I. Reis Pereira - I. Rice Pereira
I. Reis Pereira | |
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Geboren |
Irene Reis
5. August 1902
Chelsea, Massachusetts , USA
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Ist gestorben | 11. Januar 1971
Marbella , Spanien
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(im Alter von 68)
Staatsangehörigkeit | amerikanisch |
Ausbildung | Art Students League of New York , Traphagen School of Fashion |
Bekannt für | Malen, Schreiben, Poesie, Philosophie |
Bewegung | Bauhaus |
Ehepartner | Humberto Pereira (m. 1929–1938; geschieden), George Wellington Brown (m. 1941– ?; geschieden), George Reavey (m. 1950–1959; Scheidung) |
Verwandte | Juanita Guccione (Schwester) |
Irene Rice Pereira (5. August 1902 - 11. Januar 1971) war eine amerikanische abstrakte Künstlerin , Dichterin und Philosophin, die eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Moderne in den Vereinigten Staaten spielte. Sie ist bekannt für ihre Arbeiten in den Genres der geometrischen Abstraktion , des abstrakten Expressionismus und der lyrischen Abstraktion sowie für ihre Verwendung der Prinzipien der Bauhaus- Schule. Ihre Gemälde und Schriften wurden maßgeblich von den komplexen intellektuellen Strömungen des 20. Jahrhunderts beeinflusst.
Frühen Lebensjahren
Pereira wurde am 5. August 1902 als Irene Rice in Chelsea, Massachusetts , einem Vorort von Boston, als älteste von drei Schwestern und einem Bruder geboren. Ihre Schwester Juanita Rice Guccione war ebenfalls Malerin. Während ihrer Karriere gab sie oft ihr Geburtsjahr als 1907 an, was auf einigen Rechtsdokumenten erscheint. Sie verbrachte ihre Kindheit in Great Barrington, Massachusetts , wo sie Zeit mit dem Lesen und Schreiben von Gedichten verbrachte.
Nach dem Tod ihres Vaters 1918 zog sie mit ihrer Familie nach Brooklyn , New York. 1922 begann sie als Stenografin in einer Buchhalterin zu arbeiten, um ihre Familie nach dem Tod ihres Vaters zu unterstützen. Sie besuchte kurz Modedesignkurse an der Traphagen School of Fashion und Nachtkurse in Literatur an der New York University und begann, Abendkurse für Kunst an der Washington Irving High School in Manhattan zu nehmen. Sie tauchte in die böhmische Welt von Greenwich Village ein und hatte eine kurze Affäre mit dem Dichter und Romancier Maxwell Bodenheim .
Anfänge als Künstler
1927 schrieb sie sich für Nachtkunstkurse an der Art Students League in New York City ein. Zu ihren Dozenten an der Art Students League gehörten Jan Matulka und Richard Lahey . In ihrer Klasse von 1929 vermittelte Matulka Pereira ihre erste Begegnung mit den künstlerischen Prinzipien der europäischen Avantgarde, die ihr Werk prägen sollten; vor allem die des Bauhauses , des Kubismus und des Konstruktivismus (Kunst) . 1931 reiste sie nach Europa und Nordafrika , um ihr Studium der Malerei voranzutreiben, besuchte Sitzungen an der Académie Moderne und studierte bei Amédée Ozenfant in Paris. Sie verbrachte auch Zeit in der Schweiz und in Italien.
Nach ihrer Rückkehr nach New York studierte sie kurzzeitig bei Hans Hofmann an der Art Students League. Ihre Freunde und Kollegen waren Burgoyne Diller , Dorothy Dehner , David Smith , Hilla Rebay , Arshile Gorky , John D. Graham und Frederick Kiesler .
