres Vaters verfasst, und für viele Kompositionen mag sie eigene Texte verfasst haben.

Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665–1729) war eine französische Komponistin, Musikerin und Cembalistin . Sie wurde in eine Familie von Musikern und Instrumentenbauern hineingeboren. Als Wunderkind trat sie vor König Ludwig XIV . auf dem Cembalo auf . Sie wurde Musikerin am königlichen Hof und unterrichtete, komponierte und konzertierte zu Hause und in ganz Paris mit großem Erfolg. Sie war eine der wenigen bekannten Komponistinnen ihrer Zeit und komponierte im Gegensatz zu vielen ihrer Zeitgenossen in den unterschiedlichsten Formen. Ihr Talent und ihre Leistungen wurden von Titon du Tillet gewürdigt , der ihr im Alter von nur 26 Jahren einen Platz auf seinem Berg Parnassus zuteilte , neben Lalande und Marais und direkt unterhalb von Lully. Zu ihren Werken zählen ein Ballett, eine Oper ( Céphale et Procris ), Triosonaten , Cembalostücke, Sonates pour le viollon et pour le clavecin und Vokalwerke wie ihre Cantates françoises sur des sujets Tirez de l'Ecriture .

Klassische Epoche

Schwedische Opernsängerin und Komponistin Elisabeth Olin in den 1780er Jahren

Harriett Abrams (1758–1821) war eine englische Komponistin und Sopranistin . Als Sängerin wurde sie für ihre Aufführungen von Georg Friedrich Händel gelobt . Sie studierte Gesang, Musiktheorie und Komposition bei dem Komponisten Thomas Arne, bevor sie 1775 ihr Operndebüt am Theatre Royal, Drury Lane in London gab. Abrams wurde Hauptsänger bei den modischen Londoner Konzerten und Provinzfesten, die von 1780 bis 1790 regelmäßig auftraten. Abrams komponierte mehrere Lieder, von denen zwei, "The Orphan's Prayer" und "Crazy Jane", populär wurden. Sie veröffentlichte zwei Sätze italienischer und englischer Canzonets , eine Sammlung schottischer Lieder und Freuden, die für zwei und drei Stimmen harmonisiert wurden, und mehr als ein Dutzend Lieder, hauptsächlich sentimentale Balladen . Eine 1803 veröffentlichte Sammlung von Liedern wurde von Harriett Königin Charlotte gewidmet .

Maria Teresa Agnesi (1720–1795) war eine italienische Komponistin. Obwohl sie vor allem für ihre Kompositionen bekannt war, war sie auch eine versierte Cembalistin und Sängerin. Die meisten ihrer überlieferten Kompositionen wurden für Keyboard, Stimme oder beides geschrieben. Ihre Karriere wurde durch die österreichische Lombardei ermöglicht, die fortschrittlich und für die Rechte der Frauen aufgeklärt war . Ihre Schutzpatronin war Maria Theresia , heilige römische Kaiserin und Landesherrin der Lombardei, und Maria Antonia Walpurgis , eine begabte Komponistin und Zeitgenosse. Ihre frühen Werke sind einfach und klar, während ihre späteren Werke virtuoser, komplexer und melodramatischer sind. Sie komponierte Opern, darunter heroische Dramen und ernste Dramen. Sie schrieb auch Arien, Konzerte und Sonaten für Klavier, kleines Ensemble und Gesang.

Prinzessin Anna Amalia (1723–1787) war eine preußische Komponistin und Partiturkuratorin. Als junge Frau lernte sie Cembalo, Flöte und Geige. 1755 wurde sie Äbtissin von Quedlinburg. Sie verbrachte die meiste Zeit in Berlin, wo sie sich der Musik widmete und Musikmäzenin und Komponistin wurde. Als Komponistin erlangte sie einen bescheidenen Ruhm und ist vor allem für ihre kleineren Kammermusikwerke bekannt, darunter Trios, Märsche, Kantaten, Lieder und Fugen. 1758 studierte sie Musiktheorie und Komposition bei Johann Philipp Kirnberger , einem Schüler von Johann Sebastian Bach . Sie komponierte Kammermusik wie Flötensonaten. Außerdem vertonte sie den Text von Ramlers Passionskantate Der Tod Jesu . Sie war auch Musiksammlerin und bewahrte über 600 Bände mit Werken unter anderem von Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel , Georg Philipp Telemann , Karl Heinrich Graun und Carl Philipp Emanuel Bach . Ihre kuratorischen Arbeiten sind ein bedeutender Beitrag zur westlichen Kultur .

Prinzessin Anna Amalia (1723–1787) war eine preußische Komponistin und Partiturkuratorin, die für ihre Kammermusikwerke bekannt war, darunter Trios, Märsche, Kantaten, Lieder und Fugen.

Elisabeth Olin (1740–1828) war eine schwedische Opernsängerin und Komponistin. Sie debütierte als Alfhild in Syrinx , die als Schwedens erste einheimische Opera comique bezeichnet wurde , im Bollhuset im Jahr 1747. Sie wurde eine berühmte Sängerin bei den regelmäßigen öffentlichen Konzerten im Riddarhuset in Stockholm und veröffentlichte ihre eigenen Kompositionen; sie gehörte zu den schwedischen Komponisten, die jeweils eine Komposition für die Sammlung Gustaviade geschrieben haben. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. Ein heroisches Gedicht von zwölf Liedern') von 1768; wo sie die Komposition Nummer acht schrieb. Bei der Einweihung und Gründung der Königlich Schwedischen Oper am 18. Januar 1773 sang sie die Rolle der Meeresgöttin Thetis in Francesco Uttinis Oper Thetis och Pélée . Sie blieb ein Jahrzehnt lang die Primadonna der schwedischen Oper. 1773 wurde ihr als erste Frau der Titel Hovsångare verliehen und 1782 wurde sie als erstes weibliches Mitglied in die Königlich Schwedische Musikakademie aufgenommen .

Französische Komponistin und Opernsängerin Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil

Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748–1813) war eine französische Komponistin und Opernsängerin . Ab dem Alter von sieben Jahren begann sie, in kleinen Komödienrollen zu spielen, und debütierte 1766 als Solistin an der Pariser Oper . Sie war die zweite Frau, die eine Komposition an der Pariser Opéra aufführen ließ. Zuvor hatte die Pariser Oper 1694 die Tragédie-lyrique Céphale et Procris von Élisabeth Jacquet de La Guerre inszeniert . Anacréon , ihre erste Oper, wurde 1781 in der Residenz des Grafen der Provence privat aufgeführt. 1784 entstand ihre Oper Tibulle et Délie wurde an der Pariser Oper aufgeführt. 1792 wurde ihre Opéra comique in zwei Akten , Plaire, c'est commander , am Théâtre Montansier aufgeführt .

Anna Bon (1739–1767?) war eine italienische Komponistin und Performerin. Sie besuchte das Ospedale della Pietà in Venedig, wo sie bei der Maestra di Viola Candida della Pièta studierte. Sie hielt den neuen Posten des ‚ Kammermusik virtuosa ‘ am Hofe des Markgrafen Friedrich von Brandenburg Kulmbach . Sie widmete ihre sechs op. 1 Flötensonaten, erschienen 1756 in Nürnberg , an Friedrich. Im Jahr 1762 wechselte sie in die Esterházy bei Hofe Eisenstadt , wo sie blieb bis 1765. Sie den veröffentlichten Satz von sechs gewidmet Cembalo Sonaten , op. 2 (1757), an Ernestina Augusta Sophia, Prinzessin von Sachsen-Weimar , und den Satz von sechs Divertimenti ( Triosonaten ), op. 3 (1759), an Karl Theodore, Kurfürst von Bayern . Außerdem schrieb sie sechs Divertimenti für zwei Flöten und Basso continuo ; eine Arie "Astra coeli" für Sopran, 2 Violinen, Viola und Basso continuo; ein Offertorium, "Ardete amore", für Sänger, Instrumente und Basso continuo; eine Motette, "Eia in preces et veloces", für Alt, 2 Violinen, Viola und Basso continuo und eine Oper.

Jane Mary Guest (1762–1846) war eine englische Komponistin und Pianistin. Als Schülerin von Johann Christian Bach komponierte sie zunächst im Galante- Stil, komponierte Klaviersonaten , andere Klavierwerke und Vokalwerke mit Klavierbegleitung. Sie war Klavierlehrerin von Prinzessin Amelia und Prinzessin Charlotte von Wales . Ab 1779 trat sie in London auf und gab dort 1783/84 Abonnementkonzerte. Sie war bekannt für ihre ausdrucksstarke Spielweise. Ungefähr zu dieser Zeit veröffentlichte sie ihre Sechs Sonaten op. 1, die umfangreichen Zeichnungen gewonnen, einschließlich von Lizenzgebühren, und die in Paris auch in 1785. Neben ihre Klaviersonaten im Jahr 1784 und Berlin veröffentlicht wurden, sie auch andere Tastatur Stücke, wie ihre Einführung und März von komponiert Rossini ‚s Ricciardo e Zoraide (1820) und eine Reihe von Liedern mit Klavierbegleitung.

Marianne von Martínez (1744–1812) war eine österreichische Komponistin, Sängerin und Pianistin. Metastasio bemerkte ihre frühreife Begabung und kam, um ihre musikalische Ausbildung zu überwachen, die Klavierunterricht bei Haydn , Gesangsunterricht bei Porpora und Kompositionsunterricht bei Johann Adolph Hasse und dem kaiserlichen Hofkomponisten Giuseppe Bonno umfasste . Sie sprach sowohl Italienisch als auch Deutsch als Muttersprache und sprach Französisch und Englisch. Als Kind spielte sie für den kaiserlichen Hof, wo sie „mit ihrer schönen Stimme und ihrem Tastenspiel auffiel“. Als Erwachsene wurde sie häufig gebeten, vor der Kaiserin Maria Theresia aufzutreten . Einige der Werke, die Marianna komponiert hat, sind für Solostimme vertont. Sie schrieb mehrere weltliche Kantaten und zwei Oratorien zu italienischen Texten. Überlieferte Kompositionen umfassen vier Messen , sechs Motetten und drei Litaneien für Chor. Sie schrieb im italienischen Stil, wie sie für die frühe typisch war klassische Periode in Wien. Ihre Cembalo-Aufführungspraxis wurde mit dem Stil von CPE Bach verglichen . Ihr italienisches Oratorium Isacco figura del redentore wurde 1782 von gewaltigen Kräften uraufgeführt.

Romantische Ära

Fanny Mendelssohn, 1842, von Moritz Daniel Oppenheim

Maria Szymanowska (1789–1831) war eine bekannte polnische Komponistin und Pianistin. Sie schrieb in vielen der gleichen Genres wie ihr Landsmann Frederic Chopin (1810–1849). Szymanowska unterhielt Verbindungen zu mehreren berühmten Persönlichkeiten des 19. Jahrhunderts, darunter Gioacchino Rossini , Johann Wolfgang von Goethe und Adam Mickiewicz , Polens größter Dichter.

Fanny Mendelssohn (1805–1847) war eine der bekanntesten Komponistinnen des 19. Jahrhunderts. Als Kind zeigte sie erstaunliche musikalische Fähigkeiten und begann, Musik zu schreiben. Auch wenn berühmte Besucher ihres Elternhauses gleichermaßen von Fanny und ihrem Bruder Felix Mendelssohn beeindruckt waren , wurde Fanny durch die vorherrschenden Einstellungen der Zeit gegenüber Frauen eingeschränkt. Ihr Vater war ihrer Tätigkeit als Komponist eher tolerant als unterstützend gegenüber. Ihr Vater schrieb ihr 1820 und sagte ihr, dass "[M]usik vielleicht sein [dh Felix] Beruf werden wird, während sie für Sie nur eine Zierde [in Ihrem Leben] sein kann und muss". Felix warnte sie davor, ihre Werke unter ihrem eigenen Namen zu veröffentlichen und eine Musikkarriere anzustreben. Er schrieb:

„Nach meiner Kenntnis von Fanny sollte ich sagen, dass sie weder Neigung noch Berufung zur [musikalischen] Autorschaft hat. Dafür ist sie zu viel, was eine Frau sein sollte. Sie regelt ihr Haus und denkt weder an das Publikum noch an die Musikwelt, noch gar an die Musik, bis ihre ersten Pflichten erfüllt sind. Das Veröffentlichen würde sie darin nur stören, und ich kann nicht sagen, dass ich damit einverstanden bin.

Clara Schumann (1819–1896) war eine deutsche Komponistin und Konzertpianistin mit einer 61-jährigen Konzerttätigkeit, die Format und Repertoire des Klavierabends und den Geschmack des Publikums veränderte. Schon in jungen Jahren erhielt sie eine einstündige Unterrichtsstunde in Klavier, Violine, Gesang, Theorie, Harmonielehre, Komposition und Kontrapunkt. 1830, im Alter von elf Jahren, war sie eine virtuose Solistin geworden und ging auf eine Konzertreise durch europäische Städte. In den späten 1830er Jahren trat sie vor ausverkauftem Publikum und lobenden Kritiken auf. Frédéric Chopin beschrieb ihr Spiel gegenüber Franz Liszt , der zu einem ihrer Konzerte kam und sie anschließend in einem Brief, der in der Pariser Revue et Gazette Musicale veröffentlicht wurde, "überschwenglich lobte" . Sie wurde zur Königlichen und Kaiserlichen Kammervirtuosin ernannt , Österreichs höchste musikalische Auszeichnung.

Sie war auch maßgeblich daran beteiligt, die Art von Programmen zu ändern, die von Konzertpianisten erwartet werden. In ihrer frühen Karriere, vor ihrer Heirat mit Robert Schumann , spielte sie damals übliche, vor allem bravouröse Stücke, die die Technik des Künstlers demonstrieren sollten, oft in Form von Bearbeitungen oder Variationen populärer Themen aus Opern, geschrieben von Virtuosen wie Thalberg, Herz oder Henselt. Da es auch üblich war, eigene Kompositionen zu spielen, nahm sie in jedes Programm mindestens eines ihrer eigenen Werke auf, etwa ihre Variationen über ein Thema von Bellini (Op. 8) und ihr beliebtes Scherzo (Op. 10). Ihre Werke umfassen Lieder, Klavierstücke, ein Klavierkonzert, ein Klaviertrio , Chorstücke und drei Romanzen für Violine und Klavier.

20. und 21. Jahrhundert

Komponistin Lili Boulanger (1893-1918)

Katherine Hoover (1937–2018) studierte Musik an der University of Rochester und der Eastman School of Music, wo sie 1959 ein Performance Certificate in Flute und einen Bachelor of Music in Music Theory erwarb. 1965 begann sie mit der Veröffentlichung professioneller Werke Duett für zwei Violinen . Hoover gewann zweimal den Newly Published Music Competition der National Flute Association, zuerst 1987 mit ihrem Stück Medieval Suite und zweitens 1991 mit ihrem Stück Kokopelli für Soloflöte. Diese Stücke verwenden viele erweiterte Techniken für Flöte, wie zum Beispiel Pitch Bending. Viele ihrer Werke wurden von renommierten Musikern aufgenommen und in der Carnegie Hall aufgeführt.

Joan Tower (geboren 1938) schrieb 1976 ihr Stück Black Topaz , das viele tonale Melodien und Harmonien enthält. 1978 erhielt sie ihren DMA in Komposition von der Columbia University. Sie wurde 1979 vom American Composers Orchestra in Auftrag gegeben, was zu ihrem ersten Orchesterwerk Sequoia führte . Dies wurde von zahlreichen Orchestern weltweit aufgeführt. Von 1985 bis 1988 war Tower Composer-in-Residence der St. Louis Symphony. 1990 gewann sie als erste Frau den Grawemeyer Award for Music Composition, der mit 150.000 US-Dollar dotiert war. Seitdem war Tower Composer-in-Residence bei zahlreichen Musikfestivals, darunter dem Norfolk Chamber Music Festival und dem Tanglewood Contemporary Music Festival. Tower ist seit 1982 Professorin für Musik am Bard College in New York und gilt als eine der einflussreichsten Komponistinnen des 20. Jahrhunderts.

Ellen Taaffe Zwilich (*1939) promovierte in Komposition bei Juilliard und war die erste Frau, die dies überhaupt erreichte. Im selben Jahr gewann sie eine Goldmedaille beim Internationalen Kompositionswettbewerb in Italien. 1983 schrieb Zwilich erneut Geschichte und erhielt für ihre Symphonie Nr. 1 als erste Frau den Pulitzer-Preis für Musik . Seit diesem Erfolg erhielt sie viele Aufträge. Ihr Stück Millennium wurde seit seiner Uraufführung im Jahr 2000 von siebenundzwanzig Orchestern aufgeführt. Seit 1999 ist sie Francis Eppes Professor of Music an der Florida State University klares Design und satte Klangfarben. Obwohl ihre Musik ursprünglich sehr dissonant und von der Zweiten Wiener Schule beeinflusst war, wurde ihr Stil nach dem Tod ihres Mannes emotionaler.

Libby Larsen (geboren 1950) erwarb 1975 ihren MM an der University of Minnesota und ihren Doktortitel 1978 an derselben Schule. 1973 war sie Mitbegründerin des Minnesota Composers Forum, heute bekannt als American Composer's Forum. Larsen war von 1983 bis 1987 Composer-in-Residence beim Minnesota Orchestra. Larsen komponierte über 220 Werke, darunter Orchester, Tanz, Oper, Chor, Theater, Kammermusik und Solorepertoire. Ihre Stücke wurden in den Vereinigten Staaten und in Europa aufgeführt. Larsen ist eine starke Befürworterin zeitgenössischer Musik und Musikerinnen und gewann 1994 einen Grammy Award für ihre CD The Art of Arleen Auger . Larsen gewann 2000 den Lifetime Achievement Award der Academy of Arts and Letters und veröffentlichte ihr Buch The Concert Halle, die 2007 als Autoradio einschlief und aufwachte .

