Musiktheater - Musical theatre

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Dieser Artikel handelt vom traditionellen westlichen Musiktheater. Für andere musikalische Formen und nicht-westliche Traditionen siehe Musical .
"Musikalische Komödie" leitet hier weiter. Für das Filmgenre siehe Musikfilm .
The Black Crook war 1866 ein Hit-Musical.

Musiktheater ist eine Form der Theateraufführung , die Lieder, gesprochenen Dialog , Schauspiel und Tanz kombiniert . Die Geschichte und der emotionale Inhalt eines Musicals - Humor, Pathos , Liebe, Wut - werden durch Worte, Musik, Bewegung und technische Aspekte der Unterhaltung als Ganzes vermittelt. Obwohl sich Musiktheater mit anderen Theaterformen wie Oper und Tanz überschneidet , kann es sich durch die gleiche Bedeutung auszeichnen, die der Musik im Vergleich zu Dialog, Bewegung und anderen Elementen beigemessen wird. Seit dem frühen 20. Jahrhundert werden Bühnenwerke des Musiktheaters im Allgemeinen einfach Musicals genannt .

Obwohl Musik seit der Antike Teil dramatischer Präsentationen ist, entstand im 19. Jahrhundert das moderne westliche Musiktheater mit vielen strukturellen Elementen, die durch die Werke von Gilbert und Sullivan in Großbritannien und die von Harrigan und Hart in Amerika geschaffen wurden. Es folgten die zahlreichen edwardianischen Musikkomödien und Musiktheaterwerke amerikanischer Schöpfer wie George M. Cohan um die Jahrhundertwende. Die Musicals des Princess Theatre (1915–1918) und andere intelligente Shows wie Of Thee I Sing (1931) waren künstlerische Schritte über Revuen und andere schaumige Unterhaltungen des frühen 20. Jahrhunderts hinaus und führten zu bahnbrechenden Werken wie Show Boat (1927) und Oklahoma ! (1943). Zu den bekanntesten Musicals der folgenden Jahrzehnte gehören West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985) und The Phantom of the Opera (1986) ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) und Hamilton (2015).

Musicals werden auf der ganzen Welt aufgeführt. Sie können an großen Orten wie Broadway- oder West End- Produktionen mit großem Budget in New York City oder London präsentiert werden. Alternativ können Musicals in kleineren Veranstaltungsorten wie Randtheater , Off-Broadway , Off-Off-Broadway , Regionaltheater oder Gemeinschaftstheaterproduktionen oder auf Tournee aufgeführt werden . Musicals werden oft von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Aufführungsräumen präsentiert. Neben den USA und Großbritannien gibt es in Kontinentaleuropa, Asien, Australasien, Kanada und Lateinamerika lebendige Musiktheaterszenen.

Definitionen und Umfang

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A Gaiety Girl (1893) war eines der ersten Hit-Musicals

Seit dem 20. Jahrhundert wird das "Buchmusical" als ein Musikstück definiert, bei dem Lieder und Tänze vollständig in eine gut gemachte Geschichte mit ernsthaften dramatischen Zielen integriert sind, die andere echte Emotionen als Lachen hervorrufen können. Die drei Hauptkomponenten eines Buchmusicals sind Musik , Texte und Buch . Das Buch oder Drehbuch eines Musicals bezieht sich auf die Geschichte, die Charakterentwicklung und die dramatische Struktur, einschließlich des gesprochenen Dialogs und der Regieanweisungen, aber es kann sich auch auf den Dialog und die Texte zusammen beziehen, die manchmal als Libretto bezeichnet werden (italienisch für " kleines Buch "). Die Musik und die Texte bilden zusammen die Partitur eines Musicals und umfassen Lieder, Nebenmusik und Musikszenen, die "vertonte Theatersequenzen sind, die oft Lieder mit gesprochenen Dialogen kombinieren". Die Interpretation eines Musicals liegt in der Verantwortung seines Kreativteams, zu dem ein Regisseur , ein Musikdirektor , normalerweise ein Choreograf und manchmal ein Orchestrator gehören . Die Produktion eines Musicals ist auch kreativ durch technische Aspekte wie Bühnenbild , Kostüme , Bühneneigenschaften (Requisiten) , Beleuchtung und Sound gekennzeichnet. Das Kreativteam, die Designs und Interpretationen wechseln im Allgemeinen von der Originalproduktion zu den nachfolgenden Produktionen. Einige Produktionselemente können jedoch aus der Originalproduktion beibehalten werden, beispielsweise Bob Fosses Choreografie in Chicago .

Es gibt keine feste Länge für ein Musical. Während es von einer kurzen Unterhaltung mit einem Akt bis zu mehreren Akten und mehreren Stunden Länge (oder sogar einer Präsentation mit mehreren Abenden) reichen kann, reichen die meisten Musicals von anderthalb bis drei Stunden. Musicals werden normalerweise in zwei Akten mit einer kurzen Pause präsentiert , und der erste Akt ist häufig länger als der zweite. Der erste Akt stellt im Allgemeinen fast alle Charaktere und den größten Teil der Musik vor und endet oft mit der Einführung eines dramatischen Konflikts oder einer Komplikation der Handlung, während der zweite Akt einige neue Songs einführt, aber normalerweise Wiederholungen wichtiger musikalischer Themen enthält und den Konflikt löst oder Komplikation. Ein Buchmusical besteht normalerweise aus vier bis sechs Hauptthemenstücken, die später in der Show wiederholt werden, obwohl es manchmal aus einer Reihe von Liedern besteht, die nicht direkt musikalisch verwandt sind. Der gesprochene Dialog ist im Allgemeinen zwischen Musiknummern verteilt, obwohl "gesungener Dialog" oder Rezitativ verwendet werden kann, insbesondere in sogenannten " durchgesungenen " Musicals wie Jesus Christ Superstar , Falsettos , Les Misérables , Evita und Hamilton . In den letzten Jahrzehnten wurden mehrere kürzere Musicals am Broadway und im West End in einem Akt aufgeführt.

Momente von größter dramatischer Intensität in einem Buchmusical werden oft in Liedern aufgeführt. Sprichwörtlich: "Wenn die Emotion für das Sprechen zu stark wird, singst du; wenn sie für das Lied zu stark wird, tanzt du." In einem Buchmusical wird ein Lied idealerweise so gestaltet, dass es dem Charakter (oder den Charakteren) und ihrer Situation innerhalb der Geschichte entspricht. obwohl es in der Geschichte des Musicals Zeiten gegeben hat (z. B. von den 1890er bis 1920er Jahren), in denen diese Integration zwischen Musik und Geschichte schwierig war. Wie der Kritiker der New York Times, Ben Brantley , das Ideal des Liedes im Theater beschrieb, als er die Wiederbelebung von Gypsy 2008 überprüfte : "Es gibt überhaupt keine Trennung zwischen Lied und Charakter, was in diesen ungewöhnlichen Momenten passiert, in denen Musicals nach oben greifen, um ihr Ziel zu erreichen." ideale Gründe zu sein. " In der Regel werden in einem fünfminütigen Lied viel weniger Wörter gesungen als in einem fünfminütigen Dialogblock. Daher bleibt weniger Zeit, um ein Drama in einem Musical zu entwickeln als in einem geraden Stück gleicher Länge, da ein Musical normalerweise mehr Zeit für Musik als für Dialog verwendet. Innerhalb der komprimierten Natur eines Musicals müssen die Autoren die Charaktere und die Handlung entwickeln.

Das in einem Musical präsentierte Material kann original sein oder aus Romanen ( Wicked und Man of La Mancha ), Theaterstücken ( Hello, Dolly! Und Carousel ), klassischen Legenden ( Camelot ), historischen Ereignissen ( Evita ) oder Filmen ( Die Produzenten und Billy Elliot ). Auf der anderen Seite wurden viele erfolgreiche Musiktheaterwerke für Musikfilme adaptiert , wie West Side Story , My Fair Lady , Der Klang der Musik , Oliver! und Chicago .

Vergleiche mit der Oper

George Gershwin

Musiktheater ist eng mit der Theaterform der Oper verbunden , aber die beiden unterscheiden sich normalerweise durch Abwägen einer Reihe von Faktoren. Erstens konzentrieren sich Musicals im Allgemeinen stärker auf den gesprochenen Dialog. Einige Musicals werden jedoch vollständig begleitet und durchgesungen, während einige Opern wie Die Zauberflöte und die meisten Operetten einen unbegleiteten Dialog führen. Zweitens beinhalten Musicals normalerweise auch mehr Tanz als wesentlichen Bestandteil des Erzählens, insbesondere von den Hauptdarstellern sowie dem Chor. Drittens verwenden Musicals oft verschiedene Genres populärer Musik oder zumindest populäre Gesangs- und Musikstile.

Schließlich vermeiden Musicals normalerweise bestimmte Opernkonventionen. Insbesondere wird ein Musical fast immer in der Sprache seines Publikums aufgeführt. Musicals, die beispielsweise am Broadway oder im West End produziert werden, werden immer auf Englisch gesungen, auch wenn sie ursprünglich in einer anderen Sprache geschrieben wurden. Während ein Opernsänger in erster Linie ein Sänger und nur in zweiter Linie ein Schauspieler ist (und selten tanzen muss), ist ein Musiktheater-Darsteller oft zuerst ein Schauspieler, muss aber auch ein Sänger und Tänzer sein. Jemand, der in allen drei Bereichen gleichermaßen erfolgreich ist, wird als "dreifache Bedrohung" bezeichnet. Musikkomponisten für Musicals berücksichtigen häufig die stimmlichen Anforderungen von Rollen im Hinblick auf Musiktheaterkünstler. Heutzutage verwenden große Theater, in denen Musicals aufgeführt werden, im Allgemeinen Mikrofone und die Verstärkung der Singstimmen der Schauspieler auf eine Weise, die im Opernkontext im Allgemeinen missbilligt wird.

