Méret Oppenheim - Méret Oppenheim

Méret Oppenheim
Méret Oppenheim
	Negativ des Röntgenbildes von Meret Oppenheims Schädel, 1964
Geboren	Meret Elisabeth Oppenheim ; 6. Oktober 1913; Berlin , Deutsches Reich
Ist gestorben	15. November 1985 (72 Jahre); Basel , Schweiz
Ausbildung	Académie de la Grande Chaumière , Kunstgewerbeschule Basel
Bekannt für	Malerei , Skulptur , Poesie
Bemerkenswerte Arbeit	Objekt: Frühstück im Pelz (1936) ; Meine Amme (1936) ; Giacomettis Ohr (1933)
Bewegung	Surrealismus , Konzeptualismus
Auszeichnungen	Kunstpreis der Stadt Basel

Meret (oder Méret) Elisabeth Oppenheim (6. Oktober 1913 – 15. November 1985) war eine in Deutschland geborene Schweizer surrealistische Künstlerin und Fotografin.

Frühen Lebensjahren

Meret Oppenheim wurde am 6. Oktober 1913 in Berlin geboren. Benannt wurde sie nach Meretlein, einem wilden Waldkind, aus dem Roman Grüner Heinrich von Gottfried Keller. Oppenheim hatte zwei Geschwister, eine Schwester Kristin (geb. 1915) und einen Bruder Burkhard (geb. 1919). Ihr Vater, ein deutsch-jüdischer Arzt, wurde bei Kriegsausbruch 1914 zur Armee eingezogen. Folglich zogen Oppenheim und ihre Mutter, die Schweizerin, zu Oppenheims Großeltern mütterlicherseits nach Delémont, Schweiz. In der Schweiz war Oppenheim schon in jungen Jahren einer Fülle von Kunst und Künstlern ausgesetzt. Oppenheim ließ sich auch von ihrer Tante Ruth Wenger inspirieren, insbesondere von Wengers Hingabe an die Kunst und ihrem modernen Lebensstil. In den späten 1920er Jahren wurde Oppenheim mit verschiedenen Kunstwerken in Verbindung mit Moderne, Expressionismus, Fauvismus und Kubismus konfrontiert.

1928 wurde Oppenheim durch ihren Vater in die Schriften von Carl Jung eingeführt und wurde inspiriert, ihre Träume aufzuzeichnen. Oppenheim interessierte sich für Jungs analytischen Ansatz, insbesondere für seine Animus-Anima-Theorie . Oppenheim hat zeitlebens ihre eigenen Träume sorgfältig analysiert und detailliert in ihren Schriften niedergeschrieben. Sie versuchte, sie zu verwenden, wenn sie „grundlegende Lebensfragen“ ansprach. Ebenso verwendete Oppenheim im Laufe der Jahre Ikonographie und Motive aus Jungs Archetypen in ihrer Arbeit; typische Motive, die Oppenheim verwendet, sind Spiralen und Schlangen. Oppenheim verzichtete auf den Begriff der „weiblichen Kunst“ und übernahm Jungs ideale androgyne Kreativität in ihre Kunst, in der männliche und weibliche Aspekte gleichzeitig wirkten.

Einen weiteren starken Einfluss auf Oppenheim hatte das Werk von Paul Klee , das 1929 Gegenstand einer Retrospektive in der Kunsthalle Basel war und Oppenheim für die Möglichkeiten der Abstraktion weckte.

Im Mai 1932 zog Oppenheim im Alter von 18 Jahren von Basel in die Schweiz nach Paris und besuchte sporadisch die Académie de la Grande Chaumière , um Malerei zu studieren. Ihr erstes Studio war ein Hotelzimmer im Montparnasse Hotel in Paris. Zu dieser Zeit produzierte sie hauptsächlich Gemälde und Zeichnungen. 1933 lernte Oppenheim Hans Arp und Alberto Giacometti kennen . Nachdem sie ihr Atelier besucht und ihre Arbeiten gesehen hatte, luden Arp und Giacometti sie ein, an der Surrealisten-Ausstellung im „Salon des Surindépendants“ in Paris vom 27. Oktober bis 26. November teilzunehmen. Oppenheim lernte später André Breton kennen und begann an Treffen im Café de la Place Blanche mit dem surrealistischen Kreis teilzunehmen. Sie beeindruckte die Surrealisten mit ihrem hemmungslosen Verhalten. Kurz nachdem sie begann, regelmäßig Treffen mit Bretonen und anderen Bekannten zu besuchen, schlossen sich Oppenheims Kreis um andere surrealistische Künstler wie Marcel Duchamp, Max Ernst und Man Ray an. Der konzeptionelle Ansatz von Marcel Duchamp , Max Ernst und Francis Picabia wurde für ihre Arbeit wichtig.