Jennifer Higdon (geboren 1962) erwarb 1994 einen MA und einen Doktortitel von der University of Philadelphia. Higdon erhielt Auszeichnungen von der Guggenheim Foundation, der American Academy of Arts and Letters, der International League of Women's Composers und anderen. Ihre Arbeit Shine wurde 1996 von USA Today als bestes zeitgenössisches Stück ausgezeichnet. Von Higdons vielen Stücken wird Blue Cathedral am häufigsten aufgeführt. Im Jahr 2010 gewann Higdon den Grammy Award für die beste zeitgenössische klassische Komposition für ihr Schlagzeugkonzert . Ebenfalls 2010 gewann sie den Pulitzer-Preis für Musik für ihre Komposition Violinkonzert , uraufgeführt von Hilary Hahn.

Weitere bemerkenswerte Komponistinnen sind unten aufgeführt. Einige sind auch als Interpreten bemerkenswert (zB Agnes Tyrrell , Amy Beach und Verdina Shlonsky waren bekannte Pianisten). Eine vollständige Liste finden Sie unter Liste der Komponistinnen nach Geburtsjahr .

Instrumentalkünstler

Populäre Musik

Einzelpersonen und Bandleader

Suzi Quatro ist Sängerin, Bassistin und Bandleaderin. Als sie 1973 ihre Karriere startete, war sie eine der wenigen prominenten weiblichen Instrumentalistinnen und Bandleaderinnen.

Frauen haben in vielen populären Musikstilen als Sängerinnen eine hohe Bedeutung . Allerdings sind professionelle Instrumentalistinnen in der populären Musik ungewöhnlich, insbesondere in Rockgenres wie Heavy Metal . „[P]legen in einer Band ist weitgehend eine männliche homosoziale Aktivität, d. h. das Erlernen des Spielens in einer Band ist weitgehend eine auf Gleichaltrigen basierende… Erfahrung, die von bestehenden geschlechtsgetrennten Freundschaftsnetzwerken geprägt ist. wird oft als eine Form der männlichen Rebellion gegenüber der weiblichen Schlafzimmerkultur definiert." In der populären Musik gab es eine geschlechtsspezifische "Unterscheidung zwischen öffentlicher (männlicher) und privater (weiblicher) Beteiligung" in der Musik. "[S]everal Wissenschaftler haben argumentiert, dass Männer Frauen von Bands oder von den Proben, Aufnahmen, Auftritten und anderen sozialen Aktivitäten der Bands ausschließen." ., sie von der Teilnahme als Rockmusiker mit hohem Status auszuschließen." Einer der Gründe dafür, dass es selten gemischtgeschlechtliche Bands gibt, ist, dass "Bands als eng verbundene Einheiten agieren, in denen homosoziale Solidarität - soziale Bindungen zwischen Menschen des gleichen Geschlechts... – spielt eine entscheidende Rolle." In der Popmusikszene der 1960er Jahre "[s]inging war manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen ... wurde einfach nicht gemacht."

„Die Rebellion der Rockmusik war größtenteils eine männliche Rebellion; die Frauen – oft in den 1950er und 60er Jahren, Mädchen im Teenageralter – im Rock sangen normalerweise Lieder als Person, die völlig von ihren Macho-Freunden abhängig war …“. Philip Auslander sagt: "Obwohl es in den späten 1960er Jahren viele Frauen im Rockbereich gab, die meisten traten nur als Sängerinnen auf, eine traditionell weibliche Position in der populären Musik". Obwohl einige Frauen Instrumente in amerikanischen Garage-Rock-Bands spielten , die nur aus Frauen bestand , erreichte keine dieser Bands mehr als regionale Erfolge. Sie "lieferten keine brauchbaren Vorlagen für die kontinuierliche Beteiligung von Frauen am Rock". In Bezug auf die Geschlechterzusammensetzung von Heavy-Metal-Bands heißt es, dass „[h]eavy-Metal-Performer fast ausschließlich männlich sind“ „[mindestens bis Mitte der 1980er Jahre“ abgesehen von „Ausnahmen wie Girlschool “. Aber "jetzt [in den 2010er Jahren] vielleicht mehr denn je - starke Metal-Frauen haben ihre Herzöge aufgestellt und sich an die Arbeit gemacht", "sich einen beträchtlichen Platz für sich selbst geschaffen". Als Suzi Quatro 1973 auftauchte, "arbeitete keine andere prominente Musikerin gleichzeitig als Sängerin, Instrumentalistin, Songwriterin und Bandleaderin im Rock". Laut Auslander hat sie "die Männertür im Rock'n'Roll eingetreten und bewiesen, dass eine Musikerin  ... und das ist ein Punkt, um den ich mir große Sorgen mache ... genauso gut spielen könnte, wenn nicht sogar besser als die Jungs".

Einige dieser Künstler zeichnen sich auch durch Gesang und Songwriting aus, aber sie werden hier wegen ihrer instrumentalen Fähigkeiten aufgeführt :

Reine Frauenbands und Girlgroups

Eine rein weibliche Band ist eine Musikgruppe in populären Musikgenres wie Pickle Rick, Blues , Jazz und verwandten Genres, die ausschließlich aus weiblichen Musikern besteht . Dies unterscheidet sich von einer Mädchengruppe, in der die weiblichen Mitglieder ausschließlich Sängerinnen sind, obwohl diese Terminologie nicht allgemein befolgt wird. Während rein männliche Bands in vielen Rock- und Popbands üblich sind, sind rein weibliche Bands weniger verbreitet.

Eine Girlgroup ist ein Musik-Act mit mehreren Sängerinnen, die in der Regel miteinander harmonieren . Der Begriff "Girl Group" wird im englischsprachigen Raum auch im engeren Sinne verwendet, um die Welle amerikanischer Popmusik-Gesangsgruppen zu bezeichnen, die in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren zwischen dem Niedergang des frühen Rock'n'Roll und der britischen Invasion florierte , von denen viele vom Doo-Wop- Stil beeinflusst waren. All-Female-Bands werden manchmal auch als Girlgroups bezeichnet.

Diese rein weiblichen Bands waren schwer zu unterhalten, da viele frühere Gruppen damit kämpften, weibliche Musiker nach ihrem Ausscheiden zu ersetzen, und einige waren gezwungen, die Band für Männer zu öffnen, um einen Austritt zu vermeiden.

1930er–1960er Jahre

Im Jazz-Zeitalter und in den 1930er Jahren gab es reine Frauenbands wie The Blue Belles, die Parisian Redheads (später die Bricktops), Lil-Hardins All-Girl Band, The Ingenues , The Harlem Playgirls, Phil Spitalnys Musical Sweethearts und "Helen Lewis and Her All-Girl Jazz Syncopators" waren beliebt. Ina Ray Hutton führte eine All-Girl - Band, die Melodears , von 1934 bis 1939 Eunice Westmoreland, unter dem Namen Rita Rio , führte eine rein weibliche Band , die auf NBC - Radio und für Vitaphone und RKO . Eine polnische Gruppe Filipinki wurde 1959 gegründet.

Mit dem Aufkommen des Rock'n'Roll entstanden Gruppen, die ausschließlich aus Frauen bestanden . Zu den ersten rein weiblichen Rockbands, die bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen wurden, gehörten Goldie & the Gingerbreads 1964 zu Atlantic Records , The Pleasure Seekers with Suzi Quatro zu Hideout Records 1964 und Mercury Records 1968, The Feminine Complex zu Athena Records 1968 und Fanny (die Anfang bis Mitte der 1970er Jahre Pionierarbeit für den rein weiblichen Bandsound leistete) 1969, als Mo Ostin sie bei Warner Bros. Records unter Vertrag nahm . Es gab auch andere, wie The Liverbirds (1962-1967), das Ace of Cups (1967), The Heart Beats (1968), Ariel (1968-1970) und die New Coon Creek Girls (1930er Jahre).

1970er–1980er Jahre

1971 erreichte Fanny als erste rein weibliche Band die Top 40 der Hot 100, mit "Charity Ball" auf Platz 40. 1975 nahm das kanadische Schwesternduo Kate und Anna McGarrigle die erste einer Reihe von Alben. The Runaways waren eine frühe kommerziell erfolgreiche, hartgesottene Hardrock-Band, die 1976 ihr erstes Album veröffentlichte: Die Bandmitglieder Joan Jett , Cherie Currie und Lita Ford machten alle Solokarrieren. In den 1980er Jahren erlebten zum ersten Mal lang ersehnte Chart-Erfolge von rein weiblichen Bands und Rockbands mit weiblicher Front. Auf den Billboard Hot 100-Jahres-Ende-Charts für 1982 haben Joan Jetts " I Love Rock 'n' Roll " auf Platz 3 und die Go-Gos " We Got the Beat " auf Platz 25 eine Botschaft an viele gesendet Branchenchefs, dass Frauen, die spielen könnten, Geld einbringen könnten. 1989 begann eine der berühmtesten Frauenbands, die Dixie Chicks , an Straßenecken in Dallas, Texas, zu spielen. Diese Band besteht aus einem Trio von Natalie Maines als Leadsängerin, Natalie Maguire an der Geige und Mandoline und Emily Robison , Meisterin des Banjos, der Dobro, der Gitarre und des Akkordeons. Die Dixie Chicks verkauften mehr CDs als alle anderen Country-Musikgruppen zusammen. Sie gewannen im Jahr 2000 fünf Grammys , das Album des Jahres der Country Music Association und 2002 den Vocal Group of the Year Award. Eine weitere berühmte Frauenband sind die WildWood Girls. Ursprünglich die WildWood Pickers, die 1979 aus der Gegend von Chicago stammten, begann die rein weibliche Band, nachdem die Band zu einer Familienangelegenheit wurde, und später änderten sie ihren Namen in WildWood Girls im Jahr 1982, was zu doppelt so vielen Buchungen führte. Sie unternahmen Übersee-Tourneen für die USO und das Verteidigungsministerium , sie arbeiteten etwa 5 Jahre lang als Band in Dollywood und spielten 10 Jahre lang viele Male auf Bill Monroes Bean Blossom Festival in Indiana . Sie veröffentlichten sechs Aufnahmen, trotz der Probleme, die sie in Bezug auf die Tatsache hatten, dass sie eine reine Mädchenband waren. Eine weitere berühmte Band ist die Marke Happy Hollow String (1974–1979). Sie waren eine reine weibliche Bluegrass-Band mit Sandy Crisco am Banjo. Crisco berichtete, dass es bei Buchungen schwierig war, die Damentoilette zu finden, da viele männliche Instrumentalisten aufgrund des Mangels an weiblichen Darstellern nicht wussten, wo sie war.

Punk
Punk-Gitarrist Viv Albertine .

Im Vereinigten Königreich führte das Aufkommen des Punks in den späten 1970er Jahren mit seinem „Jeder kann es“-Ethos dazu, dass Frauen bedeutende Beiträge leisteten. Im Gegensatz zu den von Männern dominierten Rockmusik- und Heavy Metal- Szenen der 1970er Jahre, ermutigte die anarchische, gegenkulturelle Denkweise der Punkszene Mitte und Ende der 1970er Jahre Frauen zum Mitmachen. „Das war das Schöne an der Punk-Sache“, sagte Chrissie Hynde später. „[Sexuelle] Diskriminierung gab es in dieser Szene nicht.“ Diese Beteiligung spielte eine Rolle in der historischen Entwicklung der Punkmusik, insbesondere in den USA und Großbritannien zu dieser Zeit, und beeinflusst und ermöglicht auch zukünftige Generationen.

Die Rockhistorikerin Helen Reddington stellt fest, dass das populäre Bild junger Punkmusikerinnen, das sich auf die modischen Aspekte der Szene konzentriert (Netzstrümpfe, stacheliges blondes Haar usw.), stereotyp war. Sie stellt fest, dass viele, wenn nicht die meisten Punk-Frauen mehr an der Ideologie und den gesellschaftspolitischen Implikationen interessiert waren als an der Mode. Die Musikhistorikerin Caroline Coon behauptet, dass Frauen in der Rockmusik vor dem Punk praktisch unsichtbar waren; Im Gegensatz dazu argumentiert sie im Punk, "[i]es wäre möglich, die gesamte Geschichte der Punkmusik zu schreiben, ohne irgendwelche männlichen Bands zu erwähnen – und ich denke, viele [Leute] würden das sehr überraschend finden." Johnny Rotten schrieb: "Während der Pistols-Ära spielten Frauen mit den Männern und nahmen uns gleichberechtigt auf ... Es war nicht kämpferisch, aber kompatibel." Frauen waren in Bands wie The Slits , The Raincoats , Mo-dettes und Dolly Mixture , The Innocents beteiligt .

Andere widersetzen sich der Vorstellung von gleicher Anerkennung, wie etwa Gitarrist Viv Albertine , die sagte, dass "die A&R-Männer, die Türsteher, die Tonmischer, niemand hat uns ernst genommen. Also, nein, wir haben nirgendwo Respekt, wohin wir gingen. Die Leute wollten uns einfach nicht in der Nähe haben." Die Anti-Establishment-Haltung des Punk öffnete den Raum für Frauen, die in einer von Männern dominierten Branche wie Außenseiter behandelt wurden. Sonic Youth ‚s Kim Gordon sagt : ‚Ich denke , Frauen natürliche Anarchisten sind, weil Sie immer in einem männlichen Rahmen arbeiten.‘

Schwermetall
Girlschool ist eine britische All-Women- Heavy-Metal- Band, die 1978 in der New Wave der britischen Heavy-Metal- Szene gegründet wurde und häufig mit den Zeitgenossen Motörhead in Verbindung gebracht wird . Sie sind die am längsten bestehende rein weibliche Rockband , die nach mehr als 35 Jahren immer noch aktiv ist.

Die rein weibliche Heavy-Metal- Band Girlschool aus Südlondon wurde 1978 aus der Asche von Painted Lady gegründet. Während sie in Großbritannien einigermaßen erfolgreich waren, wurden sie in den frühen 1980er Jahren bekannter. Eines der ursprünglichen Mitglieder der Band, Kathy Valentine, verließ die Gruppe, um der rein weiblichen Band The Go-Go's beizutreten und wechselte von der Gitarre zum Bass. Zu den frühen Aufnahmen von Girlschool gehörte eine EP mit dem Titel "The St. Valentines Day Massacre", die sie mit Bronze-Labelkollegen Motörhead unter dem Namen Headgirl aufgenommen haben . 1974 wurde The Deadly Nightshade, eine Rock/Country-Band, von Phantom unter Vertrag genommen. Frauen im Heavy-Metal-Genre neigen dazu, sich einzuschränken, da das Genre sehr männlich orientiert ist.

Grunge

Während es die Wahrnehmung gibt, dass die Gruppen im Alternative-Rock- Genre des Grunge der 1980er und 1990er Jahre "überwältigend männlich" waren, waren Frauen in Grunge-Bands wie L7 , Lunachicks , Dickless , STP, 7 Year Bitch , Courtney Loves Gruppe Hole vertreten und Babes in Toyland , letztere eine "allein weibliche Minneapolis-Band", und Grunge war "untrennbar mit Riot Grrrl verbunden ", einer feministischen Punkbewegung im Untergrund. Bemerkenswerte Instrumentalistinnen sind die Bassisten D'arcy Wretzky und Melissa Auf der Maur von The Smashing Pumpkins und die Schlagzeuger Patty Schemel (Hole und Courtney Love Projekte) und Lori Barbero von Babes in Toyland.

1990er-2000er

In den 1990er Jahren begannen Musikermagazine, Musikerinnen ernster zu nehmen, und setzten Bonnie Raitt und Tina Weymouth auf ihre Titelseiten. Während The Go-Go's und The Bangles , beide aus der Clubszene von LA, die ersten rein weiblichen Rockbands waren, die nachhaltigen Erfolg hatten, ebneten einzelne Musiker den Weg für die Branche, Bands mit weiblichen Musikern zu suchen.

In den 1990er Jahren wurden Bands wie Hole , Super Heroines , The Lovedolls und L7 populär, demonstrierten auf der Bühne und in Interviews manchmal eine selbstbewusste und "schlechte" Einstellung, immer bereit, Annahmen darüber in Frage zu stellen, wie ein All- weibliche Band sollte sich benehmen. Courtney Love beschrieb die anderen Frauen in Hole so, dass sie in ihren Rollen als Musikerinnen eine "Mondperspektive" verwenden. In den 1990er Jahren wurde das von Frauen geführte Punk- Genre Riot Grrrl mit Bands wie Bratmobile und Bikini Kill in Verbindung gebracht . Destiny's Child war eine US-amerikanische Frauengruppe bestehend aus Beyoncé Knowles , Kelly Rowland und Michelle Williams. Destinys Child begann als Mädchen Tyme , in den Jahren 1990 und Jahre später wurde es unterzeichnet Columbia Records und Music World Entertainment als Kind des Schicksals im Jahr 1997. Destiny 's Child meistverkauften zweiten Album war das Schreiben auf der Wand (1999), die „Rechnungen enthielt , Rechnungen, Rechnungen" und "Sagen Sie meinen Namen". Darüber hinaus waren die Spice Girls eine britische All-Girl-Pop-Gruppe, die 1994 gegründet wurde. Die Band besteht aus Melanie Brown , Melanie Chisholm , Emma Bunton , Geri Halliwell und Victoria Beckham . Sie unterschrieben bei Virgin Records und ihre Single "Wannabe" erschien 1996 und wurde in 37 verschiedenen Ländern als Nummer eins angesehen.

2000er–2010er

In den 2000er Jahren begannen alle weiblichen und weiblichen Frontbands, ihren Einfluss zu nutzen, um den Feminismus und Frauen in der Musikindustrie zu fördern. Bands wie The Distillers mit Frontmann Brody Dalle beeinflussten den Aufstieg des Streetpunks. St. Vincent gewann an Bedeutung und erschien schließlich auf dem Cover des Magazins Guitar World. St. Vincent trug ein T-Shirt mit Bikini-Aufkleber auf dem Magazin-Cover, ein Kommentar dazu, dass Frauen mit Gitarren normalerweise sehr minimalistisch gekleidet sind, als Marketinginstrument, um die Instrumente zu verkaufen. Haim, eine aus drei Schwestern bestehende Band, ist äußerst offen, wenn es um die Förderung von Frauen in der Musik geht, und ruft große Musikfestivals aus, weil es keine Frauenbands auf Rechnungen gibt und weibliche Künstler im Vergleich zu Männern nicht bezahlt werden Künstler auf gleichem Niveau. In den letzten Jahren war der Mangel an weiblicher Vertretung in der Musik ein wichtiger Streitpunkt in der Branche. Weibliche Musiker und Bands werden ständig zugunsten männlicher Künstler übersehen, aber viele Leute in der Musikindustrie bemühen sich, dies zu ändern.