Einige Werke (z. B. von George Gershwin , Leonard Bernstein und Stephen Sondheim ) wurden sowohl zu "Musiktheater" - als auch zu "Opern" -Produktionen verarbeitet. In ähnlicher Weise wurden einige ältere Operetten oder leichte Opern (wie The Pirates of Penzance von Gilbert und Sullivan ) in modernen Adaptionen produziert, die sie als Musicals behandeln. Für einige Werke sind Produktionsstile fast so wichtig wie der musikalische oder dramatische Inhalt des Werks, um zu definieren, in welche Kunstform das Stück fällt. Sondheim sagte: "Ich denke wirklich, wenn etwas Broadway spielt, ist es ein Musical, und wenn es in einem Opernhaus spielt, ist es Oper. Das ist es. Es ist das Terrain, die Landschaft, die Erwartungen des Publikums, die es zu dem einen oder anderen machen." "" Es bleibt eine Formüberschneidung zwischen leichteren Opernformen und musikalisch komplexeren oder ehrgeizigeren Musicals. In der Praxis ist es oft schwierig, zwischen den verschiedenen Arten von Musiktheater zu unterscheiden, einschließlich "Musikspiel", "Musikkomödie", "Operette" und "leichte Oper".

Wie bei der Oper wird der Gesang im Musiktheater im Allgemeinen von einem Instrumentalensemble begleitet, das als Grubenorchester bezeichnet wird und sich in einem abgesenkten Bereich vor der Bühne befindet. Während die Oper normalerweise ein herkömmliches Sinfonieorchester verwendet , werden Musicals im Allgemeinen für Ensembles von 27 bis zu wenigen Spielern orchestriert . Rock - Musicals in der Regel eine kleine Gruppe von meist beschäftigen Rockinstrumente und einige Musicals nennen kann nur ein Klavier oder zwei Instrumente. Die Musik in Musicals verwendet eine Reihe von "Stilen und Einflüssen, darunter Operette , klassische Techniken, Volksmusik , Jazz [und] lokale oder historische Stile [die] dem Setting angemessen sind". Musicals können mit einer vom Orchester gespielten Ouvertüre beginnen , die "Auszüge aus den berühmten Melodien der Partitur zusammenwebt".

Östliche Traditionen und andere Formen

Chinesische Opernkünstler

Es gibt verschiedene östliche Theatertraditionen, zu denen Musik gehört, wie die chinesische Oper , die taiwanesische Oper , das japanische Noh und das indische Musiktheater , darunter Sanskrit-Drama , indischer klassischer Tanz , Parsi-Theater und Yakshagana . Indien hat seit dem 20. Jahrhundert zahlreiche Musikfilme produziert, die als " Bollywood " -Musicals bezeichnet werden, und in Japan hat sich in den letzten Jahrzehnten eine Reihe von 2.5D-Musicals entwickelt, die auf populären Anime- und Manga- Comics basieren.

Kürzere oder vereinfachte "Junior" -Versionen vieler Musicals sind für Schulen und Jugendgruppen erhältlich, und sehr kurze Werke, die für die Aufführung durch Kinder erstellt oder angepasst wurden, werden manchmal als Minimusicals bezeichnet .

Geschichte

Frühe Vorgeschichte des Musiktheaters

Hauptartikel: Entwicklung des Musiktheaters

Die Vorgeschichte des Musiktheaters in Europa lässt sich auf das Theater des antiken Griechenland zurückführen , in dem Musik und Tanz im 5. Jahrhundert v. Chr. In Bühnenkomödien und Tragödien enthalten waren. Die Musik aus den alten Formen geht jedoch verloren und sie hatten wenig Einfluss auf die spätere Entwicklung des Musiktheaters. Im 12. und 13. Jahrhundert lehrten religiöse Dramen die Liturgie . Gruppen von Schauspielern benutzten Festzugwagen im Freien (Bühnen auf Rädern), um jeden Teil der Geschichte zu erzählen. Manchmal wechselten sich poetische Formen mit den Prosadialogen ab, und liturgische Gesänge machten neuen Melodien Platz.

Eine Ansicht von Rhodos von John Webb , die auf einem Backshutter für die Uraufführung von Die Belagerung von Rhodos (1856) gemalt wird.

In der europäischen Renaissance entwickelten sich ältere Formen zu zwei Vorläufern des Musiktheaters: Commedia dell'arte , wo wilde Clowns vertraute Geschichten improvisierten, und später Opera Buffa . In England enthielten elisabethanische und jakobinische Stücke häufig Musik, und kurze Musikstücke wurden in die dramatischen Unterhaltungen eines Abends aufgenommen. Court masques während der entwickelten Tudor - Zeit , die beteiligt Musik, Tanz, Gesang und Schauspiel, oft mit teueren Kostümen und ein komplexen Bühnenbild . Diese entwickelten sich zu gesungenen Stücken, die als englische Opern erkennbar sind, wobei die ersten gewöhnlich als Die Belagerung von Rhodos (1656) angesehen werden. In Frankreich verwandelte Molière im späten 17. Jahrhundert mehrere seiner Farcical-Komödien in musikalische Unterhaltungen mit Liedern (Musik von Jean-Baptiste Lully ) und Tanz. Diese beeinflussten eine kurze Zeit der englischen Oper von Komponisten wie John Blow und Henry Purcell .

Ab dem 18. Jahrhundert waren die beliebtesten Formen des Musiktheaters in Großbritannien Balladenopern wie John Gay 's The Beggar's Opera , die Texte enthielten, die zu den Melodien populärer Lieder des Tages geschrieben wurden (oft gefälschte Oper), und später Pantomime . das sich aus der Commedia dell'arte und der Comic-Oper mit meist romantischen Handlungssträngen entwickelte, wie Michael Balfe 's The Bohemian Girl (1845). Währenddessen entstanden auf dem Kontinent Singspiel , Comédie en Vaudeville , Opéra Comique , Zarzuela und andere Formen leichter musikalischer Unterhaltung. Die Bettleroper war das erste Langzeitspiel jeglicher Art, das 1728 62 aufeinanderfolgende Aufführungen lief. Es würde fast ein Jahrhundert später dauern, bis ein Stück 100 Aufführungen brach, aber der Rekord erreichte Ende der 1820er Jahre bald 150. Andere Musiktheaterformen, die im 19. Jahrhundert in England entwickelt wurden, wie Music Hall , Melodrama und Burletta , wurden teilweise populär gemacht, weil die meisten Londoner Theater nur als Musikhallen lizenziert waren und keine Theaterstücke ohne Musik präsentieren durften.

Das koloniale Amerika hatte erst 1752 eine bedeutende Theaterpräsenz, als der Londoner Unternehmer William Hallam eine Gruppe von Schauspielern in die von seinem Bruder Lewis verwalteten Kolonien schickte . In New York spielten sie im Sommer 1753 Balladenopern wie The Beggar's Opera und Balladenfarcen. In den 1840er Jahren betrieb PT Barnum einen Unterhaltungskomplex in Lower Manhattan. Andere frühe Musiktheater in Amerika bestanden aus britischen Formen wie Burletta und Pantomime, aber was ein Stück genannt wurde, definierte nicht unbedingt, was es war. Die Broadway- Extravaganz von 1852 The Magic Deer bewarb sich als "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment". Das Theater in New York zog ab etwa 1850 allmählich von der Innenstadt nach Midtown und kam erst in den 1920er und 1930er Jahren auf dem Times Square an. New Yorker Läufe blieben weit hinter denen in London zurück, aber Laura Keenes "musikalische Burletta" Seven Sisters (1860) erschütterte mit 253 Vorstellungen den bisherigen New Yorker Musiktheaterrekord.

1850er bis 1880er Jahre

Plakat, c. 1879

Um 1850 experimentierte der französische Komponist Hervé mit einer Form von Comic-Musiktheater, die er Opérette nannte . Die bekanntesten Komponisten der Operette waren Jacques Offenbach aus den 1850er bis 1870er Jahren und Johann Strauss II in den 1870er und 1880er Jahren. Offenbachs fruchtbare Melodien bildeten zusammen mit der witzigen Satire seiner Librettisten ein Modell für das folgende Musiktheater. Adaptionen der französischen Operetten (gespielt in meist schlechten, risikoreichen Übersetzungen), musikalischen Burlesken , Musiksaal, Pantomime und Burletta dominierten die Londoner Musikbühne bis in die 1870er Jahre.

In Amerika gehörten zu den Musiktheater-Unterhaltungen der Mitte des 19. Jahrhunderts eine grobe Varieté-Revue , die sich schließlich zu Varieté entwickelte , Minnesängershows , die bald den Atlantik nach Großbritannien überquerten, und viktorianische Burleske, die erstmals in den USA von britischen Truppen populär gemacht wurde. The Black Crook , ein äußerst erfolgreiches Musical, das 1866 in New York uraufgeführt wurde , war ein originelles Musiktheaterstück, das vielen modernen Definitionen eines Musicals entsprach, einschließlich Tanz und Originalmusik, die zum Erzählen der Geschichte beitrugen. Die spektakuläre Produktion, berühmt für ihre knappen Kostüme, lief für rekordverdächtige 474 Vorstellungen. Im selben Jahr war The Black Domino / Zwischen dir, mir und der Post die erste Show, die sich selbst als "musikalische Komödie" bezeichnete. Die Comedians Edward Harrigan und Tony Hart produzierten und spielten zwischen 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) und 1885 in Musicals am Broadway . Diese musikalischen Komödien zeigten Charaktere und Situationen aus dem Alltag der New Yorker Unterschicht und waren ein bedeutender Schritt vorwärts in Richtung mehr legitime Theaterform . Sie spielten hochkarätige Sänger ( Lillian Russell , Vivienne Segal und Fay Templeton ) anstelle der Damen von fragwürdigem Ruf, die in früheren musikalischen Formen mitgespielt hatten.