Karriere

1936 hatte Meret Oppenheim ihre erste Einzelausstellung in Basel , Schweiz, in der Galerie Schulthess . Bis 1960 beteiligte sie sich weiterhin an surrealistischen Ausstellungen. Viele ihrer Arbeiten bestanden aus Alltagsgegenständen, die auf weibliche Sexualität und weibliche Ausbeutung durch das andere Geschlecht anspielten. Oppenheims Malerei konzentrierte sich auf die gleichen Themen. Ihre überbordende Charakterstärke und ihr Selbstbewusstsein prägten jedes ihrer Werke und vermittelten eine gewisse angenehme Auseinandersetzung mit Leben und Tod. Ihre Originalität und Kühnheit machten sie zu einer führenden Figur der surrealistischen Bewegung. In Oppenheim: Object wurde sie beschrieben, dass sie das Ideal des 'Femme-Enfant' des männlichen Surrealismus verkörperte und verkörperte.

1937 kehrte Oppenheim nach Basel zurück und damit begann ihre künstlerische Blockade. Sie kämpfte, nachdem sie Erfolg hatte, und machte sich Sorgen um ihre Entwicklung als Künstlerin. Oppenheim arbeitete meist in spontanen Schüben und zerstörte manchmal ihre Arbeit. Oppenheim unterbrach ihre künstlerische Laufbahn 1939 nach einer Ausstellung in der von René Drouin begonnenen Galerie René Drouin in Paris . In der Ausstellung war sie neben vielen Künstlern zu sehen, darunter Leonor Fini und Max Ernst . Bis in die 1950er Jahre teilte sie keine Kunst mehr mit der Öffentlichkeit. Oppenheim kehrte dann zu ihrem "ursprünglichen Stil" zurück und basierte ihre neuen Kunstwerke auf alten Skizzen und früheren Arbeiten und Kreationen.

Oppenheims bekanntestes Kunstwerk ist Object (Le Déjeuner en fourrure) [Object (Frühstück im Pelz)] (1936). Oppenheims Objekt besteht aus Teetasse, Untertasse und Löffel, die sie mit dem Fell einer chinesischen Gazelle überzogen hat. Das Fell repräsentiert eine wohlhabende Frau; der hohle, aber runde Kelch kann an weibliche Genitalien erinnern; der Löffel mit seiner phallischen Form erotisiert das behaarte Objekt zusätzlich. Angeregt durch ein Gespräch, das Oppenheim mit Pablo Picasso und seiner Geliebten Dora Maar im Café Deux Magots über ein von ihr getragenes Pelzarmband führte, schuf Oppenheim Object , um Untertasse, Löffel und Teetasse von ihrer ursprünglichen Funktion als Gebrauchsgegenstand zu befreien. Der Betrachter kann so beim Betrachten von Object Emotionen der Freude und des Staunens spüren und gleichzeitig die Funktionalität jedes seiner Komponenten hinterfragen. Der von Breton entwickelte Titel des Kunstwerks wurde sowohl von Leopold Sacher-Masochs Roman Venus im Pelz als auch von Edouard Manets Dejeuner sur l'herbe inspiriert . Im selben Jahr seiner Entstehung wurde Object von Alfred Barr für die Sammlung des Museum of Modern Art in New York gekauft und in die erste surrealistische Ausstellung des Museums mit dem Titel Fantastic Art: Dada and Surrealism aufgenommen . Oppenheim war bereit, ihr Kunstwerk für tausend Francs zu verkaufen, aber Barr bot ihr nur 50 Dollar an und sie nahm an. Dies war das erste surrealistische Kunstwerk, das das Museum erwarb, und Oppenheim wurde als First Lady des MoMA bekannt.