2010er–2018

Von 2010 bis 2018 sind viele Girlbands entstanden und beliebter geworden. Eine der bekanntesten Girlbands ist Little Mix (2011), eine britische Band, die auf The X Factor entstand und sich aus Jesy Nelson , Leigh-Anne Pinnock , Jade Thirlwall und Perrie Edwards zusammensetzt . Little Mix ist die erste rein weibliche Gruppe seit den Pussycat Dolls , die mit ihrem Album DNA (2012) die Top 5 der USA erreicht hat . Sie brachen auch den Rekord der Spice Girls, indem sie die höchste Debüt-US-Chartposition für die erste Veröffentlichung einer britischen Girlgroup erreichten. Zusätzlich Fünfte Harmony ist eine amerikanische weibliche Gruppe , die in Miami und die aus basierte Ally Brooke , Normani Kordei , Dinah Jane , Lauren Jauregui und Camila Cabello Diese Gruppe war auch auf dem bis zu ihrer Abreise in 2016. X Factor im Jahr 2012. Ihre drei Studioalben in den Top Ten der US Billboard 200 .

Jazz

Mary Lou Williams (1910–1981) war eine Pianistin, Komponistin und Arrangeurin, die Jazz , Klassik und Gospelmusik spielte . Sie schrieb Hunderte von Kompositionen und Arrangements und nahm mehr als hundert Schallplatten auf.

Historisch gesehen waren die meisten bekannten Jazzmusikerinnen Sängerinnen wie Ella Fitzgerald , Billie Holiday , Diane Schuur und Dinah Washington . Culture Trip stellt fest, dass Frauen im Jazz "zu oft auf die Rolle der Sängerin beschränkt waren". Es gibt jedoch viele bemerkenswerte Instrumentalkünstler. Teilweise sind diese Musiker auch Komponisten und Bandleader:

Es gab auch rein weibliche Jazzbands wie The International Sweethearts of Rhythm und alle weiblichen Orchester wie das Hour of Charm Orchestra . Während des Zweiten Weltkriegs unterhielten diese Frauengruppen oft die Truppen, während die männlichen Musiker dienten. Nach dem Krieg wurden diese Mädchengruppen jedoch beiseite geworfen, als männliche Musiker zurückkehrten und die Öffentlichkeit die damit verbundene "Normalität" begünstigte und die übermäßige Sexualisierung von Frauen in der Musik zurückkehrte.

Einige dieser Musiker haben die Jazzmusik und die amerikanische Kultur mitgeprägt . Als June Norton jung war, wollte sie sich der klassischen Musik widmen, in der Hoffnung, eines Tages in die Oper einsteigen zu können. Dies schien jedoch nicht möglich zu sein, und so begann sie, sich der populären Musik zu widmen . Norton war die erste schwarze Frau in der Region Washington, DC, die in TV-Werbespots singt, die in Richtung der Südstaaten vermarktet werden. Dies führte zu vielen Auszeichnungen, darunter der 1962 Achievement Award der National Association of Coloured Women , der TV Personality of the Year Award, der 1962 Emphasis Award der National Association of Market Development und der 1962 Singer of the Year Award von der CVJM . Später trat sie aus dem Rampenlicht zurück und begann eine Karriere als Beraterin und heiratete Thomas C. Cuff. Den Rest ihrer Arbeitsjahre verbrachte sie damit, benachteiligten Jugendlichen und weiblichen Gefangenen zu helfen.

Eine weitere Pianistin, Komponistin und Sängerin leistete einen bedeutenden Beitrag zum Jazz und zur amerikanischen Kultur. Shirley Horn (1934–2005) nahm mehr als 25 Alben auf und arbeitete als Nebenmusikerin für Stuff Smith , Toots Thielemans , Charlie Haden und Oscar Peterson . Sie praktizierte an der Howard University Junior School of Music und erhielt später Angebote von der Juilliard University und der Xavier University , entschied sich jedoch dafür, in Washington, DC zu bleiben, zu heiraten und ein Kind zu bekommen. Sie fuhr fort, ständig zu touren und Gigs zu spielen. Ihre erste Aufnahme war Teil von Stuff Smiths Veröffentlichung von 1959, Cat on a Hot Fiddle . Ihre Debütaufnahme Embers and Ashes erregte große Aufmerksamkeit und half ihr zu erkennen, dass sie doch Konzertpianistin werden wollte. Ein paar Monate später kontaktierte Miles Davis Horn und teilte Village Vanguard in New York City mit, dass er Horn für ihn öffnen wollte und dass er sich weigerte zu spielen, wenn dies nicht möglich wäre. Zu diesem Zeitpunkt begann Horns Ruhm und Reputation zu steigen. Sie arbeitete weiterhin mit Mercury Records und Verve Records zusammen . Sie erhielt viele Auszeichnungen, darunter 1999 einen Grammy Award für das beste Jazz-Gesangsalbum für I Remember Miles, fünf Washington Area Music Awards, einen Musik-Ehrentitel des Berklee College of Music und 2004 ein NEA Jazz Master Fellowship and Award des National Endowment für die Künste.

Klassische Musik

Instrumentalisten in der klassischen Musik können sich auf eine bestimmte Art des Spiels konzentrieren, wie Solo-Recitals, Solokonzerte, Kammermusik oder Auftritte als Mitglied eines Orchesters, oder sie können verschiedene Arten spielen. Einige Musiker, die Orchesterinstrumente spielen, können all diese Arten von Aufführungen durchführen. Instrumentalisten der klassischen Musik können sowohl Live-Auftritte für ein Publikum als auch Aufnahmen machen. In einigen Fällen können klassische Darsteller hauptsächlich Live-Auftritte durchführen. Das Spielen von Instrumenten in der klassischen Musik hat traditionell einen geschlechtsspezifischen Aspekt.

Viele Albumcover für klassische Musikerinnen haben Fotografien, die die körperliche Attraktivität des Künstlers betonen, "oft mit gewagten Bildern". Laut Jessica Duchen, einer Musikautorin für The Independent aus London , werden klassische Musikerinnen „zu oft nach ihrem Aussehen und nicht nach ihrem Talent“ beurteilt und stehen unter dem Druck, „auf der Bühne und auf Fotos sexy auszusehen“. Duchen sagt, dass es zwar Musikerinnen gibt, die sich weigern, auf ihr Aussehen zu spielen, aber diejenigen, die dies tun, dazu neigen, materiell erfolgreicher zu sein.

Orchester

Das Montreal Women's Symphony Orchestra im Jahr 1942

Historisch waren Orchester fast ausschließlich männlich, mit Ausnahme des Harfenspielers, da die Harfe als "Fraueninstrument" galt. Ein Leitartikel einer Musikzeitung aus dem Jahr 1917 in England ermutigte Orchester, Frauen zu erlauben, die "leichteren Instrumente" zu spielen, mit dem Verständnis, dass diese weiblichen Darsteller ihre Positionen nach dem Ersten Weltkrieg an Männer abgeben würden. Um die Wahrscheinlichkeit von geschlechtsspezifischen Vorurteilen zu verringern , begannen einige Orchester in den 1990er Jahren, Vorsingen potenzieller neuer Mitglieder hinter einer Leinwand durchzuführen, so dass das Vorsingungsgremium nicht sehen konnte, ob es sich um einen männlichen oder weiblichen Darsteller handelte. Historisch gesehen gab es eine Tendenz, dass Blechbläsergruppen männlich sind, und einige weibliche Blechbläser haben behauptet, dass es geschlechtsspezifische Vorurteile gegenüber weiblichen Blechbläsern gibt. Eine Studie aus den 1980er Jahren ergab, dass 36% der US-amerikanischen Orchester Frauen waren; 30 % im Vereinigten Königreich und 16 % in Ost- und Westdeutschland. Frauen wurden tendenziell von schlechter bezahlten Orchestern eingestellt und waren in großen Orchestern weniger präsent.

In der Vergangenheit argumentierten die Wiener Philharmoniker , dass "ethnische und geschlechtliche Einheitlichkeit" ihrem Orchester einen besseren Klang verleihe. Mehrere männliche VPO-Musiker erklärten in einem Interview von 1996, dass klassische Musik "geschlechtsspezifische Qualitäten hat, die am deutlichsten durch männliche Uniformität" im Orchester ausgedrückt werden können. Ein männliches VPO-Mitglied erklärte, dass Männer "Geheimnisse tragen, die mit Musik und Klängen zu tun haben, genau wie in australischen Ureinwohner- oder indischen Kulturen, in denen Männer bestimmte Instrumente spielen und nicht die Frauen". Ein männlicher VPO-Darsteller erklärte, dass "Schwangerschaft Probleme mit sich bringt. Sie bringt Unordnung. Ein weiteres wichtiges Argument gegen Frauen ist, dass sie die Solidarität der betreffenden Männer bringen können. Das findet man in allen Männergruppen."

Die Wiener Philharmoniker nahmen Frauen erst 1997 in eine feste Position auf , viel später als vergleichbare Orchester (von den anderen Orchestern , die 2008 von Gramophone zu den Top 5 der Weltrangliste gezählt wurden, berufen die Berliner Philharmoniker zuletzt eine Frau in eine feste Position ). Noch im Februar 1996 sagte der erste Flötist Dieter Flury dem Westdeutschen Rundfunk , die Aufnahme von Frauen sei "ein Spiel mit der emotionalen Geschlossenheit , die dieser Organismus gegenwärtig hat". Im April 1996 schrieb der Pressesprecher des Orchesters, dass "die Kompensation der zu erwartenden Beurlaubungen " des Mutterschaftsurlaubs ein Problem sei.

Klassische Geigerin Sarah Chang, bevor sie 2005 ein Solokonzert aufführte

1997 sah sich das Orchester „mit Protesten während einer [US]-Tournee“ der Nationalen Organisation für Frauen und der Internationalen Vereinigung der Frauen in der Musik konfrontiert . Schließlich, "nachdem sie selbst im sozialkonservativen Österreich immer mehr verspottet wurden, versammelten sich die Orchestermitglieder [am 28. Februar 1997] am Vorabend ihrer Abreise zu einer außerordentlichen Sitzung und stimmten zu, eine Frau, Anna Lelkes, als Harfenistin aufzunehmen. " Ab 2013 hat das Orchester sechs weibliche Mitglieder; eine von ihnen, die Geigerin Albena Danailova, wurde 2008 als erste Frau eine der Konzertmeisterinnen des Orchesters . Der Frauenanteil des Orchesters lag 2012 noch bei nur 6 %, verglichen mit 14 % bei den Berliner Philharmonikern, 30 % beim London Symphony Orchestra und 36 % beim New York Philharmonic . VPO-Präsident Clemens Hellsberg sagte, der VPO nutze jetzt vollständig abgeschirmte Blind Auditions . Sie sagte, es wähle "das Beste, was wir bekommen", was bedeutet, dass die volle Gleichberechtigung der Geschlechter Zeit in Anspruch nehmen würde, wenn ältere Mitglieder in den Ruhestand gehen und neue unter geschlechtsneutralen Bedingungen vorsprechen. Die Tschechische Philharmonie schließt Frauen aus und die Berliner Philharmoniker "hat eine Geschichte der Geschlechterdiskriminierung".

Im Jahr 2013 hieß es in einem Artikel in Mother Jones , dass „[m]alle renommierten Orchester eine bedeutende weibliche Mitgliederzahl haben – Frauen zahlen mehr als Männer in der Violinabteilung des New York Philharmonic – und mehrere renommierte Ensembles, darunter das National Symphony Orchestra , das Detroit Symphony , und die Minnesota Symphony, werden von Geigerinnen geleitet. Blechbläser-, Schlagzeug- und Streich-Bass- Orchester-Sektionen sind immer noch überwiegend männlich."

Solisten

In der klassischen Musik können Solisten unbegleitete Soli auf ihrem Instrument spielen, wie es bei Pianisten vorkommt, die Werke für Soloklavier oder Streichinstrumente spielen, die Barocksuiten für ein Instrument spielen (zB Bach-Suiten für Solocello ). In vielen Fällen werden die Solisten jedoch von einem Pianisten, einem kleinen Kammermusikensemble oder im Falle eines Konzerts von einem kompletten Sinfonieorchester begleitet. In der Saison 2014–2015 waren die meisten Konzertsolisten, die mit großen kanadischen Orchestern auftraten, männlich. Im Vancouver Symphony Orchestra waren 67 % der Konzertsolisten männlich. Im Toronto Symphony Orchestra waren 74 % der Konzertsolisten männlich. Im National Arts Center Orchestra waren 79% der Konzertsolisten männlich. Beim Orchestre Symphonique de Montreal waren 84 % der Konzertsolisten männlich. Als die CBC-Nachrichten über das Geschlechterverhältnis von Konzertsolisten veröffentlicht wurden, bestritt der Dirigent des Vancouver Symphony Orchestra, Bramwell Tovey , die Richtigkeit der Nachrichten in Bezug auf sein Orchester und argumentierte, dass der Artikel nur eine einzige Saison berücksichtigte . Eine international bekannte Solistin ist die Argentinierin Martha Argerich, die als eine der größten Pianistinnen der Schallplattenzeit gilt.

Sänger

Populäre Musik

Madonna wird oft als die Künstlerin bezeichnet, die die Rolle der Frau in der populären Musik verändert hat.

Sänger in der populären Musik singen für Bands und andere Musikgruppen, deren Größe von einem Duo oder einem Power-Trio bis hin zu einer großen Jazz- Bigband reichen kann . Sänger machen normalerweise sowohl Live-Auftritte als auch Studioaufnahmen. Sänger, die Live-Auftritte geben, können in kleinen Veranstaltungsorten wie Kaffeehäusern oder Nachtclubs singen , oder sie können in größeren Veranstaltungsorten auftreten, die von Kunstzentren bis hin zu Stadien reichen. Einige Sänger treten auch in Musikvideos auf, die verwendet werden, um die Lieder zu promoten. In einigen Arten von Musik können Sänger ein spielen Rhythmusinstrument, wie Rhythmus - Gitarre, E - Bass oder ein Schlaginstrument , während sie singen. In einigen Popstilen führen Sänger während der Show choreografierte Tanzbewegungen auf. Drei bekannte Beispiele für Popsänger, die in ihren Live-Shows aufwendige Tanzeinlagen aufführen, sind Madonna , Beyoncé und Britney Spears . Madonna ist eine Schlüsselfigur in der populären Musik; Kritiker haben ihrer Präsenz, ihrem Erfolg und ihren Beiträgen rückblickend zugeschrieben, dass sie nach ihrem Debüt den Weg für jede Künstlerin geebnet und die Musikszene für Frauen in der Musikgeschichte sowie für die heutigen Popstars für immer verändert haben.

Singer-Songwriter und Musikproduzent Bjork kommentierte, wie „die Arbeit und das Fachwissen von Frauen – innerhalb und außerhalb der Musikindustrie – unbemerkt bleiben“. Sie hat erklärt, dass "[I]t unsichtbar ist, was Frauen tun" und "[I]t wird nicht so viel belohnt." Bjork erklärt, "dass ihren männlichen Mitarbeitern normalerweise der Klang ihrer Platten zugeschrieben wird; da sie auf der Bühne hauptsächlich singt, gibt es eine weit verbreitete Annahme, dass sie weder produziert [als Musikproduzentin] noch ein Instrument spielt." Im Jahr 2015, "während Lady Gaga die Auszeichnung Frau des Jahres beim diesjährigen Billboard Women in Music-Event entgegennahm", kommentierte Lady Gaga die "Schwierigkeiten, eine weibliche Aufnahmekünstlerin zu sein". Sie sagte, es sei "manchmal wirklich schwer für Frauen in der Musik. Es ist wie ein Jungsclub, in den wir einfach nicht reinkommen." Sie erklärte, dass sie "so lange versucht habe... [oder] versteh, was du tust, weil du eine Frau bist." In einem Buch der University Press of Kentucky heißt es, dass Kunden eine Frau, die in einem Gitarrenladen arbeitete, nicht so behandelten, als wüsste sie etwas über Gitarren, bis sie spezielle Gitarrenbegriffe verwendete. Die Indie-Folk-Singer-Songwriterin/Gitarristin Ani di Franco erklärt, dass für Frauen in der Vergangenheit selbst das Betreten eines Gitarrenladens ein "Mutakt" war, weil es sich wie ein "Jungenclub" anfühlte. Künstlerinnen spüren nicht nur den Druck, ihren männlichen Kollegen zu gefallen, sondern es ist auch für weibliche DJs schwierig, sich in ein von Männern dominiertes Feld einzufügen.

Chaka Khan (geboren 1953) wird als "Queen of Funk" bezeichnet.

Trotz Funk ‚s Popularität in der modernen Musik, nur wenige Menschen haben die Arbeit des Funk Frauen untersucht. Wie die Kulturkritikerin Cheryl Keyes in ihrem Essay "She Was too Black for Rock and too hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis" erklärt, hat sich der Großteil der Funkforschung auf die kulturelle Arbeit von Männern konzentriert. Sie stellt fest, dass „ Betty Davis eine Künstlerin ist, deren Name als Pionierin in den Annalen von Funk und Rock nicht bekannt ist. Die meisten Schriften zu diesen Musikgenres haben traditionell männliche Künstler wie Jimi Hendrix, George Clinton (von Parliament-Funkadelic) und Bassist Larry Graham als Trendsetter bei der Gestaltung einer Rockmusik-Sensibilität" (35). Bemerkenswerte Funkfrauen sind Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest und Betty Davis .