Als sich die Transportmöglichkeiten verbesserten, die Armut in London und New York abnahm und die Straßenbeleuchtung nachts für sichereres Reisen sorgte, stieg die Zahl der Besucher der wachsenden Zahl von Theatern enorm an. Die Theaterstücke dauerten länger, was zu besseren Gewinnen und verbesserten Produktionswerten führte, und Männer begannen, ihre Familien ins Theater zu bringen. Das erste Musiktheaterstück mit mehr als 500 Aufführungen in Folge war die französische Operette The Chimes of Normandy im Jahr 1878. Die englische Comic-Oper übernahm viele der erfolgreichen Ideen der europäischen Operette, nicht erfolgreicher als die Serie von mehr als einem Dutzend langjähriger Gilbert und Sullivan Comic-Opern, darunter HMS Pinafore (1878) und The Mikado (1885). Dies waren Sensationen auf beiden Seiten des Atlantiks und in Australien und trugen dazu bei, den Standard für eine als erfolgreich angesehene Show zu erhöhen. Diese Shows waren für das Familienpublikum konzipiert, ein deutlicher Kontrast zu den gewagten Burlesken, den abgedroschenen Musiksaal-Shows und den französischen Operetten, die manchmal eine Menge anzogen, die weniger gesunde Unterhaltung suchte. Nur wenige Musikstücke des 19. Jahrhunderts übertrafen den Lauf von The Mikado , wie Dorothy , die 1886 eröffnet wurde und mit 931 Aufführungen einen neuen Rekord aufstellte. Gilbert und Sullivans Einfluss auf das spätere Musiktheater war tiefgreifend und schuf Beispiele für die "Integration" von Musicals, so dass die Texte und der Dialog eine zusammenhängende Geschichte vorantrieben. Ihre Werke wurden von frühen Autoren und Komponisten von Musicals in Großbritannien und Amerika bewundert und kopiert .

1890er bis zum neuen Jahrhundert

Weitere Informationen: Edwardianische Musikkomödie
Cover der Vokalpartitur von Sidney Jones ' The Geisha

Eine Reise nach Chinatown (1891) war Broadways langjähriger Champion (bis Irene 1919) und lief für 657 Vorstellungen, aber die Läufe in New York waren bis auf die 1920er Jahre bis auf wenige Ausnahmen im Vergleich zu Läufen in London relativ kurz. Gilbert und Sullivan waren beide unerlaubt und in New York von Produktionen wie nachgeahmt Reginald De Koven 's Robin Hood (1891) und John Philip Sousa ' s El Capitan (1896). A Trip to Coontown (1898) war die erste Musikkomödie, die vollständig von Afroamerikanern am Broadwayproduziert und aufgeführt wurde(weitgehend inspiriert von den Routinen der Minnesängershows ), gefolgt von Ragtime- Shows. In den 1890er Jahren und im frühen 20. Jahrhundert wurden am Broadway Hunderte von Musikkomödien aufgeführt, die aus Liedern der New Yorker Tin Pan Alley bestanden , darunter die von George M. Cohan , der daran arbeitete, einen amerikanischen Stil zu schaffen, der sich von den Werken von Gilbert und Sullivan unterscheidet. Auf die erfolgreichsten New Yorker Shows folgten oft umfangreiche nationale Tourneen.

Währenddessen übernahmen Musicals in den Gay Nineties die Londoner Bühne , angeführt von Produzent George Edwardes , der erkannte, dass das Publikum eine neue Alternative zu den Comic-Opern im Savoy- Stil und ihrer intellektuellen, politischen, absurden Satire wünschte . Er experimentierte mit einem modernen, familienfreundlichen Musiktheaterstil, mit luftigen, beliebten Liedern, bissigen, romantischen Scherzen und stilvollem Spektakel im Gaiety und seinen anderen Theatern. Diese stützten sich auf die Traditionen der Comic-Oper und verwendeten Elemente der Burleske sowie der Stücke von Harrigan und Hart. Er ersetzte die frechen Burlesque-Frauen durch sein "respektables" Korps der Gaiety Girls , um den musikalischen und visuellen Spaß zu vervollständigen. Der Erfolg der ersten von ihnen, In Town (1892) und A Gaiety Girl (1893), gab den Stil für die nächsten drei Jahrzehnte vor. Die Handlungen waren im Allgemeinen leicht, romantisch "arme Jungfrau liebt Aristokraten und gewinnt ihn gegen alle Widrigkeiten" Shows mit Musik von Ivan Caryll , Sidney Jones und Lionel Monckton . Diese Shows wurden in Amerika sofort weitgehend kopiert, und die Edwardianische Musikkomödie fegte die früheren musikalischen Formen der Comic-Oper und Operette weg. Die Geisha (1896) war eine der erfolgreichsten in den 1890er Jahren, lief mehr als zwei Jahre und erzielte große internationale Erfolge.

Die Belle of New York (1898) war das erste amerikanische Musical, das seit über einem Jahr in London lief. Die britische Musikkomödie Florodora (1899) war auf beiden Seiten des Atlantiks ein beliebter Erfolg, ebenso wie A Chinese Honeymoon (1901), das für 1.074 Aufführungen in London und 376 in New York rekordverdächtig war. Nach der Wende des 20. Jahrhunderts schuf Seymour Hicks gemeinsam mit Edwardes und dem amerikanischen Produzenten Charles Frohman ein weiteres Jahrzehnt populärer Shows. Andere dauerhafte Edwardianische Musikkomödien waren The Arcadians (1909) und The Quaker Girl (1910).

Frühes 20. Jahrhundert

Victor Herbert

Durch die Konkurrenz der allgegenwärtigen Edwardianischen Musikkomödien praktisch vom englischsprachigen Raum ausgeschlossen, kehrten die Operetten 1907 mit The Merry Widow nach London und zum Broadway zurück , und Adaptionen kontinentaler Operetten wurden zu direkten Konkurrenten der Musicals. Franz Lehár und Oscar Straus komponierten neue Operetten, die bis zum Ersten Weltkrieg auf Englisch populär waren. In Amerika produzierte Victor Herbert eine Reihe von dauerhaften Operetten, darunter The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) und Naughty Marietta (1910).

In den 1910er Jahren schuf das Team von PG Wodehouse , Guy Bolton und Jerome Kern , das in die Fußstapfen von Gilbert und Sullivan trat , die " Princess Theatre Shows" und ebnete den Weg für Kerns spätere Arbeiten, indem es zeigte, dass ein Musical leicht und populär kombinieren kann Unterhaltung mit Kontinuität zwischen seiner Geschichte und Liedern. Der Historiker Gerald Bordman schrieb:

Diese Shows bauten und polierten die Form, aus der sich fast alle späteren großen Musikkomödien entwickelten. ... Die Charaktere und Situationen waren im Rahmen der Lizenz für Musikkomödien glaubwürdig und der Humor kam von den Situationen oder der Natur der Charaktere. Kerns exquisit fließende Melodien wurden eingesetzt, um die Handlung voranzutreiben oder die Charakterisierung zu entwickeln. ... [Edwardian] Musikkomödie war oft schuldig, Songs in einer Hit-or-Miss-Art und Weise eingefügt zu haben. Die Musicals des Princess Theatre führten zu einer Änderung des Ansatzes. PG Wodehouse, der aufmerksamste, gebildetste und witzigste Texter seiner Zeit, und das Team von Bolton, Wodehouse und Kern hatten bis heute Einfluss.

Das Theaterpublikum brauchte in den dunklen Zeiten des Ersten Weltkriegs flüchtige Unterhaltung , und sie strömten ins Theater. Das 1919 erschienene Hit-Musical Irene lief für 670 Vorstellungen, ein Broadway-Rekord, der bis 1938 bestand. Das britische Theaterpublikum unterstützte weitaus längere Aufführungen wie die von The Maid of the Mountains (1.352 Aufführungen) und insbesondere Chu Chin Chow . Die Auflage von 2.238 Vorstellungen war mehr als doppelt so lang wie bei jedem früheren Musical und stellte einen Rekord auf, der fast vierzig Jahre andauerte. Auch Revuen wie The Bing Boys Are Here in Großbritannien und die von Florenz Ziegfeld und seinen Nachahmern in Amerika waren außerordentlich beliebt.

Noten von Sally , 1920

Die Musicals der Roaring Twenties , die aus Varieté, Musiksaal und anderen leichten Unterhaltungsangeboten entlehnt waren, betonten in der Regel große Tanzroutinen und beliebte Lieder auf Kosten der Handlung. Typisch für das Jahrzehnt waren unbeschwerte Produktionen wie Sally , Lady, Be Good , Nein, Nein, Nanette , Oh, Kay! und lustiges Gesicht . Trotz unvergesslicher Geschichten zeigten diese Musicals Stars wie Marilyn Miller und Fred Astaire und produzierten Dutzende von dauerhaften populären Liedern von Kern, George und Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter und Rodgers und Hart . Popmusik wurde von Musiktheaterstandards wie " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " und " Someone to Watch Over Me " dominiert . Viele Shows waren Revuen , Serien von Skizzen und Liedern mit wenig oder keiner Verbindung zwischen ihnen. Die bekanntesten davon waren die jährlichen Ziegfeld Follies , spektakuläre Song-and-Dance-Revuen am Broadway mit extravaganten Sets, aufwändigen Kostümen und wunderschönen Chormädchen. Diese Brillen erhöhten auch die Produktionswerte, und die Montage eines Musicals wurde im Allgemeinen teurer. Shuffle Along (1921), eine rein afroamerikanische Show, war ein Hit am Broadway. In den 1920er Jahren entstand auch eine neue Generation von Operettenkomponisten wie Rudolf Friml und Sigmund Romberg , um eine Reihe populärer Broadway-Hits zu kreieren.