Oppenheims Objekt war eine der Hauptkräfte, die zu ihrer langen künstlerischen Krise führte, da sie nach der Ausstellung durch Barr in New York steil an Popularität gewann. Obwohl es Oppenheim zu großem Ruhm verholfen hat, bestärkte Object die Überzeugung der Öffentlichkeit, dass Oppenheim nur den Surrealismus praktizierte, was ihrer Meinung nach ihre Freiheit des künstlerischen Ausdrucks und die Erforschung anderer künstlerischer Stile behinderte. Tatsächlich wurde Object so bekannt, dass viele Missverständnisse über Oppenheim und ihre Kunst entstanden. Zum Beispiel glaubten viele fälschlicherweise, dass Oppenheim hauptsächlich Objekte aus Pelz herstellte. Als Künstlerin des Objekts bekannt , war Oppenheim aufgrund der öffentlichen Erwartung an den Surrealismus gebunden, eine Verbindung, die sie zu vermeiden versuchte. Jahrzehnte später, 1972, kommentierte sie die Dominanz ihrer Karriere künstlerisch, indem sie eine Reihe von „ Souvenirs “ von Le Déjeuner en fourrure herstellte . Das Objekt wurde auch weithin durch eine Freudsche Linse interpretiert und im symbolischen Sinne als weibliche sexuelle Referenz gesehen.

Ihr ganzes Leben lang war Oppenheim bereit, für Fotografen zu posieren. Ihr beliebtestes Fotoshooting mit Man Ray zeigt tief ihre persönliche Haltung zur Weiblichkeit. Im Gegensatz zu dem Ermessen über das Geschlecht von Le Déjeuner ' s Schöpfer, sofern die Fotografien ein unverwechselbares Denkmal für ihre Weiblichkeit und ein Zeugnis für ihre Unwilligkeit es zu belichten.

1937 kehrte Oppenheim nach Basel zurück und machte eine Ausbildung zur Restauratorin, um ihre finanzielle Stabilität zu sichern. Dies war der Beginn einer kreativen Krise, die bis 1954 andauerte. Obwohl sie einige Kontakte zu ihren Freunden in Paris unterhielt, schuf sie nur sehr wenig und zerstörte oder beendete vieles von dem, was sie schuf. In Basel wurde sie Mitglied der Gruppe 33 und nahm an deren Gruppenausstellungen teil, 1945 im Kunstmuseum Basel .

Oppenheim begann 1944 während einer achtzehnjährigen depressiven Episode als Kunstrestaurator zu arbeiten. Oppenheim war dafür bekannt, mit ihrem Bewusstsein für die Unterdrückung von Frauen in der Gesellschaft zu kämpfen. Auch Oppenheim war betroffen, als ihr Vater vor dem Zweiten Weltkrieg wegen seines jüdischen Nachnamens in die Schweiz fliehen musste; auch seine Zeugnisse und seine Ausbildung als Arzt wurden in Misskredit gebracht, was ihn arbeitslos machte. Infolgedessen musste Oppenheim zur finanziellen und emotionalen Entlastung Konservierungsmaßnahmen durchführen. Sie betrachtete die Arbeiten, die sie in dieser Zeit ihres Lebens produzierte, als phantasievoll und „Projektionen ihrer Fantasie.

Oppenheim unterhielt seit 1954 ein Atelier in Bern und lebte dort von 1967 bis zu ihrem Tod dauerhaft.

In den 1950er Jahren freundete sich Oppenheim mit Arnold Rudlinger, dem Direktor der Kunsthall Bern, an. Die wechselnden Programme und Ausstellungen des Kunstall Bern versetzten Oppenheim in ein anregendes künstlerisches Umfeld, das es ihr ermöglichte, neben Dieter Roth, Daniel Spoerri und Markus Raetz internationale Kunstströmungen zu erforschen.

1956 entwarf Oppenheim die Kostüme und Masken für Daniel Spoerris Inszenierung von Picassos Theaterstück Le Désir attrapé par la queue in Bern. Sie und die Künstlerin Lilly Keller wurden als Vorhang gegossen. Drei Jahre später, 1959, organisierte sie in Bern für ein paar Freunde ein Frühlingsbankett (Le Festin), bei dem das Essen am Körper einer nackten Frau serviert wurde. Die Ausstellung löst Kontroversen aus, wobei Oppenheim beschuldigt wird, den weiblichen Körper als ein zu verschlingendes Objekt zu behandeln. Mit Oppenheims Erlaubnis inszenierte Andre Breton die Performance später im selben Jahr bei der Eröffnung der Exposition internatiOnale du Surrealisme (EROS) in der Galerie Cordier in Paris neu. Außerhalb des ursprünglichen, intimen Rahmens war die Aufführung übermäßig provokant und Oppenheim fühlte, dass ihre ursprüngliche Absicht für das Werk verloren ging. Oppenheim spürte, wie sich der Surrealismus nach dem Zweiten Weltkrieg veränderte, und sie stellte nie wieder mit den Surrealisten aus.