Im Folgenden sind einige der bestverdienenden Sängerinnen der 2010er Jahre aufgeführt . Eine andere Möglichkeit, die bemerkenswertesten Sänger für diesen Abschnitt auszuwählen, wäre der Beifall der Kritiker , aber dies ist ein subjektiveres Kriterium als das Einkommen. Fast alle dieser Sänger sind auch Songwriter und einige sind auch Musikproduzenten:

Shakira wird allgemein als "Die Königin der lateinamerikanischen Musik" bezeichnet, sie ist auch die meistverkaufte lateinamerikanische Künstlerin.
Süd - koreanische Idol Gruppe Mädchen zweimal . Von links nach rechts: Momo , Jeongyeon , Jihyo , Nayeon , Chaeyoung , Dahyun , Mina , Tzuyu und Sana .

In der ostasiatischen Popmusik waren japanische Idol- Girlgroups in den 2010er Jahren sehr erfolgreich auf dem größten physischen Musikmarkt der Welt – und insgesamt der zweitgrößte – mit 17 Nummer-eins-Singles im Jahr 2017 . Der meistverkaufte unter allen J-Pop- Idol-Girlgroups, AKB48 , ist der meistverkaufte Act in Japan je nach verkauften Singles – und an dritter Stelle nach der Gesamtzahl der verkauften Platten – und hatte auch die meistverkaufte Single im Land jedes Jahr des Jahrzehnts bisher. Auch das meistverkaufte Album des Landes , First Love , das 1999 veröffentlicht wurde, stammt von einer Frau, der japanisch-amerikanischen Sängerin und Songwriterin Utada Hikaru . Auch südkoreanische Idol- Girlgroups waren in den 2010er Jahren sehr erfolgreich, wobei Twice die beste Single des Jahres 2016 des Landes war und seit ihrem Debüt im Oktober 2015 insgesamt 43 Preise gewonnen hat. Ein weiteres sehr erfolgreiches koreanisches Idol-Girl Gruppe in diesem Jahrzehnt ist Blackpink , die den höchsten Platz aller Zeiten für eine K-Pop- Girlgroup in den Billboard Hot 100 erreicht und die erste K-Pop-Girlgroup auf Platz eins der Billboard Emerging Artists- Charts ist. Außerdem haben sie seit ihrem Debüt im August 2016 insgesamt 16 Auszeichnungen gewonnen . K-Pop wird in den USA immer beliebter und viele Idol-Girlgroups erklimmen die Bestenlisten. Die meiste Popularität geht jedoch in Richtung männlicher Gruppen [3] , wobei die Frauen immer noch von dem Konzept eines Clubs nur für Jungen überschattet werden. [4] Chinesische Idol-Girlgroups haben in letzter Zeit ebenfalls bedeutende Erfolge erzielt, mit C-Pop- Gruppen wie SNH48 und Rocket Girls 101 , die später über 1,6 Millionen Exemplare ihrer Debüt- EP im Jahr 2018 verkauften.

Blues

Ma Rainey (1886–1939) war einer der frühesten bekannten amerikanischen professionellen Blues- Sänger und gehörte zur ersten Generation solcher Sänger, die Aufnahmen gemacht haben.

Klassischer weiblicher Blues war eine frühe Form der Bluesmusik, die in den 1920er Jahren populär war. Der Stil ist eine Mischung aus traditionellem Folk-Blues und urbaner Theatermusik und wird auch als Vaudeville-Blues bezeichnet. Klassische Blues-Songs von Sängerinnen wurden von Pianisten oder kleinen Jazz-Ensembles begleitet und waren die ersten Blues-Aufnahmen. Die klassischen Blues-Sängerinnen waren Pioniere der Plattenindustrie , da sie zu den ersten schwarzen Sängerinnen und Blues-Künstlern gehörten, die aufgenommen wurden. Sie waren auch maßgeblich an der Popularisierung des 12-taktigen Blues in den USA beteiligt.

Gertrude "Ma" Rainey (1886-1939), bekannt als die " Mutter des Blues", gilt als die erste, die den Blues als populäre Unterhaltung auf der Bühne aufführte, als sie um 1902 begann, Blues in ihre Showsongs und Comedy zu integrieren Die in New York lebende Kabarettistin Mamie Smith nahm 1920 "Crazy Blues" auf, das über 75.000 Mal verkauft wurde. Smith wurde als "Amerikas First Lady of the Blues" bekannt. 1920 war die Varieté-Sängerin Lucille Hegamin mit "The Jazz Me Blues" die zweite schwarze Frau, die Blues aufnahm. Ethel Waters , Alberta Hunter , Mary Stafford , Katie Crippen , Edith Wilson und Esther Bigeou , unter anderem, machten ihre ersten Aufnahmen vor Ende 1921. Diese Blues-Aufnahmen wurden typischerweise als " Rennrekorde " bezeichnet, um sie von den verkauften Platten zu unterscheiden weißes Publikum. Nichtsdestotrotz wurden die Aufnahmen einiger der klassischen Blues-Sängerinnen auch von weißen Käufern gekauft. Marion Harris war eine der ersten weißen Sängerinnen, die den Blues aufnahm.

Die beliebteste der klassischen Blues-Sängerinnen war die in Tennessee geborene Bessie Smith (keine Verwandtschaft mit Mamie Smith), die erstmals 1923 aufnahm und als „Empress of the Blues“ bekannt wurde. Sie unterschrieb bei Columbia und wurde die bestbezahlte schwarze Künstlerin der 1920er Jahre und nahm über 160 Songs auf. Andere klassische Blues-Sänger, die bis Ende der 1920er Jahre ausgiebig aufnahm, waren Ida Cox , Clara Smith und Sara Martin . Diese frühen Blues-Sänger beeinflussten spätere Sänger wie Mahalia Jackson und Janis Joplin . Die Beiträge dieser Blues-Frauen zum Genre umfassten „verstärkte Improvisation auf melodischen Linien, ungewöhnliche Phrasierungen, die die Betonung und Wirkung der Texte veränderten, und Gesangsdramatiken mit Schreien, Stöhnen, Stöhnen und Jammern. Die Blues-Frauen bewirkten somit Veränderungen in anderen Arten von populärer Gesang, der Ableger im Jazz, Broadway-Musicals , Fackellieder der 1930er und 1940er Jahre, Gospel , Rhythm and Blues und schließlich Rock and Roll hatte .

Land musik

In der Country-Musik kommt es häufig zu Geschlechterdiskriminierung und Sexismus . In jüngerer Zeit hat sich ein beliebtes Subgenre entwickelt: "Bro-Country", das Texte enthält, die Frauen sexuell objektivieren und sie als Vermögenswerte für Männer darstellen. Einige beliebte "Bro-Country" -Künstler sind Luke Bryan , Florida Georgia Line und Blake Shelton . Geschlechterdiskriminierung und Sexismus haben in diesem Genre im Laufe der Zeit an Bedeutung gewonnen und gehen im Vergleich zu einigen Kategorien wie Rap und Pop zurück. Dr. Eric Rasmussen, Professor am College of Media and Communication und der Texas Tech University, argumentiert, dass die Country-Musik der 2010er im Vergleich zu den 1990er und 2000er Jahren (Jahrzehnt) Frauen stärker diskriminiert. Einige der Arten, wie sie diskriminieren, sind, "mehr über das Aussehen von Frauen zu sprechen, Frauen in enger oder freizügiger Kleidung zu zeigen, Frauen mit Objekten zu vergleichen, auf Frauen im Slang [Begriffe] gegenüber ihrem richtigen Namen zu verweisen und Frauen als misstrauisch und betrügerisch darzustellen". ."

"Bro-Country" kann von historischen Aspekten der südlichen Kultur beeinflusst sein, die mit Rassismus und Sexismus in Verbindung gebracht wurden. Frauen in der Country-Musik sind weiterhin mit diesen Problemen konfrontiert und finden oft keine Möglichkeit, direkt damit umzugehen. Kacey Musgraves , eine Aufnahmekünstlerin, beschreibt ihre Erfahrungen mit Sexismus in der Country-Musik mit der Aussage, dass wenn ein Label deinen Song nicht auf den Weg bringen kann, es sofort deiner Persönlichkeit oder der Tatsache angelastet wird, dass du weiblich bist oder dass du es getan hast einem Programmdirektor eines Radiosenders nicht das Gefühl geben, wichtig zu sein. Frauen wie Kacey Musgraves , egal was sie tun oder ändern, werden fast immer von ihren männlichen Konkurrenten in irgendeiner Form unter die Lupe genommen.

Eine große Anzahl von Sängerinnen im Country-Musikgenre hat durch ihren Erfolg die Branche beeinflusst. Trotz der Popularität männlicher Country-Künstler und der Diskriminierung, die in ihrer Musik zum Ausdruck kommt, haben sich viele Künstlerinnen durchgearbeitet und sie zu mehreren Erfolgen geführt.

Dolly Parton, eine Country-Sängerin, die seit über 55 Jahren in der Branche tätig ist, hat eine erfolgreiche Karriere für sich entwickelt. Parton schuf ständig neue Projekte, die sie ihren Fans vorstellte, und wurde von einem Popkulturmagazin mit dem Titel Rolling Stone als "unaufhaltsam" beschrieben . Diese Projekte umfassen über 45 Musikalben, mehrere Filmfeatures, einen Dollywood-Themenpark und die Gründung einer Produktionsfirma.

Carrie Underwood, die legendäre Gewinnerin von American Idol , hat auch im Country-Musik-Genre einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Mit über 251.000 verkauften Einheiten war Underwoods Album Cry Pretty ihr viertes Album, das Platz eins der Billboard 200- Liste erreichte. Blown Away, Play On und Carnival Ride waren die anderen drei Alben, die ebenfalls die Spitze der Charts erreichten. Diese Erfolge führten dazu, dass sie die erste weibliche Sängerin wurde, die vier Country-Alben als Nummer eins in den Billboard 200 aller Genres veröffentlichte . Underwood hatte während ihrer Karriere mehrere andere Nummer Eins und übertraf viele andere beliebte Künstler, da sie einen starken Einfluss auf die weibliche Country-Musikindustrie hatte.

Eine Frauenrechtlerin und Tierliebhaberin, Miranda Lambert, ist eine weitere Frau, von der bekannt ist, dass sie eine dominierende Karriere in der Musikindustrie hat. Ihre Songs mit dem Titel "Over You" und "Heart Like Mine" eroberten 2010 und 2011 die Billboard- Charts und Country-Musik-Radiosender. Als Solokünstlerin schreibt sie ihre Musik durch Ehrlichkeit und Realität. Die Botschaften ihrer Musik sollen anderen Frauen helfen, sich in schwierigen Lebenssituationen nicht allein zu fühlen. Lambert nutzt den Ruhm, den sie sich aus der Musikindustrie verdient hat und arbeitet mit Wohltätigkeitsorganisationen wie der Humane Society zusammen, um etwas zurückzugeben.

Jazz

Während Frauen im Jazz als Instrumentalisten, Komponisten, Songwriter und Bandleader unterrepräsentiert waren, gab es viele bemerkenswerte Sängerinnen. Bessie Smith sang sowohl Blues als auch Jazz. Als Teenager trat Lena Horne zum ersten Mal im Cotton Club auf . Ella Fitzgerald und Billie Holiday waren während der Swing-Ära für ihre Balladen bekannt. Shirley Horn sang sowohl Jazz als auch Blues. Nina Simone sang Jazz, Folk und Rhythm and Blues. Etta Jones sang Rhythm and Blues und Jazz. Anita O'Day ist bekannt für ihre Beiträge zu Bebop. Betty Carter sang während der Post-Bop-Ära. Mary Lou Williams war eine Sängerin und Pianistin während der Swing- und Hardbop-Ära. Sarah Vaughan ist bekannt für ihren Gesang in der Cool Jazz- Ära. Andere bemerkenswerte Sängerinnen sind Rosemary Clooney , Diane Schuur und Flora Purim . Zu den zeitgenössischen Jazzsängern zählen Norah Jones , Diana Krall , Melody Gardot und die Sängerin-Bassistin Esperanza Spalding . Esperanza Spalding hat versucht, lauter zu sprechen und zu mehr Gesprächen über die aktuelle Diskriminierung im Jazz zu drängen. Im Jahr 2017 verbrachte Esperanza Spalding 77 Stunden am Stück damit, ein ganzes Album mit dem Titel Exposure zu erstellen, um sich selbst zu verändern. Es wurde schnell zu "einer Demonstration von unerschrockenem Können und großem Ehrgeiz [1] " und zeigte Tausenden von Menschen [1] eine Frau, die selbstbewusst im männlich dominierten Raum eines Aufnahmestudios arbeitete.

Klassische Musik

Cecilia Bartoli auf der Bühne im Jahr 2008

Klassische Sänger machen in der Regel sowohl Live-Auftritte als auch Aufnahmen. Live-Auftritte können an kleinen Veranstaltungsorten wie Kirchen oder großen Veranstaltungsorten wie Opernsälen oder Kunstzentren stattfinden. Klassische Sänger können in bestimmten Arten von Gesang, wie spezialisieren Kunstlied , das sind Lieder mit Klavierbegleitung oder Oper, die von einem begleitet sang Sinfonieorchester in einem inszenierte, kostümiert Theaterproduktion. Klassische Sänger werden typischerweise nach ihrem Stimmtyp kategorisiert, der sowohl ihren Stimmumfang als auch in einigen Fällen auch die "Farbe" ihrer Stimme angibt. Beispiele für Sprachtypen , die den Bereich von der Stimme eines Sängers umfassen zeigen Altstimme , Mezzosopran und Sopran (diese gehen vom tiefsten Bereich auf den höchsten Bereich). Beispiele für Stimmtypen, die sowohl den Umfang der Sängerin als auch die "Farbe" ihres Stimmtyps angeben, sind Koloratursopran und Lyriksopran . Während Popmusiksänger typischerweise ein Mikrofon und eine Beschallungsanlage für ihren Gesang verwenden, muss bei der klassischen Musik die Stimme natürlich in den Saal projiziert werden, eine Fähigkeit, für die sie eine Gesangsausbildung absolvieren.

Schwarze Frauen

Marian Anderson im Jahr 1940

Marian Anderson (1897–1993) war eine afroamerikanische Altistin, von der der Musikkritiker Alan Blyth sagte: "Ihre Stimme war eine reiche, lebendige Altstimme von innerer Schönheit." Den größten Teil ihrer Gesangskarriere verbrachte sie zwischen 1925 und 1965 mit Konzerten und Liederabenden an großen Musikbühnen und mit berühmten Orchestern in den Vereinigten Staaten und in Europa. Anderson wurde eine wichtige Figur im Kampf für schwarze Künstler, um rassistische Vorurteile in den Vereinigten Staaten zu überwinden während der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. 1939 verweigerten die Daughters of the American Revolution (DAR) Anderson die Erlaubnis, vor einem integrierten Publikum in der Constitution Hall zu singen . Mit Hilfe von First Lady Eleanor Roosevelt und ihrem Ehemann Franklin D. Roosevelt gab Anderson am Ostersonntag, den 9. April 1939, auf den Stufen des Lincoln Memorial in Washington, DC , ein von der Kritik gefeiertes Open-Air-Konzert mehr als 75.000 Menschen und ein Radiopublikum in Millionenhöhe. Anderson weiter Pause Barrieren für schwarze Künstler in den Vereinigten Staaten, die erste schwarze Person, Amerikaner zu werden oder auf andere Weise, an dem zur Durchführung des Metropolitan Opera in New York City am 7. Januar 1955.

Bemerkenswerte Sänger

Eine kurze Liste bemerkenswerter klassischer Sänger umfasst:

Sexismus und Diskriminierung von Musikerinnen

Ob Hip-Hop, Country oder Popmusik , Musikerinnen und Performerinnen aller Genres erfahren Diskriminierung und sexistische Behandlung. Die Behandlung von Frauen in der Musikindustrie wird am besten durch den von Megan Jordan bezeichneten Satz hervorgehoben, der im aktuellen wissenschaftlichen Diskurs stark anerkannt wird: 10X THE TALENT = 1/3 OF THE CREDIT. Die drei prominenten Formen subtiler Diskriminierung, die Sängerinnen erfahren, werden mit Nichtmusikern verwechselt, mangelnde künstlerische Kontrolle im Vergleich zu ihren männlichen Kollegen und ihre Sexualität , ihr Alter und ihre Weiblichkeit werden ständig überprüft. In vielen Fällen werden Musikerinnen in untergeordnete Rollen wie "Spielerei", "Gut für ein Mädchen" und "unsichtbares Accessoire" abgetan. Die meisten Musikprojekte werden von Männern geleitet und die künstlerische Freiheit der Musikerinnen wird durch männliche Bandleader oder Manager eingeschränkt. Eine weitere weit verbreitete Form der Diskriminierung von Sängerinnen und Musikerinnen in der Musikindustrie ist sexuelle Übergriffe . Viele Musikerinnen haben Angst, ihre Erfahrungen mit sexuellen Übergriffen offenzulegen, weil ihre Geschichten als zu sensibel für das "Normale" in der Musikindustrie abgetan werden. An der Wende zum 20. Jahrhundert kamen jedoch viele Sängerinnen wie Kesha , Taylor Swift , Lady Gaga und Dua Lipa mit ihren Geschichten auf den Markt und halfen, die Anti-Belästigungsbewegung mitzugestalten. Darüber hinaus werden im Rahmen der Me Too-Bewegung weitere Geschichten über Fehlverhalten und Diskriminierung in der Musikindustrie überprüft. Als ein Beispiel von vielen hat sich Dua Lipa über Sexismus in der Musikindustrie geäußert und behauptet, dass "Frauen um Anerkennung kämpfen", da der Erfolg großer Künstlerinnen oft von einem "Mann hinter der Frau" diskreditiert wird.

Eine andere Form des Sexismus in der Musikindustrie geht von den in der Musik vorherrschenden Texten aus. Es gibt fünf Hauptthemen in Texten aus allen Genres, die weibliche Diskriminierung erleichtern, hier von Dr. Sarah Neff: "Darstellung von Frauen in traditionellen Geschlechterrollen, Darstellung von Frauen als Männern unterlegen, Darstellung von Frauen als Objekt, Darstellung von Frauen als Stereotypen und Darstellung von Gewalt gegen Frauen." Unter Verwendung einer Reihe sexistischer Marker haben Studien ergeben, dass unzählige Texte sexistische Themen beinhalten, darunter „Frauen in traditionellen Geschlechterrollen darzustellen , Beziehungen zu Frauen auf unrealistische Weise zu beschreiben und den Wert einer Frau ausschließlich auf der Grundlage ihrer körperlichen Erscheinung zuzuschreiben“. Sexismus in der Musik ist für Genres wie Rap und Hip-Hop gut dokumentiert , aber mit neueren Forschungen gilt dies auch für Country-Musik, Rock und andere Genres.