In London wurden Schriftstellerstars wie Ivor Novello und Noël Coward populär, aber das Primat des britischen Musiktheaters vom 19. Jahrhundert bis 1920 wurde allmählich durch amerikanische Innovationen ersetzt, insbesondere nach dem Ersten Weltkrieg, als Kern und andere Komponisten der Tin Pan Alley begann neue Musikstile wie Ragtime und Jazz in die Theater zu bringen, und die Shubert Brothers übernahmen die Kontrolle über die Broadway-Theater. Der Musiktheaterautor Andrew Lamb bemerkt: "Die Opern- und Theaterstile der sozialen Strukturen des 19. Jahrhunderts wurden durch einen Musikstil ersetzt, der besser für die Gesellschaft des 20. Jahrhunderts und ihre Umgangssprache geeignet ist. Aus Amerika entstand der direktere Stil in Amerika, dass es in einer sich entwickelnden Gesellschaft gedeihen konnte, die weniger von der Tradition des 19. Jahrhunderts verborgen war. " In Frankreich wurde Comédie Musicale zwischen in den frühen Jahrzehnten des Jahrhunderts für Stars wie Yvonne Printemps geschrieben .

Showboot und die Weltwirtschaftskrise

Broadway's Show Boat (1927) ging weit über die vergleichsweise frivolen Musicals und sentimentalen Operetten des Jahrzehnts hinaus und stellte eine noch vollständigere Integration von Buch und Partitur dar als die Musicals des Princess Theatre, wobei dramatische Themen durch Musik, Dialog, Setting und Bewegung erzählt wurden . Dies wurde erreicht, indem die Lyrik von Kerns Musik mit dem gekonnten Libretto von Oscar Hammerstein II kombiniert wurde . Ein Historiker schrieb: "Hier kommen wir zu einem völlig neuen Genre - dem Musikstück im Unterschied zur Musikkomödie. Jetzt ... war alles andere diesem Stück unterworfen. Jetzt ... kam die vollständige Integration von Liedern, Humor und Produktionszahlen in eine einzige und untrennbare künstlerische Einheit. "

Rodgers und Hart

Als die Weltwirtschaftskrise während der Post-Broadway-National-Tour von Show Boat einsetzte , wandte sich das Publikum wieder der meist leichten, flüchtigen Song-and-Dance-Unterhaltung zu. Das Publikum auf beiden Seiten des Atlantiks hatte wenig Geld für Unterhaltung, und nur wenige Bühnenshows überstiegen während des Jahrzehnts mehr als 500 Vorstellungen. In der Revue The Band Wagon (1931) waren die Tanzpartner Fred Astaire und seine Schwester Adele zu sehen , während Porters Anything Goes (1934) Ethel Mermans Position als First Lady des Musiktheaters bestätigte, ein Titel, den sie viele Jahre lang behielt. Coward und Novello lieferten weiterhin altmodische, sentimentale Musicals wie The Dancing Years , während Rodgers und Hart aus Hollywood zurückkehrten, um eine Reihe erfolgreicher Broadway-Shows zu kreieren, darunter On Your Toes (1936, mit Ray Bolger , dem ersten Broadway-Musical) klassischen Tanz dramatisch nutzen), Babes in Arms (1937) und The Boys from Syracuse (1938). Porter fügte hinzu, DuBarry war eine Dame (1939). Das am längsten laufende Musiktheaterstück der 1930er Jahre war Hellzapoppin (1938), eine Revue mit Publikumsbeteiligung, die für 1.404 Vorstellungen spielte und einen neuen Broadway-Rekord aufstellte.

Dennoch begannen ein paar kreativen Teams zu bauen auf Show Boat ' s Innovationen. Of Thee I Sing (1931), eine politische Satire der Gershwins, war das erste Musical, das mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde . Als Thousands Cheer (1933) war eine Revue von Irving Berlin und Moss Hart, in der jedes Lied oder jede Skizze auf einer Schlagzeile basierte, die erste Broadway-Show, in der ein Afroamerikaner, Ethel Waters , neben weißen Schauspielern auftrat. Zu Waters 'Zahlen gehörte " Supper Time ", eine Klage einer Frau für ihren Mann, der gelyncht wurde. The Gershwins ' Porgy and Bess (1935) enthielt eine rein afroamerikanische Besetzung und eine Mischung aus Opern-, Folk- und Jazz-Redewendungen. Die Cradle Will Rock - (1937) unter der Regie von Orson Welles , war ein hochpolitisches Pro- Vereinigung Stück , dass trotz der Kontroverse es, lief für 108 Leistungen umgibt. Rodgers und Hart ist Ich würde eher Be Right (1937) eine politische Satire mit war George M. Cohan als Präsident Franklin D. Roosevelt und Kurt Weill ‚s Knickerbocker Holiday dargestellt New York City die frühe Geschichte während gutmütig Roosevelts guten Absichten persifliert.

Der Film stellte die Bühne vor eine Herausforderung. Stummfilme hatten nur einen begrenzten Wettbewerb gezeigt, aber bis Ende der 1920er Jahre konnten Filme wie The Jazz Singer mit synchronisiertem Sound präsentiert werden. "Talkie" -Filme zu niedrigen Preisen töteten den Varieté in den frühen 1930er Jahren. Trotz der wirtschaftlichen Probleme der 1930er Jahre und der Konkurrenz durch den Film überlebte das Musical. Tatsächlich entwickelte es sich thematisch weiter über die Gags und Showgirls-Musicals der Gay Nineties und Roaring Twenties hinaus und die sentimentale Romantik der Operette, indem es technisches Know-how und den rasanten Inszenierungs- und naturalistischen Dialogstil unter der Leitung von Regisseur George Abbott hinzufügte .

Das goldene Zeitalter (1940er bis 1960er Jahre)

Rodgers und Hammerstein (links und rechts) und Irving Berlin (Mitte)

1940er Jahre

Die 1940er Jahre begannen mit weiteren Hits von Porter, Irving Berlin , Rodgers und Hart, Weill und Gershwin, einige mit über 500 Auftritten, als sich die Wirtschaft erholte, aber künstlerischer Wandel lag in der Luft.

Rodgers und Hammerstein ‚s Oklahoma! (1943) vollendeten die von Show Boat begonnene Revolution , indem sie alle Aspekte des Musiktheaters eng miteinander verbanden, mit einer zusammenhängenden Handlung, Liedern, die die Handlung der Geschichte förderten, und Traumballetten und anderen Tänzen, die die Handlung voranbrachten und die Charaktere entwickelten , anstatt den Tanz als Ausrede zu benutzen, um leicht bekleidete Frauen über die Bühne zu führen. Rodgers und Hammerstein engagierten die Ballettchoreografin Agnes de Mille , die mit alltäglichen Bewegungen den Figuren half, ihre Ideen auszudrücken. Es widersetzte sich musikalischen Konventionen, indem es seinen Vorhang für den ersten Akt nicht auf eine Schar von Chormädchen richtete, sondern auf eine Frau, die Butter kochte, mit einer Stimme außerhalb der Bühne, die die Eröffnungszeilen von Oh, What a Beautiful Mornin ' unbegleitet sang . Es zog begeisterte Kritiken auf sich, löste einen Kassenrausch aus und erhielt einen Pulitzer-Preis . Brooks Atkinson schrieb in der New York Times, dass die Eröffnungsnummer der Show die Geschichte des Musiktheaters veränderte: "Nach einem solchen Vers, der zu einer lebhaften Melodie gesungen wurde, wurden die Banalitäten der alten Musikbühne unerträglich." Es war die erste "Blockbuster" Broadway-Show mit insgesamt 2.212 Vorstellungen und wurde zu einem Erfolgsfilm. Es bleibt eines der am häufigsten produzierten Projekte des Teams. William A. Everett und Paul R. Laird schrieben, dass dies eine "Show" sei, die wie " Show Boat" zu einem Meilenstein wurde, damit spätere Historiker, die über wichtige Momente im Theater des 20. Jahrhunderts schreiben, Epochen anhand ihrer Beziehung zu identifizieren könnten Oklahoma! "

"Nach Oklahoma! Waren Rodgers und Hammerstein die wichtigsten Mitwirkenden an der Form des Musikspiels ... Die Beispiele, die sie bei der Schaffung lebenswichtiger Stücke gaben, die oft reich an sozialem Denken sind, waren die notwendige Ermutigung für andere begabte Schriftsteller, Musikstücke zu schaffen ihre eigenen". Die beiden Mitarbeiter schufen eine außergewöhnliche Sammlung einiger der beliebtesten und beständigsten Klassiker des Musiktheaters, darunter Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) und The Sound of Music (1959). Einige dieser Musicals behandeln ernstere Themen als die meisten früheren Shows: der Bösewicht in Oklahoma! ist ein mutmaßlicher Mörder und Psychopath mit einer Vorliebe für unzüchtige Postkarten; Karussell befasst sich mit Ehegattenmissbrauch, Diebstahl, Selbstmord und dem Leben nach dem Tod; Der Südpazifik untersucht die Fehlgenerierung noch gründlicher als Show Boat . und der Held des Königs und ich sterben auf der Bühne.