In den 1960er Jahren distanzierte sich Oppenheim von den Surrealisten. Sie fühlte sich der jüngeren Nachkriegsgeneration zugehörig. Oppenheim sei ausgesprochen „sich selbst treu“ gewesen und habe in ihrer Arbeit mit „frischer Bildsprache“ neue Themen aufgegriffen. Trotzdem hatte Oppenheim nie eigene Schüler, sondern betreute manchmal jüngere Künstler. 1968 hatte Oppenheim eine Einzelausstellung in der Galerie Martin Krebs in Bern.

1982 gewann Oppenheim den Berliner Kunstpreis und war in Rudi Fuchs' Ausstellung documenta 7 vertreten . In diesem Jahr erschien Meret Oppenheim: Trotz im Angesicht der Freiheit und wurde von der Berliner Kunstkommission mit der Gestaltung eines öffentlichen Brunnens beauftragt. Ihr Brunnen wurde 1983 gegossen und hatte gemischte öffentliche Kritiken. Aufgrund der Tatsache, dass er nachts leuchtet, nannten ihn die Zeitungen "Leuchtturm" und "ein Schandfleck". Schließlich wurde es mit Algen und Moos bedeckt, sodass die Öffentlichkeit es akzeptieren konnte. 1983 nahm Oppenheim auch an einer Wanderausstellung durch das Goethe-Institut in Italien teil. 1984 hatte sie eine Einzelausstellung in der Kunsthalle Bern in der Schweiz zusammen mit dem Musee d'Art Moderne in Paris, Frankreich. Damit war Oppenheim eine der wenigen „international anerkannten Künstlerinnen ihrer Generation zu Lebzeiten“.

Oppenheim und Surrealismus

Nachdem Oppenheim nach Paris gezogen war, wurden ihre ersten Kontakte zu Alberto Giacommetti und Hans Arp. Dann lernte sie Marcel Duchamp und Man Ray kennen und wurde 1936 gebeten, ihre Arbeiten in einer Ausstellung im Museum of Modern Art in New York auszustellen. Ihre Gemälde wurden neben denen der Pariser und New Yorker Kunstszenen aufgehängt, darunter Salvador Dalí und Giacommetti. Nach der Ausstellung von Object salbte Man Ray Oppenheim zur „Muse des Surrealismus“.

Oppenheim passte zu den Surrealisten, weil sie "Akzeptanz und Anerkennung für ihre Lebensweise" suchte. Sie stand jeder konkreten Ideologie skeptisch gegenüber und der Surrealismus erlaubte ihr, mit ihrer Kunst zu experimentieren. Dies zeigt sich in ihrem Gemälde Sitzende Figur mit geschrumpften Fingern , das als "geschlechtslos, gesichtslos, ortlos ... ein Porträt der Haltung seines Schöpfers" beschrieben wurde.

Oppenheim experimentierte während ihrer gesamten Karriere mit verschiedenen Stilen, auch während sie sich als Surrealistin identifizierte. Sie experimentierte mit „veristischem Surrealismus“ und hatte eine Qualität der Offenheit, die es ihrer Arbeit ermöglichte, ihre Relevanz zu bewahren. Im Gegensatz zu anderen Surrealisten, die Träume als eine Möglichkeit sahen, das Unterbewusstsein zu öffnen, verwendete Oppenheim die Malerei und ihre Träume als „Analogie zu seinen (unterbewussten) Formen“. Ebenso verwendete Oppenheim vielseitige, teilweise von Carl Jung beeinflusste Symbole, die für Rätsel und Mehrdeutigkeit sorgten. In ähnlicher Weise verwendete Oppenheim im Gegensatz zu anderen Surrealisten Symbole mit einer „fließenden und veränderlichen Wirkung“ und produzierte Werke, die eher durch häufige und organisierte Ideen als durch formale Sprache zusammenhängen. Um den Betrachter auf ihre Bedeutung zu lenken, betitelte sie ihre Werke strategisch.

Dennoch bleibt Oppenheims Objekt als Beispiel für „surrealistischen Fetischismus“ bestehen, da seine Funktion seiner Form folgt; das Fell auf der Tasse macht sie nicht funktionsfähig.

Ausstellungen

1936, zu Beginn ihrer Karriere, war Oppenheim in zwei wichtigen surrealistischen Ausstellungen außerhalb von Paris vertreten: The International Surrealist Exhibition , New Burlington Galleries , London und Fantastic Art Dada Surrealism , The Museum of Modern Art, New York.