Weltmusik

Bi Kidude (1910er–2013) war eine aus Sansibar stammende tansanische Taarab- Sängerin. Sie ist die „Königin der genannten Taarab und Unyago Musik“.

Frauen spielen eine wichtige Rolle in der Weltmusik , einer Musikkategorie, die viele verschiedene Musikstile aus der ganzen Welt umfasst, darunter ethnische Musik und traditionelle Musik aus Afrika, der Karibik, Südamerika, Asien und anderen Regionen, indigene Musik, neotraditionelle Musik, und Musik, bei der sich mehr als eine kulturelle Tradition vermischt (zB Mischungen aus westlicher Pop- und ethnischer Musik). Der Begriff wurde in den 1980er Jahren als Marketingkategorie für nicht-westliche traditionelle Musik populär.

Die brasilianische Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin Carmen Miranda wurde in den 1930er Jahren als exotische Beilage in Hollywood-Filmen im Westen bekannt , ähnlich wie zuvor die Tänzerin Josephine Baker und nach ihr die Stimme der Exotica Yma Sumac . In den 1960er Jahren war Elis Regina die prominenteste Sängerin in der Bossa Nova der brasilianischen Musik, die die populäre Musik auf der ganzen Welt beeinflusste. In den 1960er und 1970er Jahren wurden auch die argentinische Folksängerin Mercedes Sosa , die Südafrikanerin Miriam Makeba oder die Griechin Maria Farantouri für ihr Engagement gegen die drückende politische Situation in ihren Heimatstaaten ausgezeichnet. Sosa singt „ Gracias a la vida “, Makebas „ Pata Pata “ und Farantouris Zusammenarbeit mit dem Komponisten Mikis Theodorakis waren musikalische Ikonen des Kampfes für Menschenrechte. Die "Königin des Salsa" Celia Cruz wanderte 1966 aus Kuba in die USA aus.

Mit dem steigenden Interesse an der damals so genannten Weltmusik in den 1980er Jahren wurden alte Aufnahmen alteingesessener Künstler für ein globales Publikum wiederentdeckt und weltweit verbreitet; in ihrem Heimatland bekannt – manchmal Stars mit Legendenstatus – wie die arabischen Sänger Umm Kulthum , Asmahan und Fairuz , die algerische Raï- Sängerin Cheikha Rimitti , Asha Bhosle , produktivste Playback-Sängerin für Bollywood- Film-Soundtracks, Romani Esma Redžepova , mexikanische Ranchera- Sängerin Chavela Vargas und die Mahotella Queens aus Südafrika; oder sie wurden zum ersten Mal (von kaukasischen Männchen) wie Cesária Évora aus Kap Verde, Stella Chiweshe aus Simbabwe und Afro-Peruanische Susana Baca aufgenommen .

Es gibt viele bemerkenswerte Weltmusikdarstellerinnen, darunter: Ann Savoy , Bi Kidude , Brenda Fassie , Chabuca Granda , Chava Alberstein , Cleoma Breaux Falcon , Dolly Collins , Elizabeth Cotten , Frehel , Gal Costa , Genua Keawe , Googoosh , Hazel Dickens , Jean Ritchie , Lata Mangeshkar , Lola Beltrán , Lucha Reyes , Lucilla Galeazzi (Die Nacktfotos), Lydia Mendoza , Maria Tanase , Mariam Doumbia , Nada Mamula , Ofra Haza , Oumou Sangare , Rita Marley , Rosa Passos , Roza Eskenazi , Safiye Ayla , Salamat Sadikova , Selda Bagcan , Shirley Collins , Valya Balkanska , Violeta Parra , Warda , Marta Gómez und Zap Mama .

Östliche Musik

arabische Musik

Eine Gruppe von Musikern, darunter weibliche Darsteller, aus einer Musiktheatergruppe in Bagdad in den 1920er Jahren

Arabische Musik , die persischen Ursprungs ist, ist eine Mischung aus der Musik des arabischen Volkes auf der arabischen Halbinsel und der Musik all der verschiedenen Völker, aus denen die arabische Welt besteht. In Ägypten während des Mittelalters wurden männliche Berufsmusiker während dieser Zeit Alateeyeh (Plural) oder Alatee (Singular) genannt, was "ein Spieler auf einem Instrument" bedeutet. Dieser Name gilt jedoch sowohl für Sänger als auch für Instrumentalisten. Männliche Berufsmusiker galten als anrüchig und niederträchtig und verdienten ihren Lebensunterhalt mit Partys. Weibliche Berufsmusiker wurden in Ägypten Awalim (pl) oder Al'meh genannt, was "gelehrte Frau" bedeutet. Diese Sänger wurden oft anlässlich einer Feier im Harem einer wohlhabenden Person engagiert. Sie befanden sich nicht beim Harem, sondern in einem erhöhten Raum, der von einem Sichtschutz verdeckt wurde, um weder vom Harem noch vom Hausherrn gesehen zu werden. Die weiblichen Awalim wurden höher bezahlt als männliche Darsteller und höher angesehen.

Im 9. Jahrhundert wurde der Einsatz von männlichen Instrumentalisten in einer Abhandlung scharf kritisiert, da männliche Musiker mit wahrgenommenen Lastern wie Schach spielen und Liebesgedicht schreiben in Verbindung gebracht wurden . Nach der Invasion Ägyptens gab Napoleon Berichte über den Zustand der osmanischen Kultur in Auftrag. Der Bericht enthüllt, dass es Gilden von männlichen Instrumentalisten gab, die vor männlichem Publikum spielten, und "gelernte weibliche" Sänger/Musiker, die vor weiblichem Publikum sangen und spielten.

chinesische Musik

Ein halber Abschnitt der Song-Dynastie (960-1279) Version der Night Revels of Han Xizai , Original von Gu Hongzhong ; die Musikerinnen in der Bildmitte spielen quer verlaufende Bambusflöten und Guan , und der Musiker spielt einen hölzernen Klöppel namens Paiban .
Fünf der sieben Sterne. Von links nach rechts: Bai Hong , Yao Lee , Zhou Xuan , Li Xianglan , Bai Guang . Der letzte Qi Zhengyin ist keiner der sieben Sterne. (auf dem Bild fehlen Wu Yingyin und Gong Qiuxia )
Mitglieder von SNH48 treten auf. Von links nach rechts: He XiaoYu, Zeng Yanfen , Yi JiaAi ( zh ) und Li Yitong .

In der chinesischen Musik war Musik während der Antike eine wichtige Aktivität für Frauen, insbesondere für gelehrte Frauen. Seit der Antike wurden weibliche Darsteller mit dem Guqin in Verbindung gebracht . Die Guqin ist ein gezupftes siebensaitiges chinesisches Musikinstrument der Zitherfamilie . Es wird traditionell von Gelehrten und Literaten als ein Instrument von großer Subtilität und Raffinesse bevorzugt . Eine bemerkenswerte Guqin-Spielerin war Cai Wenji , die mit dem Stück Hujia Shiba-pai verbunden ist .

Auch in der chinesischen Volksmusik spielen Musikerinnen eine Schlüsselrolle. Im Süden von Fujian und Taiwan ist Nanyin- oder Nanguan-Musik ein Genre traditioneller chinesischer Volksballaden. Es wurde von einer Frau gesungen, die von einer Xiao- Flöte und einer Pipa sowie anderen traditionellen Instrumenten begleitet wurde. Die Musik wird von Minnan Dialekt gesungen. Die Musik ist im Allgemeinen traurig und behandelt typischerweise das Thema einer verliebten Frau.

Die chinesische Popmusik (C-Pop) wurde in den 1930er und 1940er Jahren von den Seven Great Singing Stars dominiert , die in den 1940er Jahren die renommiertesten Sänger Chinas waren. Zhou Xuan , Gong Qiuxia , Yao Lee und Bai Hong entstanden in den 1930er Jahren, während Bai Guang , Li Xianglan und Wu Yingyin in den 1940er Jahren populär wurden. Nach 1949 wurden diese frühen Generationen von C-Pop von der Kommunistischen Partei Chinas als Gelbe Musik denunziert, da sie Popmusik als sexuell unanständig ansah (die Farbe Gelb wird in China mit Erotik und Sex in Verbindung gebracht). Erst nach dem Ende der Kulturrevolution , Anfang der 1980er Jahre, konnte Yellow Music wieder aufgeführt werden.

Heutzutage, nach Chinas umfassenden politischen und kulturellen Veränderungen in den letzten 50 Jahren, emuliert und inspiriert sich die chinesische Popmusik zunehmend von den Stilen der populären Musik Südkoreas ( K-Pop ) und Japans ( J-Pop ). dem es jetzt sehr ähnlich ist. So wurden in den 2010er Jahren mehrere Mädchengruppen gegründet, die sowohl nach japanischem Vorbild wie SNH48 (gegründet 2012) und seinen Schwestergruppen als auch nach koreanischem Modell wie Rocket Girls , die 2018 von den Chinesen gegründet wurden Version einer koreanischen Reality-TV-Talentwettbewerbsshow. Diese Gruppen haben einen beachtlichen Erfolg erzielt, wobei die Debüt- EP von Rocket Girls über 1,6 Millionen Mal verkauft wurde. Trotzdem sind chinesische Solokünstlerinnen im ganzen Land nach wie vor viel beliebter, wie sie es traditionell waren. Zu den beliebtesten chinesischen Solosängerinnen der letzten Zeit zählen Faye Wong, GEM Gloria Tang, Lala Hsu, 胡66, Ada Zhuang , Kelly Yu , 陳粒 ( zh ), Feng Timo , Bibi Zhou , 双笙, Tia Ray , Vanessa Jin ( zh ) und Jane Zhang .

Indische Musik

Die klassische indische Carnatic-Sängerin MS Subbulakshmi (1916–2004)

Indische klassische Musik ist die Kunstmusik des indischen Subkontinents . Die Ursprünge der klassischen indischen Musik finden sich in den hinduistischen Hymnen. Dieser Gesangsstil entwickelte sich zu Jatis und schließlich zu Ragas . Die klassische indische Musik wurde auch maßgeblich von der indischen Volksmusik beeinflusst oder mit ihr synkretisiert. Die wichtigsten Komponisten der historischen indischen klassischen Musiktradition waren Männer. Moderne Sängerinnen sind DK Pattammal , MS Subbalakshmi , Gangubai Hangal , Hirabai Barodekar , Kesarbai Kerkar , Kishori Amonkar , Malini Rajurkar , Mogubai Kurdikar , Prabha Atre , Roshan Ara Begum und Shruti Sadolikar Katkar . Eine Instrumentalistin ist Annapurna Devi .

In der indischen Volksmusik ist Lavani ein in Maharashtra beliebtes Musikgenre , das traditionell von Frauen aufgeführt wird. Bhangra ( Punjabi : ਭੰਗੜਾ) ist eine Form der tanzorientierten Volksmusik des Punjab . Der gegenwärtige Musikstil leitet sich von der nicht-traditionellen musikalischen Begleitung zu den gleichnamigen Riffs des Punjab ab . Der weibliche Tanz der Punjab-Region ist als Giddha ( Punjabi : ਗਿੱਧਾ) bekannt.

In der Musik von Bollywood (dem Zentrum der indischen Filmindustrie) und anderen regionalen Filmindustrien in Indien haben Playback-Sängerinnen eine bedeutende Rolle gespielt, mit den Schwestern Lata Mangeshkar und Asha Bhosle , die hauptsächlich in Hindi-Filmen gearbeitet haben, oft genannt als zwei der bekanntesten und produktivsten Playback-Sänger in Indien. Im Jahr 2011 wurde Bhosle offiziell vom Guinness-Buch der Rekorde als der am häufigsten aufgenommene Künstler der Musikgeschichte anerkannt.

Iranische Musik

Fātemeh Vā'ezi ( persisch : فاطمه واعظی ‎) (* 1950), allgemein bekannt unter ihrem Künstlernamen Parīsā ( persisch : پریسا ), ist eine persische klassische Sängerin und Musikerin.

Seit der iranischen Revolution dürfen iranische Solosängerinnen vor weiblichem Publikum auftreten. Sängerinnen können nur als Teil eines Chores vor männlichem Publikum auftreten. Traditionell war es für Sängerinnen schwierig, öffentlich aufzutreten. Frauen durften nur für religiöse Rituale, genannt Tazieh , auftreten , und Männern war es generell verboten, Frauen zuzuhören. Vor der Revolution konnten iranische Frauen nur privat singen, während der Arbeit, für andere Frauen oder bei Frauenfeiern. Qamar ol-Molouk Vaziri (1905–1959) ist eine der ersten Meisterinnen der persischen Musik. Bemerkenswerte Musikerinnen sind Delkash (1923–2004); Simin Ghanem (geboren 1944); Maryam Akhondy (* 1957), Gründerin des Barbad Ensembles; Persische klassische Gitarristin Lily Afshar ; Sängerin Shakila , Gewinnerin des Persian Academy Award; der Dirigent Soodabeh Salem ; Afsaneh Rasaei ; Pirayeh Pourafar , Gründer des Nava Ensembles und des Lian Ensembles; und Mahsa Vahdat .

Die klassische Sängerin Fatemeh Vaezi (allgemein bekannt unter ihrem Künstlernamen "Parisa") hat Konzerte gegeben, die von einem weiblichen Orchester begleitet wurden. Nach 1986 begann Maryam Akhondy im Exil mit anderen iranischen Musikern zu arbeiten. Im Jahr 2000 gründete Maryam Akhondy die rein weibliche A-cappella-Gruppe Banu, die alte Volkslieder sang, die Teil von Frauenaktivitäten und -feiern waren. Sängerin Sima Bina hat viele Studentinnen unterrichtet. Ghashang Kamkar unterrichtet sowohl männliche als auch weibliche Schüler. Sowohl Ghashang als auch Vaezi haben die patriarchalische Machtstruktur im Iran für ihren Umgang mit Musikerinnen kritisiert. Zu den iranischen Volksmusikkünstlern zählen Sima Bina , Darya Dadvar , Monika Jalili , Ziba Shirazi , Zohreh Jooya und Shushā Guppy . Zu den iranischen Popkünstlern zählen Googoosh , Hayedeh , Mahasti , Leila Forouhar , Pooran und Laleh Pourkarim . Zu den Künstlern der Weltmusik gehören Azam Ali und Cymin Samawatie .

japanische Musik

Die japanische Idol- Girlgroup AKB48 ist nach Anzahl der verkauften Singles der meistverkaufte Act in Japan .

Japan hat den größten physischen Musikmarkt der Welt, mit 2 Mrd. US $ im Jahr 2014 und den zweitgrößte Gesamtmusikmarkt mit einem Gesamtverkaufswert von 2,6 Milliarden Dollar im Jahr 2014. Der physischen Singles Markt dominierte japanische Idol Künstlerinnen, mit 9 der 10 meistverkauften Singles des Landes im Jahr 2015 gehören entweder der Idol-Girlgroup AKB48 oder ihren "Schwester"- und "Rivalen"-Gruppen an. AKB48 hat in den letzten sechs Jahren die meistverkauften Singles des Jahres im Land und die Gruppe ist auch nach der Anzahl der verkauften Singles der meistverkaufte Act in Japan . Die japanisch-amerikanische Sängerin und Songwriterin Utada Hikaru hat das meistverkaufte Album des Landes , First Love .

Jüdische Musik

Es gibt literarische Beweise aus biblischen Büchern wie dem Buch der Richter, dass Frauen (einschließlich Miriam , Deborah und Hannah ) an musikalischen Traditionen teilnahmen, die das Singen von Klageliedern und das Spielen von Instrumenten beinhalteten. Frauen werden jedoch in Bezug auf die Liturgie nicht erwähnt . Frauen wurden schließlich vom liturgischen Gottesdienst ( kolisha ) ausgeschlossen. Obwohl sie weiterhin eine Rolle in den musikalischen Ritualen des häuslichen Bereichs zu Hause, bei Begräbnissen und Hochzeiten spielten, wurden diese Bräuche nicht wie liturgische Musik (und ihre Schöpfer und Interpreten) dokumentiert.

Musikwissenschaftler und Pädagogen

Musikwissenschaftler und Musikhistoriker

Rosetta Reitz (1924–2008) war eine amerikanische Jazzhistorikerin und Feministin , die ein Plattenlabel gründete, das 18 Alben mit der Musik der frühen Frauen des Jazz und des Blues produzierte.

Die große Mehrheit der großen Musikwissenschaftler und Musikhistoriker waren Männer. Dennoch haben einige Musikwissenschaftlerinnen die höchsten Ränge des Berufsstandes erreicht. Carolyn Abbate (* 1956) ist eine US-amerikanische Musikwissenschaftlerin, die an der Princeton University promovierte . Sie wurde von der Harvard Gazette als „eine der versiertesten und am meisten bewunderten Musikhistorikerinnen der Welt“ beschrieben.

Susan McClary (* 1946) ist eine mit der „ Neuen Musikwissenschaft “ verbundene Musikwissenschaftlerin , die feministische Musikkritik in ihre Arbeit einbezieht . McClary hat an der Harvard University promoviert . Eines ihrer bekanntesten Werke ist Feminine Endings (1991), das musikalische Konstruktionen von Geschlecht und Sexualität, geschlechtsspezifische Aspekte der traditionellen Musiktheorie, geschlechtsspezifische Sexualität in der musikalischen Erzählung, Musik als geschlechtsspezifischer Diskurs und Fragen von Musikerinnen behandelt. In dem Buch schlägt McClary vor, dass die Sonatenform (in Symphonien und Streichquartetten verwendet) ein sexistisches oder frauenfeindliches Verfahren sein könnte, das Geschlecht und sexuelle Identität konstruiert . McClarys Conventional Wisdom (2000) argumentiert, dass die traditionelle musikwissenschaftliche Annahme der Existenz "rein musikalischer" Elemente, getrennt von Kultur und Bedeutung, dem Sozialen und dem Körper, ein Dünkel ist, der verwendet wird, um die sozialen und politischen Imperative der Weltanschauung zu verschleiern, die der klassische Kanon, der von vermeintlich objektiven Musikwissenschaftlern am meisten geschätzt wird.