Das Designlabor
Im Jahr 1935 half Pereira bei der Gründung des Design Laboratory , einer kooperativen Schule für Industriedesign, die unter der Schirmherrschaft der Works Progress Administration gegründet wurde . Der Lehrplan des Designlabors war ähnlich dem des Bauhauses . Alle Schüler mussten einen Grundkurs belegen, der eine Einführung in Chemie, Physik und Kunstmaterialien beinhaltete. Im Labor experimentierten die Studierenden mit Materialien, um deren physikalische Eigenschaften zu verstehen. Der Schwerpunkt lag auf sozialen Überlegungen, und den Studierenden wurden neben dem Unterricht in Kunst, Musik und Literatur die sozialen Auswirkungen technologischer Entwicklungen vermittelt. Pereira unterrichtete Kurse in Malerei, Komposition und Designsynthese.
Sie unterrichtete weiterhin am Design Laboratory, als es am 27. Juni 1937 seine finanzielle Unterstützung durch die Works Progress Administration verlor . Am 1. Juli 1937 wurde das Design Laboratory Teil der FAECT School in 114 E. 16th St. New York. Als der Unterricht am 27. September 1937 wieder aufgenommen wurde, wurde die Schule als Laborschule für Industriedesign bekannt. Im Oktober 1939 legte sie ihr Amt nieder.
Mittlere und spätere Jahre
Pereira malte ihr ganzes Leben lang. Ihre Malerei erlangte erstmals in den frühen 1930er Jahren Anerkennung, als sie in den ACA Galleries und dem Whitney Museum of American Art in New York ausstellte . Mit der Vitrine im Whitney erhielt sie als eine der ersten Frauen (zusammen mit Loren MacIver und Georgia O'Keeffe ) eine Retrospektive in einem großen New Yorker Museum. In den späten 1930er Jahren begann sie sich von der realistischen Arbeit zur Abstraktion zu bewegen und experimentierte mit Malerei auf geschichtetem Glas. Im Jahr 1943 Pereira wurde in enthalten Peggy Guggenheim ‚s Show von 31 Frauen Ausstellung im Art of This Century Galerie in New York. 1946 wurde Pereira in die Ausstellung 1946: Fourteen Americans des Museum of Modern Art aufgenommen .
In der zweiten Hälfte ihrer Karriere lehnte Pereira den abstrakten Expressionismus ab und hatte Schwierigkeiten mit Galeristen und Museumsdirektoren. Sie glaubte, dass Kunst und Literatur in "einer chaotischen Leere der Gedankenlosigkeit" verschlungen würden. Schließlich verließ sie New York endgültig und zog nach Spanien. Sie starb am 11. Januar 1971 in Marbella , Spanien, an einem Emphysem .
Stil
Pereira war daran interessiert, die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft zu erforschen und glaubte, dass Künstler den Industriellen ebenbürtig seien. Sie schuf "Maschinenbilder", die Bilder von technologischen Komponenten enthielten, darunter Schiffslüfter, Generatoren und Trichter sowie Scharniere, Hebel und Zahnräder. Boat Composite von 1932 in der Sammlung des Whitney Museum of American Art ist ein Beispiel für ihre "Maschinenmalereien".
Pereira begann in den späten 1930er Jahren, sich mit der Abstraktion zu beschäftigen, und ihre Arbeit enthielt weniger Hinweise auf Maschinen. Sie wurde bekannt für die geometrischen und geradlinigen Gemälde, die in dieser Zeit entstanden. Abstraktion von 1940, in der Sammlung des Honolulu Museum of Art , demonstriert ihren Ansatz zur geometrischen Abstraktion . Sie war daran interessiert, einen Weg zu finden, Licht in ihre Arbeit zu bringen, und begann, Materialien wie Glas, Kunststoff, Blattgold und andere reflektierende Materialien in ihre Bilder zu integrieren. Sie experimentierte mit Radiumfarbe, bemalten Glasschichten und Farbe auf Pergament.
In einer Erklärung aus dem Jahr 1950 sagte sie: „Meine Philosophie ist die Realität von Licht und Raum; eine immer fließende – niemals aufhörende – Kontinuität, frei von von Menschenhand geschaffenen Maschinen, Gewicht und äußeren Abbildern. Ich verwende geometrische Symbole, weil sie strukturelle Essenzen darstellen und enthalten unendliche Möglichkeiten der Veränderung und Dynamik."