Die Kreativität der Show stimulierte die Zeitgenossen von Rodgers und Hammerstein und leitete das "Goldene Zeitalter" des amerikanischen Musiktheaters ein. Americana wurde während des "Goldenen Zeitalters" am Broadway gezeigt, als der Zyklus der Shows während des Krieges begann. Ein Beispiel dafür ist On the Town (1944), geschrieben von Betty Comden und Adolph Green , komponiert von Leonard Bernstein und choreografiert von Jerome Robbins . Die Geschichte spielt während des Krieges und handelt von drei Seeleuten, die sich rund um die Uhr in New York City aufhalten, in die sich jeder verliebt. Die Show vermittelt auch den Eindruck eines Landes mit ungewisser Zukunft, wie es auch die Seeleute und ihre Frauen getan haben. Irving Berlin verwendete die Karriere von Scharfschütze Annie Oakley als Grundlage für seine Annie Get Your Gun (1946, 1.147 Vorstellungen); Burton Lane , EY Harburg und Fred Saidy kombinierten politische Satire mit irischer Laune für ihre Fantasie Finians Regenbogen (1947, 725 Aufführungen); und Cole Porter fand Inspiration in William Shakespeare ‚s Der Widerspenstigen Zähmung für Kiss Me, Kate (1948, 1077 Aufführungen). Die amerikanischen Musicals überwältigten die altmodischen Shows im britischen Coward / Novello-Stil, einer der letzten großen Erfolge war Novellos Perchance to Dream (1945, 1.021 Vorstellungen). Die Formel für die Musicals des Goldenen Zeitalters spiegelte eine oder mehrere von vier weit verbreiteten Wahrnehmungen des "amerikanischen Traums" wider: Diese Stabilität und dieser Wert ergeben sich aus einer Liebesbeziehung, die durch protestantische Ideale der Ehe sanktioniert und eingeschränkt wird; dass ein Ehepaar ein moralisches Zuhause mit Kindern außerhalb der Stadt in einem Vorort oder einer Kleinstadt haben sollte; dass die Frau als Hausfrau und Mutter fungierte; und dass die Amerikaner einen unabhängigen und wegweisenden Geist haben oder dass ihr Erfolg selbst gemacht ist.

1950er Jahre

Weitere Informationen: Musikfilm
Julie Andrews

Die 1950er Jahre waren entscheidend für die Entwicklung des amerikanischen Musicals. Damon Runyons vielseitige Charaktere standen im Mittelpunkt von Frank Loessers und Abe Burrows ' Guys and Dolls (1950, 1.200 Vorstellungen); und der Goldrausch die Einstellung für war Alan Jay Lerner und Frederick Loewe ‚s Paint Your Wagon (1951). Die relativ kurze sieben Monate der Show liefen nicht entmutigen Lerner und Loewe aus wieder zusammen, diesmal auf My Fair Lady (1956), eine Adaption von George Bernard Shaw ‚s Pygmalion mit Rex Harrison und Julie Andrews , die bei 2717 Aufführungen hielten viele Jahre lang den langfristigen Rekord. Aus all diesen Musicals wurden beliebte Hollywood-Filme gemacht. Dies übertraf die Serie von zwei Hits britischer Schöpfer: The Boy Friend (1954), das in London für 2.078 Vorstellungen lief und Andrews 'amerikanisches Debüt markierte, war ganz kurz das drittlängste Musical in der Geschichte des West End oder des Broadway (nach Chu) Chin Chow und Oklahoma! ), Bis Salad Days (1954) seinen Lauf übertraf und mit 2.283 Vorstellungen der neue Langzeitrekordhalter wurde.

Ein weiterer Rekord wurde von The Threepenny Opera aufgestellt , die 2.707 Vorstellungen hatte und bis The Fantasticks das am längsten laufende Off-Broadway-Musical wurde . Die Produktion war auch wegweisend, indem sie zeigte, dass Musicals außerhalb des Broadway in einem kleinen, kleinen Orchesterformat rentabel sein können. Dies wurde 1959 bestätigt, als eine Wiederbelebung von Jerome Kern und PG Wodehouse 's Leave It to Jane mehr als zwei Jahre dauerte. Die Off-Broadway- Saison 1959–1960 umfasste ein Dutzend Musicals und Revuen, darunter Little Mary Sunshine , The Fantasticks und Ernest in Love , eine musikalische Adaption von Oscar Wildes 1895er Hit The Importance of Being Earnest .

Leonard Bernstein , 1971

West Side Story (1957) transportierte Romeo und Julia in das heutige New York City und verwandelte die verfeindeten Familien Montague und Capulet in gegnerische ethnische Banden, die Jets und die Sharks. Das Buch wurde von Arthur Laurents mit Musik von Leonard Bernstein und Texten des Newcomers Stephen Sondheim adaptiert. Es wurde von den Kritikern angenommen, scheiterte aber eine beliebte Wahl für die „blauhaarigen Matinee Damen“ zu sein, der die kleine Stadt River City, Iowa bevorzugten Meredith Willson ‚s The Music Man (1957) zu den Gassen von Manhattan ‘ s Upper West Side. Anscheinendwaren sich die Wähler des Tony Award ähnlich, da sie die ersteren gegenüber den letzteren bevorzugten. West Side Story hatte eine respektable Auflage von 732 Vorstellungen (1.040 im West End), während The Music Man mit 1.375 Vorstellungen fast doppelt so lange lief. Der Film von West Side Story aus dem Jahr 1961 war jedoch äußerst erfolgreich. Laurents und Sondheim haben sich erneut für Gypsy zusammengetan (1959, 702 Vorstellungen). Jule Styne lieferte die Musik für eine Backstage-Geschichte über die treibendste Bühnenmutter aller Zeiten, die Stripperin Gypsy Rose Lees Mutter Rose. Die ursprüngliche Produktion lief über 702 Vorstellungen und erhielt vier weitere Wiederbelebungen, wobei Angela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters und Patti LuPone später die durch Ethel Merman bekannt gewordene Rolle in Angriff nahmen.

Obwohl Regisseure und Choreografen seit mindestens dem 19. Jahrhundert einen großen Einfluss auf den Musiktheaterstil hatten, spielten George Abbott und seine Mitarbeiter und Nachfolger eine zentrale Rolle bei der vollständigen Integration von Bewegung und Tanz in Musiktheaterproduktionen im Goldenen Zeitalter. Abbott führte das Ballett 1936 in On Your Toes als Erzählgerät ein, gefolgt von Agnes de Milles Ballett und Choreografie in Oklahoma! . Nachdem Abbott mit Jerome Robbins in On the Town und anderen Shows zusammengearbeitet hatte, kombinierte Robbins die Rollen des Regisseurs und Choreografen und betonte die erzählerische Kraft des Tanzes in West Side Story , Ein lustiges Ereignis auf dem Weg zum Forum (1962) und Geiger auf dem Dach (1964). Bob Fosse choreografierte für Abbott in The Pyjama Game (1956) und Damn Yankees (1957) und brachte diesen Hits spielerische Sexualität ein. Später war er Regisseur und Choreograf für Sweet Charity (1968), Pippin (1972) und Chicago (1975). Andere bemerkenswerte Regisseur-Choreografen waren Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne und Susan Stroman . Zu den prominenten Regisseuren gehörten Hal Prince , der ebenfalls mit Abbott angefangen hat, und Trevor Nunn .

Während des Goldenen Zeitalters begannen Automobilunternehmen und andere große Unternehmen, Broadway-Talente einzustellen, um Unternehmensmusicals zu schreiben , private Shows, die nur von ihren Mitarbeitern oder Kunden gesehen wurden. Die 1950er Jahre endeten mit Rodgers und Hammersteins letztem Hit, The Sound of Music , der auch für Mary Martin ein weiterer Hit wurde. Es lief für 1.443 Vorstellungen und teilte den Tony Award für das beste Musical. Zusammen mit seiner äußerst erfolgreichen Filmversion von 1965 hat es sich zu einem der beliebtesten Musicals der Geschichte entwickelt.

1960er Jahre

1960 wurde The Fantasticks erstmals außerhalb des Broadway produziert. Diese intime allegorische Show lief über 40 Jahre lang im Sullivan Street Theatre in Greenwich Village und wurde mit Abstand das am längsten laufende Musical der Geschichte. Die Autoren produzierten in den 1960er Jahren weitere innovative Werke wie Celebration und I Do! Ich mache! , das erste zweistellige Broadway-Musical. In den 1960er Jahren gab es eine Reihe von Blockbustern, wie Fiddler on the Roof (1964; 3.242 Vorstellungen), Hello, Dolly! (1964; 2.844 Vorstellungen), Funny Girl (1964; 1.348 Vorstellungen) und Man of La Mancha (1965; 2.328 Vorstellungen) sowie einige weitere risikoreiche Stücke wie Cabaret , bevor sie mit der Entstehung des Rockmusicals endeten . Zwei Männer hatten ab diesem Jahrzehnt einen erheblichen Einfluss auf die Geschichte des Musiktheaters: Stephen Sondheim und Jerry Herman .

Bernadette Peters (gezeigt 2008) hat in fünf Sondheimer Musicals mitgespielt

Das erste Projekt, für das Sondheim sowohl Musik als auch Texte schrieb, war A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 Performances) mit einem Buch, das auf den Werken von Plautus von Burt Shevelove und Larry Gelbart mit Zero Mostel basiert . Sondheim bewegte das Musical über seine Konzentration auf die für frühere Epochen typischen romantischen Handlungen hinaus; Seine Arbeit war tendenziell dunkler und erkundete die gröberen Seiten des Lebens in Gegenwart und Vergangenheit. Andere frühe Sondheim-Werke sind Anyone Can Whistle (1964, das trotz der Stars Lee Remick und Angela Lansbury nur neun Aufführungen hatte ) sowie die erfolgreiche Company (1970), Follies (1971) und A Little Night Music (1973). Später fand Sondheim Inspiration in unwahrscheinlichen Quellen: der Öffnung Japans für den westlichen Handel für Pacific Overtures (1976), einem legendären mörderischen Friseur, der im Industriezeitalter von London Rache für Sweeney Todd (1979) suchte , die Gemälde von Georges Seurat für Sonntag in der Park mit George (1984), Märchen für Into the Woods (1987) und eine Sammlung von Attentätern des Präsidenten in Assassins (1990).