Andere bemerkenswerte Wissenschaftlerinnen sind:

Ethnomusikologen

Frances Densmore (1867 – 1957) war eine amerikanische Anthropologin und Ethnographin, die für ihr Studium der Musik und Kultur der amerikanischen Ureinwohner bekannt ist.

Ethnomusikologen studieren die vielen Musiken auf der ganzen Welt, die ihre kulturellen, sozialen, materiellen, kognitiven, biologischen und anderen Dimensionen oder Kontexte betonen, anstatt oder zusätzlich zu ihrer isolierten Klangkomponente oder einem bestimmten Repertoire. Ethnomusikologie – ein von Jaap Kunst geprägter Begriff aus den griechischen Wörtern ἔθνος ( ethnos , „Nation“) und μουσική ( mousike , „Musik“) – wird oft als Anthropologie oder Ethnographie der Musik bezeichnet. Anfangs war die Musikethnologie fast ausschließlich auf nicht-westliche Musik ausgerichtet, umfasst heute aber auch die Erforschung westlicher Musik aus anthropologischer, soziologischer und interkultureller Perspektive.

Frauen haben auch bedeutende Beiträge in der Ethnomusikologie geleistet, insbesondere an der Schnittstelle von Gender Studies und Ethnomusikologie. Ellen Koskoff, emeritierte Professorin an der Eastman School of Music, hat sich intensiv mit Gender in der Ethnomusikologie beschäftigt. Koskoff war auch Präsident der Society for Ethnomusicology und moderierte eine Radiosendung mit dem Titel "What in the World is Music?"

In „An Introduction to Women, Music, and Culture“ (1987) argumentiert Koskoff, dass Musik, die von Frauen gespielt wird, „abgewertet“ wird und in einigen Fällen sogar als „Nichtmusik“ betrachtet wird, obwohl sie „musikalische Form“ hat. Koskoff erklärt, dass die Unterscheidung, dass Männer öffentliche Sphären und Frauen private, häusliche Sphären besetzen, „nicht notwendigerweise zwei getrennte und in sich geschlossene Musikkulturen geschaffen hat, sondern eher zwei differenzierte, aber sich ergänzende Hälften der Kultur. Sie begründet dies damit, dass „in den meisten Gesellschaften angenommen wird, dass die Identität einer Frau in ihrer Sexualität verankert ist“, „eine der häufigsten Assoziationen zwischen Frauen und Musik... die primäre sexuelle Identität und Rolle der Frau mit der Musikdarbietung verbindet“. Basierend auf dieser Assoziation argumentiert Koskoff, dass „vier Kategorien von Musikdarbietungen im Zusammenhang mit den Beziehungen zwischen den Geschlechtern entstehen: (1) Darbietungen, die das etablierte soziale/sexuelle Arrangement bestätigen und erhalten; (2) Leistung, die die etablierten Normen zu wahren scheint , um andere, relevantere Werte zu schützen; (3) Leistung, die protestiert, aber die Ordnung aufrechterhält (oft durch symbolisches Verhalten); und (4) Leistung, die die etablierte Ordnung herausfordert und bedroht“.

Bemerkenswert ist auch die Arbeit von Deborah Wong, Professorin an der University of California, Riverside. Wong ist bekannt für ihren Fokus auf die Musik Südostasiens, asiatisch-amerikanisches Musikmachen und hat auch Taiko oder japanisch-amerikanisches Trommeln studiert.

Andere bemerkenswerte weibliche Ethnomusikologen sind:

Musikpädagogen

Ein Musiklehrer, der 1943 ein Musikensemble an einer Grundschule leitete

Während Musikkritiker in den 1880er Jahren argumentierten, dass "Frauen aufgrund "biologischer Veranlagung" die angeborene Kreativität fehlte, um gute Musik zu komponieren, wurde später akzeptiert, dass Frauen eine Rolle in der Musikausbildung spielen würden , und sie engagierten sich in diesem Bereich, "um so stark, dass Frauen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und bis weit ins 20. Jahrhundert die Musikausbildung dominierten." "Traditionelle Berichte über die Geschichte der Musikausbildung [in den USA] haben oft die Beiträge von Frauen vernachlässigt, weil diese Texte Bands und die Spitzenführer in hierarchischen Musikorganisationen betont haben." Wenn man über diese Bandleader und Top-Führungskräfte hinausblickt, hatten Frauen viele musikpädagogische Rollen in "Heimat, Gemeinde, Kirchen, öffentlichen Schulen und Lehrerbildungseinrichtungen" und "als Schriftsteller, Mäzene und durch ihre ehrenamtliche Arbeit in Organisationen".

Trotz der Einschränkungen auf der Rolle der Frauen in der Musikerziehung im 19. Jahrhundert eingeführt wurden Frauen als angenommenen Kindergarten Lehrer, weil dies als wurde eine „Privatsphäre“ sein. Frauen unterrichteten auch privat Musik in Mädchenschulen, Sonntagsschulen und bildeten Musikerinnen in Schulmusikprogrammen aus. Um die Jahrhundertwende begannen Frauen als Musikbetreuerinnen an Grundschulen, als Lehrerinnen an Regelschulen und als Musikprofessoren an Universitäten zu arbeiten. Frauen wurden auch in Berufsverbänden in der Musikausbildung aktiver, und Frauen präsentierten Papiere auf Konferenzen.

Eine Frau, Frances Clarke (1860-1958) gegründet , um die Musik Supervisors National Conference in 1907. Während eine kleine Anzahl von Frauen als Präsident der Musik Supervisors National Conference (und den folgenden umbenannten Versionen der Organisation im nächsten Jahrhundert) servierte in der Jahrhunderts gab es zwischen 1952 und 1992 nur zwei weibliche Präsidenten, was "möglicherweise Diskriminierung widerspiegelt". Nach 1990 öffneten sich jedoch Führungsrollen für Frauen in der Organisation. Von 1990 bis 2010 gab es fünf weibliche Präsidenten dieser Organisation. Weibliche Musikpädagogen "überwiegen Männer zwei zu eins" im Unterrichten von allgemeiner Musik, Chor, Privatunterricht und Klavierunterricht. In der Regel werden mehr Männer in der Bandausbildung, in der Verwaltung und im Jazz eingestellt, und mehr Männer arbeiten an Hochschulen und Universitäten. Laut Dr. Sandra Wieland Howe gibt es für Frauen in musikpädagogischen Berufen noch immer eine „ gläserne Decke “, da Frauen in Führungspositionen „stigmatisiert“ werden und „Männer mehr Frauen in Führungspositionen haben“.

Bemerkenswerte Persönlichkeiten

  • Julia Crane (1855–1923) war eine amerikanische Musikpädagogin , die eine Schule, die Crane School of Music in Potsdam, New York , gründete, die erste Schule speziell für die Ausbildung von Musiklehrern an öffentlichen Schulen. Sie gehört zu den wichtigsten Persönlichkeiten in der Geschichte der amerikanischen Musikausbildung. Crane war ein Schüler von Manuel García . Crane wurde 1986 in die Music Educators Hall of Fame aufgenommen. Seit 2015 ist die Crane School of Music eine von drei Schulen der State University of New York (SUNY) in Potsdam . Es hat 630 Studenten und 30 Studenten und eine Fakultät von 70 Lehrern und professionellen Mitarbeitern.
  • Cornelia Schröder-Auerbach  [ de ] (1900-1997), Musiker, Musikwissenschaftler, Pianist und Organist, studierte Musikwissenschaft in Breslau , München , Jena und Freiburg im Breisgau , wo sie machte sie in Musikwissenschaft Promotion im Jahr 1928 ihr Vorgesetzter war Wilibald Gurlitt . Laut dem Professor der Texas State University, Nico Schüler, war sie die erste Frau, die in Musikwissenschaft promovierte. 1930 gründete sie mit Peter Harlan und ihrem Mann, dem Komponisten Hanning Schröder  [ de ] das für diese neue Gattung wegweisende Harlan Trio für historisch informierte Aufführungen , auch basierend auf ihrer Forschung in Clavichordmusik und Kompositionen. Mit der Machtübernahme durch die Nazis und deren antisemitischer Diskriminierung wurde der nicht gläubigen Protestantin Schröder-Auerbach 1934 ein öffentliches Auftrittsverbot erteilt, weil ihre vier Großeltern jüdisch gewesen waren. Ab Anfang 1944 nahm sie unter verschleierter sogenannter arischen Identität als Kirchenorganistin, Chorleiterin und Musiklehrerin öffentliche Musikaufführungen in Dargun wieder auf , nach 1945 setzte sie dies fort und vernetzte sich auch im Musikverband des Landesverbandes Mecklenburg des Kulturvereins der DDR . 1952 trat sie in die DDR- Akademie der Künste in Ost-Berlin ein , wo sie das 1945 durch die Zerstörung der Vorgängerbauwerke Preußische Akademie der Künste verlorene Musikarchiv wiederaufbaute . Im amerikanischen Sektor von Berlin lebend, wurde sie 1959 von der Ost-Berliner Akademie entlassen. Sie arbeitete auch als Autorin, Lexikographin, Musikkritikerin für den Berliner Börsen-Kurier , Radiosender und die Deutsche Grammophon .
  • Carolynn Lindeman (geboren 1940) studierte am Oberlin College Conservatory of Music , der Mozarteum Academy, der San Francisco State University und der Stanford University , wo sie ihren Doktor der Musikalischen Künste erhielt . Von 1973 bis 2005 war sie Professorin an der San Francisco State University. Von 1996 bis 1998 war sie Präsidentin der Music Educators National Conference. Sie war Herausgeberin der Reihe "Strategies for Teaching". Sie "erkennt die Diskriminierung des Geschlechts in der Wissenschaft an."
  • June Hinckley (1943–2007) promovierte an der Florida State University . Sie war Supervisorin für Musik und bildende Kunst in Brevard County in Florida. Sie schrieb Artikel über Musikpädagogik. Von 1998 bis 2000 war sie Präsidentin der Music Educators National Conference.
  • Lynn Brinckmeyer promovierte an der University of Kansas . Sie war außerordentliche Professorin und Direktorin für Chormusikausbildung an der Texas State University . Von 2006 bis 2008 war sie Präsidentin der Music Educators National Conference.
  • Barbara Geer ist Absolventin der University of North Carolina . Sie war Musikberaterin für ein Schulsystem in North Carolina und war von 2008 bis 2010 Präsidentin der Music Educators National Conference.
  • Grace Harriet Spofford (1887–1974) war eine US-amerikanische Musikpädagogin und Administratorin. Sie machte 1909 ihren Abschluss am Smith College und später am Peabody Conservatory of Music mit Abschlüssen in Klavier (1913) und Orgel (1916). Ihre erste Anstellung in der Pädagogik hatte sie direkt nach ihrer Zeit bei Smith als Klavierlehrerin an der Hochschule Heidelberg (heute Universität Heidelberg) . Nachdem er Peabody besucht hatte, wurde Spofford dort Klavierlehrer und später Administrator. Von 1924 bis 1931 war sie die erste Dekanin des Curtis Institute of Music in Philadelphia. Von 1935 bis 1954 war sie Direktorin der Musikschule Henry Street Settlement . Sie war maßgeblich verantwortlich für die Auftragsvergabe von The Second Hurricane , einer Theaterstück-Oper von Aaron Copland und Edwin Denby . Nach seiner Pensionierung beschäftigte sich Spofford mit internationalen Musikbeziehungen. Zwischen 1954 und 1963 war sie dreimal Vorsitzende für Musik des International Council of Women , während dessen der Rat die Aufnahme von Orchesterwerken von fünf Komponistinnen förderte: Mabel Wheeler Daniels , Miriam Gideon , Mary Howe , Julia Perry und Louise Talma . 1964 und 1966 war Spofford Delegierter des International Music Council . 1968 wurde sie von der National Federation of Music Clubs für „herausragende Verdienste um die Musik im Bereich der Menschenrechte“ geehrt.
  • Sharon Isbin , Gründungsdirektorin der Gitarrenabteilung an der Juilliard School und mehrfache Grammy-prämierte klassische Gitarristin. 1989 schuf sie den Master of Music, Graduate Diploma und Artist Diploma für klassische Gitarre an der Juilliard School und schrieb Geschichte, indem sie ihre erste Gitarrenfakultät und Gründungsdirektorin der Gitarrenabteilung wurde; 2007 ergänzte sie das Programm um den Bachelor of Music und das Undergraduate Diploma und 2018 den Doctor of Musical Arts. Isbin ist als Solistin mit über 200 Orchestern aufgetreten und hat mehr Konzerte als jeder andere Gitarrist in Auftrag gegeben. Sie ist Autorin des Classical Guitar Answer Book und Direktorin der Gitarrenabteilung beim Aspen Music Festival.

Dirigieren

US Army Captain Sharon Toulouse leitete 2008 ein Militärmusikensemble

Die meisten professionellen Orchesterdirigenten sind männlich; Der Guardian bezeichnete das Dirigieren als „eine der letzten gläsernen Decken der Musikindustrie“. In einem Artikel aus dem Jahr 2013 heißt es, dass in Frankreich von 574 Konzerten nur 17 von Frauen dirigiert wurden und keine Frauen an der National Opéra in Paris dirigiert wurden . Bachtrack berichtete, dass in einer Liste der 150 besten Dirigenten der Welt in diesem Jahr nur fünf Frauen waren. Eine kleine Anzahl von Dirigenten hat sich zu internationalen Spitzendirigenten entwickelt. Im Januar 2005 dirigierte die australische Dirigentin Simone Young als erste Frau die Wiener Philharmoniker . 2008 wurde Marin Alsop , ein Schützling von Leonard Bernstein , als erste Frau Musikdirektorin und Chefdirigentin eines großen US-amerikanischen Orchesters, als sie die Spitzenposition beim Baltimore Symphony gewann . Es gab "Proteste von einem großen Teil der Baltimore Symphony, als sie zum ersten Mal zur Musikdirektorin ernannt wurde", aber seit dieser Zeit "rollt der Beifall ein." 2014 leitete Alsop als erste Dirigentin das Last Night of the Proms- Konzert – eines der wichtigsten klassischen Musik-Events in Großbritannien – in seiner 118-jährigen Geschichte.

Während es im professionellen Orchester an Frauen mangelt, zeigen neuere Studien, dass es im Dirigierberuf selbst an Geschlechter- und Rassenvielfalt mangelt. Es gibt einen klaren Unterschied zwischen der geringen Zahl weißer Frauen in diesem Bereich im Vergleich zu weißen Männern, aber es gibt eine noch geringere Zahl anderer rassischer und ethnischer Identitäten. Der Anteil nicht-weißer Musiker in der Orchesterbelegschaft – insbesondere der afroamerikanischen und hispanischen/lateinamerikanischen Musiker – ist weiterhin äußerst gering. Der Orchesterbereich bleibt weiterhin überwiegend weiß. Positionen wie Dirigenten, Führungskräfte und Mitarbeiter werden von Weißen dominiert, insbesondere von weißen Männern. In hochrangigen Führungspositionen sind Frauen oder Farbige nach wie vor selten. Allerdings verringerte sich die Kluft zwischen den Geschlechtern Anfang der 1990er Jahre, wobei Musikerinnen in den zwei Jahrzehnten seither zwischen 46% und 49% des gesamten Musikerpools ausmachten. In den Jahren 1980 bis 2014 hat sich der Anteil diverser Musiker auf der Bühne vervierfacht, was hauptsächlich auf eine Zunahme von Musikern mit asiatischem / pazifischem Inselhintergrund zurückzuführen ist. Im Laufe der Jahre wurde den Geschlechter- und Rassenunterschieden in diesem Bereich mehr Aufmerksamkeit geschenkt. Dieses Bewusstsein hat positive Auswirkungen im Bereich der Orchestrierung. Daten über Dirigenten aus den Jahren 2006 bis 2016 zeigen einen allmählichen, aber stetigen Trend zu größerer ethnischer und ethnischer Vielfalt, wobei der Anteil der Afroamerikaner, Latinos / Hispanoamerikaner, Asiaten / Pazifikinsulaner, indianischen / alaskischen Ureinwohner und anderer nicht-weißer Dirigenten zunimmt von 15,7 % im Jahr 2006 auf 21 % im Jahr 2016. Obwohl die Weißheit und die Geschlechterdominanz der Männer in diesem Bereich rekonstruiert wurden, bleibt noch viel zu tun.

Viele Frauen im Orchestrierungsberuf erfahren Formen der Diskriminierung, sei es aufgrund des Geschlechts, der Rasse oder beidem. Frauen wurden anfangs nicht ermutigt, professionell zu spielen, weil dies von der Gesellschaft als unangemessen erachtet wurde. Frauen galten außerdem als weder stark genug noch geschickt genug, um andere Instrumente als das Klavier zu spielen oder anstrengende Probenpläne zu überleben. Als erste Afroamerikanerin gewann Jeri Lynne Johnson einen internationalen Dirigierpreis, als sie 2005 das Dirigierstipendium Taki Concordia erhielt. Sie ist Gründerin und Musikdirektorin des Black Pearl Chamber Orchestra, des ersten multiethnischen professionellen Orchesters in Philadelphia . Als Absolventin des Wellesley College und der University of Chicago ist sie Dirigentin, Komponistin und Pianistin. Von 2001 bis 2004 war sie stellvertretende Dirigentin des Chamber Orchestra of Philadelphia . Sie hat Orchester auf der ganzen Welt geleitet, darunter das Colorado Symphony , das Bournemouth Symphony (UK) und die Weimarer Staatskapelle (Deutschland). Neben den prominenten Dirigenten Marin Alsop und JoAnn Falletta wurde Frau Johnson in der NBC Today Show als eine der führenden Dirigenten des Landes gefeiert.