Im Jahr 1943 Arbeit Oppenheim wurde aufgenommen Peggy Guggenheim ‚s Show Ausstellung von 31 Frauen in der Art of This Century Galerie in New York.

Oppenheims erste Retrospektive wurde 1967 vom Moderna Museet Stockholm veranstaltet . In der Schweiz fand ihre erste Retrospektive im Museum der Stadt, Solothurn (1974) statt und reiste 1975 ins Kunstmuseum Winterthur und Wilhelm-Lehmbruck Museum , Duisburg, Deutschland.

1996 veranstaltete das Solomon R. Guggenheim Museum Oppenheims erste große Museumsausstellung in den Vereinigten Staaten, als in Europa bereits ein erneutes Interesse an ihrem Werk, insbesondere bei jungen Künstlern, begann. 2013 wurde im Martin-Gropius-Bau in Berlin eine umfassende Retrospektive zu Oppenheims Werk eröffnet , die Gemälde, Skizzen, Skulpturen, Masken, Kleidung, Möbel und Schmuck des Künstlers versammelt. Zu den Kreditgebern gehörten Sänger David Bowie , der Schweizer Einzelhandelsmagnat und Kunsthändler Ursula Hauser und der niederländische Diamantenmagnat Sylvio Perlstein .

Erkennung

Oppenheim erhielt am 16. Januar 1975 den Kunstpreis der Stadt Basel [ de ] . In ihrer Dankesrede prägte Oppenheim den Satz "Freiheit wird dir nicht geschenkt, du musst sie nehmen." 1982, drei Jahre vor ihrem Tod, erhielt sie 1982 den Berliner Kunstpreis .

2019 weihte Basel einen Platz, eine Straße, einen Brunnen und ein Wohnhochhaus (von Herzog & de Meuron ) in der Innenstadt nach Oppenheim ein. Der große Brunnen zeigt ihre Skulptur Spirale (der Gang der Natur) .

Erbe

Oppenheim gilt aufgrund ihrer „gesellschaftskritischen und emanzipatorischen Haltung“ als Figur der „feministischen Identifikation“ der Frauenbewegung und als Vorbild für die jüngere Generation. 1975 hielt Oppenheim eine Rede bei der „Verleihung des Basler Kuntpreises“ und forderte Frauen direkt auf, „durch die Ungültigkeit von Tabus der Gesellschaft durch unkonventionelle Lebensformen zu demonstrieren“ und ihren Intellekt als schöpferische Kraft ohne Angst einzusetzen.

Oppenheim, die 1985 im Alter von 72 Jahren starb, machte sich sorgfältige Notizen darüber, welche Mäzene und Kollegen sie mochte und wo ihre Werke landeten. Sie diktierte, welche ihrer Schriften wann veröffentlicht werden sollten, und es gibt rätselhafte Lücken, da sie einiges Material vernichtet hat. Das Archiv und viele Kunstwerke wurden Berner Institutionen anvertraut, darunter dem Kunstmuseum und der Nationalbibliothek.

Die 1970 vom Hamburger Thomas Levy gegründete Levy Galerie vertritt in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerfamilie den Nachlass von Meret Oppenheim.

Am 6. Oktober 2017 feierte Google ihren 104. Geburtstag mit einem Google Doodle .

2018 war Oppenheim Thema einer Kurzdokumentation von Cheri Gaulke , Glorias Ruf .

Verweise

Quellen

Chadwick, Whitney. "Oppenheim, Meret." Grove-Kunst online. Oxford-Kunst online. [2]
Oppenheim, Meret. "Meret Oppenheim: Jenseits der Teetasse." New York, 1996. Drucken.

Weiterlesen

Kleiner, Fred S.; Mamiya, Christian J. (2005). Gardners Kunst im Wandel der Zeit (12. Aufl.). USA: Thompson Learning Co. S. 999–1000.
Slatkin, Wendy (2001). Künstlerinnen in der Geschichte (4. Aufl.). USA: Pearson-Ausbildung. S. 203–204.
Meret Oppenheim: Retrospektive . Hatje Cantz. 2013.Mit Fotografien von Heinrich Helfenstein. Aus dem Deutschen übersetzt von Catherine Schelbert.
Oppenheim, Meret (1988). Meret Oppenheim: New York . New York: Kent bildende Kunst .
Galerie Krinzinger (1997). „Meret Oppenheim: eine andere Retrospektive. Eine andere Retrospektive . Graphische Kunstanstalt - Otto Sares, Wien. ISBN 3-900683-02-6.

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