Während einige Kritiker argumentierten, dass einige von Sondheims Musicals keine kommerzielle Anziehungskraft haben, lobten andere ihre lyrische Raffinesse und musikalische Komplexität sowie das Zusammenspiel von Texten und Musik in seinen Shows. Zu Sondheims bemerkenswerten Innovationen gehören eine umgekehrte Show ( Merrily We Roll Along ) und die oben erwähnte Anyone Can Whistle , in der der erste Akt mit der Besetzung endet, die das Publikum darüber informiert, dass sie verrückt sind.

Jerry Herman spielte eine bedeutende Rolle im amerikanischen Musiktheater, angefangen mit seiner ersten Broadway-Produktion Milk and Honey (1961, 563 Aufführungen) über die Gründung des Staates Israel bis hin zu den Blockbuster-Hits Hello, Dolly! (1964, 2.844 Vorstellungen), Mame (1966, 1.508 Vorstellungen) und La Cage aux Folles (1983, 1.761 Vorstellungen). Sogar seine weniger erfolgreichen Shows wie Dear World (1969) und Mack und Mabel (1974) hatten unvergessliche Ergebnisse ( Mack und Mabel wurden später zu einem Londoner Hit überarbeitet). Viele von Hermans Show-Melodien, die sowohl Worte als auch Musik schreiben, sind zu populären Standards geworden, darunter " Hallo, Dolly! ", "Wir brauchen ein kleines Weihnachtsfest", "Ich bin was ich bin", "Mame", "The Best of Times". , "Bevor die Parade vorbeigeht", "Zieh deine Sonntagskleidung an", "Es dauert nur einen Moment", "Busenfreunde" und "Ich werde keine Rosen senden", aufgenommen von Künstlern wie Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark und Bernadette Peters. Hermans Songbook war Gegenstand von zwei populären musikalischen Revuen, Jerry's Girls (Broadway, 1985) und Showtune (Off-Broadway, 2003).

Das Musical begann von den relativ engen Grenzen der 1950er Jahre abzuweichen. Rockmusik wurde in mehreren Broadway-Musicals verwendet, beginnend mit Hair , das nicht nur Rockmusik, sondern auch Nacktheit und kontroverse Meinungen über den Vietnamkrieg , die Rassenbeziehungen und andere soziale Themen enthielt .

Soziale Themen

Nach Show Boat und Porgy and Bess und im Zuge des Kampfes in Amerika und anderswo um die Bürgerrechte von Minderheiten wurden Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg und andere ermutigt, mehr Musicals und Opern zu schreiben, die darauf abzielten, die gesellschaftliche Toleranz gegenüber Minderheiten zu normalisieren, und drängten darauf Rassenharmonie. Zu den Werken des frühen Goldenen Zeitalters, die sich auf Rassentoleranz konzentrierten, gehörten Finians Regenbogen und der Südpazifik . Gegen Ende des Goldenen Zeitalters befassten sich mehrere Shows mit jüdischen Themen und Themen wie Fiddler on the Roof , Milch und Honig , Blitz! und später Lumpen . Das ursprüngliche Konzept, das zur West Side Story wurde, wurde während der Oster-Passah-Feierlichkeiten in der Lower East Side festgelegt . Die rivalisierenden Banden sollten jüdisch und italienisch katholisch sein . Das Kreativteam entschied später, dass der Konflikt zwischen Polen (Weiß) und Puerto Rico frischer war.

Toleranz als wichtiges Thema in Musicals hat sich in den letzten Jahrzehnten fortgesetzt. Der letzte Ausdruck von West Side Story hinterließ eine Botschaft der Rassentoleranz. Ende der 1960er Jahre wurden Musicals rassistisch integriert, und schwarz-weiße Darsteller deckten sogar die Rollen des anderen ab, wie dies bei Hair der Fall war . Homosexualität wurde in den letzten Jahrzehnten auch in Musicals untersucht, angefangen bei Hair bis hin zu La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig und The Angry Inch und anderen Shows. Parade ist eine sensible Untersuchung sowohl des Antisemitismus als auch des historischen amerikanischen Rassismus , und Ragtime untersucht in ähnlicher Weise die Erfahrungen von Einwanderern und Minderheiten in Amerika.

1970er bis heute

1970er Jahre

Originales Broadway-Plakat für die Rocky Horror Show

Nach dem Erfolg der Haare , Rock Musical florierte in den 1970er Jahren mit Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita und Zwei Herren aus Verona . Einige davon begannen als " Konzeptalben ", die dann an die Bühne angepasst wurden, insbesondere Jesus Christ Superstar und Evita . Andere hatten keinen Dialog oder erinnerten auf andere Weise an die Oper mit dramatischen, emotionalen Themen; Diese begannen manchmal als Konzeptalben und wurden als Rockopern bezeichnet . Shows wie Raisin , Dreamgirls , Purlie und The Wiz brachten einen bedeutenden afroamerikanischen Einfluss auf den Broadway. Unterschiedlichere Musikgenres und -stile wurden sowohl am als auch außerhalb des Broadway in Musicals integriert. Zur gleichen Zeit fand Stephen Sondheim Erfolg mit einigen seiner Musicals, wie oben erwähnt.

1975 entstand das Tanzmusical A Chorus Line aus aufgezeichneten Gruppentherapiesitzungen, die Michael Bennett mit "Zigeunern" - denen, die zur Unterstützung der führenden Spieler singen und tanzen - aus der Broadway-Community leitete. James Kirkwood Jr. und Nick Dante haben aus Hunderten von Stunden Bändern ein Buch über ein Vorsprechen für ein Musical zusammengestellt, das viele reale Geschichten aus den Sessions enthält. Einige, die an den Sitzungen teilnahmen, spielten schließlich Variationen von sich selbst oder einander in der Show. Mit Musik von Marvin Hamlisch und Texten von Edward Kleban , A Chorus Line zuerst bei eröffnete Joseph Papp ‚s Public Theater in Lower Manhattan. Was ursprünglich als begrenztes Engagement geplant war, wurde schließlich für 6.137 Vorstellungen in das Shubert Theatre am Broadway verlegt und war damit die bis dahin am längsten laufende Produktion in der Geschichte des Broadway. Die Show gewann die Tony Awards und gewann den Pulitzer-Preis . Der Hit What I Did for Love wurde zum Standard.

Das Broadway-Publikum begrüßte Musicals, die sich vom Stil und der Substanz des Goldenen Zeitalters unterschieden. John Kander und Fred Ebb untersuchten den Aufstieg des Nationalsozialismus in Deutschland im Kabarett und Mord und die Medien in Prohibition -era Chicago , die sich auf alte Vaudeville- Techniken stützten . Pippin von Stephen Schwartz wurde in den Tagen Karls des Großen gesetzt . Federico Fellini 's autobiographischer Film 8½ wurde Maury Yeston ' s Neun . Am Ende des Jahrzehnts waren Evita und Sweeney Todd Vorläufer der dunkleren Musicals mit großem Budget der 1980er Jahre, die von dramatischen Geschichten, beeindruckenden Partituren und spektakulären Effekten abhingen. Zur gleichen Zeit wurden altmodische Werte immer noch in Hits wie Annie , 42nd Street , My One and Only und populären Wiederbelebungen von No, No, Nanette und Irene aufgenommen . Obwohl in den 1970er Jahren viele Filmversionen von Musicals gedreht wurden, waren nur wenige kritische oder Kassenerfolge, mit Ausnahme von Fiddler on the Roof , Cabaret und Grease .

1980er Jahre

Cameron Mackintosh

In den 1980er Jahren beeinflussten europäische " Megamusicals " den Broadway, das West End und andere Gebiete . Diese enthalten typischerweise eine Pop-beeinflusste Partitur, große Besetzungen und spektakuläre Sets und Spezialeffekte - einen fallenden Kronleuchter (in The Phantom of the Opera ); ein Hubschrauber landet auf der Bühne (in Miss Saigon ) - und große Budgets. Einige basierten auf Romanen oder anderen literarischen Werken. Das britische Team des Komponisten Andrew Lloyd Webber und des Produzenten Cameron Mackintosh startete das megamusikalische Phänomen mit ihrem 1981 erschienenen Musical Cats , das auf den Gedichten von TS Eliot basierte und A Chorus Line überholte , um die am längsten laufende Broadway-Show zu werden. Lloyd Webber folgte mit Starlight Express (1984), der auf Rollschuhen gespielt wurde; Das Phantom der Oper (1986; auch mit Mackintosh), abgeleitet aus dem gleichnamigen Roman ; und Sunset Boulevard (1993) aus dem gleichnamigen Film von 1950 . Phantom würde Cats übertreffen und die am längsten laufende Show in der Broadway-Geschichte werden, ein Rekord, den es immer noch hält. Das französische Team von Claude-Michel Schönberg und Alain Boublil schrieb Les Misérables nach dem gleichnamigen Roman , dessen Londoner Produktion 1985 von Mackintosh produziert wurde und das am längsten laufende Musical in der Geschichte des West End und des Broadway ist und immer noch ist . Das Team produzierte mit Miss Saigon (1989) einen weiteren Hit , der von der Puccini-Oper Madama Butterfly inspiriert war .

Die riesigen Budgets der Megamusicals definierten die Erwartungen an den finanziellen Erfolg am Broadway und im West End neu. In früheren Jahren war es möglich, dass eine Show nach mehreren hundert Vorstellungen als Hit angesehen wurde, aber bei Produktionskosten von mehreren Millionen Dollar muss eine Show jahrelang laufen, um einen Gewinn zu erzielen. Megamusicals wurden auch in Produktionen auf der ganzen Welt reproduziert, um ihr Gewinnpotential zu vervielfachen und gleichzeitig das globale Publikum für Musiktheater zu erweitern.