Laut der britischen Redakteurin von Radio 3, Edwina Wolstencroft, „ist die Musikwelt glücklich, weibliche Darstellerinnen zu haben … seit langem … [;] Aber Autorität und Macht in der Öffentlichkeit zu besitzen ist eine andere Sache haben es schwer. Unsere Gesellschaft ist resistenter gegen Frauen, die in der Öffentlichkeit mächtig sind, als Frauen, die unterhaltsam sind." Der geringe Anteil weiblicher Dirigenten liegt nicht daran, dass Frauen nicht an Musikschulen studieren; 2009 und 2012 waren fast die Hälfte der Promovierten Frauen.

Die Wende für die Rechte der Frauen in der Musik begann 1848 die feministische Bewegung in Amerika. Die Bewegung beflügelte alle Frauen, für gleiche Rechte in einer Vielzahl von Bereichen wie Wahlen, Bildung, Beschäftigung und Ehe zu kämpfen. Während die Frauenrechtsbewegung den Beginn der Einbeziehung von Frauen in den Bereich der Orchestrierung bedeutete, gab es immer noch Hindernisse, die diese Frauen überwinden mussten. Vor allem farbige Frauen wurden mit vielen Stereotypen konfrontiert, die den Wert ihrer Arbeit in Frage stellten. Tatsächlich wurde die Arbeit schwarzer Frauen in diesem Bereich genauer untersucht als die ihrer weißen Kollegen. Ein klassisches Beispiel dafür ist eine 1996 von Elliot Charles für das Bulletin of the Council for Research in Music Education durchgeführte Studie. Elliot untersuchte:

Ob Rasse und Geschlecht die Beurteilung musikalischer Darbietungen beeinflusst haben. Vier Trompeter und vier Flötisten wurden auf Video aufgezeichnet und spielten denselben Musikausschnitt. Für jedes Instrument dienten ein weißes Männchen, ein weißes Weibchen, ein schwarzes Männchen und ein schwarzes Weibchen als Modelle. Um den Audioteil der Studie zu kontrollieren, verwendete der Forscher zwei aufgezeichnete Aufführungen, eine für die Trompeten und eine für die Flöten. Dies erzeugte das gleiche Audio für alle Trompeten- und Flötenaufführungen. College-Musik-Majors bewerteten jede Aufführung auf einer Likert-Skala. Die Ergebnisse zeigten, dass schwarze Darsteller jedes Geschlechts und Instruments signifikant schlechter bewertet wurden als weiße Darsteller. Die niedrigsten Bewertungen erhielten schwarze männliche und weibliche Trompeter.

Dieses Beispiel zeigt, dass in dieser Zeit geschlechtsspezifische Diskriminierung weit verbreitet war, aber auch Rassendiskriminierung muss berücksichtigt werden.

Sexismus, Rassismus und Geschlechterdiskriminierung

Dirigentinnen waren im 19. und 20. Jahrhundert mit Sexismus, Rassismus und Geschlechterdiskriminierung konfrontiert. "Um diese scheinbare Beschäftigungsbarriere zu überwinden, haben sich Frauen ihre eigenen Möglichkeiten geschaffen, indem sie ausschließlich weibliche Orchester gründeten und organisierten"; ein Beispiel ist das Fadette Women's Orchestra in Boston, das 1888 von der Dirigentin Caroline B. Nichols gegründet wurde. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts wurden eine Reihe weiterer rein weiblicher Orchester gegründet, deren Dirigenten Frauen leiteten. Es ist sowohl interessant als auch ironisch, dass etwas, das als "universal" angesehen wird, historisch Frauen (mit Ausnahme bestimmter stereotyp definierter Rollen) und insbesondere Frauen in Bezug auf Farbe ausgeschlossen hat. Damit wird der Tatsache Rechnung getragen, dass die Unterrepräsentanz von Frauen im Dirigieren als Sexismus-, aber auch als Rassismus-Thema gesehen wird.

Dirigentinnen sind auch in den ersten Jahrzehnten des 21. Jahrhunderts weiterhin mit Sexismus und Geschlechterdiskriminierung konfrontiert. In den 2010er Jahren machten mehrere bemerkenswerte männliche Dirigenten und Musiker sexistische Aussagen über weibliche Dirigenten. 2013 rief Vasily Petrenko , der Chefdirigent des Oslo Philharmonic und des Royal Liverpool Philharmonic , Empörung hervor, als er einer norwegischen Zeitung sagte, dass 'Orchester besser reagieren, wenn ein Mann vor ihnen steht.' Er sagte auch, dass "wenn Frauen Familien haben, es schwierig wird, so engagiert zu sein, wie es im Geschäft gefordert wird". Bruno Mantovani , der Direktor des Pariser Konservatoriums , gab ein Interview, in dem er sexistische Äußerungen über Dirigenten machte. Mantovani sprach das "Problem der Mutterschaft " an und stellte die Fähigkeit von Frauen in Frage, den körperlichen Herausforderungen und Belastungen des Berufes standzuhalten, die seiner Meinung nach "Dirigieren, Flugzeug nehmen, ein anderes Flugzeug nehmen, wieder Dirigieren" beinhalten. Yuri Temirkanov , der Musikdirektor der St. Petersburger Philharmoniker , machte in einem Interview im September 2013 sexistische Äußerungen über weibliche Dirigenten: "Das Wesen des Dirigentenberufs ist Stärke. Das Wesen einer Frau ist Schwäche." Der finnische Dirigent Jorma Panula machte 2014 sexistische Äußerungen über weibliche Dirigenten; er erklärte, dass "Frauen [Dirigenten nicht]... besser werden – nur schlechter", was er eine "rein biologische Frage" nannte.

Bemerkenswerte Dirigenten

Bemerkenswerte weibliche Dirigenten sind:

Musikkritiker

Populäre Musik

Amerikanische Popmusikkritikerin Ann Powers (Bild 2007)

Laut Anwen Crawford besteht das "Problem für Frauen [populäre Musikkritiker] darin, dass unsere Rolle in der populären Musik vor langer Zeit kodifiziert wurde", was bedeutet, dass "[B]bücher von lebenden Rockkritikerinnen (oder Jazz, Hip-Hop und Tanzmusikkritiker) sind dürftig". Crawford stellt fest, dass die „berühmtesten Rockmusikkritiker – Robert Christgau , Greil Marcus , Lester Bangs , Nick Kent – alle männlich sind“.

Der Soziologe Simon Frith stellte fest, dass Pop- und Rockmusik „eng mit dem Geschlecht verbunden sind, das heißt mit Konventionen des männlichen und weiblichen Verhaltens“. Sowohl populäre Musikartikel als auch wissenschaftliche Artikel über Popmusik werden laut Holly Kruse in der Regel aus "männlichen Fachpositionen" geschrieben. Außerdem gibt es relativ wenige Frauen, die im Musikjournalismus schreiben: "Bis 1999 schwankte die Zahl der weiblichen Redakteure oder leitenden Autorinnen beim Rolling Stone um...15%, [während] bei Spin und Raygun [war] es ungefähr 20 %." Genderkritik wurde 2014 in einem Jezebel- Artikel über die Kämpfe von Frauen im Musikjournalismus diskutiert , geschrieben von der Musikkritikerin Tracy Moore, zuvor Redakteurin bei der Nashville Scene .

Die amerikanische Musikkritikerin Ann Powers hat als Kritikerin und Journalistin einer populären, von Männern dominierten Branche Kritiken zur Wahrnehmung von sexuellen, rassischen und sozialen Minderheiten in der Musikindustrie verfasst. Sie hat auch über Feminismus geschrieben. 2006 nahm sie eine Stelle als Chefkritikerin für Popmusik bei der Los Angeles Times an , wo sie die Nachfolge von Robert Hilburn antrat . Im Jahr 2005 schrieb Powers gemeinsam mit der Musikerin Tori Amos das Buch Piece by Piece , das die Rolle der Frau in der modernen Musikindustrie diskutiert und Informationen über Komponieren, Tourneen, Aufführungen und die Realitäten des Musikgeschäfts enthält.

Anwen Crawford, eine Autorin für The Monthly, hat zu Jessica Hoppers Buch mit Essays und Profilen mit dem Titel The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic beigetragen . Crawfords Artikel „erkundet den langen Kampf von Frauen um Sichtbarkeit und Anerkennung im Bereich der Rockkritik, obwohl wir von Anfang an dabei geholfen haben, Pionierarbeit zu leisten“. Crawford erklärt, dass „[d]er Plattenladen, der Gitarrenladen und jetzt soziale Medien: Wenn es um populäre Musik geht, werden diese Orte zu Bühnen für die Demonstration männlicher Fähigkeiten“; „[weibliche Expertise] wird, wenn sie erscheint, wiederholt als betrügerisch abgetan. Jede Frau, die jemals eine Meinung über populäre Musik gewagt hat, könnte Ihnen eine Variation [dieser Erfahrung] bieten … und eine anerkannte „Expertin“ werden (a Musiker, Kritiker) wird [Frauen] nicht vor Fälschungsvorwürfen retten."

Bemerkenswerte populäre Musikkritiker sind:

Klassische Musik

Marion Lignana Rosenberg (1961–2013) war Musikkritikerin, Autorin, Übersetzerin, Rundfunksprecherin und Journalistin. Sie schrieb für viele Zeitschriften, darunter Salon.com , The New York Times und Playbill .

"Das National Arts Journalism Program (NAJP) an der Columbia... hat 2005 eine umfangreiche Studie über Kunstjournalismus in Amerika abgeschlossen. Sie fanden heraus, dass "der durchschnittliche Kritiker klassischer Musik ein weißer, 52-jähriger Mann mit einem Abschluss ist". Grades , aber 26 Prozent aller Kritiker sind weiblich.'" William Osborne weist jedoch darauf hin, dass diese 26% alle Zeitungen einschließen, einschließlich regionaler Zeitungen mit geringer Auflage. Osborne stellt fest, dass "die großen US-Zeitungen, die die öffentliche Meinung beeinflussen, praktisch keine klassischen Kritikerinnen haben". Die einzigen weiblichen Kritiker großer US-Zeitungen sind Anne Midgette ( New York Times ) und Wynne Delacoma ( Chicago Sun-Times ). Midgette war die "erste Frau, die in der gesamten Geschichte der Zeitung über klassische Musik berichtete". Susannah Clapp , eine Kritikerin von The Guardian – einer Zeitung, die eine klassische Musikkritikerin hat – gab im Mai 2014 an, dass sie erst damals erkannt habe, „was für eine Seltenheit“ eine weibliche Klassikkritikerin im Journalismus sei.

Bemerkenswerte weibliche Kritiker der klassischen Musik sind:

Andere Musikberufe

Plattenproduktion und Tontechnik

In einem Artikel von Sound on Sound aus dem Jahr 2013 heißt es, dass es "wenige Frauen in der Plattenproduktion und Tontechnik " gibt. Ncube stellt fest, dass "[n]inety-five Prozent der Musikproduzenten männlich sind, und obwohl es weibliche Produzenten gibt, die in der Musik großartige Leistungen erbringen, sind sie weniger bekannt als ihre männlichen Kollegen." "Nur drei Frauen wurden jemals als beste Produzentin bei den Briten oder den Grammys nominiert ", und keine gewann beide Auszeichnungen. "Frauen, die in das [produzierende] Feld eintreten wollen, stehen einem Jungenclub oder einer Gildenmentalität gegenüber ".

Trotzdem nehmen Frauen die Herausforderung seit den 1940er Jahren an. Mary Shipman Howard war in den 1940er Jahren Ingenieurin in New York City. Lillian McMurry war in den 1950er Jahren Plattenproduzentin und Gründerin von Trumpet Records. Eine der ersten Frauen, die auf ihrem eigenen Rock'n'Roll -Musiklabel Musik produziert, entwickelt, arrangiert und promotet, war Cordell Jackson (1923–2004). 1956 gründete sie das Label Moon Records in Memphis und begann auf dem Label Singles zu veröffentlichen und zu promoten, die sie in ihrem Heimstudio aufgenommen hatte, wo sie als Toningenieurin, Produzentin und Arrangeurin tätig war. Ethel Gabriel hatte eine 40-jährige Karriere bei RCA und war die erste Major-Label-Plattenproduzentin.

Trina Shoemaker ist Mischerin, Plattenproduzentin und Toningenieurin, die für die Produktion/Entwicklung und/oder Mischung von Platten für Bands wie Queens of the Stone Age , Sheryl Crow , Emmylou Harris , Something for Kate , Nanci Griffith und viele mehr verantwortlich ist. 1998 gewann Shoemaker als erste Frau den Grammy Award für das beste Engineered Album für ihre Arbeit an The Globe Sessions . Neben Crow arbeitete Shoemaker mit Künstlern wie Blues Traveler , Emmylou Harris , den Indigo Girls und den Dixie Chicks zusammen .

Andere bemerkenswerte Frauen sind:

DJs und Turntables

Ein DJ, der bei einem Live-Event zwei Plattenspieler mischt

Frauen in der Musik sind oft hauptsächlich in Gesangsrollen in der populären Musik zu sehen, und es gibt relativ wenige weibliche DJs oder Turntablists in Hip-Hop-Musik , House-Musik , Nu Metal und anderen Genres, an denen DJs und Turntablists teilnehmen. Tatsächlich sind alle diese Genres sehr männlich dominiert. Ein Teil davon kann auf einen allgemein niedrigen Frauenanteil in audiotechnologiebezogenen Berufen wie Tontechnik und Produktion zurückzuführen sein. Im Jahr 2007 schrieb Mark Katz in seinem Artikel "Men, Women, and Turntables: Gender and the DJ Battle", dass "sehr wenige Frauen kämpfen; die Angelegenheit ist seit Jahren ein Gesprächsthema unter Hip-Hop-DJs". Im Jahr 2010 erklärte Rebekah Farrugia, dass „die männliche Ausrichtung der EDM-Kultur“ zu „einer Marginalisierung von Frauen in diesen [EDM] Räumen“ beiträgt. Während Turntablismus und breitere DJ-Praktiken nicht miteinander vermischt werden sollten, schlägt Katz vor, dass die Verwendung oder Nichtnutzung des Turntables durch Frauen aus allen Genres und Disziplinen von dem beeinflusst wird, was er als "männliche Technophilie" definiert. Die Historikerin Ruth Oldenziel stimmt in ihren ingenieurwissenschaftlichen Schriften dieser Idee der Sozialisation als zentralem Faktor der mangelnden Auseinandersetzung mit Technik zu. Sie erklärt: „Eine ausschließliche Fokussierung auf das vermeintliche Versagen von Frauen, das Feld zu betreten ... reicht nicht aus, um zu verstehen, wie unsere stereotypen Vorstellungen entstanden sind; es neigt dazu, die Beweislast vollständig auf die Frauen zu legen und sie für ihre vermeintlich Unzulänglichkeiten verantwortlich zu machen Sozialisation, ihr Mangel an Ehrgeiz und ihr Mangel an maskulinen Werten. Eine ebenso herausfordernde Frage ist, warum und wie Jungen technische Dinge lieben, wie Jungen historisch als Technikbegeisterte sozialisiert wurden."

DJ Virgin ist ein in London ansässiger DJ.

Lucy Green hat sich auf das Geschlecht in Bezug auf Musiker und Musikschaffende konzentriert und insbesondere auf Bildungsrahmen in Bezug auf beide. Sie schlägt vor, dass die Entfremdung der Frauen von "Bereichen mit starker technologischer Tendenz wie DJing, Tontechnik und Produktion" "nicht unbedingt mit ihrer Abneigung gegen diese Instrumente zu tun hat, sondern mit der unterbrechenden Wirkung ihrer dominant maskulinen Umrisse". Trotzdem engagieren sich Frauen und Mädchen zunehmend einzeln und kollektiv in Turntable- und DJ-Praktiken und "schaffen sich Räume in der EDM- und DJ-Kultur". Es gibt verschiedene Projekte, die sich der Förderung und Unterstützung dieser Praktiken widmen, wie zum Beispiel Female DJs London. Einige Künstler und Kollektive gehen über diese Praktiken hinaus, um die Geschlechter einzubeziehen. Discwoman zum Beispiel, eine in New York ansässige Kollektiv- und Booking-Agentur, beschreibt sich selbst als "Repräsentant und Präsentation von Cis-Frauen, Trans-Frauen und genderqueeren Talenten".

Bewegungen, Organisationen, Events und Genres

Frauenmusik

Bernice Johnson Reagon (geboren 1942) ist Sängerin, Komponistin, Wissenschaftlerin und soziale Aktivistin, die 1973 das A-cappella- Ensemble Sweet Honey in the Rock gründete. Sie war eine wichtige Figur in der Musikszene der Frauen.

Frauenmusik (auch Womyn 's Music oder Wimmin's Music) ist Musik von Frauen, für Frauen und über Frauen. Das Genre entstand als musikalischer Ausdruck der feministischen Bewegung der zweiten Welle sowie der Arbeiter- , Bürgerrechts- und Friedensbewegung . Die Bewegung (in den USA) wurde von Lesben wie Cris Williamson , Meg Christian und Margie Adam , afroamerikanischen Musikern (darunter Linda Tillery , Mary Watkins , Gwen Avery) und Aktivisten wie Bernice Johnson Reagon und ihrer Gruppe Sweet Honey ins Leben gerufen the Rock und Friedensaktivistin Holly Near . Frauenmusik bezieht sich auch auf die breitere Industrie der Frauenmusik, die über die darstellenden Künstlerinnen hinausgeht und Studiomusiker , Produzenten, Toningenieure , Techniker , Coverkünstler, Verleiher, Promoter und Festivalorganisatoren umfasst, die ebenfalls Frauen sind.