Pereira signierte ihre Arbeit als "I. Rice Pereira", was viele Leute dazu brachte, sie für einen Mann zu halten.
Die Katalogisierung ihrer Werke kann problematisch sein, da sie häufig Werke ohne Titel und wiederverwendete Titel hinterlässt.
Persönliches Leben
Irene Rice Pereiras erster Ehemann war der Grafiker Humberto Pereira, ein Maler, den sie 1929 heiratete. 1938 ließen sie sich scheiden und 1941 heiratete sie George Wellington Brown, einen Marinearchitekten, der ihr Interesse an der Anwendung neuer Materialien in der Kunst teilte. Als diese Ehe geschieden wurde , heiratete sie 1950 den irischen Dichter George Reavey ; auch diese Ehe wurde 1959 geschieden.
Schriften
Pereira arbeitete produktiv als Schriftstellerin, aber sie erhielt auf diesem Gebiet nie die gleiche Anerkennung wie in der Malerei. 1944 veröffentlichte sie ihren ersten Artikel mit dem Titel An Abstract Painter on Abstract Art. Ihre Schriften umfassten Themen wie Struktur, Zeit, Optik und Raum. Ihr selbst veröffentlichtes Buch The Lapis diskutierte ihre Träume vom Stein der Weisen . Das Originalmanuskript von The Lapis , 1954-1955, befindet sich in der Houghton Library der Harvard University und war ein Geschenk von Mrs. Irene Rice Pereira im Jahr 1958. The Lapis wurde 1957 für eine limitierte Auflage von 1000 Büchern neu aufgelegt. Sie schrieb auch Gedichte und wurde 1968 Ehrenpreisträgerin der Poeten der United Poets' Laureate International mit Sitz auf den Philippinen. Ihr letztes Werk, The Poetic of the Form on Space, Light and the Infinite, veröffentlichte sie 1969.
Veröffentlichte Schriften von Pereira umfassen: Light and the New Reality (1951), The Transformation of Nothing (1952), The Paradox of Space (1952), The Nature of Space (1956), The Lapis (1957), Crystal of the Rose ( 1959), Raum, Licht und das Unendliche (1961), Das simultane 'Immer-Werden' (1961), Das Unendliche gegen das Endliche (1962), Die transzendentale formale Logik des Unendlichen (1966) und Die Poetik des die Form von Raum, Licht und das Unendliche (1968).
Kollektionen
Das Boca Raton Museum of Art , das Brooklyn Museum , das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden , das Honolulu Museum of Art , die National Gallery of Art (Washington DC), die Phillips Collection (Washington DC), das Smithsonian American Art Museum , die Universität of Iowa Museum of Art , das Baltimore Museum of Art (Baltimore, Maryland), das Metropolitan Museum of Art (New York City), die Addison Gallery of American Art (Andover, Massachusetts), das Museum of Modern Art (New York City) , das Dallas Museum of Art (Dallas, Texas), das Munson-Williams-Proctor Institute (Utica, New York), das Frances Lehman Loeb Art Center (Poughkeepsie, New York), das Whitney Museum of American Art (New York City) , und das Philadelphia Museum of Art (Philadelphia, Pennsylvania) gehören zu den öffentlichen Sammlungen mit Werken von I. Rice Pereira.