1990er Jahre

Audra McDonald

In den 1990er Jahren entstand eine neue Generation von Theaterkomponisten, darunter Jason Robert Brown und Michael John LaChiusa , die mit Produktionen Off-Broadway begannen. Der auffälligste Erfolg dieser Künstler war Jonathan Larsons Show Rent (1996), ein Rockmusical (basierend auf der Oper La Bohème ) über eine kämpfende Künstlergemeinschaft in Manhattan. Während die Kosten für Eintrittskarten für Musicals am Broadway und im West End über das Budget vieler Theaterbesucher hinaus stiegen , wurde Rent vermarktet, um die Popularität von Musicals bei einem jüngeren Publikum zu steigern. Es zeigte eine junge Besetzung und eine stark rockige Partitur; Das Musical wurde ein Hit. Die jungen Fans, darunter viele Studenten, die sich RENTheads nannten, lagerten im Nederlander Theatre in der Hoffnung, die Lotterie für 20-Dollar-Tickets in der ersten Reihe zu gewinnen, und einige sahen die Show Dutzende Male. Andere Shows am Broadway folgten Rent ' s Führung, indem sie stark ermäßigte Tages- oder Stehplatzkarten anboten, obwohl die Ermäßigungen oft nur Studenten angeboten werden.

In den neunziger Jahren beeinflussten auch große Unternehmen die Produktion von Musicals. Das wichtigste war Disney Theatrical Productions , das damit begann, einige von Disneys Animationsfilm-Musicals für die Bühne zu adaptieren , angefangen bei Beauty and the Beast (1994), The Lion King (1997) und Aida (2000), die beiden letzteren mit Musik von Elton John . Der König der Löwen ist das erfolgreichste Musical in der Geschichte des Broadway. The Who's Tommy (1993), eine theatralische Adaption der Rockoper Tommy , erzielte eine gesunde Auflage von 899 Aufführungen, wurde jedoch dafür kritisiert, die Geschichte zu bereinigen und die Rockmusik zu "musiktheaterisieren".

Trotz der wachsenden Anzahl großer Musicals in den 1980er und 1990er Jahren gelang es einer Reihe kleinerer Musicals mit niedrigerem Budget, kritischen und finanziellen Erfolg zu erzielen, wie Falsettoland und Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical and Blood Brüder . Die Themen dieser Stücke sind sehr unterschiedlich und die Musik reicht von Rock bis Pop, aber sie werden oft außerhalb des Broadway oder für kleinere Londoner Theater produziert, und einige dieser Inszenierungen wurden als einfallsreich und innovativ angesehen.

2000er - 2010er Jahre

Trends

Im neuen Jahrhundert haben Produzenten und Investoren, die darauf bedacht sind, dass sie ihre beträchtlichen Investitionen zurückerhalten, die Vertrautheit angenommen. Einige gingen (normalerweise mit bescheidenem Budget) Risiken für neues und kreatives Material ein, wie Urinetown (2001), Avenue Q (2003), Das Licht auf der Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2007), Neben Normal (2009), American Idiot (2010) und The Book of Mormon (2011). Hamilton (2015) verwandelte "unterdramatisierte amerikanische Geschichte" in einen ungewöhnlichen Hip-Hop-Hit. Im Jahr 2011 argumentierte Sondheim, dass Rap von allen Formen der "zeitgenössischen Popmusik" "dem traditionellen Musiktheater am nächsten" und "ein Weg in die Zukunft" sei.

Die meisten bedeutenden Produktionen des 21. Jahrhunderts haben jedoch einen sicheren Weg eingeschlagen, mit Wiederbelebung bekannter Gerichte wie Fiddler on the Roof , A Chorus Line , Südpazifik , Zigeuner , Haare , West Side Story und Grease oder mit Anpassungen von anderes bewährtes Material wie Literatur ( The Scarlet Pimpernel , Wicked und Fun Home ) in der Hoffnung, dass die Shows dadurch ein eingebautes Publikum haben würden. Dieser Trend hält besonders bei Filmadaptionen an, darunter ( Die Produzenten , Spamalot , Haarspray , Legal Blonde , Die Farbe Lila , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Kellnerin und Groundhog Day ). Einige Kritiker haben argumentiert, dass die Wiederverwendung von Filmhandlungen, insbesondere von Disney (wie Mary Poppins und The Little Mermaid ), das Broadway- und West End-Musical eher einer Touristenattraktion als einem kreativen Outlet gleichsetzt.

Die Besetzung von Hamilton trifft Präsident Obama im Jahr 2015

Heute ist es weniger wahrscheinlich, dass ein einziger Produzent wie David Merrick oder Cameron Mackintosh eine Produktion unterstützt. Unternehmenssponsoren dominieren den Broadway, und häufig werden Allianzen geschlossen, um Musicals zu inszenieren, für die eine Investition von 10 Millionen US-Dollar oder mehr erforderlich ist. Im Jahr 2002 wurden in den Credits für Thoroughly Modern Millie zehn Produzenten aufgeführt, darunter Unternehmen, die sich aus mehreren Personen zusammensetzten. Off-Broadway- und regionale Theater produzieren in der Regel kleinere und daher kostengünstigere Musicals, und die Entwicklung neuer Musicals fand zunehmend außerhalb von New York und London oder an kleineren Orten statt. Zum Beispiel wurden Spring Awakening , Fun Home und Hamilton Off-Broadway entwickelt, bevor sie am Broadway eingeführt wurden.

Mehrere Musicals kehrten zu dem in den 1980er Jahren so erfolgreichen Spektakelformat zurück und erinnerten an Extravaganzen , die zeitweise in der gesamten Theatergeschichte präsentiert wurden, seit die alten Römer Scheinseeschlachten veranstalteten. Beispiele sind die musikalischen Adaptionen von Lord of the Rings (2007), Vom Winde verweht (2008) und Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). An diesen Musicals waren Songwriter mit wenig Theatererfahrung beteiligt, und die teuren Produktionen verloren im Allgemeinen Geld. Umgekehrt wurden unter anderem The Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , Xanadu und Fun Home in kleineren Produktionen präsentiert, die größtenteils nicht durch eine Pause unterbrochen wurden, mit kurzen Laufzeiten und finanziellem Erfolg. Im Jahr 2013 berichtete das Time Magazine, dass ein Off-Broadway-Trend ein "immersives" Theater war, und zitierte Shows wie Natasha, Pierre & The Great Comet von 1812 (2012) und Here Lies Love (2013), in denen die Inszenierung um und stattfindet innerhalb des Publikums. Die Shows stellten einen gemeinsamen Rekord auf, der jeweils 11 Nominierungen für die Lucille Lortel Awards erhielt und zeitgenössische Partituren enthält.

2013 war Cyndi Lauper die "erste Komponistin, die ohne männliche Mitarbeiterin die [Tony for] Best Score gewann", weil sie die Musik und die Texte für Kinky Boots geschrieben hat . Im Jahr 2015 zum ersten Mal, ein rein weibliches Autorenteam , Lisa Kron und Jeanine Tesori , gewann den Tony Award für Best Original Score (und beste Buch für Kron) für Fun Haus , obwohl die Arbeiten von männlichen Songwritern weiterhin mehr produziert werden häufig.

Jukebox-Musicals

Ein weiterer Trend bestand darin, eine minimale Handlung zu erstellen, die zu einer Sammlung von Songs passt, die bereits Hits waren. Nach dem früheren Erfolg von Buddy - The Buddy Holly Story gehörten dazu Movin 'Out (2002, basierend auf den Melodien von Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ) und Rock of Ages (2009 mit klassischem Rock of) die 1980er Jahre) und viele andere. Dieser Stil wird oft als " Jukebox-Musical " bezeichnet. Ähnliche, aber handlungsorientiertere Musicals wurden um den Kanon einer bestimmten Popgruppe herum gebaut, einschließlich Mamma Mia! (1999, basierend auf den Liedern von ABBA ), Our House (2002, basierend auf den Liedern von Madness ) und We Will Rock You (2002, basierend auf den Liedern von Queen ).

Film- und TV-Musicals
Weitere Informationen: Musikfilm

Live-Action-Filmmusicals waren in den 1980er und frühen 1990er Jahren fast tot, mit Ausnahme von Victor / Victoria , Little Shop of Horrors und dem 1996er Film von Evita . Im neuen Jahrhundert begann Baz Luhrmann mit Moulin Rouge eine Wiederbelebung des Filmmusicals ! (2001). Es folgte Chicago (2002); Phantom der Oper (2004); Miete (2005); Dreamgirls (2006); Haarspray , Enchanted und Sweeney Todd (alle 2007); Mamma Mia! (2008); Nine (2009); Les Misérables und Pitch Perfect (beide 2012), Into The Woods und The Last Five Years (2014) und La La Land (2016) unter anderem. Dr. Seuss ' Wie der Grinch Weihnachten gestohlen hat! (2000) und The Cat in the Hat (2003) verwandelten Kinderbücher in Live-Action-Filmmusicals. Nach dem immensen Erfolg von Disney und anderen Häusern mit Animationsfilm-Musicals, beginnend mit The Little Mermaid im Jahr 1989 und in den neunziger Jahren (einschließlich einiger Filme mit Erwachsenenmotiven wie South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), weniger animiert Filmmusicals wurden im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts veröffentlicht. Das Genre feierte ab 2010 ein Comeback mit Tangled (2010), Rio (2011) und Frozen (2013). In Asien produziert Indien weiterhin zahlreiche "Bollywood" -Filmmusicals, und Japan produziert "Anime" - und "Manga" -Filmmusicals.