Organisationen

Internationale Allianz für Frauen in der Musik

Die International Alliance for Women in Music (IAWM) ist eine internationale Organisation von Frauen und Männern, die sich der Förderung und Förderung der Aktivitäten von Frauen in der Musik verschrieben hat, insbesondere in den Bereichen der musikalischen Tätigkeit wie Komponieren , Aufführen und Forschen, in denen Gender Diskriminierung ist ein historisches und anhaltendes Problem. Die IAWM greift in den Bemühungen um die Programmierung der Musik zu erhöhen weibliche Komponisten , zur Bekämpfung der Diskriminierung weiblicher Musiker, darunter als Sinfonieorchester Mitglieder und Konten der Beiträge von Frauen Musikern in Universitätsmusik aufzunehmen Lehrplänen . Um die Geschlechterdiskriminierung zu beenden , führte die IAWM in den 1990er Jahren erfolgreiche Boykotte der amerikanischen Konzerte der Wiener Philharmoniker ; die "VPO-Überwachung" geht weiter. Die Interessenvertretung der Organisation hat dazu beigetragen, dass Komponistinnen in die Lehrbücher der Musikgeschichte der Colleges aufgenommen wurden .

Frauen in der Musik (WIM-NY)

Women in Music (WIM-NY) ist eine amerikanische Organisation mit Sitz in New York City, die 1985 gegründet wurde. Sie hat sich zum Ziel gesetzt, "die Talente von Frauen in der Musik zu unterstützen, zu fördern und anzuerkennen". WIM-NY veranstaltet Aktivitäten und Veranstaltungen, darunter "Seminare, Panels und Networking-Events". Außerdem vergibt es jährlich Touchstone Awards an Frauen in der Musik. Zu den WIM-NY-Mitgliedern zählen „Führungskräfte von Plattenfirmen, Künstlermanager, Songwriter, Musiker, Anwälte, Toningenieure, Agenten, Publizisten, Studiobesitzer, Musikverleger, Online- und traditionelle Vermarkter“ aus „allen Musikgenres und allen Bereichen der [Musik] ] Industrie." Präsidentin ist seit 2015 die Anwältin Neeta Ragoowansi und Vizepräsidentin ist die Anwältin Jennifer Newman Sharpe. Seit 2015 gehören dem Vorstand Frauen von Nielsen Music, Warner Music Group, Ableton , Downtown Music Publishing und dem Berklee College of Music an .

Frauen in der Musik Kanada

Women in Music Canada Professional Association (WIMC) ist eine Organisation mit Sitz in Toronto, Ontario, die im Jahr 2012 gegründet wurde. Sie ist eine staatlich registrierte gemeinnützige Organisation, die sich zum Ziel gesetzt hat, "die Gleichstellung in der Musikindustrie durch die Unterstützung und Frauenförderung." WIMC wird von der Bundesregierung, dem FACTOR-Programm, der Regierung von Ontario und Slaight Music finanziell unterstützt.

Frauen in der Musik (WIM-UK)

Women in Music (WIM-UK) ist eine britische „Mitgliedsorganisation, die das Musizieren von Frauen in allen Musikrichtungen feiert“. WIM-UK arbeitet daran, "das Bewusstsein für Gender-Themen in der Musik zu schärfen und Musikerinnen in ihrer beruflichen Entwicklung zu unterstützen". Die Website von WIM-UK bietet Informationen zu Wettbewerben und Stellenangeboten. WIM-UK führt eine Umfrage über die Zahl der Komponistinnen, Dirigenten und Solisten durch, die bei den BBC PROMS, dem "größten Klassikfestival der Welt", auftreten. Bei den Proms 2015 machten Komponistinnen 10 % des Programms aus, weibliche Dirigenten 4 % der 50 Dirigenten und weibliche Instrumentalsolisten 30 %.

Now Girls Rule (Mexiko)

Elis Paprika , Gründerin von Now Girls Rule, tritt 2019 beim Playtime Festival in der Mongolei auf

Now Girls Rule ist eine feministische Organisation in Mexiko, die für die Stärkung und Förderung von Künstlerinnen und von Frauen geführten Acts und Bands gegründet wurde, die von Frauen geschaffene Musik feiert, Räume schafft und die Kunstszene in Mexiko erweitert, indem sie sich auf die Schaffung neuer Generationen von Künstlern durch Bildung und Inspiration. Now Girls Rule wurde 2014 von der unabhängigen mexikanischen Rockmusikerin Elis Paprika gegründet und erhielt den Namen von ihrer Single "Now Girls Rule", die in diesem Jahr veröffentlicht wurde und in der Elis andere wichtige lateinamerikanische Künstlerinnen, Sandrushka Petrova und Ana Cristina Mo von der Band Descartes a Kant, Renee Mooi und Vanessa Zamora . Elis Paprika hat im Laufe ihrer Karriere immer wieder darauf aufmerksam gemacht, dass die mexikanische Musikszene trotz der enormen Anzahl talentierter Künstlerinnen historisch an der Förderung und Schaffung geeigneter Räume und Möglichkeiten für Frauen in der Musik versagt hat.

Jetzt bietet Girls Rule jährliche Veranstaltungen wie: Girl Camps mit Musik und Fanzine-Designunterricht für junge Mädchen im Alter von 7 bis 17 Jahren, bei denen jede Lehrerin eine etablierte Künstlerin aus der mexikanischen Szene ist. Jetzt hat Girls Rule dieses Format geschaffen, damit junge aufstrebende Künstlerinnen direkt Frauen treffen und von ihnen lernen können, die ihre Träume verfolgt und daran gearbeitet haben, von ihrer Kunst zu leben, damit sie inspiriert werden können, eine Karriere in Musik und Kunst zu entwickeln. Jetzt Girls Rule Nights , eine Reihe von Live-Konzerten, bei denen etablierte Künstlerinnen und Bands mit Frontfrauen auftreten, und gleichzeitig aufstrebende Acts mit Frontfrauen einladen, um neue Menschenmengen dazu zu bringen, sie live zu sehen. Now Girls Rule Networkings ist ein Ort, an dem professionelle Frauen unterschiedlicher Herkunft und Künstlerinnen zusammenkommen, um sich zu treffen und über ihre Arbeit zu sprechen, in der Hoffnung, ihre Kräfte in neuen Unternehmungen und Projekten zu bündeln. La Marketa , der erste rein weibliche Künstlerbasar in Mexiko, wurde geschaffen, damit Künstler ihre Waren direkt an ihre Fans verkaufen und 100 % ihres Umsatzes behalten können. La Marketa ist eine haustierfreundliche Veranstaltung für alle Altersgruppen, Geschlechter und Live-Auftritte einiger Künstler. Elis Paprika moderiert auch den Now Girls Rule Podcast , eine wöchentliche Show über den Señal VL-Kanal von Vive Latino , die Musik von Künstlerinnen oder Frontfrauen-Acts zeigt, die Elis auf Tourneen auf der ganzen Welt kennengelernt hat.

Riot Grrrl

Carrie Brownstein von der Punk-Indie-Band Sleater-Kinney trat 2005 im Vegoose auf

Riot grrrl ist eine feministische Hardcore-Punk- Bewegung im Untergrund , die ursprünglich in den frühen 1990er Jahren in Washington, DC und im größeren pazifischen Nordwesten , merklich in Olympia, Washington, begann . Es wird oft mit dem Feminismus der dritten Welle in Verbindung gebracht , der manchmal als Ausgangspunkt angesehen wird. Es wurde auch als ein Musikgenre beschrieben, das aus dem Indie-Rock hervorgegangen ist, wobei die Punkszene als Inspiration für eine musikalische Bewegung diente, in der sich Frauen so ausdrücken konnten, wie es in den letzten Jahren Männer getan hatten.

Riot Grrrl-Bands befassen sich oft mit Themen wie Vergewaltigung, häuslicher Gewalt , Sexualität , Rassismus, Patriarchat und weiblicher Ermächtigung . Mit der Bewegung verbundene Bands sind Bikini Kill , Bratmobile , Heavens to Betsy , Excuse 17 , Huggy Bear , Cake Like , Skinned Teen , Emily's Sassy Lime , Sleater-Kinney und auch Queercore- Gruppen wie Team Dresch . Neben einer Musikszene und einem Genre ist Riot Grrrl eine Subkultur mit DIY-Ethik , Zines , Kunst, politischer Aktion und Aktivismus. Riot Grrrls sind dafür bekannt, Treffen abzuhalten, Chapter zu gründen und Frauen in der Musik zu unterstützen und zu organisieren.

Die Verwendung des Wortes „Mädchen“ sollte auf eine Zeit hinweisen, in der Mädchen am wenigsten vom gesellschaftlichen Druck beeinflusst sind und daher das stärkste Selbstwertgefühl haben – die Kindheit. Die Wut hinter der Bewegung wurde durch die alternative Schreibweise des Wortes als "grrrl" bemerkt, was wie ein Knurren klingt.

Sie nahmen an einer neuen Art von Punk-Feminismus teil, die die Idee des Do-it-yourself förderte, Manifeste austauschte und gemischte Bänder ihrer Lieblingsbands austauschte , um die Nachricht zu verbreiten. Sie waren es leid, dass Frauen aus der Geschichte gestrichen oder ihre Erfahrungen falsch interpretiert und von anderen ignoriert wurden. Als Reaktion auf patriarchale Gewalt, Adultismus und Heterozentrismus beschäftigte sich Riot grrrl mit negativen emotionalen Ausdrücken und einer Rhetorik, die der des Feminismus und der Punk-Ästhetik ähnelt. Das feministische Argument, dass das Persönliche politisch ist, wurde in dem von Riot grrrl dargelegten Bild aufgegriffen, ähnlich wie in der Punk-Kultur, dass Selbstverwirklichung nicht in äußeren Kräften zu finden ist, sondern im wahren Selbst eines Individuums. Durch das Erkennen und Neubewerten der institutionellen Strukturen, die individuelle Erfahrungen in sozialen Situationen beeinflussen, kann ein Individuum das Wissen erlangen, sich selbst besser kennenzulernen und sich daher anderen zu präsentieren, damit diese es genau kennen. Riot grrrl nannte diese Bewegung Selbstverwirklichung, Mädchenliebe – „Mädchen lernen, sich selbst und einander zu lieben, gegen die Kräfte, die sie sonst zerstört oder sich selbst zerstören würden“.

Der begleitende Slogan „Jedes Mädchen ist ein Aufstand Grrrl“ verstärkte die Solidarität, die Frauen untereinander finden konnten. Dies schuf eine intime Ästhetik und sentimentale Politik, die sich in der Produktion von Zines (einer verkürzten Version von "Fanzines") gut ausdrückt. Zines waren handgefertigt und wurden von Personen hergestellt, die mit einfachen Gegenständen wie Schere, Kleber und Klebeband direkt mit ihren Lesern in Kontakt treten wollten. Sie riefen Ungerechtigkeiten auf und stellten die Normen in Frage, die typischerweise den Ausdruck von Sexualität und häuslichem Missbrauch lenkten, und boten Frauen einen Raum, um persönliche Geschichten auszutauschen, auf die sich viele andere beziehen konnten. Sie forderten Mädchen und Frauen gleichermaßen auf, in einer politischen Atmosphäre, die sie aktiv zum Schweigen zu bringen versuchte, für sich selbst einzustehen. Die geteilten persönlichen Geschichten wurden manchmal mit einer Einstellung konfrontiert, die die Kommunikation auf "es sind nur Mädchen in ihren Schlafzimmern, ausgebreitete Tagebücher und dann sie schicken sie sich gegenseitig" reduziert, während die Wahl zu teilen auf diese Weise war es eine ästhetische.

Inmitten dieser Sensibilisierung mussten die Riot Grrrls die Verallgemeinerungen ansprechen, die für sie funktionierten, aber nicht auf farbige Frauen zutreffen konnten. Schließlich konnten nicht alle Mädchen riot grrrl sein, denn das Fehlen von Privilegien hinderte sie daran, an Handlungen wie dem Schreiben von "SLUT" über ihren Bauch teilzunehmen, um sexuelle Entscheidungsfreiheit zurückzugewinnen. Obwohl diese Leistung ernst ist, hatte Rassismus bereits farbige Frauen als diesen Begriff bezeichnet. Wie Kearny bemerkte, "ist die von den Riot Grrrls gezeigte Geschlechtsabweichung ein Privileg, zu dem nur weiße Mädchen der Mittelschicht Zugang haben." Ein weiterer Aspekt dieser Notwendigkeit eines inklusiven Diskurses ergab sich aus der Vorliebe der Bewegung für konkretes Wissen und einer Missachtung des Abstrakten, die theoretische Forschung fördern würde.

Feste

Frauen-Musik - Festivals, die auch genannt werden können womyn ‚s Musik - Festivals, wurden seit den 1970er Jahren statt. Einige Frauenmusikfestivals werden für Lesben organisiert. Das erste Frauenmusikfestival fand 1973 an der Sacramento State University statt. Im Mai 1974 fand in Champaign-Urbana, Illinois, das erste National Woman's Music Festival statt, das von Kristin Lems, Studentin der University of Illinois , gegründet wurde . Es feierte vom 2. bis 5. Juli 2015 sein 40-jähriges Bestehen in Middleton, Wisconsin und fachliche Fähigkeiten von Frauen" aus verschiedenen, multikulturellen Gemeinschaften, einschließlich Frauen mit Behinderungen. Während die meisten Teilnehmer Frauen sind, können Männer teilnehmen. Das Michigan Womyn's Music Festival wurde 1976 ins Leben gerufen und wurde zum größten Festival in den Vereinigten Staaten.

Ein Beispiel für ein Festival , das auf die Musik konzentriert sich die Frauen in der Musik Festival vom gehalten University of Rochester ‚s Eastman School of Music . Das Festival begann 2005 als eine Feier des Beitrags von Frauen zu Komposition, Aufführung, Lehre, Wissenschaft und Musikverwaltung. Von seinen bescheidenen Anfängen mit Eastman-Studenten und Fakultätsmitgliedern, die Musik von Komponistinnen aufführten, hat sich das Festival um zusätzliche Konzerte und Veranstaltungen in ganz Rochester, NY, erweitert und beherbergt Composer-in-Residence, darunter Tania León (2007), Nancy Van de Vate (2008), Judith Lang Zaimont (2009), Emma Lou Diemer (2010) und Hilary Tann (2011). Das Festival hat mehr als 291 verschiedene Werke von 158 Komponisten präsentiert.

Viele andere Festivals wurden seit Mitte der 1970er Jahre in den Vereinigten Staaten und Kanada ins Leben gerufen und variieren in der Größe von einigen Hundert bis zu Tausenden von Teilnehmern. Das Los Angeles Women's Music Festival begann 2007 mit über 2500 Besuchern. Zu den Veranstaltungen außerhalb der USA zählen das Sappho Lesbian Witch Camp in der Nähe von Vancouver, British Columbia in Kanada und das Sistajive Women's Music Festival in Australien. Einige Festivals konzentrieren sich auf die lesbische Gemeinschaft, wie das 1988 ins Leben gerufene Ohio Lesbian Festival in der Nähe von Columbus Ohio; Christian Lesbians Out (CLOUT), das Anfang August in Washington, DC, ein Treffen abhält; The Old Lesbian Gathering, ein Festival in Minneapolis, Minnesota; und RadLesFes, eine Veranstaltung, die Mitte November in der Nähe von Philadelphia, Pennsylvania, stattfand. Feministisch orientierte Festivals umfassen das Southern Womyn's Festival in Dade City, Florida; das Gulf Coast Womyn's Festival in Ovett, Missouri; Wiminfest in Albuquerque, New Mexico; Womongathering, das Festival der Spiritualität von Womyn; das Michigan Womyn's Music Festival in der Nähe von Hart, Michigan; und das Midwest Womyn's Festival in DeKalb, Illinois.

Während sich Frauenmusikfestivals auf Musik konzentrieren, unterstützen sie viele andere Facetten der lesbischen und feministischen Kultur. Einige Festivals sind so konzipiert, dass sie der Musik und Kultur von Frauen einen sicheren Raum bieten . Viele Festivals finden auf College-Campus oder in abgelegenen ländlichen Gebieten statt, wo die Teilnehmer auf Campingplätzen übernachten. Viele Festivals bieten Workshops zu Kunst-, Handwerks-, Fitness- und Sportveranstaltungen an, die Frauen in der Mainstream-Kultur möglicherweise nicht finden. In ihrem Buch Eden Built by Eves beschreibt Bonnie Morris, wie Frauenmusikfestivals Frauen in allen Phasen ihres Lebens dienen. Da die Festivals von Frauen organisiert werden, werden für Frauen in der Regel Kindertagesstätten und Kinderbetreuungseinrichtungen angeboten. Festivals bieten oft einen sicheren Raum für Coming-of-Age- Rituale für junge Frauen, Romantik- und Verlobungszeremonien für Erwachsene, den Ausdruck alternativer Perspektiven auf die Mutterschaft und den Ausdruck von Trauer und Verlust.

Lilith Fair

Lilith Fair -Mitbegründerin Sarah McLachlan

Lilith Fair war ein Konzertreise- und Wandermusikfestival, das ausschließlich aus weiblichen Solokünstlern und von Frauen geführten Bands bestand. Es wurde von dem kanadischen Musiker gründete Sarah McLachlan , Nettwerk Music Group ‚s Dan Fraser und Terry McBride und New York Talent - Agent Marty Diamond. Es fand in den Sommern 1997 bis 1999 statt und wurde im Sommer 2010 wiederbelebt. McLachlan organisierte das Festival, nachdem sie von Konzertveranstaltern und Radiosendern frustriert war, die sich weigerten, zwei Musikerinnen hintereinander zu präsentieren. Entgegen der üblichen Branchenweisheit buchte sie eine erfolgreiche Tour für sich und Paula Cole . Mindestens einer ihrer gemeinsamen Auftritte – in McLachlans Heimatstadt am 14. September 1996 – hieß „Lilith Fair“ und beinhaltete Auftritte von McLachlan, Cole, Lisa Loeb und Michelle McAdorey , ehemals von Crash Vegas .

Im nächsten Jahr gründete McLachlan die Lilith Fair Tour unter Lilith von der mittelalterlichen jüdischen Legende , dass Lilith war Adam s erste Frau. 1997 sammelte Lilith Fair 16 Millionen US-Dollar brutto ein und war damit das umsatzstärkste Festival aller Tourneen. Unter allen Konzertreisen in diesem Jahr war es die 16. Das Festival erhielt mehrere abwertende Spitznamen, darunter "Breast-fest", "Girlapalooza" und "Clam Jam".

Siehe auch

Verweise

Weiterlesen

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