Kunstwerke
Chronologisch aufgelistet:
- (1932) Boot Composite Whitney Museum of American Art
- (1932) Ohne Titel (Boats at Cape Cod) Smithsonian American Art Museum
- (1936) Sketch for Machine Composition #2 Smithsonian American Art Museum
- (1937) Maschinenkomposition #2 Smithsonian American Art Museum
- (um 1938) Abstrakte Komposition Whitney Museum of American Art
- (um 1938) Abstrakte Komposition (II) Whitney Museum of American Art
- (1939) Weiße Rechtecke, Nummer 3 Metropolitan Museum of Art
- (1939) Abstract , Rose Art Museum an der Brandeis University
- (1939-1940) Red Form Baltimore Museum of Art
- (1940) Abstraktion Honolulu Museum of Art
- (1940) Schatten mit Malerei Museum für Moderne Kunst
- (1940) Drei weiße Quadrate Privatsammlung
- (ca. 1940) Ohne Titel (Zwei Dreiecke) Philadelphia Museum of Art
- (ca. 1940) Transparent Plants Rose Art Museum an der Brandeis University
- (1941) Weiße Linien Metropolitan Museum of Art
- (1942) Rot, Gelb und Blau Baltimore Museum of Art
- (1942) White Lines Museum für moderne Kunst
- (1944) Green Depth Metropolitan Museum of Art
- (1945) Rose Planes Walker Art Center
- (1945) Vierecke im Two Planes Art Institute of Chicago
- (1946) Transfluent Lines National Gallery of Art
- (1946) Transversion Die Phillips-Sammlung
- (1948) Komposition Walker Art Center
- (1948) Schräge Progression Whitney Museum of American Art
- (1949) Schwankende Progression Munson-Williams-Proctor Art Institute
- (1950) Bright Depths Hirshhorn Museum und Skulpturengarten
- (1950) Grüne Messe Nationalgalerie für Kunst
- (1951) You Whitney Museum of American Art
- (1951) Verdunstende Nacht Dallas Museum of Art
- (1951) Aus zwei wird eins Hirshhorn Museum und Skulpturengarten
- (1952) Shooting Stars Metropolitan Museum of Art
- (1952) Tagesanbruch Metropolitan Museum of Art
- (1952) Irgendwo heute Brooklyn Museum
- (1953) Zenith National Gallery of Art
- (1953) Mekka Smithsonian American Art Museum
- (1953) Roselit Day Smithsonian American Art Museum
- (1954) Schwelle der Ewigkeit Hirshhorn Museum und Skulpturengarten
- (1954) Heart of Light Whitney Museum of American Art
- (1955) Landschaft des Absolute Whitney Museum of American Art
- (1959) Effloreszenz des Weltraums Hirshhorn Museum und Skulpturengarten
- (1960) Omega Baltimore Museum of Art
- (1961) The Celestial Gate Sways on the Ringing Swells Smithsonian American Art Museum
- (1964) Licht, das sich selbst ausdehnt Brooklyn Museum
- (Kein Datum) Heart of Flame Smithsonian American Art Museum
- Platten aus The Lapis , 1954. Dieses Buch befindet sich in den Sammlungen vieler Museen und Universitäten, darunter; das Baltimore Museum of Art , das Metropolitan Museum of Art , die National Gallery of Art , das Philadelphia Museum of Art , das Museum of Modern Art , die Yale University Library , die Houghton Library der Harvard University und andere.
- (1954) Version Nr. 2, 25.12.54, Image from Dream, 29.11.54 National Gallery of Art
- (1954) II. Der Lapis in vertikaler Position, Mensch - Gott, Seele - Spirit National Gallery of Art
- (1954) III. Vertikale Ansicht des Lapis von oben, mittelalterliches Bild der World-View National Gallery of Art
- (1954) IV. Renaissance-Bild der World-View National Gallery of Art
- (1954) V. Das Bild in der Perspektive National Gallery of Art
Verweise
Externe Links
- Biografie des Smithsonian American Art Museum
- Werke in der Sammlung des Smithsonian American Art Museum
- Amerikanische abstrakte Künstler
- I. Reis-Pereira-Papiere. Schlesinger Library Archiviert am 09.05.2012 in der Wayback Machine , Radcliffe Institute, Harvard University.
- Irene Rice Pereira Papers in den Archives of American Art , Smithsonian Institution
- Irene Rice Pereira Papers im National Museum of Women in the Arts
- Baltimore Museum of Art Collection
- Irene Rice Pereira Papers im National Museum of Women in the Arts