Made for TV-Musikfilme waren in den 1990er Jahren beliebt, wie Gypsy (1993), Cinderella (1997) und Annie (1999). Einige, die im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts für TV-Musicals gemacht wurden, waren Adaptionen der Bühnenversion wie South Pacific (2001), The Music Man (2003) und Once Upon a Mattress (2005) sowie eine Fernsehversion der Bühne Musical Legal Blonde im Jahr 2007. Zusätzlich wurden mehrere Musicals auf der Bühne gedreht und im öffentlichen Fernsehen ausgestrahlt, zum Beispiel Contact im Jahr 2002 und Kiss Me, Kate und Oklahoma! Das TV-Musical High School Musical (2006) und seine verschiedenen Fortsetzungen waren besonders erfolgreich und wurden für Bühnenmusicals und andere Medien adaptiert.

2013 startete NBC mit The Sound of Music Live! Eine Reihe von Live-Fernsehsendungen von Musicals. Obwohl die Produktion gemischte Kritiken erhielt, war es ein Bewertungserfolg. Weitere Sendungen haben Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), eine britische Sendung, The Sound of Music Live ( ITV 2015) Fett: Live ( Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), Eine Weihnachtsgeschichte Live! (Fox, 2017) und Rent: Live (Fox 2019).

Einige Fernsehsendungen haben Episoden als Musical eingestellt. Beispiele sind Episoden von Ally McBeal , Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" und "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical ") und Buffy the Vampire Slayer (" Noch einmal mit Gefühl") "), Das ist so Rabe , Daria , Dexter's Laboratory , Die Powerpuff Girls , Der Blitz , Es war einmal , Oz , Scrubs (eine Episode wurde von den Machern der Avenue Q geschrieben ), Batman: The Brave and the Bold ( " Mayhem ") of the Music Meister " ) und That '70s Show (die 100. Folge" That' 70s Musical "). Andere haben Szenen aufgenommen, in denen Charaktere während einer Episode plötzlich im Musiktheaterstil zu singen und zu tanzen beginnen, wie in mehreren Episoden von Die Simpsons , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bobs Burger und Family Guy . Die Fernsehserien Cop Rock verwendeten das Musikformat ausgiebig, ebenso wie die Serien Flight of the Conchords , Glee , Smash und Crazy Ex-Girlfriend .

Es gibt auch Musicals für das Internet gemacht, darunter Dr. Horrible Sing-Along Blog , um einen niedrigen Miete Super-Bösewicht gespielt von Neil Patrick Harris . Es wurde während des Streiks des WGA-Schriftstellers geschrieben . Seit 2006 werden Reality-TV-Shows genutzt, um musikalische Wiederbelebungen zu vermarkten, indem ein Talentwettbewerb veranstaltet wird, um (normalerweise weibliche) Leads zu besetzen. Beispiele hierfür sind: Wie lösen Sie ein Problem wie Maria? , Fett: Du bist derjenige, den ich will! , Any Dream Will Do , Legally Blonde: The Musical - Die Suche nach dem Elle Woods , würde ich alles tun , und über den Regenbogen .

Internationale Musicals

Japans rein weibliche Takarazuka Revue in einer Aufführung von "Parisette" von 1930

Die USA und Großbritannien waren vom 19. bis zum 20. Jahrhundert die aktivsten Quellen für Buchmusicals (obwohl Europa in dieser Zeit und noch früher verschiedene Formen der populären leichten Oper und Operette produzierte, zum Beispiel die spanische Zarzuela ). Die leichte Musikbühne in anderen Ländern ist jedoch in den letzten Jahrzehnten aktiver geworden.

Musicals aus anderen englischsprachigen Ländern (insbesondere Australien und Kanada) machen sich vor Ort oft gut und erreichen gelegentlich sogar den Broadway oder das West End (z. B. The Boy from Oz und The Drowsy Chaperone ). Südafrika hat eine aktive Musiktheaterszene mit Revuen wie African Footprint und Umoja sowie Buchmusicals wie Kat and the Kings und Sarafina! international touren. Vor Ort wurden Musicals wie Vere , Love und Green Onions , Over the Rainbow: die brandneue, extra schwule ... Extravaganz und Bangbroek Mountain und In Briefs - ein seltsames kleines Musical - erfolgreich produziert.

Zu den erfolgreichen Musicals aus Kontinentaleuropa zählen Shows (unter anderem) aus Deutschland ( Elixier und Ludwig II ), Österreich ( Tanz der Vampir , Elisabeth , Mozart! Und Rebecca ), der Tschechischen Republik ( Dracula ), Frankreich ( Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Roméo et Juliette und Mozart, l'opéra rock ) und Spanien ( Hoy no me puedo levantar und The Musical Sancho Panza ).

In Japan ist kürzlich eine indigene Form des Musiktheaters entstanden, sowohl animierte als auch Live-Action, die hauptsächlich auf Anime und Manga basiert , wie Kikis Lieferservice und Tenimyu . In den beliebten Sailor Moon- Metaserien gab es 29 Sailor Moon-Musicals , die sich über 13 Jahre erstreckten. Ab 1914 wurde eine Reihe populärer Revuen von der rein weiblichen Takarazuka-Revue aufgeführt , in der derzeit fünf Truppen auftreten. In anderen asiatischen Ländern ist das indische Bollywood- Musical, hauptsächlich in Form von Filmen, äußerst erfolgreich.

Beginnend mit einer Tournee 2002 durch Les Misérables wurden verschiedene westliche Musicals auf das chinesische Festland importiert und in englischer Sprache aufgeführt. Versuche, westliche Produktionen in China zu lokalisieren, begannen 2008, als Fame in Mandarin mit einer vollständigen chinesischen Besetzung an der Central Academy of Drama in Peking produziert wurde. Seitdem wurden andere westliche Produktionen in China in Mandarin mit einer chinesischen Besetzung aufgeführt. Die erste chinesische Produktion im Stil des westlichen Musiktheaters war 2005 The Gold Sand . Darüber hinaus produzierte Li Dun, ein bekannter chinesischer Produzent, 2007 Butterflies , basierend auf einer klassischen chinesischen Liebestragödie, sowie Love U Teresa in 2011.

Amateur- und Schulproduktionen

Teenager der Neapel-Spieler Gründlich moderner Millie , 2009

Musicals werden oft von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Aufführungsräumen präsentiert. Obwohl es Amateurtheater seit Jahrhunderten gibt, schrieben François Cellier und Cunningham Bridgeman 1914 sogar in der Neuen Welt, dass Amateurschauspieler vor dem späten 19. Jahrhundert von Fachleuten mit Verachtung behandelt wurden. Nach der Gründung von Amateurfirmen von Gilbert und Sullivan , die für die Aufführung der Savoyer Opern zugelassen waren , erkannten die Fachleute, dass die Amateurgesellschaften "die Kultur der Musik und des Dramas unterstützen". Sie werden nun als nützliche Ausbildungsschulen für die legitime Bühne und aus den Reihen der Freiwilligen akzeptiert haben viele heutige Favoriten hervorgebracht. " Die National Operatic and Dramatic Association wurde 1899 in Großbritannien gegründet. Sie berichtete 1914, dass in diesem Jahr fast 200 Amateur-Dramatik-Gesellschaften in Großbritannien Werke von Gilbert und Sullivan produzierten. In ähnlicher Weise wurden im frühen 20. Jahrhundert in den USA mehr als 100 Gemeinschaftstheater gegründet. Diese Zahl ist in den USA auf geschätzte 18.000 angewachsen. Die Educational Theatre Association in den USA hat fast 5.000 Mitgliedsschulen.

Relevanz

Der König der Löwen am Broadway

Die Broadway League gab bekannt, dass in der Saison 2007/08 12,27 Millionen Tickets für Broadway-Shows für einen Brutto-Verkaufsbetrag von fast einer Milliarde Dollar gekauft wurden. Die Liga berichtete weiter, dass in der Saison 2006/07 ungefähr 65% der Broadway-Tickets von Touristen gekauft wurden und dass ausländische Touristen 16% der Teilnehmer waren. Die Society of London Theatre berichtete, dass 2007 ein Besucherrekord in London aufgestellt wurde. Die Gesamtzahl der Besucher in den großen kommerziellen und mit Zuschüssen unterstützten Theatern in Central London betrug 13,6 Millionen, und die gesamten Ticketeinnahmen betrugen 469,7 Millionen Pfund Sterling. Auch die internationale Musikszene war in den letzten Jahren besonders aktiv. Stephen Sondheim kommentierte im Jahr 2000:

Sie haben zwei Arten von Shows am Broadway - Revivals und immer wieder die gleichen Musicals, alle Spektakel. Sie erhalten Ihre Tickets für den König der Löwen ein Jahr im Voraus, und im Wesentlichen eine Familie ... geben Sie ihren Kindern die Idee weiter, dass das Theater so ist - ein spektakuläres Musical, das Sie einmal im Jahr sehen, eine Bühnenversion eines Films. Es hat überhaupt nichts mit Theater zu tun. Es hat damit zu tun, zu sehen, was vertraut ist. ... Ich glaube nicht, dass das Theater per se sterben wird, aber es wird nie so sein, wie es war ... Es ist eine Touristenattraktion. "

Der Theaterhistoriker John Kenrick bemerkte jedoch den Erfolg des Originalmaterials in den letzten Jahrzehnten und die kreativen Neuvorstellungen von Film, Theaterstücken und Literatur :

Ist das Musical tot? ... Absolut nicht! Ändern? Immer! Das Musical hat sich seit Offenbachs erstem Umschreiben in den 1850er Jahren verändert. Und Veränderung ist das deutlichste Zeichen dafür, dass das Musical immer noch ein lebendiges, wachsendes Genre ist. Werden wir jemals in das sogenannte "goldene Zeitalter" zurückkehren, in dem Musicals im Zentrum der Populärkultur stehen? Wahrscheinlich nicht. Der öffentliche Geschmack hat grundlegende Veränderungen erfahren, und die kommerziellen Künste können nur fließen, wenn das zahlende Publikum dies zulässt.

Siehe auch

Notizen und Referenzen

Zitierte Bücher

Weiterführende Literatur

Externe Links

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Musiktheater